向心-城市共生计划

策展人/郑妍

从陌生到熟悉，再从熟悉到陌生，从整体到局部，再从局部到整体，人与城市之间若有若无的距离感，让城市变得愈发包容，慢慢形成一套各自独 特又交融的生态系统。在这个系统中，我们拥有个体认知和集体记忆，同时也拥有着各自独立和共享的空间，独立的个体在时空穿插中形成了错综复杂的社会关系。 城市，是人类社会发展演变的产物。从三五部族村落傍水而居到当下广厦林立灯红酒绿，城市的发展经历了不断的迭代与更新，超大规模的城市人口突破何止千万。城市空间及其功能在各个层面和维度上的变化，既有连续性，又充满未知。现代的城市中不仅有满足居住和办公功能的住宅与写字楼，更有大大小小、作用不尽相同的公共空间，作为构建城市的组件。在机场、高速公路、主题乐园、电竞场等公共场所，空间被赋予了多重属性。这些如阴阳密契般穿梭交织的空间，让城市生活变得立体多元、光怪陆离。 城市共生，我们在这个展览里关注的是人类生存与环境变化的共生，文化与城市气质的共生，科技与城市发展的共生，又或是新技术与新媒体语境下空间转化的共生。共生的基础在于城市提供的巨大物理空间以及在此空间内构建的人类社会，而无论物理空间还是人类社会，又在彼此的冲突、纠结和依存中不断生长，努力使之成为这无边无际且庞大系统中的独 特存在。这种存在正如艺术家通过作品所表达的种种思考和发问，对于共生而言，具有不可替代的价值和意义。 人类用双手创造了城市，而人类行为的造城则需要人与自然共生共振。人和所居住的城市对环境、空气和水等自然因素的需求，仍令我们无法独善其身，始终要与自然合为一体，相生相宜，生生不息。而随着人类社会的发展，对自然资源的过度利用导致了我们的生存环境不断恶化，这已经是全人类所面临的严峻问题。权衡资源的有效性和提高城市的适应性，满足未来城市的需要，已经成为值得我们慎思的必然。城市中或跨城市间，人与人之间的关系分别依靠习惯、风俗、道德乃至法律来约束和调整。文化和习惯上的差异，使人类行为和社会身份需要被更多的关注，不同身份造成的角色矛盾和内心冲突左右着人们做出不同的选择，上演着各种和与不和逻辑却又真实发生的故事。而这种身份的认同感，精神与肌体的联系，文化地缘的冲突，需要通过思考我们共同的生存境遇来弥合与补充。伴随着全球意识的兴起，国与国之间、城市与城市之间、人与人之间不论是在政治、经济还是环境上都有着密不可分的相互依存关系。加之在这个网络信息大爆炸的时代背景下，互联网和大数据的覆盖在带给我们便捷的同时，也使得本土文化受到冲击，城市走向趋同。新科技缩短了人与人之间的距离，这些超载的信息似乎让我们获得了很多，但你会发现在你得到的同时或许失去的更多。对于高科技产品的过度依赖，无疑是一个危险的信号，人们彼此间的物理感知系统和互动方式被阻隔在屏幕的背后。人类在高科技的裹挟之下，当面对铺天盖地的网络监控系统，网络安全性和个人隐私问题同时摆在了我们面前，成了一把双刃剑。城市的未来离不开与日俱进的科技发展，但如何通过这些手段来发展城市独 特的文化，提高物质和精神生活的质量，重建科技与生活的关系，已经成为专家们热议和研究的课题。对于城市秩序、城市历史及城市多学科的研究，需要我们探寻和开辟更多的认知管道，我们所面对的社会现实，可以以艺术的方式来打破思想的壁垒。艺术家们对生活和周遭的发生，以及我们所处的时代境遇似乎特别敏感，他们对当下问题的追问和视觉表达，引发观者进一步思考人类所面临的共通问题。正如隋建国老师为这次展览提出的方向“向心”——用艺术的语言介入，讨论城市发展的问题，他是具有启示性并且直指事物本质和核心的。人类的思维判断是多边和多维度的，社会现实和未来发展的多重可能性也是需要我们从多角度进行观察、分析和调整，不忘初心。这个“城市共生”的话题，于我们并不陌生，今时今日我们所处的时代，世界格局正发生巨大的变化。经济秩序的不稳定，消费主义的滋生蔓延，紧张的地缘冲突，被挑战的既有价值观……，种种社会现实已不止于个体经验和集体认知所及的边界和范畴。向心，好比植物的根茎，最终都会沿着向心的方向生长，向远而生，向心而栖。人类社会应求大同，存小异，“向心”是在发现价值，提出观点和重建关系的同时，尊重差异的存在，让彼此间有更多的包容、尊重和友善，携手向着共生出发，实现城市的美好图景。冥冥之中，或许我们会在时空某个折叠交错的地方不期而遇，城市的未来需要我们用向心之力智慧地去创造。

 

以下按照观展顺序对展览作品进行介绍

谭勋

《彩虹计划-安·美术馆》 2018年 彩钢板、铆钉 850 × 550 × 430cm

 

1974年，谭勋出生于中国保定。

2017年底，在中国北方环保治理的过程中，谭勋创造性地以工作室拆下的彩钢板为材料，创作出第一件“彩钢石”作品，并取了一个极富浪漫色彩的名字——《彩虹》。此后，谭勋又将其延伸为“彩虹计划”系列创作，数十块“彩钢石”就这样以当代艺术的名义，穿行于中国各大城市之中。

此次展出的这件作品是该系列的延伸。《彩虹计划-安·美术馆》的命名源自作品首展于2018年11月8日在上海开幕的“未知的数——谭勋个展”，它也是至今为止，艺术家“彩钢石”形态作品中体量最为庞大的一件。当代艺术的转化方式与介入性的意义，使该作品既成为时代变迁中城市化快速发展的物证，同时也是为广大底层建设者打造出的精神纪念碑。

隋建国

《盲人肖像》 2008-2012年

青铜铸造 505 x500 x200cm

《引力场-升华的兰绿》 2018年

聚胺酯 146 x 120 x 235cm

1956年，隋建国生于中国青岛。

《盲人肖像》和《引力场》这两件作品，有一个共同的来源，就是我从06年开始做的《时间的形状》。因为做了《时间的形状》，才让我注意到，这个世界上有很多东西是视觉所达不到的，比方说时间，我们的视觉是看不见的。

《时间的形状》这个作品的完成，就是为了让时间变成一个可以看到的形状，但它主要是引起了我的思考。那如果我们把视觉放下，用其他的办法来完成艺术作品有没有可能呢？所以《盲人肖像》其实就是我蒙着眼睛捏的泥，然后再用特别严格的古典放大技术把它惟妙惟肖地放大，大尺度的泥团就特别感动人。而《引力场》就是在做完《时间的形状》，在每天蘸漆的过程当中，因为地球引力，漆就自然往下流淌，在作品表面上产生了各种变化。所以我想把地球的吸引力，这个力量体现出来，让别人看到吸引力的存在，于是就有了这个《引力场》。 《引力场》的做法就是我用一种发泡剂——聚氨酯，把它举到一 定的高度，这个发泡剂一边发泡膨胀，一边从高往下流。作品既体现了地球吸引力的存在，又因为发泡所以造成了特别多的偶然起伏和变化，作品呈现的形式语言也变得丰富，所以我做了一系列《引力场》的作品。

理查德·迪肯 Richard Deacon

《新字母 DEF》 2018年 不锈钢，颜料 286 x 200 x 47cm（左）

《未知的定制》 2018年 不锈钢 243.5 x 135 x 203cm （右）

1949年，理查德·迪肯出生于威尔士班格尔。

“新字母”系列是一组由四件作品组成的系列作品，每件作品又由我曾经绘制的三个不同的形状彼此覆盖而成。这些画作被转化为折叠在一起的不锈钢管，管内表面则被涂上了浓郁的单色。在覆盖的过程中，迪肯对这些以前就存在的画作进行了修改，使它们显得更为清晰。原画共26幅（因此号称“字母表”），我对轮廓进行了很大的改动，把每一幅都做成了一件墙上浮雕。我曾受委托创作过一件尺寸更大的作品《雨或光》，它被加工成两层，但仍然依附在墙上。

当迪肯着手制作“新字母表”的时候，希望这些作品是独立式的、双面的，因此用了三层折叠的轮廓来实现这一点（尽管它们仍需要一个底座)。正是因为有这三层厚度，所以在现实中，从侧面看时，会看到很有意思的轮廓。从前到后，一层给另一层纹理钢上色，这三层中最前面的一层相当清晰。然而，只有从侧面看时，人们才能看清被困在中间的那层。

在作品完成之后，迪肯发现中间的这层实在是太有趣了。从许多方面来看，中间的形状受外部形状的影响产生变化，感觉就像是主体。不管它是多么的初级，从这个点开始，字母变成了词汇。

2018年，迪肯在中国创作了一组作品，其中有三件，分别为《精致的定制》、《另一种定制》和《未知的定制》。《未知的定制》是其中规模最庞大的一件。这一系列是我过去三年创作的巅峰，迪肯通过轧制或切割不锈钢材料来创造出各种有关联的形象。每件作品的表面均包含由复杂的花边研磨图案所形成的网纹。当你在这些作品四周走动的时候，图案会随着光线不断变化。由于制作这些花纹涉及个人手势，所以每件作品的表面都存在相当大的差异。

标题中的“定制”一词有多种含义，从涵盖汽车改造（定制）的亚文化，或更广泛意义上来说，是个人对一般消费品的适应性，到文化和制度的社会性，再到跨境货物的进出口关税（海关）。标题的第一部分与特定作品的个性特征有关。《未知的定制》是本系列中最 大也是最 后一件作品，它是“未知的”，因为当你绕着它转时，很难理解其形状的复杂性，所以难以想象。另外，对于作为艺术家的我来说，我并不知道在某件事结束后，我下一步要做什么。

尹秀珍

“礼器”系列 2015-2016年 瓷、旧衣服

1963年，尹秀珍出生于中国北京。

这个“礼器”的形式来自尹秀珍2009年创作的作品《温度》。尹秀珍觉得瓦砾是今天这个时代的纪念物或者一个时代的印痕，它是由不同价值观和不同信仰导致的冲突对于以往空间的摧毁和遗弃。在这个过程中，人们虽然被迫迁徙或者被离开，但是他们的灵魂还都存在在这个世界上。像被毁灭的杂草，虽然是不断地被毁灭，但还是会不断地再生长。生命的顽强让我尊敬，我要为这不灭的灵魂创造居所。就像承载着拆迁和战争摧毁力量的瓦砾，它把这样的一种能量汇聚在自身当中，把它派生出来一个可以承载人之灵魂的“器”，瓷使它具有很强的崇高感。

尹秀珍创作这些陶瓷作品时，并不关注以往的工艺或者是技巧，她感兴趣的是重新在实验中获取陶瓷自身的力量。比如烧制之中能量释放所产生的裂痕，将这些裂痕发展成孔和裂缝，既有视觉上的疏密，又有自然形成的天做之笔，这些孔和缝隙成为灵魂的容纳之所。“礼器”，它是供祭拜摆放，是精神的物件，从里边滋生出来的人们穿过的衣服的碎片，带有人的经历记忆如同生长的萌芽，像一种不断的向外散发的生命力。那是精神和灵魂的生长，遍布瓷的瓦砾之上，织物的柔软和灵动，以及撕扯的残酷痕迹与瓷的光滑温润共同赋予瓷以生物感，我是用人的经历、灵魂和带着身体温度的这种材料来做为陶瓷的彩绘，用这种方式重新定义彩绘，重新定义人跟陶瓷的关系。

刘韡

《看！书》2014年 书、木头、铁

500 x 400 x 300cm

1972年，刘韡出生于中国北京。

刘韡从2006年开始，将打印出来的资料和书籍转换为制作雕塑的媒介，再通过削砍，将纸制成大理石的模样。2008年，他运用这种方法创作了第一件作品《一块石头》一一将书雕刻成一块陨石。以此为广泛介入物质和主题关系的起点，他幽默地将知识分子在人文修辞中的两个行为——“看（阅读）书”和“看（观看）书”一一合并到一处。

作品《看！书》还对艺术作品进行了彻 底的减法，不指向任何具体的形象。这件作品由多样的几何形式组成庞大的结构，每一部分都选用了不同原料的纸张。它庄严地矗立在了观众的面前——既是一个碎片化的形体，又是一个被建构的整体。

在和艺术学者汉斯·乌尔里希·奥布里斯特的一次对话中，刘韡提到了他对书籍密度的兴趣。若作为一种建筑材料，书籍和石头的属性十 分相似。这些纪念碑式的几何立方和大体量的抽象建筑形体，是刘韡对于整个社会的反思。

展望

《假山石167#》2006-2017年

不锈钢 300× 95 × 64 cm（左）

《应形3》2012年 青铜着漆

金色 300×110×50cm（右）

1962年，展望出生于中国北京。

中国人在造园中用真山石来堆积山景，民间称这些“真山”为“假山”，我把这个现象作为一个思考的对象。一般来讲纯自然才是真，而与此对应的人工世界为假，但当人工的“假”成为真实的时候，这意味着什么呢？因此我用不锈钢拷贝了真实的石头，并抛光成镜面，此时真实的“假”比真实本身更有魅力。不锈钢是当代社会对合金技术的又一项发明，它可以使金属做到“永不生锈”，这种不符合自然规律的人类美好愿望正好满足了现代国人的追求，而放置自然山石则体现了人回归自然的本性。这个融合了古今哲理的逻辑矛盾如今融化在被抛成镜面光亮的美妙的反射中，可谓既人工又自然、既传统又现代。

“应形”系列从2004年开始创作小稿到2014年第一次公开展示历经十年。作品源自于艺术家发现自己的身体在不锈钢假山石镜像中的变形反射。经过拍摄图片和电脑细节处理后，艺术家使用传统的手工塑造方式将二维的图象雕塑成三维立体的泥像，然后再将这人石一体的泥像雕刻成大理石材料，犹如轮回到不锈钢“假山石”之前的石头母体。南朝画家谢赫在绘画六法中把“应物象形”列为第三法，指对反映对象（静态世界）的形似，如果我们把字词反过来看成“应形象物”，则指涉了当没有静态对象而只有动态幻象的时候，将这个动态的不确定还原为静止物态的意义。而此物也非仅仅是自然之物，它来自于对自然镜面的形变观察而不是真实的现实世界。它既有超现实的异形特征，也是东方式的自然观与西方雕塑史中各种形式风格的混合体。总之，变幻不定的反射除了反映出个体与环境的互为扭曲的幻觉之外，其形式的内涵或许在当今社会更能刺激人们对现实世界无 限可能的想像。

宋冬

《同床异梦2》2017-2018年 361 × 259 × 125 cm

钢铁、旧门窗、镜子、彩色镜片、彩色镀膜玻璃、

玻璃、灯具、单人木床、日常生活物品、陶瓷、书籍等

1966年，宋冬出生于中国北京。“同床异梦”系列是由旧门窗与旧家具和旧的日常生活物件构成的。这个“旧”是“使用过”和“时间”的代名词。窗和门是连接内外的构件，也是开放空间必 备的元素。床，是我们人生停留三分之一的场所，故为重要。人类有很多豪言壮语夸大自身的控制力，但即使是再大的内在或外在的控制力也无法控制每个人的“梦”。我们可以在同一张床上，但是我们不可能有同样的梦。《同床异梦》里，有着不同时代的不同人的生活，这些曾在不同时空出现的物件共处于同一张我曾经睡过的床上，是我对时代变化的一种表达和认识。

 

《玻璃老大哥》2015年 450 × 320 cm

水晶、钢架、LED灯、各种日常用品的瓶子

《玻璃老大哥》由“废弃空的塑料瓶”和水晶制作的树形吊灯组成。树形灯是人类把自己熟悉的森林环境置于人造的环境中，是自己与自然联系的精神挪用，同时给人以光明、温暖和安全感。而悬挂的巨型树形灯常被用于教堂和圣殿，是精神呈现的载体之一。之后发展成为炫耀的饰品以及带有极 强空间控制欲和精神控制欲的物件。

我使用“废弃的塑料瓶子”使她成为“监视头”。这些瓶子曾经把生活的必需品带到千家万户，这里有酱、油、醋、饮品，也有洗涤用品、交通工具用油和药品等等。本来这些空瓶已成为了垃圾，在回收站等待着粉碎、熔化和再造。我把她们提前“再造”成包围水晶吊灯的装饰物件，它像一堆无用的“监视头”悬挂在那儿，朴素与奢华并存，放着光，炫耀着，但她空无一物，成为了一个“装饰摆件”。通常“监视头”是看大家的，这里的“监视头”是被看的，是“无用之用”的。

沈远

《无墙》 2017年 装置 700 x 500 x 200cm

水泥乒乓球桌、儿童凳子、树枝、蝉壳

1959年，沈远出生于中国福建。

“墙”给儿童提供了一个最基础的生长条件，他们在一个有四壁的、受保护的家中安静成长，在一个有四壁的校园里接受教育。而许多贫困地区或战火纷飞的国家，孩子们仍未能得到“墙”的保护。

这件装置作品沈远用了三张水泥乒乓球桌，以隐喻户外（虽说乒乓本是一种室内的运动），在这些桌台上放有一些儿童的凳椅和儿童的作业本，干树枝插在每张凳子上，脆弱的蝉蜕紧抓或依附在干枝上，我们在此观看中犹如聆听蝉鸣，其声也如童音.....

林一林

《从她脚下出发》 2014年 3频录像 有声 42分

《从她脚下出发-04》2014年

20 张照片 每张 60×90cm

1964年，林一林出生于中国广州。

在作品《从她的脚下出发》中，艺术家分别从正义之泉、步行区、比尔艺术中心三个不同的景点向着比尔市市政厅的方向滚动。这件对身体极 具挑战性和危险性的作品中，林一林用一种几乎是剥夺其使用者真实权利的方式利用公共空间：在地上打滚。事实上，这样做的同时，林一林首先暗示了现代城邦及其市民与希腊城邦可以谈得上共有的禁忌：如果你不是站在那儿，那它就不属于你。

赵赵

《塔克拉玛干计划》2015-2016年 电缆、冰箱、电视

 

1982年，赵赵出生于中国新疆。2015年10月，赵赵在新疆开始实施《塔克拉玛干计划》，全程耗时23天。他和30余人的工作团队，从北京出发，带着100公里长的四芯电缆和一台冰箱，行驶近4000公里，抵达塔克拉玛干沙漠北端的小镇仑台。赵赵和镇上的一家维吾尔农户协商，通过付费的方式，接通电源。接下来，他沿着沙漠公路的边缘，穿过一片胡杨林，朝着且末方向往南走，用改装后的“探路者号”沙漠车，10台变压器，在沙漠中铺设100公里的电缆，直至抵达塔克拉玛干沙漠的中心地带。电缆尽头，一台装满新疆啤酒的双开门冰箱接通电源，在空旷无人的沙漠腹地运行24小时。7天后，这些电缆、变压器、冰箱一同运回北京，电缆严格的按照冰箱的高度1.86米切割打捆。

 

 

 

李青

《海》（右）2016-2018年 录像装置 尺寸可变

《霓虹新闻·一亿粒米》 2018年 98.5 x 106.5 x 11 cm

木、有机玻璃、油彩、三星液晶显示屏 （左）

《十八棵松树》 “窗”系列作品 2016年 99 x 99 x 7 cm

木、拼贴、丙烯、油彩、有机玻璃、木炭、织锦 （右）

 

1981年，李青出生于中国湖州。

《海》这件录像作品拼接了各种各样人物面向大海、朝大海而去的镜头，这些镜头来自全世界不同类型的电影，面朝大海的“桥段”在影像中一遍遍呈现。在这里，海、面向海和走向海的人成为一套层叠的符号，呈现了世事纷繁复杂之下人类内在精神的相似，同时揭示了影像媒介的可感性和多义性。

“窗”系列作品结合了从拆迁地搜集而来的老旧木窗框，基于对中国大型城市快速中产阶级化的研究，直接在玻璃的背面作画，将两种现实中不可能同时出现的场景结合在一起以表达经济和身份的迥异，强调真正的事实与矛盾。最近的作品内容多关于城市更新过程中空间、风景和人的关系：资本、财富流动，空间、产权的重新划分，被废弃和去除的、被新建的、被保留并重新赋予价值的建筑等更新着城市的景观。作品呈现出城市更新被不同阶级之间的财富、权力所引导的方式，以及此过程在各式各样的广告和交易中的再现方式。作品也回应并继续探讨了约翰·伯格阐述的财产和艺术、广告和艺术之间的密切关联。

李青将他收集的废弃旧窗户置于描绘了无关联的时空的绘画表面上，隐喻了在一个没有真实地点的场所中，时间永恒与无 限的层层积聚。这些荒废的窗户透露着日常生活的熟悉和亲切，然而与其对应窗外的空间却广大、未知而非凡。在这些作品中，“现在”不再能够被设想为过去和未来之间的隔阂或者联结，而是永 远出于变化的混沌之中，在这一状态下我们强加于自身的局限性被缓和，自我的存在得以显露出其真实的状态。此时，才有自省、沉思以及顿悟的空间。

王郁洋

《关系》2018年 装置

 

电机、LED、微型电脑、电线 尺寸可变1979年，王郁洋出生于中国哈尔滨。在作品《关系》中，一组排列有序的灯管平铺在展厅中央。当展览开始时，灯管内的程序启动并同时驱动灯管两头的电机运转。每个灯管根据不同的命令在展厅中向前或向后滚动也伴随着旋转。原有的秩序被每个随机的命令所打破，并产生了新的秩序和关系。每个灯管如同有生命般的在寻找与它者之间的或平衡或对抗或和谐的关系。链接灯管的电线在这里即供给灯管以发光，又同时参与到灯管的运动和新关系的建立之中。

徐坦

《当我妈在树林中，谁对她说话》

2015-2019年 7频影像装置 尺寸可变 1957年，徐坦出生于中国武汉。《当我妈在树林中，谁对她说话》项目的主要目的在于研究来自东亚地区的一些人，他们对于人和植物世界，人和自然关系的看法。受访者，以及调研地点，分别在广东，京都，新加坡，旧金山。主要呈现对四位人士的访问:2015 年对肇庆四会县一个村落的一个家庭的访问，受访对象叫翁先生，谈及这个家庭的母亲如何在某一天早上失踪在村后边的山里，近百人找了一天不见踪影，第二天她却重现了，翁先生描述这一天的故事，充分的体现了人和环境，和灵的关系。 2015年春在京都植物园，对植物园荣誉园长的采访，他谈到日本园林文化如何与宗教关系密切，日本园林和欧洲园林的差异，作为科学家，他如何崇拜生命，相信神的能量。他谈到他亲历的和植物发生感应的经历，谈到科学与灵的关系，也谈到未来人类如何面对环境的破坏，以及相信科学对于未来环境保护仍具有重要意义。 2016年夏，在新加坡采访了一位女性教师以及社会运动人士，她谈到她和植物界沟通经历， 如何理解植物的“心态”，她还从事巷子里的耕种 , 她对于当今资本主义社会的自然资源的浪费表示了很强烈的批判，她邻里好几家中餐馆，都是提供“有机”蔬菜服务的，但是每天将大量新鲜蔬菜的“边角料”扔到街头的垃圾箱里，她十 分心痛，她经常会从垃圾箱里回收这些新鲜蔬菜，用来自己吃。2015 年春季某天，她食物中毒而中风，半身不遂，因为邻居不仅扔掉大量蔬菜，同时还在巷子里施放鼠药和杀虫剂。 2016年春至秋，在旧金山做了调研项目，采访了不同的人，其中一位华裔是建筑师， 社会 / 社区规划人，并且参与了社会运动，成为领导者。他谈到他是如何因为纪念他父亲去世而种植菜园子，通过种植行为，感受到了生命的循环，能量的转换，血脉的生生不息，感受了老一代华人虽然离开了这个世界，能量依然存在着，由于这些感受，导致他走上了社区维权运动。 基于对东亚一些地区的人们进行的采访，采访的议题是对于人和所谓自然界的关系的看法和叙述，(其中有一案例是发生在旧金山的华人社会)；在采访之后又进行了研究，在此基础上，将调查和研究的过程以录像方式进行呈现。 通过这些采访和研究过程的呈现，艺术家意图体现在东亚的社会语境里，传统的文明和当代文化如何混合成为一种信念，并且这种混合意识对人和自然世界的关系描述，显现出一种特殊性和相似性。

向心——城市共生计划

安·美术馆开幕展

 

艺术家 / 按姓氏字母排序

理查德·迪肯、李青、林一林、刘韡、沈远、宋冬、隋建国、谭勋、王郁洋、徐坦、尹秀珍、展望、赵赵

 

展览时间 / 2019年10月29日—2020年3月15日

展览地点 / 安·美术馆

网 址 / www.anartmuseum.com

 

发起人 / 朱旭东 隋建国

名誉馆长 / 杨建华

 

学术主持 / 张子康

策 展 人 / 郑妍

策展助理 / 沈逸人 郭新宇

策展执行 / 吴雨侬 吕海岩 张哲 高博 姚宝强

 

主办单位 / 新光大中心

承办单位 / 安·美术馆

协办单位 / 北京艺城东方文化运营管理有限公司

支持单位 / 中央美院美术馆 北京卓妍文化

 

展览统筹 / 沈海清 金波

媒体推广 / 高萌 龚会

公共教育 / 张轶华

行政统筹 / 许爱秋

 

视觉设计 / 意鸣堂

空间设计 / 北京目回文化创意有限公司

视频团队 / 高贺胜 蔺建旭 安永震 李旭