- Lv4好看，美爆，安利，如果来不及去看现场，那也可以找出官摄来看一看，真的精彩。汤老湿在路上👾Lv42019-05-12
舞美
不像法扎一样浮华绚烂，但是我却觉得美于法扎。
整部格局从头到尾设计都非常简单，没有大布置，大部分道具都融入了演绎本身，由角色自行带入场中，但又不突兀，反而能更灵活运用为角色表演的一部分。道具和服装从头到尾都有一种俄罗斯的浪漫主义美感，质朴，抽象，苍白，唯美，配上神仙构图，竟然将普希金原诗中那种抽象却令人心碎的感觉完美还原了。less is more，意境上取胜了。
很多幕都可以单独拿出来夸。
比如最经典那幕少女们穿着雪白的裙子坐上秋千，缓缓在舞台上升起，风吹动她们雪白的裙摆，白雪飘飘，感觉她们神圣得仿佛歌唱爱情的天使，但她们每个人脸上那种悲哀的神情，又仿佛哭诉着爱情悲剧的幽灵。配合着舞台最后面神奇的镜子幕布，倒影与现实，有种浮生若梦的感觉。
再比如我个人非常喜欢的连司机连斯基死去的那一幕。
我非常喜欢这版连斯基，不只演员极其帅，而且实在是太可爱太鲜活了[说到底只是个被爱情冲昏头脑的傻白甜青年啊，到底做错了什么要被渣男射并不]
而当炽热的灵魂凋落，他背对着我们半裸着坐在大雪中死去，他的腰微微的弯着，曲线柔软宛如沉寂的希腊雕塑。枪鸣，死寂，随着音乐的爆开，雪落下来了，覆盖了他的头发，落满了他的身体。他是那么纯白，那么孤独。而舞台的中间，中年连斯基沉默的看着另一个死去的自己，而右侧，是崩溃的爱人奥尔加[构图绝了]。
不只是我，现场观众全场最喜欢的除了塔季扬娜，就是这对傻白甜情侣了，所以谢幕的时候他们的呼声最大。连斯基刚到村子就将代表着他的爱情的手风琴交给了这个可爱的跳脱的姑娘，他们唱着“银白色的月光下”，在每一个场景里亲密地挨在一起。他的心就好像那架开开合合的手风琴，永远鼓动着生命的节拍。直到他去世，年轻的爱人被迫带上头纱，被挽起手臂，被夺下唯一留下的手风琴，被一步一步拖走。
悲哀，但是好美。果然人类的美学都是建立在别人痛苦的压榨上。
还有很多场景的小细节部分也可圈可点。
比如塔季扬娜的信被撕碎后，老年奥涅金小心地用玻璃框将它复原，那忧郁又温柔的神情，暴露了他对少女深藏心底的眷恋，而轻骑兵和老年连斯基也凑过了看碎掉的信的时候，那一瞬间的寂静，三个老大叔的手足无措，很可爱。
再比如，连斯基跟奥涅金对决的时候，枪原本在老年奥涅金手中，在说完诸多未来的懊悔之后，年轻的奥涅金一把抢过枪，对准连斯基毫不犹豫地开枪，了解故事结局的老年奥涅金的沉痛与深陷故事当局者迷的年轻奥涅金的冷酷形成对比，始终不愿将枪口对准奥涅金的连斯基与从始至终用枪指着连斯基的奥涅金也形成对比，最后再由奥涅金说出失魂落魄和“悲伤使旅行和自由都失去颜色”。
再比如，连斯基跟奥涅金对决前，连斯基遭受背叛痛苦无比，又不敢相信，在奥涅金台词的部分，自己一个人默默去墙角塔季扬娜的信前抵着头站着，可爱爆了。
还有塔季扬娜偷吃果酱之前，先轻轻吹掉了盖子上的雪，这样小的一个细节，也十分可爱。
当然，除了上面这些，我最喜欢的场景，无出其右，必定还要是塔季扬娜那幕“床戏”。
初见奥涅金之后，芳心暗许又懵懂悸动的塔季扬娜彻夜难眠，她在床上疯狂地翻滚喊叫，身体折成痛苦的直角，带着巨大的惶恐和愤怒地砸枕头，下一秒却又狂喜地跑跳，恨不得呼号奔告。爱情的力量使她力大无穷，她拖着床到处奔跑，抱着奶妈求她讲年轻的爱情，却又一句也听不进去，原因只是一句来自少女灵魂最深处的呼喊——“我恋爱了！”
这一幕真的经典，明明是幸福的，是饱含快乐的糖果，甚至带着点滑稽的小可爱，但是不只是我，在场很多人看到这幕都落泪了。那一瞬间，所有人都被这样一个理想化的人格感动了，为纯粹的爱情潸然泪下。那一瞬间我也彻底明白了为什么很多人说塔季扬娜是全俄罗斯最可爱的理想，是俄罗斯式乃至全人类美好爱情最纯真的写真。一个少女的人性独白，一个少女的文化侧写。
当然也不是没有缺点。
缺点就是奥涅金作为主角的魅力有点不够。
作为文学界三大渣男[奥涅金、于连、贾宝玉]的代表，奥涅金是残酷而复杂的，但是在剧中，这点突出的不够，原因就是塔季扬娜的篇幅跟奥涅金的篇幅简直不可同日而语，第二幕开头非常冗长一段跟奥涅金没有半毛钱关系，所以如果这部戏改成《塔季扬娜》我觉得更贴切，奥涅金早已沦为配角了。
但是也不好说，毕竟奥涅金本来就是“多余人”。多余人真的好多，我印象比较深刻的、也是比较称职在做“多余人”的几个角色，一个是托尔斯泰的皮埃尔，一个是人间失格的边缘人，再就是奥涅金了。其实我觉得这三个，边缘得各有千秋，人间失格的“我”因为第一人称，着重于研究边缘人的内心，重视“人”自我的感觉和内心的探索，跟皮埃尔和奥涅金不太一样，姑且不放在一起讨论。
皮埃尔与奥涅金，作为多余人形象出现在文学作品中，有着相同的角色意义，那就是推动剧情发展以及反映社会深层问题。但是相对来说，我觉得皮埃尔非常不边缘，全程存在感极强，动不动出来跟安德烈讨论下哲学思想，而社会前进显然是有思想上的推进作用的[而且还抢了我可爱的娜塔莎岂可修]。相比之下，奥涅金可是非常多余了，啥也没干，而且确实挺可鄙的，非常符合可恨又可怜的多余人形象，如果照这个理论来说，普希金一开始的动机也许就是讴歌塔季扬娜的爱情，并没有我们后世解读那么多的阶级意义。我们受到的教育太过于喜欢把一切都局限在时代和意识形态的框架里进行解读，感情还要分主义，逮着一切“过去”的东西就说是“封建”“老派”，然后大加批判一拨，挺没劲的。
音乐
全剧音乐主要就是一首主题曲，但是却能吹整场，因为这首曲子就是柴可夫斯基的 “古老的法兰西民谣"。神仙作品，美得像仙境，就不多吹了。
但是值得一提的是我原本以为会用柴可夫斯基的奥涅金歌剧，但是反而没有，可是老柴的作品真的是硬啊，也是俄罗斯文化的写照了，不论怎么用都很贴合角色和情景。
另外还有一首奥尔加唱了非常很多遍的“叮铃铃”的歌。演员们演技唱功都没得说。
这里想单独把法扎拎出来做个比较。这么说不是为了踩一捧一，只是我在看的时候总是会想起法扎。法扎的优点非常多，舞台，服装，音乐，和男演员的颜值演技，都是登峰造极的，但是看完之后我感觉眼花缭乱，却没有澎湃的感觉，反而是简单朴素到近乎苍白的塔季扬娜让我泪如雨下，我不禁去思索个中原因。
我想第一就是因为普希金的故事构架是完美的，并且是有层次的，被编剧导演一改编，感觉赋活了。
其次，普希金的台词漏洞太少，两者的剧本不是一个层次上的，普希金的台词太他妈简练了，又太他妈深刻了，这种菊苣就是个bug，后来者难望其项背，所以经典还是有经典的原因的。
既然如此，下面就聊聊剧本。
剧本
衡量影视作品的标准从来不应该是单一的镜头表达和社会含义，而是剧作内容本身。
所以先从剧本谈起。
《叶甫盖尼·奥涅金》，作为普希金的经典作品，可以说是俄罗斯超级大IP，柴可夫斯基为它写了一部伟大的格局，又由芭蕾大师约翰·克兰科将其改编为芭蕾舞剧，可以说剧中的塔季扬娜已经升华成整个俄罗斯的可爱的理想，而奥涅金式的爱情悲剧也成为了全人类爱情悲剧的写照。
所以这样的珠玉在前，导演选择了“忠于原著，忠于原著中角色的自然反应，且忠于原著所处的时代印记”。也是，你有多大本事，敢动普希金菊苣的原作。
整部格局台词全部出自普希金的原文，一个字没改。因为原作是诗体小说，不同于剧本或传统小说，它的台词相对意象化，也相对更简练，因此也就给了导演和编剧更多的设置上的创作空间。
所以重点表扬导演在角色的设置上的改编，除了原本的角色设置外，导演在第一幕就让老年奥涅金跟青年奥涅金直接对话，我们都知道。奥涅金的角色设定一直是冰冷无情、沉默寡言和高傲乖张的，这样的设定在诗歌里面没有问题，但是变成剧就会缺乏张力，所以鬼才导演就选择了将奥涅金一分为二，青年奥涅金负责演，老年奥涅金负责说，“说”的人又更无限接近于“想”，这样就避免了角色崩盘[求罗素好好学一学]，又完美表现了奥涅金格格不入于世俗的角色特点。
而另一点睛之笔就是连司机连斯基——这个年轻殒命的可怜孩子，也是以青年老年这样分裂的形式来表达的，年轻的连斯基自不必说[炒鸡帅]，老年的连斯基是作为奥涅金的幻想出现的，是奥涅金对过去的懊悔和自我摧残后的空虚的文学写照。这个设定简直可以让人高呼一声bravo。
为什么呢？
因为就这么一个小小的改动，就打通了原本在普希金长诗了看似完全不相关的两个角色——连斯基&奥涅金这对双生花。
其实很多人原本看完叶甫盖尼·奥涅金这部作品，始终都无法理解奥涅金与连斯基之间复杂的感情。起初二人互相耳闻互相轻蔑，到一见如故成为知交，这么看奥涅金就只是个死傲娇，而连斯基作为奥涅金唯一的朋友——“我们把其他人看作零，只把自己看作一”[全场都了然地笑了哈哈]，代表了所有可爱美好热情柔软的东西。而且连斯基爱的是奥尔加，而奥涅金爱的是自己，两者本身没有冲突，何来奥涅金对奥尔加的调戏？那么何来反目这出戏？看上去这一切都是毫无逻辑的，其实这恰恰是普希金想要表达的——连斯基与奥涅金本就是一体，“诗歌和散文，冰雪和火焰，彼此的差别也不如他们明显。”奥涅金代表的是自己性格中软弱、冷酷、理性而黑暗的一面，而连斯基代表的就是“哥廷根的魂灵，康德的信徒，热爱自由、天性热烈、充满诗情”的奥涅金的另一面。
这样就解释得通了。
全戏从奥涅金的视角看过去，其实就是一场自我人格的搏斗和谋杀，天真烂漫的一面被生活摧折，变得千疮百孔自我否定的过程。这也就解释了为何奥涅金在面对塔季扬娜纯真的告白时为何如此的悲观，因为他自身就是否定，否定自我，也否定世间所有可堪称之为美好的事物。而作为自己性格中美好的部分的连斯基，自然也被当做不必要的东西，甚至是耻辱的东西[奥涅金不允许自己沉溺在爱情当中，而连斯基却狂热的陷在轻薄女奥尔加的臂弯当中，这是奥涅金痛恨的一点]。
这种double式的人格解读是普希金原作里非常隐晦的部分，但却也并不是没有提示，最明显的一处，莫过于奥涅金在杀掉连斯基时那段对白，里面充满着懊悔和悲伤，这也是奥涅金离开这个小镇的直接导火索。倘若二人之间只是勾引所引发的背叛，那断断不会有失去后的不舍和绝望的情绪，更不会如此强烈。
编剧跟导演极好地抓住了这一点，进行了巧妙地再创造，让奥涅金这个角色看上去更立体，也更富有人情味。而这种double的应用在整部歌剧中都能看到，比如一开始的那一堆邻家少女，其实都是塔季扬娜内心复杂情绪的写照，而结尾女舞蹈老师的死亡象征了塔季扬娜爱情的死亡等等。
其他剧情就不详解了，对于这部戏的评论和夸赞，就像普希金的诗歌一样，是千言万语都无法说完的。这也许就是传奇作品与普通作品之间的区别，经典的寿命是无限绵长的，即使作者的声音已经苍老，但它自身的语言却是永远年青的，是万万年的。
其实说到底只是一个爱情故事，但是从另外一个角度说，说到底人类的题材就那么少，故事都是一样的，区分高下的是作者本身的伟大，是那些台词，是那些隽永智慧的语言。而在爱情的解读上，或者爱情诗上，我墙都不扶就扶普希金。这样简单的一个故事，因为普希金的语言，而变得如此充盈，这是普希金的胜利，也是文学的胜利。
“生活过、思索过，难免对人类产生蔑视。”
说实话，作为普希金脑残粉，第一句台词出来的时候我就已经跪了。
更何况亚历山大·我就是要决斗·谢尔盖耶维奇·情书圣手·普希金大大还在这本书里贡献了教科书般的情书写作教程。
写到这里，突然发现可以用我最喜欢的一篇普希金的诗结尾，虽然它并非出自奥涅金，却意外地贴合：
“我爱过你；爱情，或许还没有
在我的心底完全熄灭
但我已不愿再让它打扰你，
不愿再引起你丝毫悲切。
我曾默默地、无望地爱过你，
折磨我的，
时而是嫉妒，时而是羞怯。
我是那么真诚，那么温柔地爱过你，
愿上帝赐你别的人，也似我这般坚贞似铁。”
p.s 看了官摄的人也建议一定要去现场看一下，那种磅礴的悲剧美，以及满分的构图和表演，都是在现场才能体会到的。但不建议坐得太靠前，因为它的构图要坐得稍稍远一点才能看到。
p.s 这个故事很像汤姆和简奥斯汀有木有。
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认证终于等到你。广州玩乐资讯认证2023-05-13
[海棠依旧，却再无人面桃花。]
有一艘船，你只要踏上，就可以去宝岛台湾。你去不去。
有一艘船，你只要踏上，就可以去宝岛台湾，可是这一去，和故乡、亲人的挥别是40年、50年、70年、一辈子。你去不去。
这艘一别数十年的[时空航船]，在1949年真的出现了。
船上的人挥手告别，欢欣雀舞。他们坚信，不过是离去几天。
船下的人嘘寒问暖，嘱咐万千。他们不信，这一等竟是40年。
小龙女和杨过一别16年，仅在书中，就足以让你涕零。可是这一笔几十年的别离，在世界的战争移民史上，是这样触目惊心的存在着。
他们真真实实的活在台湾879个眷村里。他们日日夜夜想念的，可能就是你已然厌倦和嫌弃的[家乡]。
船上的人，在台湾过第一个年。喜气洋洋，意气风发。他们说，这是在台湾过的第一个也是最后一个年。
他们等待反攻大陆，可历史已经告诉我们，他们再也回不去了。
无数次，在离别的码头驻足，却看不见旧时人新模样。霜白了头，船下人还在忧愁。
无数次，在油灯寒窗下缝衣，却刺破了手结出颗红豆。人面桃花，船上人只得孤酒。
无数次，在风天听秋燕呢哝，却任凭褶皱爬上了额头。红色砖墙，记不清的老排楼。
它立春，它立秋，你们怎么还不回家。
先天下，后天下，都比不上你能回家。
[我在想念，一段有血有肉的故事。]
大学最后一年，全班30个同学分成两组进行话剧大戏的汇报演出。
老师要求我们自己找到喜欢的剧本，在课堂上读出最喜欢的台词，让大家说说对每个剧本的看法。
一个同学上台。读了一段孟京辉《恋爱的犀牛》。
[啊。一切白的东西和你相比都成了黑墨水而自惭形秽。一切无知的鸟兽因为不能说出你的名字而绝望万分 。]
老师说，你明白这台词的意思吗。
同学说，鸟兽作为一种低等生物因为不能说话而绝望。
老师说，你歇会吧，你自己都不懂台词的意思，只为了深沉而装深沉，何来共鸣。
一个同学上台。读了一段査明哲《青春禁忌游戏》 。
[啊。在生活中找到支撑点，找到自己的位置很重要。考不上大学不重要，重要的是在每个领域成为真正的人。]
同学抢先说，老师我知道这台词的意思。
老师说，这句话戳动了你的心弦？
同学说，我一大老爷们戳动不戳动心弦不要紧，关键我觉得这是句心灵好鸡汤。
老师说，你歇会吧，观众花两三个小时看你们演戏，不是来听你读连自己都打动不了的鸡汤。世界这么乱，装纯给谁看啊。
又一个同学上台。直接来了句《雷雨》。
[啊。就让天上的雷劈死我吧。]
老师说，你歇会吧，这雷劈了几十年了，都快劈成盘古开天地了。
全班哄堂大笑。
最后上台的同学，是和我一样来自山东的小白，平日里话不多言。他显然很紧张。拿着台词的手都有点哆嗦。
老师说，你读吧，怕什么。
小白清了清嗓子，看着老师开始念词，[这是我作为父亲写给你的。]
全班静了一会儿，目光齐齐的看向老师有些尴尬的脸。终于还是没憋住，哈哈大笑了起来。
老师拍了拍手说，笑什么，让他读完。
[这是我作为父亲写给你的。愿你此生不知道什么叫战争，愿你一生平安。1956年11月26日于宝岛一村。]小白读完这一句，静静的站在台上。
他读的是赖声川《宝岛一村》。
小白说，老师，它是一个故事，但它是一个有血有肉的故事。
我们一个遮一个的偷偷拿出手机百度《宝岛一村》，可这一查，班里突然就鸦雀无声了。
你看，在这个光怪陆离琳琅满目的世界，你最渴望的还是一些纯朴真实却能在一瞬间打动你内心的声音。
[愿你思念未央，愿你不是局里人。]
我常常再想。
我所想念的精神撼动是什么。
对你我来说，可能根本对政治没什么兴趣。我们日复一日埋头于千篇一律的工作，上班挤公交，开车堵在东西快速路上，午餐吃食堂要排队，下了班只想一头倒在床上。
对你我来说，看见青岛大剧院《人鬼情未了》、《天鹅湖》、《大河之舞》、密密麻麻的精彩演出，可能对《宝岛一村》这个名字一眼扫过，它比起它们就像在纽约大街上一个穿着碎花裙扎着麻花辫还有两坨腮红的小姑娘，在天鹅湖中的丑小鸭、在整齐的踢踏舞群中突然冒出一个卖包子的村中小哥，太朴实无华、太平易近人。
对你我来说，可能想象不到有一部舞台作品，不像电影一样有镜头切换，不像文字一样可以写一句[几十年后]就变得万象更新、风云突变。几十个演员，就在你的眼皮底下，用3个小时还原了70年的有血有肉。
对你我来说，可能每张电影票平均30块，一个月能看4场，看完之后走出门来吐槽几句越来越智商漏洞的剧情，越来越粗制乱造的镜头，越来越基情四射的噱头也不觉得太亏。
你看，我们都是局里人。
我们有这么多的理由，不愿意仅仅比看电影多花100到200块去看这一部有血有肉的舞台剧。
那个历史，那个故事，那些人，真的与我们一点关系都没有吗。
你还记得孩提时代，离开母亲一会就会大哭的自己吗。
你还记得幼年时，姥姥、姥爷总愿意和你讲他们在战争年代是如何排除万难把你父母拉扯大的吗。
你还记得外乡游学的你，在异乡看见[青岛啤酒]广告就骄傲兴奋到想拉住身边的人炫耀的心情吗。
你还记得你朋友圈中那些外国留学的同学，在发了一段时间白云蓝天后，会在有时差的凌晨两点发一句[想家]吗。
你还记得你年少时说过的情话吗，我希望我们永远在一起。
你还记得你高中时写在日记的话吗，希望除了赚钱过更有意义的生活。
你还记得，小时候别人问你的愿望，你说的那句，我希望一家人永远开心的生活在一起吗。
这些痛楚，《宝岛一村》的三个小时里，格外突兀。这些你可能不曾察觉的小事，对《宝岛一村》里的人来说确是可望而不可及的疤痛。
但是他们让你心痛的，却是哀而不怨的乐观精神。
你坐在那里，看着他们，可能不知怎么，笑着笑着就流泪了。
比起死别，更痛生离。因为活着的每一分，无能为力的感觉就越重一分。
你觉得历史是什么。它不是你触摸不到的轰轰烈烈，它就是从你祖辈口中传下来的日日夜夜。
你觉得乡愁是什么。它不是你觉得矫情的为赋新词强说愁，它就是你在外地发烧无人身边照料时的一句[想家]。
你觉得回忆是什么。它不是你非要爱过多少人，它就是你腿上的一块疤，胳膊的一块胎记。
忙碌。麻木。生存。迷惘。很多直觉棱角被生活磨平，但我很庆幸，至少看到这个文章的你，和我一样，不愿意被生活流推着走，我们还可以用力让很多直觉复苏。
我还不愿意，每日机械一样的生活，我还愿意去感受和认知爱与悲悯。
我还不愿意，吝啬于一两百块钱放弃追求更好的感官选择，我还愿意用三个小时去沉淀自己，好好看一场悲欢离合。
好的作品是什么。可能就是让你愿意去看，愿意为它哭笑鼓掌。
成功的作品是什么。是能够让你在哭笑鼓掌后，真真切切的思考什么。
《宝岛一村》，真的是后者。
对于历史来说，几万人几十万人的背井离乡，只是一个冰冷数字。
可对于有血有肉的你我，我相信在你看完《宝岛一村》之后，你会了解我的这场事不关己的刻骨铭心。
我多么想替剧中人说一句，终于等到你。回复赞
Lv5整体来说，经过三轮剧本调整，节奏已经紧凑很多，但并没能完全摆脱突兀的强行递进感，虽然逻辑算能自恰，可情绪表达大过故事情节，会导致人物行为缺乏说服力。一枫情书Lv52023-06-09
其实歌本身还蛮好听的，歌词译制还算可以，但换人如换歌就很心累。
埋梗很多，和观众互动太多（随场次越来越多），感觉第四堵墙完全不存在，真的很影响剧情流畅性，产生逆向观感，而且我对导演热衷于玩荤段子的爱好万分不解且反感。
522 周方
这场开始麦有问题，好几句没收到音。全程咬字都有点含糊，不知道和收音有没有关系，听感不太好。被狗追和飙车两段戏乱得不行，偏静的戏会好很多，比较满意的是吵架的段落，节奏和调度都还挺好的，算是高光时刻了。其实跳舞还是蛮可的，但可能是身高差影响就很不齐，看着挺难受的。
方刘宝有点过于活泼，某些时候实在太不像病人，后半场病情加重的状态和前半场的跳脱对比起来会有脱节，（后面场次在这方面的处理有好转），但唱歌的时候还是显得很中气十足（有的歌要弱唱啊）。这场的哭戏太过了，十分不可，我中途一度因为哭腔笑场；涉及情绪的演有点陷入模式化，很容易浮于表面，而没有和人物贴合，没有办法突出个性，最好趁着还没养成习惯赶紧改…唱方面问题不大，基本hold住，个别单句有小瑕疵，但不影响。
周晓宇我不知该从何说起，我觉得其实他台词还可以的，演比唱好，他一步迈上台的背影真的很飒，然而唱真的很不可，尤其是刚开场和后面真假音转换那里垮到我怀疑自己的耳朵，二重why合唱部分声音几乎完全被盖住了，但他的音色其实我还挺喜欢的，继续加油吧，下半年巡回上海我再去看看。
这场的观众reaction真的是我看的四场里最好的了，很想表扬这天的观众，挺克制的，没有莫名奇妙加戏，鼓掌的节奏也没问题，更不会哄堂大笑到打乱节奏。
525午场 双张
这场除了张晓宇吃螺丝有点多，整体很和谐很舒服很流畅，尤其是双重，两个人唱演方面都很好（但白压黑定律依旧存在），至少是没有短板不会拖后腿，相互配合很默契，能感受到对对方的信任。反正我不会夸人，只会挑毛病，只能说要是我只看了双张卡，这个剧我是愿意给8分的。
张刘宝毕竟是原卡演员，舞台经验也丰富，新老搭配效果出乎意料地好，（希望文广爸爸以后都按这个模式来搭配，不要一下子来这么多新卡，真的有风险需慎重）。
另外换卡如换剧是真的。
张刘宝和方刘宝完全是两种人物处理方式。从我个人理解来看，方刘宝给人的感觉就是天生乐观，他在剧里展现出来的性格和面对死亡的态度实际上是他一直以来对待生活的一种常态；然后张刘宝的感觉是在死亡面前，他经过一段挣扎和思考，反复说服自己，用充满希望的态度去面对。张晓宇好像有点不够叛逆少年，或许可以再外放点；对比起来，周晓宇就是个没长大的小屁孩形象。
阿慕环节遇到很突兀的观众自己加戏，但张刘宝反应很快，这里处理得特别好。
526午场 周方
双号区域的观感没有单号区域的好，在架子上的部分会有遮挡，但影响不大，（也不妨碍我依然喜欢上剧院的座位）。
另外，就算不论破音问题，这场失误也有点太多了，漏词错词走位还有道具意外都出现了，有一段严重到影响剧情了，搞得我一度想直接离场，干脆回去手抄剧本一百遍吧。（不针对谁，两个人都有问题）
要是论破音的话，就说来话长了。周晓宇扯着肉嗓硬往上顶的时候，我在想何必呢。但相比于首场，这场唱得还是好一点，而且被狗追和飙车戏份的配合度有上升，虽然双重还是一如既往不太可，why依旧很惨烈……
方刘宝首场过于活泼的问题这场有改进，状态延续性要好些，没有突兀感了。看522场时我觉得后半场刘宝的段落要弱唱一丢丢会更契合人物，然而今天发现弱一丢丢之后伴奏就明显盖过去了，不知道这个锅该给谁。有一幕下场的时候周晓宇撞倒了吉他，方刘宝很自然地过去把吉他抱起来放回原处，这里做得还挺好的。
526晚场 周方
如果不是为了末场彩蛋，我也不至于再硬撑一场，但彩蛋值了，周刘宝也很可爱。
和午场比起来，失误问题控制得好多了，有些走位也调整了。但最严重的唱的问题并不是短时间可以解决的，一到二重就仿佛两个人在唱两首歌，让人十分惆怅。
不知道是末场放飞还是怎么回事，对手戏更基了，方刘宝的撒娇状态有点over，新加的小台词也很over，令我不适，想哭着和导演还有文广爸爸说真的没必要，不要搞这一套好吗，我们正经点（其实522的度比较合适，至少我首场看觉得正常好朋友很ok）。
还有非常不适的是，25和26的观众都太爱加戏了，不但隔空接话还老是打断演员节奏，喊些无聊又尴尬的言论，给点正常人的reaction很难吗……我被莫名其妙的鼓掌和哄堂大笑以及尴尬喊话气到内心狂翻白眼。
别的也没什么可说了，钱也花了时间也花了，我再开口也还是挑问题，就到此为止吧。后面要是有交叉卡的话，大概还是会集卡。
最后补充一条吧，音响和麦还可以多调整一下，每场几乎都有台词收音不好和伴奏压声的情况，希望可以改进。
补，20190813杭州方周卡。
或许是杭州大剧院的混响真的很好，两个人都比上海好多了。小方整个角色流畅了不少，生病部分还是有点过，但情感强弱处理我觉得蛮好的，正常的转化节奏舒服多了，唱歌部分最后的mybucketlist有个音小劈了下（没想到他会有这种失误），别的没问题，以前偶尔会带出来他的习惯唱腔，今天也控制得不错，我特别喜欢今天的灯塔守护人。周哥还是感觉得到有下功夫练歌的，mybucketlist和whywhywhy两首好多了，但晓宇的歌还是emmm，听得我替他紧张，演戏部分本来是他高光，（我喜欢看周哥翻台子），今天告别戏我是真差点哭了，两个人的吵架part一直是我喜欢的部分，他俩戏里的张力还是蛮合的，很神奇。（杭州观众虽然没有莫名其妙搭话，但怎么都爱站起来了，就很烦…）
补，20191124南宁方周卡。
清单这个剧目的特质本身就更适合小剧场，这就导致在过大的舞台上，感染力会被削弱。广西文化艺术中心好像是巡演最大的一个剧场，整场看下来觉得舞台特别空，演员需要更多的走位来完成剧情；杭州大剧院虽然也比上剧场大不少，但整体还不错，再加上歌剧厅的混响不错，可以说是我清单观剧过程中觉得最好的一场。
我上一场清单是杭州场，8月中旬，到现在3个月，刘宝整个角色的处理方式是有改进，没有刻意去做外在的病重的状态了，而是倾向于以内在的情绪推动来体现，虽然在几个节点上还是靠颤抖喘息和声音来着重强调（不过我个人觉得这几个地方还可以调整，现在看还是不够真），但整个人物更有立体感更饱和了。台词上增加了气声和轻重读音的运用，有些台词用了渐强的语气做了多次重复，我觉得特别好。互动结束后回到台上唱灯塔守护人时，从之前的重重摔倒在地改为现在的慢慢走上去，给观众和演员都留出了回复情绪的时间，衔接后面剧情更顺畅。夜店互动环节和艾嘉慕讲“你没有”的时候，从偏活泼跳脱的语调调整成了平缓低沉一些的语气，让前后的剧情衔接顺畅了很多，没有之前那种从互动到剧情的突兀感。和艾嘉慕表白后的段落，以前是飞快地跑掉然后摔倒，今天是慢慢走回沙发坐下，两种我说不出哪种更好，但各有各的好品的地方，今天这种我个人更喜欢，情绪不会那么冲撞。刘宝自己推着轮椅迎着光下台的时候，他背对着晓宇挥了挥手，今天这里才注意到晓宇也有在挥手，可是刘宝他…没看到啊（之前看我记得刘宝有回过头，今天没有回头）。唱PROJECT那段的时候，中间有两句词（请相信我请相信这个伟大的PROJECT那里）有换唱腔强调，特别有说服感！
周继琛的杨晓宇在唱上有努力，杭州场好几个唱段发挥不错，但晓宇的歌对他来说还是难度较大，相比之下南宁场在唱的表现上不如杭州。江边喝咖啡以后刘宝犯病但骗了晓宇的剧情，以前演出来就是纯粹的刘宝不想让晓宇担心所以骗他，今天晓宇的状态给了我一种晓宇知道刘宝在骗他但没有戳穿的感觉，深了一层。台词部分更口语化，整体来说有加分。双重WHY没有合上，高台上的那句3why合唱岔开了，一耳朵听过去乱得我懵了，但是小方今天的假声转换做得不错。我很喜欢的小周神秘组织翻台子被吐槽你腿那么长装什么装的那段，今天没有了，sad。
另外，昆山到南宁有这么远，晓宇你这是开了多少个小时的车，真等你开到了还有刘宝啥事……制作组另外准备一段高铁录音很难吗？而且没有讲南宁客家话！亏我还特意带了个妹子准备让她听听标不标准的！神秘组织那里刘宝求救的那段录音可以重新录一段了，以前的情绪和现在的其实有点接不上了。灯塔守护人唱完以后灯亮得不是很成功，本来是全剧我最喜欢的一幕的，结果今天没看到那种漫天星光的效果，有点失望…回复赞
Lv5总觉得该写点什么，才对得起心中的感动。第一次在看话剧的时候，觉得前一秒还在为催泪的剧情揪着心，后一秒就被逗到笑翻。真应了那句剧评，“看戏的人是傻子，拍戏的人是疯子”。婲哚Lv52023-05-16
一部好剧，当然先得有好故事。这个三家两代人的故事里，一代人从年轻气盛到耄耋之年，经历了种种颠沛流离，却不得不在守望中困守海岛一隅渡过下半生；而另一代人从蹒跚学步到而立之年，在相对平稳安定的环境中成长，却注定要与前半生相伴左右的人分离，散落到这个世界的天涯海角。这故事里又浓缩了来自五湖四海的天地辽阔，于是时世的动荡不宁和波澜不惊，人心的绝望和希望，命运的坎坷曲折和殊途同归，便一一在这个台南的小村里铺陈开来。在平静甚至是欢愉的表面下，埋着那样多的错愕、伤痛、隐忍和无奈，隐约像是看到了台湾版本的《活着》。赖声川用短短三小时打造了一个时代剧，真是鬼才。
宝岛一村又不仅仅是在讲故事。很多话剧戏剧音乐剧用华丽丽的舞台效果、排山倒海气势如虹的台词和夸张的人物表情动作来释放舞台的张力。而宝岛一村无论从舞台、台词或人物来说都是平实自然的，平实自然到活脱脱像是从我们身边出走的人，平实自然到好像在拍我们身边发生的事。
比如那种叫思乡的情感总是如影随形。即使有时候你觉得能放下了，即使有时候你觉得不该想起这些，它却又突然出现教你措手不及。于是三家人第一次聚在一起吃年夜饭时，本是热热闹闹的，吃着吃着想到千里之外的家就突然冷了场。而那些海外求学的游子，第一次在异乡过中国新年的时候，下了课匆匆忙忙赶到某个华人聚会的现场，是不是也会在热闹和欢笑中突然感觉到一丝丝冷清？
比如每天每日的生活太细碎，当邻里关系成为生活中重要的一部分，便难免产生与婚姻不相上下的复杂关系。会有远亲不如近邻的相互关怀和亲密，有想刺探对方私事却又不好意思的尴尬，也会有因琐事而起一会又不见的摩擦和龃龉。当天津妈妈起劲地挥着手教只会说闽南语的邻居做包子时，当一群人趴在朱家窗边竖着耳朵听邻家声响的时候，当赵家妈妈和朱家爸爸一言不合开始你来我往地斗嘴时，总会想到奶奶家的老房子。从楼下卖肉的大婶到楼上楼下的大爷大叔小弟小妹，见了谁的面都要亲热地招呼一声，连哪家的猫上别家溜达了几天也要互通有无。
比如很多人都曾被生活击垮过。会突然觉得累了，真的累了，想找一个谁也找不到的地方躲起来，或者买一张车票去远方。选择最决绝的方式告别一切，这样的念头会在头脑里闪过，但是绝不敢久留。于是周阿姨只是买了一张站台票，在站台上站了很久很久，看着列车来了又去，站累了，然后回家。绝大多数人都不会有安娜卡列尼娜的绝望和勇气。那是小说，这是一场戏，但更是生活。
再比如两情相悦的人错失机缘是件很可惜的事，但即使后悔也好，不甘心也罢，还是要在错开的道路上渐行渐远地走下去。多年后的重聚在大多数时候，是给人一个重新记起年轻的冒失的机会，即使伤感也是淡淡的。不顾一切地弥合陌路的这些年的人，要么是极端不幸和幸运的结合体，要么只出现在韩剧。1Q84不是属于大多数人的世界。于是当大毛和阿牛在凌晨三点的月光下为那无谓的一秒争执着分开时，我们只能叹息。叹息这样无谓的事情却是每时每刻都在发生的常态，也叹息多年以后大毛和阿牛再见面时，他们一定不会是当年海誓山盟的样子。大毛会住在Vegas，阿牛会有三个孩子，但他们不再属于彼此。
这样平实自然的宝岛一村，又用一些不经意的细节将戏剧的张力发挥到极致。表现台湾白色恐怖的那幕，赵家阿伯不明所以地被宪兵抓去，放回来之后不改谈笑风生。却在将要落座的一霎哆嗦了一下。不由自主地想到《兄弟》，这么多年过去我就记得一个情节，文革的时候，是会拿烟头杵在地上让人对准坐下去的。所以就算不知道台湾是否真的有坐冰块的酷刑，一样会因为某个瞬间，感到身体和精神上的双重恐怖。还有白发苍苍的周阿姨终于见到真正的丈夫的那幕。和其他眷村居民相比，一直操着体己的台湾腔的周阿姨戏份不多，也不那么出彩。但两人颤颤巍巍地走近对方、慢慢相拥的时候，舞台的灯光开始不停变化。我想那是周阿姨的内心，对于一个众人都传说投共谍的丈夫，这么多年她是怎么过来的。开始为失去丈夫伤心，为不知如何生活下去迷茫绝望，为周遭的流言感到畏惧和愤怒；后来有了周胖，她会有将儿子养大的勇气和信念，会感激帮助她的周伯伯和张将军，也会怀疑丈夫是不是真的去投了共，会想不清楚事实到底怎样；一晃多年过去，站在面前的那人还是那人，但这中间的种种，恍然一天从清晨换做黑夜，又怎可能当作什么也没有发生，这时她心里会怎么想！这幕的最后，众人散尽，只剩周阿姨一人伫立在红色的灯光中。她这是终于平静了，还是心已死呢。
最喜欢的一幕是三家人分别回到阔别已久的家乡。北京的张家人（其实是杨家人），杨奶奶佝偻在阴影里，旁边围着七大姑八大姨们，画面恍然像是一个世纪前北平某个深宅大院的当家奶奶。然后杨奶奶一巴掌甩过去骂道，这一巴掌是你替你爸受的，完全是北平味道的霸气外露。山东的朱伯伯，原来在老家还有个结发妻。那原配妻子看起来听上去都是一副苍老模样，朱伯伯的台湾妻子本来也是干粗活的辛苦人，相比之下却要年轻好多。这些年不知道吃了多少苦的山东女人，见着自己的丈夫和台湾妻子，却只管叫自己的儿子“快叫二娘”，山东人真是淳朴好心肠。上海的周伯伯，在见到大姐的时候，那一口的吴侬软语终于像是找到了归属。他们心里的万般激动，也只会表现在紧紧攥住对方的手，轻轻地问这些年还好的不呀。只要听到对方轻轻地回一句好的呀，那种在台湾或许已经埋藏太久的，看上去生分却又无比亲密的上海味道，就全都回来了。是这些细节，让三小时的小小眷村，延展出了它背后上百个形色各异的眷村的活色生香。
最被这部剧感动的理由，在除了它的精彩和真实以外，还因为它描绘的终究是一个人性善良的美好世界，即便在经历那样多的离别、磨难和苦痛之后。眷村在异乡重生的过程，始终是温暖而美好的。
朱家在98号和99号中间的平地搭起一间屋，借着邻居的电用，一晃这么多年也就和和睦睦地住下了。总是热心快肠的老好人赵叔叔，生前似乎也不因此得到过什么好处，去世后却有那么多人来送他，他在榕树下的位置，一直都会是他的。一点一点学会说国语的朱家阿姨，即使儿子被赵阿姨瞧不起跑去了大洋彼岸，还会在对方失去伴侣、儿女在外的孤独晚年尽心尽力地加以照顾，而这一切可能仅仅源于在沟通都存在障碍时的一笼包子。
但也因为这份温暖和美好，剧终时刻免不了些许惋惜。如大观园般繁华几世，终究是红楼一梦，何况眷村一场。眷村本是特定历史环境下的特定产物，南来北往的人们在两三代之后，终究会在新的土地上生根发芽，眷村也无可避免凋零的命运。好在还有这些剧，这些眷村文学和影像，留存着眷村短短几十年带给世间的印记。如朱天心在《想我眷村的兄弟们》里写的，我们年少时总向往离开眷村，真到远离的时刻才知晓它的好。说到找男朋友，便只有一个标准，他来自眷村，眷村就好。回复赞
Lv4先说优点：服化道不错，双姝一些互动不错。PoisonedLv42023-05-16
但剧本设计角度违和之处太多，看的时候脑子里总有“不合理啊”、“人物变形啦”“人设不统一啊”“这里不对劲啊”等等声音冒出来，屡屡出戏。发现评论区不少读者也有同感，但却说不出哪里不对。把全剧人设和感情线又捋了捋，挑其中比较严重影响情感连贯性和人设统一性的地方说说。
---------批评向评论预警--------
一、顾静薇人设前后不统一问题： 明明是本科康奈尔硕士耶鲁博士密执安的资深海归，算起来有9年的海外留学经历，这一关键点却在剧中时而出现时而消失。作为一个经历过这么多年海外留学+做了多年研究员的人，静薇的一些基本判断力和表现完全不符合她的经历和年龄。让人经常想问：编剧你还记得你的静薇是个海归是个资深物理女研究员吗？
1、健雄庚款第一却还是无法去留学之后，对静薇转述了命题组吴先生说的话“派个女人出去学物理，不是浪费钱吗”；这里静薇接的是：“吴先生学界泰斗，怎么会说这样的话”。
这句话显得像是一个比健雄还无知的小白，反映的是静薇眼里：既是学界泰斗就不该说这样的话，因此惊和怒。但是她是一个比健雄大了12岁、在物理界跌爬滚打多年的人，她能对国内物理界对女人的态度感到惊讶和意外吗？理论上&按照后面的对话她不是应该已经经历过了很多次性别带来的困境吗？ 那她为此惊个什么劲？
这里如果改成，静薇苦笑：“吴先生学界泰斗，竟也是这个想法”，这样不香吗？会不会符合年龄和阅历很多。她当然知道国内物理界对女性的态度，她只是惊讶吴先生也是这样，而且也能铺垫后面两人关于物理界对女性态度的讨论。
2、 静薇在抱怨和健雄的关系的时候说自己和她像灰姑娘和她后妈，自己是辛德瑞拉。这里说了几条健雄对她的指责，“实验用的晶体有杂质不够平滑”“光谱学研究不够认真细致投入”，静薇对此是抱怨的态度。
这里观众有困惑三连：静薇曾经到底是不是个认真细致投入的人呢？她现在到底是个什么工作状态？静薇对自己的现在到底满意不满意？
先说第一个：静薇的曾经的学习工作状态是什么样。
从静薇能取得这么多成就这么多海外学位合理推断，静薇这个人当年肯定也是个认真细致努力勤奋的人。但从她的其他情绪反应来看，又看到了矛盾。
假设这个人曾经是个认真负责的人，那她面对一个后辈这些谴责的时候，有躲闪情绪是正常的，但是不可能是全部吧？
是不是还会有点对这个认真负责的人的亲切的情绪？因为这个人是自己昔日的映照，该有点惺惺相惜吧？
是不是还会有点对自己现在的反思的情绪？“我怎么变成这样了？那么专注的我去哪里了”之类的。
“惺惺相惜”能够建立cp感的情感基础，“反思”让静薇这个人物更丰满，不过这可能都是对编剧的过高要求了，这里的“抱怨和躲闪”违和到让人都质疑静薇的人设和简历的不统一了，困惑她到底昔日是个什么样的人。
再说第二个第三个：她现在到底是什么工作状态？她对自己满意吗？
假设她曾经认真负责，她现在是改变了什么呢？1）她现在有所改变只是在一个特定年龄分了一些经历在别的事情上，比如相亲，但工作内该做的事情上还是做得很好的（按照前面她自己的辩白，批改作业等任务繁重）；2）她的认真负责程度出现全面滑坡。我认为话剧里想说的是1）。
那么在1）的情况下，首先健雄指责她的场景中，“实验用的晶体有杂质不够平滑”之类不该发生吧？已经严重到了影响实验结果的程度了呢。这超出了一般的不认真不负责，感觉可能不是编剧的本意，让人怀疑静薇的职业素养了。
另外她对现在的自己是满意和理解吗？如果不满意的话，怎么没有前文说的反思情绪？如果满意的话，是不是对健雄的指责会有 “你这孩子还小，不知道我这个年纪需要考虑许多别的问题了”的情绪，怎么还这么不从容地对待健雄的抱怨呢？让观众非常困惑静薇的实际状态，感觉编剧在设计这个人物的底层的时候没有完整，不管观众做哪个方向的猜测都有违和感。
现在的版本下，我们看到的是，一个曾经勤奋努力的人，面对另一个勤奋努力的人对她的督促，只是抱怨和躲闪，没有惺惺相惜，也没有自我反思，也没有过来人的从容。 于是观众难以遏制地开始困惑了：静薇女士你的昔年和今日到底是什么样啊？
3、 健雄对静薇说了些 “我没兴趣了解你的家史”的话，也没怎么仔细问过静薇如何出国的？怎么申请的？经济问题怎么解决的？有奖学金吗？奖学金该怎么申请？等一系列问题。反而是见面掐架，费了好大劲才误会解除冰释前嫌。
这里真的太奇怪了！
静薇姐妹，你曾经抱怨读了多年书没有同类，但现在终于找到同类了，但是前半段几乎没有什么地方表现出了 “啊，这是我的同类”的心情；这不应该是第一反应吗？
健雄姐妹，你梦寐以求的出国留学有人做到了，你居然不关心人家的家史，不关心人家是怎么成长起来的，不关心人家是怎么做到的，不关心奖学金和申请的任何细节，也没有什么地方表现出了“啊，这是我的同类”的心情；这不该是第一反应吗？
这两人，茫茫人海遇到了经历相似的知己，对于对方都没有好奇的！这合理吗？不仅如此，居然不求同而是论异开始掐架！虽然可能健雄对静薇的第一印象因为相亲之类的有所带跑偏，但人家简历摆在这里，终究是做到了这些事情呀，都不问一句怎么做到的吗？
4、 静薇说健雄的导师给她看过健雄的毕业论文求把关，说到女物理学家比例，然后健雄说“我们这里没有居里夫人”。
违和感拉满，满脑子问号。
静薇女士视角：都给人看过毕业论文了，跟人导师也熟悉，前文一片“你从哪里冒出来”的样子是怎么回事。
健雄女士视角：你面前就是中国第一个物理女博士女研究员！扯什么我们没有居里夫人，难道不是“你已经前进了许多，谢谢你，我想沿着你的道路前进更多”才是正常想法吗。
二、两人感情线充满bug：感情基础没有体现，甚至多次出现细节违和、感情浓度不一致的问题，感觉两人在彼此心中的地位忽高忽低。从细节上经常感觉不到爱，但又有不少嗑生嗑死的台词和描写和引导，于是有了“按头嗑”的感觉，情绪不连贯顺滑。
1、 两人见面和前期没有体现出对彼此的欲探究竟好奇感、惺惺相惜知己感、互为映照亲切感前面已经写了，这是最大问题。
2、 丁所长的剧本提到了“房东有单身女儿，因此不愿意租给单身男房客”；健雄下意识接了一句：“那他去结个婚不就好了”。
这里一般人的反应不应该是“那换个房东没有单身女儿的房子”吗？这样“结婚”作为解决方案才有出人意料感呀。就算编剧是为了为了突出健雄随口一嘴就启发了丁所长，把这个“出人意料”的解决方案留给了健雄说，需要提到“结婚”，但健雄对结婚是如此随意的态度也是非常不合理的。
这里的健雄已经目睹了静薇n次的相亲失败，她是知道找到真爱结婚有多难的，她怎么会第一反应是“结婚不就好了？”。除非是为了租房而假结婚的权宜之计，不需要真爱，但健雄这里显然没想这么多，如何能脱口而出这句话？这里前文是静薇说到相亲健雄会竖着耳朵听，后文是静薇抱怨相亲对象；中间夹杂着健雄的这个脱口而出……这句话瞬间让人感觉，健雄对于静薇相亲屡战屡败是没有任何感知和共情的，cp感碎裂……
3、 最后一幕的静薇缺席送别、送礼送信的戏，特别违和，原因是两人的感情预期和感情浓度完全不在一个档次。
静薇划掉了一句话没写在信里但说给观众听了，大意是“因祖母病重，我需回乡照料，遗憾错过告别。不愿亲口告诉，是怕你要留下陪我，反而耽误了出国学习”。
静薇预期健雄：如果知道了她祖母病重会留下来陪她，会耽误出国，所以不告诉健雄；她对于两人之间的感情预期到了这个份上。
但是健雄这边呢，丁所长告诉了她是家里有事，请假，其实跟直接告知“祖母病重”区别不会很大，因为绝对是非常重大的事情才会导致静薇请假错过了送健雄……而健雄明知这样，却依然稍微依依不舍一下直接就走了……
不讨论说健雄这个行为对不对，而是两个人的预期如此不同，让人在这里感觉到了感情上的一边高高举起一边轻轻落下，直接一脚踏空了。既然受制于剧情推进和历史原型，不能是健雄真的不顾一切留下，那就要把静薇那句话改成“因祖母病重，我需回乡照料，遗憾错过告别。不愿亲口告诉，是怕你走时为我担忧，心有牵挂。”跟健雄带着牵挂走互为映照，这样不香吗？非要静薇端情绪拉满，强调极致的深情厚谊让静薇预期健雄会留下。
（这信里还一个小吐槽，静薇说，“我曾在密执安就读，当地对亚裔女子之看法或者令你沮丧”。天呢，这两个人都熟到了这个程度，两个好朋友之间，如果一人去自己昔日学习顾地学习，还会特意强调“我曾在密执安就读”吗？肯定是直接开始殷殷叮嘱呀！编剧不用在这里提醒观众静薇是海归，而应该在前面考虑静薇海归人设统一性的问题，这里听着只会觉得这信写得太不贴人之常情。）
一些小建议，也是九人老粉了，祝九人剧组和《春逝》越来越好！回复赞
Lv4《繁花》舞台剧请了青年编剧温方根据原著伊操刀改编。你可能不知道温方伊这个名字，但你一定听过她的另一部作品——《蒋公的面子》，或许很多人第一次接触话剧就是拜她所赐。《繁花》制作人提出由还在读博士的温方伊来改编作品时，后者自己也感到有些意外。个中原因，《蒋公的面子》大热当然是一方面，我个人感觉，温方伊这个年龄段的编剧，能更好地拿捏住剧中两个时代——少年与中年之间的情感痛点。况且，《繁花》这部女性角色戏份相当多的作品，编剧的女性身份或许也是一大加成，毕竟有那么多的男作家/编剧不懂得怎么写女人戏。如何如何又如何Lv42023-05-16
一部35万字的作品，要在短短3小时的时间呈现出来，换作是谁都会头痛，所以一定程度的改编和取舍是必要和必须的。
改编
温方伊采取了相当讨巧的方式对原著进行了取舍，六七十年代选取了沪生、小毛两条线，90年代突出的则是阿宝这条线。陶陶那条线去掉好理解，因为他是和其他三大主角（沪生、阿宝、小毛）关系最松散的，删掉了其他线的完整度都还在。而且，陶陶中年油腻男人，情节上不堪入目（涉黄啊）的太多，即使放进来也势必大改。
至于为什么少年时期删去了阿宝线，一方面是平衡各角色的戏份（中年的戏阿宝是主角），另一方面，我想无论是金宇澄还是温方伊都是有考量的，一流的作家，塑造人物不是靠多费笔墨，反倒是蜻蜓点水的呼应更使人叹服。所以，我们看到，舞台上身为律师的沪生稳重、不苟言笑的形象，是可以从少年时家庭的剧变、和姝华的感情挫折中找到答案的。同样的，“宝总”的身份和小时候资本家“克腊”（classy）的形象也是吻合的。事实上，整部剧，两个不同的年代形成的是一个稳定的三角结构（沪生—小毛—阿宝）。剧情上你中有我，我中有你，随处一处细节都在疯狂暗示这个人物的过去和将来。当然了，这样在长度上也更适合舞台上演出。
还有一个臆测就是，阿宝小时候的情节，比如资本家爷爷被抄家，爸爸地下情报人员的身份，演起来都会比较敏感。
那么喜欢阿宝的原著党们是不是只能无奈了呢，我觉得也不尽然，毕竟这次海报上写的是《繁花舞台剧·第一季》，我们大可以期待下第二季对原著的挖掘。
顺便也说说自己不太理解的改编
银凤请小毛吃绿豆汤那场戏，原著中老公海德是在场的。那一句“姐姐每一趟吃饭，就多摆一副碗筷”很明显是讲给海德听，这里变成对银凤说，倒像是小毛在撩银凤了。回来一看演员表，二楼爷叔和海德是同一人扮演的，难道是来不及换装吗才出此下策？
舞台呈现
看过原著的人，心里对舞台上的《繁花》是有一个预期的，就是整体风格是怎么样，人物的气质该怎么样。你看书的时候，文字通过眼睛转化成信息，在你脑中形成的印象，就是你对这本书的感知。我想说，这一出舞台剧，和我的感知，并没有什么违和。无论是舞美布景、道具、服装、方言，还是演员的选择，这些，不得不说，都太“繁花”了。
整个制作组在还原六七十年代生活画面方面费劲了心思，相比于90年代的戏，这个年代的表演更值得期待，对于年轻的观众来说，充满了好奇，对年长的观众来说，又有怀念的意味在。比如，那个年代国庆节时兴的是看礼花，看电影是要提前排队买票的，唱片机还是稀奇货，做饭是要生煤炉的。尤其是去沪生家过生日这场戏，上楼前先是坐电梯，拉拉链门、响铃、向上牵引、加速减速、响铃、拉铁栅门，电梯当然是不存在的，但在演员动作和声效的配合下，这一场景已经映入观众们脑中。
还是这场戏，一时间舞台上汇集了军人、知识分子、资本家、工人阶级多种身份，你能看到制作组在各人的服装上是做了严格区分的。沪生爸妈穿的是军衣军裤；小开阿宝头戴鸭舌帽，牛津纺白色上衣，英伦风十足；小毛蓝色线纹衫打底，粗布背带裤包身，符合他胡天野地的性格，弄脏了也不会心疼；姝华知性，温柔可人的短发套上白色发箍，浅蓝色长身连衣裙，毕竟是个读诗写诗的人。舞台的这种真实感，不仅使观众，也使演员自己迅速进入到角色当中，到忘我的境界。
切换场景，是每部舞台剧都要做的。以往我看过的话剧，切换无非是灯光熄灭，等新一幕的道具布置好，重新亮起灯来。《繁花》把舞台分成了前后两部分，前低后高；前面又分成左中右三块。演出时，可以做到这4块区域的彼此独立，即我这边演完了，就可以将这部分熄灯布置场景，与此同时其他亮灯的区域表演仍旧可以同步进行，丝毫不受影响。
舞台前方的区域是一个带舞台机械的大转盘。这个道具的妙处在于，除了作为常规的舞台使用，还作为时间和空间更替的象征。当其转动时，后面的屏幕也相应切换不同图片，暗示角色所处场景的变化。不仅如此，这个转盘还可以将演员动态下的状况模拟出来。比如，有一场戏小毛、沪生和姝华沿着转盘边走，渐渐小毛和其他两人拉开了差距，接着又是沪生和姝华慢慢拉开了差距。这种差距不仅仅是物理上的距离，还是姝华心理上因为对时代的失望，内心越来越孤寂的写照。
说起这个转盘，最后谢场的时候也算是一个彩蛋吧。所有演员围着转盘依次面朝外站定，正前方一束光线打下，转盘动，《新鸳鸯蝴蝶梦》谢场音乐起，后面屏幕实时显示演员名字，一一接受观众掌声，此时此刻，肾内腺素已至高点，除了感动，也感恩于主创们奉献了这么美好的表演，将《繁花》作品呈现在舞台上。
演员们谢场
苦命人小毛
《繁花》之所以受人喜爱，很大一方面在于故事的悲剧性。作者金宇澄毫不掩饰地掰碎人世间的温情，将悲情赤裸裸地展现给读者。剧中原本几段颇为温馨/暧昧的关系，都无一例外走到了尽头——这就是人生。
几段关系中，最让人心痛的，莫过于小毛与阿宝、沪生的绝交。打个不恰当的比方，这三人绝交，就好比《天龙八部》中的段誉与乔峰、虚竹绝交了，你能想象得到对读者的冲击有多大。
小毛的与沪生和阿宝绝交，有必然性。
小毛，工人阶级出身；沪生，空军干部子弟；阿宝，大资本家小开。与他们的身份相对应，小毛住的是工厂企业密集的普陀区小弄堂，沪生和阿宝的家则在富人和权贵们钟爱的静安区和卢湾区高级公寓。
三个人的家
小毛在和沪生、阿宝的结识的过程中，整体来说是被动的。在国泰电影院排队买票，刚好可以帮沪生多买两张，这才有了认识的机会。按照小毛的活动轨迹，是比较难打入沪生的社交圈的，这种友谊的开始，大抵可以诉诸“偶然”两字。常把“人们不禁要问”大字报话语挂在嘴边的沪生，除了认同小毛的为人，可能也会觉得，和工人阶级出身的小毛交往，是一件“政治正确”的事。
我不否认三人之间存在友谊，但是沪生和阿宝有没有在心底里认同过小毛呢？很难说。从刚开始见面小毛“结义金兰”的建议被无视，到沪生嘲讽中国武术为“骗术”，甚至于在背后调侃小毛在春香家过夜。小毛好像从来没有和他们两人对等相处过。于是呢，我们也就不难理解，为什么有了体己事，小毛选择和樊师傅、拳头师父商量，而不和沪生、阿宝说。
说到底，小毛的天花板，可能只是沪生、阿宝的地板而已。毕竟，阿宝有个吃定息的资本家爷爷，思南路奥斯汀汽车随便坐，平常的兴趣爱好是集邮；沪生家住配备电梯的英商公寓，爱好航模，对世界各大舰艇如数家珍，而小毛脱口而出的只是苏州河的铁驳船。这种差异，在天性使然的年幼尚可，但随着年岁的增长，他们以后每一次“碰撞”，小毛都不禁要怀疑起自己的人生，或者如书中描述的只能“不响”。最终，他会发现，他们是玩不到一块的。
所以，拗断事件，沪生俩人调侃是导火索，但或许，也是小毛对自己在这段关系中身份的一种宣泄。小毛注定是要和他们渐行渐远的，只不过离开的时候，因为这件事以偏激的方式表现了出来。
之前我一直在想，改编舞台剧的意义是什么？毕竟原著那么精彩，超越原著的可能性极低。看完这部剧，我有点想明白了，改编舞台剧，是想以另一种富有美感的形式，将作品的精彩之处呈现在舞台上，让观者以更直观的方式，了解并喜欢上这部作品。以上的这些，我想，这部《繁花》舞台剧是做到了。回复赞
Lv4看《宝岛一村》之前，怀抱着很大的期待。因为王伟忠，因为冯翊纲、屈中恒、宋少卿，因为我喜欢的“大时代下小人物的悲欢”题材，当然，最重要的，因为赖声川。我是被第一版的《暗恋桃花源》带进舞台剧的世界的。这一次对我来说，背景、演员、题材，再加上导演，万事俱备，只欠观众在台下感动而已。阿里里Lv42023-05-11
近三个小时的演出结束后，在献给演员们的经久的掌声中，我坐在保利剧院二楼的座位上，看着楼下舞台上脸庞不那么清晰的王伟忠和赖声川，默默许诺自己，明年，如果宝岛一村还来北京，还在保利剧院，一定要给自己买一张前三排的票。
这是一部超出了我预期太多的作品，即使我已经保持着极大的期许。
《宝岛一村》是一部很直白很实诚的作品。无论是故事本身，还是讲故事的手法，人物形象的塑造，甚至情感的表达和宣泄都非常的直接干脆。大陆老兵们对故乡的眷恋，对党国的忠诚，对新生活的不安、绝望与希望；第二代眷村子弟的成长、逃离；军眷们的人生起落、甘苦自咀。从头至尾，几乎没有任何观众会难以理解的对白、桥段或是其他元素（除了那个贯穿首尾的极具象征意义的陆奶奶）。《宝岛一村》是一部完全不炫技的作品。重剑无锋，大巧不工。赖声川把时代、民族、个体汇成一把玄铁重剑，一挥之下，情感溃堤。中国人通常认为，一件事做到极致，反而会看上去走向了反方面。大工便是不工，大巧便是大拙。《宝岛一村》电视剧般的通俗易懂之下，是赖声川绝对大师级的控制力。笑和泪，喜剧和正剧，王伟忠和赖声川，这之间的转换与融合，精准无比，浑然天成。
《宝岛一村》是一部煽情的时代大剧，是三代人的历史。这种戏本就是催泪大杀器，又赶上导演选择了最通俗易懂的手法来讲述故事，从第一幕开始，一直到最后那漫长的献给演员的掌声结束，我一直听到身边压抑却清晰无比的啜泣声。当然，我自己也是众多在黑暗中拼命压抑自己的死要面子的观众之一。从剧中升旗时，老赵拿出那面破碎不堪的旗，然后在老婆追问之下，告诉他那个背着这面旗死在了抗日战场上的自己的好友，就是真正的“老赵”；到众人在眷村度过的第一个除夕夜里，老兵们合唱《松花江上》；再到老赵请小黄师傅为自己的岳母打一口十元钱的棺材。初到宝岛一村的这第一部分，我已经双眼泛红，苦苦压制着自己心中迅速汇聚起来的人类世界中永恒存在着的一种情感。
这种情感叫乡愁。
李安当年在观看《暗恋桃花源》之后，哭得泪流满面，他说他在这部戏里看到了“无尽的乡愁”。李安、赖声川、王伟忠那一代的台湾人，从小在台湾长大，但是他们的父母，却是地地道道的外省人，他们操着各省的方言，只吃得惯家乡的食物，听不懂闽南话，吃不惯面线。他们来到台湾，很多人一辈子就再没回到过家乡，他们的故事，他们的乡愁，被他们的孩子听到、看到，然后这些孩子，从嘉义去了台北，从屏东去了美国，这些孩子，他们有两个故乡，大陆上，父辈的故乡，以及太平洋上，那座被称为亚细亚的孤儿的宝岛。对李安们来说，乡愁在他们既来自于他们的血液，也来自于他们自身的生活。
《宝岛一村》也里满是这样的乡愁。三代人，四种乡愁。
老赵岳母，北平知名酒肆的老板娘，那个教会朱妈妈包天津包子的老人家，她的乡愁，简单而悲伤。大限将至，却被迫逃难远离故土，然后客死他乡。她的乡愁，是《宝岛一村》里的第一种乡愁。
老赵、老朱、老周、赵妈妈、周妈妈们对海峡那边故土和故人的怀恋，是第二种乡愁，一种大时代胁迫下，个体毫无抗争之力的悲剧式的乡愁。这是动荡年代最常见的乡愁，也是我眼中最畸形的乡愁，像是一棵树被连根拔起移植去了别的地方，它的根须具在，却失去了原有的土地。它还是原来那棵树么？这些1949年迁移去了台湾的大陆老兵，伴随他们的一生的对故土的怀念，在第二代眷村人出生后，却又渐渐混杂进了，对这个孕育出他们下一代新生命的宝岛上的小小眷村的乡情。就像老赵说的，“宝岛一村就是家”。他们生活的地方变了，他们的妻子儿女变了，他们的人生变了，他们的故乡呢？似乎也在改变着，由一个，慢慢变成了两个。 于是，当后来宝岛一村拆迁，他们的乡愁也终于由一个变成了两个。
宝岛一村的第一代原住民，大毛、大牛、二毛、大车、小毛、周胖，他们也有自己的乡愁，而且是两份乡愁，同他们的父辈很像，却又不同。他们一方面继承了父辈的乡愁，像继承了基因一般。大陆上的那个故乡，是父辈们在茶余饭后，在逢年过节，在酒后，在深夜，在有意与无意间强行印刻在他们脑袋里的。而另一方面，这座见证着他们出生长大，承载着他们青春叛逆的眷村，才是属于他们自己的故乡，而离开这座故乡，造就了他们自己的乡愁。大牛、大毛、二毛、小毛们的离开家乡，其实再正常不过，子女离开父母，建立自己的新世界，这是自古有之的事情，而到了工业时代，人的流动更是变成了社会的常态，于是背井离乡的乡愁自然也成为了这个时代再正常不过的一种情感。大牛踏上去往美国的轮船，直到最后宝岛一村被拆除时才回来，大毛和他差不多。周胖去了美国读博士，便彻底抛弃了那个令他青春期无比痛苦的继父的家庭。小毛和二毛倒是经常回到宝岛一村，可是，也不过是吃个饭住一晚而已。父辈们因为时代，因为战争，因为政治而无法归家。如今小毛们不再被战争和政治所左右，可是背井离乡仍然成了绝大多数孩子的命运。于是，对于小毛们来说，那座将要被拆除的宝岛一村，和海峡那一边，他们父辈的故乡，终于慢慢重合，成为他们只留在他们记忆中的故乡。这份由二化一的乡愁，是第三种乡愁。
最后一幕，当死去的老赵，在宝岛一村拆迁的前一夜，在老邻居们欢聚一堂的那一夜，突然出现，对小毛念出了那封被他遗忘在老房子里的那封写在小毛满月之日的信时，我终于也在黑暗中成为了默默流下眼泪的观众之一。家就是宝岛一村，宝岛一村就是家。离开家，就有乡愁，有乡愁，就意味着我们拥有着一个家，拥有着一方故土。赵妈妈拆下“宝岛一村99号”的门牌，因为担心老赵将来找不到新家。这一刻，老赵的故乡，变成了那个生活着他的妻子儿女的家，他的乡愁，就是那一方小小坟墓，他在里头，家在外头。全剧落幕前，我看到了第四种乡愁，横在生死之间的无尽的乡愁。
乡愁不仅无尽，而且永存。套用徐克的话“有人的地方就有乡愁”。就像最初的人类从非洲大陆走向世界各地；像五胡入华；像宋人南迁；像五月花号抵达新大陆；像王伟忠离开嘉义，来到台北；像赖声川从美国回到台湾；像我们因为学业工作或者任何理由而来到一座新的城市；像我们离开这个世界，再也回不去我们生活过的那间客厅，那间卧室。我们离开过去，我们创造现在，然后看着新的生命离开他们的过去，创造他们的现在，看着生命延续，看着未来一直在我们眼前。
乡愁不仅是艺术作品永恒的主题，也是生命的永恒主题。
几句题外话：
小毛们的乡愁我最熟悉。我也是一个一直离开故乡的人，而我的爷爷与外公，他们那代人，则像老赵们，是拥有第二种乡愁的一代人。我的爷爷是河南许昌人，年轻的时候为了生计，被迫离开家乡，带着我奶奶来到郑州，然后生下了我的父亲。爷爷几乎没怎么回过他生长的故乡，至少在我有记忆以后，一次也没有回去过。我的外公是湖北松滋人，年轻时候赶上抗日战争的末端，一边躲日本人一边一个人跑到武汉求学，然后上了军校，跟着部队来到河南，遇到了我外婆，生下了我母亲，从此在开封落叶生根，再也没有回过松滋。2000年左右，我们陪着外公去了趟武汉，见了几个旧友，外公想回松滋看看，但是最终没能成行。从此，直到外公去年去世，老人家一生再也没有回到过故土。外公常跟我讲他小时候的事情，讲松滋的山和水，讲他小时候如何过新年，如何下河抓螃蟹，如何在夜晚捉黄鳝。我的爷爷与外公，他们是有根的一代人，他们对我来说就像是真正从家乡的土壤里生长出来的农作物一般。而我不是，我填写各种资料时，籍贯是许昌，出生地是郑州，我中学在开封我母亲的故乡，大学跑去了广州，如今又在北京生活。也许几年后我又会更换一座新的城市。我离开的故乡的岁数未必比我的爷爷与外公们小，然而故乡和我之间的羁绊，却远远弱于老人家们。我一直觉得像我在城市生长大的孩子，在楼房中长大的孩子，在钢筋水泥中长大的孩子，就像是如今城市中人们最爱的绿萝，是得不到土壤的植物。我们寻着自己的根，也未必便能找到故土。《宝岛一村》像《暗恋桃花源》一样，给我心头来了一记闷拳，不仅写作，生活也要找到根，无论是黄土地里麦子高粱和根须，还是玻璃花瓶的水中，同样拼命生长的绿萝的根须。回复赞
Lv2《繁花》舞台剧请了青年编剧温方根据原著伊操刀改编。你可能不知道温方伊这个名字，但你一定听过她的另一部作品——《蒋公的面子》，或许很多人第一次接触话剧就是拜她所赐。《繁花》制作人提出由还在读博士的温方伊来改编作品时，后者自己也感到有些意外。个中原因，《蒋公的面子》大热当然是一方面，我个人感觉，温方伊这个年龄段的编剧，能更好地拿捏住剧中两个时代——少年与中年之间的情感痛点。况且，《繁花》这部女性角色戏份相当多的作品，编剧的女性身份或许也是一大加成，毕竟有那么多的男作家/编剧不懂得怎么写女人戏。爱笑的美少女ZzLv22023-05-15
一部35万字的作品，要在短短3小时的时间呈现出来，换作是谁都会头痛，所以一定程度的改编和取舍是必要和必须的。
改编
温方伊采取了相当讨巧的方式对原著进行了取舍，六七十年代选取了沪生、小毛两条线，90年代突出的则是阿宝这条线。陶陶那条线去掉好理解，因为他是和其他三大主角（沪生、阿宝、小毛）关系最松散的，删掉了其他线的完整度都还在。而且，陶陶中年油腻男人，情节上不堪入目（涉黄啊）的太多，即使放进来也势必大改。
至于为什么少年时期删去了阿宝线，一方面是平衡各角色的戏份（中年的戏阿宝是主角），另一方面，我想无论是金宇澄还是温方伊都是有考量的，一流的作家，塑造人物不是靠多费笔墨，反倒是蜻蜓点水的呼应更使人叹服。所以，我们看到，舞台上身为律师的沪生稳重、不苟言笑的形象，是可以从少年时家庭的剧变、和姝华的感情挫折中找到答案的。同样的，“宝总”的身份和小时候资本家“克腊”（classy）的形象也是吻合的。事实上，整部剧，两个不同的年代形成的是一个稳定的三角结构（沪生—小毛—阿宝）。剧情上你中有我，我中有你，随处一处细节都在疯狂暗示这个人物的过去和将来。当然了，这样在长度上也更适合舞台上演出。
还有一个臆测就是，阿宝小时候的情节，比如资本家爷爷被抄家，爸爸地下情报人员的身份，演起来都会比较敏感。
那么喜欢阿宝的原著党们是不是只能无奈了呢，我觉得也不尽然，毕竟这次海报上写的是《繁花舞台剧·第一季》，我们大可以期待下第二季对原著的挖掘。
顺便也说说自己不太理解的改编
银凤请小毛吃绿豆汤那场戏，原著中老公海德是在场的。那一句“姐姐每一趟吃饭，就多摆一副碗筷”很明显是讲给海德听，这里变成对银凤说，倒像是小毛在撩银凤了。回来一看演员表，二楼爷叔和海德是同一人扮演的，难道是来不及换装吗才出此下策？
舞台呈现
看过原著的人，心里对舞台上的《繁花》是有一个预期的，就是整体风格是怎么样，人物的气质该怎么样。你看书的时候，文字通过眼睛转化成信息，在你脑中形成的印象，就是你对这本书的感知。我想说，这一出舞台剧，和我的感知，并没有什么违和。无论是舞美布景、道具、服装、方言，还是演员的选择，这些，不得不说，都太“繁花”了。
整个制作组在还原六七十年代生活画面方面费劲了心思，相比于90年代的戏，这个年代的表演更值得期待，对于年轻的观众来说，充满了好奇，对年长的观众来说，又有怀念的意味在。比如，那个年代国庆节时兴的是看礼花，看电影是要提前排队买票的，唱片机还是稀奇货，做饭是要生煤炉的。尤其是去沪生家过生日这场戏，上楼前先是坐电梯，拉拉链门、响铃、向上牵引、加速减速、响铃、拉铁栅门，电梯当然是不存在的，但在演员动作和声效的配合下，这一场景已经映入观众们脑中。
还是这场戏，一时间舞台上汇集了军人、知识分子、资本家、工人阶级多种身份，你能看到制作组在各人的服装上是做了严格区分的。沪生爸妈穿的是军衣军裤；小开阿宝头戴鸭舌帽，牛津纺白色上衣，英伦风十足；小毛蓝色线纹衫打底，粗布背带裤包身，符合他胡天野地的性格，弄脏了也不会心疼；姝华知性，温柔可人的短发套上白色发箍，浅蓝色长身连衣裙，毕竟是个读诗写诗的人。舞台的这种真实感，不仅使观众，也使演员自己迅速进入到角色当中，到忘我的境界。
切换场景，是每部舞台剧都要做的。以往我看过的话剧，切换无非是灯光熄灭，等新一幕的道具布置好，重新亮起灯来。《繁花》把舞台分成了前后两部分，前低后高；前面又分成左中右三块。演出时，可以做到这4块区域的彼此独立，即我这边演完了，就可以将这部分熄灯布置场景，与此同时其他亮灯的区域表演仍旧可以同步进行，丝毫不受影响。
舞台前方的区域是一个带舞台机械的大转盘。这个道具的妙处在于，除了作为常规的舞台使用，还作为时间和空间更替的象征。当其转动时，后面的屏幕也相应切换不同图片，暗示角色所处场景的变化。不仅如此，这个转盘还可以将演员动态下的状况模拟出来。比如，有一场戏小毛、沪生和姝华沿着转盘边走，渐渐小毛和其他两人拉开了差距，接着又是沪生和姝华慢慢拉开了差距。这种差距不仅仅是物理上的距离，还是姝华心理上因为对时代的失望，内心越来越孤寂的写照。
说起这个转盘，最后谢场的时候也算是一个彩蛋吧。所有演员围着转盘依次面朝外站定，正前方一束光线打下，转盘动，《新鸳鸯蝴蝶梦》谢场音乐起，后面屏幕实时显示演员名字，一一接受观众掌声，此时此刻，肾内腺素已至高点，除了感动，也感恩于主创们奉献了这么美好的表演，将《繁花》作品呈现在舞台上。
演员们谢场
苦命人小毛
《繁花》之所以受人喜爱，很大一方面在于故事的悲剧性。作者金宇澄毫不掩饰地掰碎人世间的温情，将悲情赤裸裸地展现给读者。剧中原本几段颇为温馨/暧昧的关系，都无一例外走到了尽头——这就是人生。
几段关系中，最让人心痛的，莫过于小毛与阿宝、沪生的绝交。打个不恰当的比方，这三人绝交，就好比《天龙八部》中的段誉与乔峰、虚竹绝交了，你能想象得到对读者的冲击有多大。
小毛的与沪生和阿宝绝交，有必然性。
小毛，工人阶级出身；沪生，空军干部子弟；阿宝，大资本家小开。与他们的身份相对应，小毛住的是工厂企业密集的普陀区小弄堂，沪生和阿宝的家则在富人和权贵们钟爱的静安区和卢湾区高级公寓。
三个人的家
小毛在和沪生、阿宝的结识的过程中，整体来说是被动的。在国泰电影院排队买票，刚好可以帮沪生多买两张，这才有了认识的机会。按照小毛的活动轨迹，是比较难打入沪生的社交圈的，这种友谊的开始，大抵可以诉诸“偶然”两字。常把“人们不禁要问”大字报话语挂在嘴边的沪生，除了认同小毛的为人，可能也会觉得，和工人阶级出身的小毛交往，是一件“政治正确”的事。
我不否认三人之间存在友谊，但是沪生和阿宝有没有在心底里认同过小毛呢？很难说。从刚开始见面小毛“结义金兰”的建议被无视，到沪生嘲讽中国武术为“骗术”，甚至于在背后调侃小毛在春香家过夜。小毛好像从来没有和他们两人对等相处过。于是呢，我们也就不难理解，为什么有了体己事，小毛选择和樊师傅、拳头师父商量，而不和沪生、阿宝说。
说到底，小毛的天花板，可能只是沪生、阿宝的地板而已。毕竟，阿宝有个吃定息的资本家爷爷，思南路奥斯汀汽车随便坐，平常的兴趣爱好是集邮；沪生家住配备电梯的英商公寓，爱好航模，对世界各大舰艇如数家珍，而小毛脱口而出的只是苏州河的铁驳船。这种差异，在天性使然的年幼尚可，但随着年岁的增长，他们以后每一次“碰撞”，小毛都不禁要怀疑起自己的人生，或者如书中描述的只能“不响”。最终，他会发现，他们是玩不到一块的。
所以，拗断事件，沪生俩人调侃是导火索，但或许，也是小毛对自己在这段关系中身份的一种宣泄。小毛注定是要和他们渐行渐远的，只不过离开的时候，因为这件事以偏激的方式表现了出来。
之前我一直在想，改编舞台剧的意义是什么？毕竟原著那么精彩，超越原著的可能性极低。看完这部剧，我有点想明白了，改编舞台剧，是想以另一种富有美感的形式，将作品的精彩之处呈现在舞台上，让观者以更直观的方式，了解并喜欢上这部作品。以上的这些，我想，这部《繁花》舞台剧是做到了。回复赞
Lv5新加坡原创古装摇滚华语音乐剧《聊斋》于2019.3.28-3.31日在上汽上海文化广场演出，导演：郭践红、编剧：吴熙、作词：小寒、作曲：黃韵仁、编舞：常惠旋、编曲：冯文甫、音乐总监与附加编曲：黄有杰。主演：梁允睿、董姿彦、潘嗣敬、叶贞芳、刘晋旭、刘晓义。好习惯Lv52019-05-03
导演：郭践红身为实践剧场艺术总监、获奖剧场导演、灯光与舞台设计与独立制片人，导演郭践红是一位全方位的艺术创作者。她将艺术理念体现在实践剧场的作品当中，涵盖的范围广泛，超越了主题、体裁和形式。
她是新加坡华语音乐剧的幕后功臣，制作了广受欢迎的音乐剧如《天冷就回来》、《老九》及《聊斋》。此外，她带领一组横跨世界各地的演员，完成了一部具有实验冒险精神的演出《六根不宁》，这也是华艺节首次委约新加坡本土剧团在滨海艺术中心剧院呈献的大制作。同时，她也积极地发展及推广青少年剧场，创作的《小问号》系列获得奖项肯定，并且主推了由三个项目组成的《儿歌新唱计划》。
编剧：吴熙是中国戏剧工作者，身兼戏剧导演、表演教师和编剧之职。目前是深圳大学表演系副教授。吴熙在戏剧创作及教育领域，工作已超过20年。他曾经在2002至2006年担任新加坡实践剧场的联合艺术总监，也曾同多个国内外艺术团体合作，包括广州话剧艺术中心、上海话剧艺术中心、日本黑帐篷剧团、澳门晓角话剧研进社等。他擅长执导原创类戏剧作品，参与编导演出40余部，这些作品在多个国家和地区进行演出。
近年主要编导作品包括：新加坡实践剧场《六根不宁》、《聊斋》、《铸剑》；广州话剧艺术中心《受害者》、《禁闭》；上海染空间的《三生三世十里桃花》和《脑蒸发》。
作词：小寒是七届新加坡金曲奖“最佳作词人”、两度台湾金曲奖入围者，曾为EXO、陈奕迅、蔡依林、方大同、林忆莲、蔡健雅、华晨宇和孙燕姿等一线歌手作词。
除了国庆歌曲，她也为《老九》、《聊斋》、《风画南洋》 等音乐剧作词。小寒也是一位作家，为《联合晚报》撰写专栏，发行过五本著作：《眼泪是胶囊》、《无指幸福》、《回不去的候车站》、《幸好我不是满分女生》和《优生学院》。
作曲：黄韵仁是亚洲流行乐坛举足轻重的音乐人之一，更是许多顶尖歌手争相合作的作曲人、制作人和编曲人。他曾为知名歌手打造多首经典歌曲，当中包括林忆莲的《纸飞机》、蔡健雅的《双栖动物》、张惠妹的《人质》，以及李玖哲荣获HITO年度K歌2018《Will you remember me》。
他的音乐才华更延伸至音乐剧如《老九》以及电影《拆弹专家》。他也是周华健巡回演唱会的长驻乐手，曾在北京和伦敦等地演出。
看这部音乐剧是因为很好奇摇滚和聊斋两个元素组成的音乐剧是何效果，所以去看一下这种混搭后的戏是否好看。该剧在豆瓣上目前评分6.4分，言归正传讲剧目。（观后感涉及部分剧情，请谨慎阅读！）
剧情简介：
故事讲的是风流书生桑晓爱上了狐妖婴宁，经过一番死缠烂打终于夺得芳心。不久后，他又恋上女鬼封三娘，被欺骗喝下毒药而成了替死鬼。对爱执著的婴宁，决定不顾一切到阴间救回情郎，才发现……
主要人物：
婴宁是个小狐妖，一次集会上偶遇书生桑晓。她被桑晓的追求打动，但是之后的爱情之路非常艰辛。
桑晓是一个有才华的书生，但在感情上非常糊涂。他既喜欢古灵精怪的婴宁，又痴迷对爱坚贞的封三娘。
成半仙是个正义感很强的道士，但是他的水平离得道还有很大距离。他认为妖精都是害人的，一次抓妖途中与书生桑晓成为挚友。
封三娘是个生世悲惨的水鬼，她必须在水塘边骗人喝下水莽草后找到替死鬼才能转世投胎。她其实不想害人，但为了与转世投胎的恋人相见而骗了桑晓。
这部出自新加坡实践剧场的古装音乐剧2010年开始首演到现在是经过不断精炼并再度审视的创作，当年扮演桑晓的演员现在扮演了阎罗王。该剧不仅是新加坡华语音乐剧发展史上重要的一大步，它也是新加坡艺术工作者的代表作。创作初衷是截取蒲松龄《聊斋志异》丰富的文学世界，与摇滚乐的原始粗旷的并列对比。新加坡《联合早报》评价其为“一篇关于爱、成长、付出与救赎的浪漫寓言”。
据说本剧以故事《莲香》为主框架，糅合了《水莽草》的游戏规则、《婴宁》的角色特征，又从《封三娘》《崂山道士》等百余个其他故事中吸取不同元素，创作出一个全新的爱情故事，讲述了天真烂漫的狐妖婴宁、风流倜傥的书生桑晓、一往情深的水鬼封三娘和嫉恶如仇的道士成半仙在阴阳两界错综复杂的命运纠葛。
这次我买到的打折票在比较靠前居中的位置，估计是知名度上座率的关系导致价格优惠。我看的那天音乐剧开始不久就出现电力设备故障导致演出中断，不过当时所有演员都井然有序停了下来非常从容。快速修复后剧情又倒前了一点继续演出，体现出演出团队的训练有素。
整个音乐剧虽然是古装扮相，但是故事中对于爱情的表达非常有现实意义。相比音乐剧《赛貂蝉》这部剧的曲调和歌词都非常现代化，曲风上除了摇滚外还有流行、说唱等多种风格。我个人觉得音乐的部分要好于本剧的故事，歌曲非常契合故事中人物要表达的情感和思想。
故事方面其实是一段四角恋，如果单纯从《水莽草》的故事角度人物应该叫寇三娘而不是封三娘。封三娘在聊斋原著故事里其实是个狐妖，而《莲香》中也是桑晓和狐妖以及女鬼的三角恋故事。本剧的设计来说我估计只是想用四角恋来增加故事的戏剧冲突，最终的结局反转和主旨还是回归到对爱情的忠贞和付出上。
故事中的几位人物设计个性鲜明，走位有点戏曲的步伐感觉。故事是由桑晓在地府讲述自己生前爱情经历开始的，地府里的小鬼看来平时无聊也喜欢八卦。我个人觉得故事里老狐狸婴无惑和阎罗王喜感最强，他们的声音也很有特点。桑晓喜新厌旧的表现感觉有点像许志安，反衬了婴宁和封三娘对于爱情的勇敢和专一。
本剧的布景道具设计大多比较写意，这样道具可以改成奈何桥也可以改成其它东西。成半仙被卡在树里就很有立体感，舞台还设计了一个去地狱的向下入口非常有意思。
服装方面衣服搭配和人物也很相符，比如婴宁作为狐妖的衣服上有白色绒毛，阎王的行头金光闪闪显得很尊贵、小鬼们的衣服以红黑两种颜色为主，与地府的环境气氛很配。
剧中地府并没有太阴森恐怖，只是一个安排对鬼分类处理的执行机构而已。小鬼们敬畏的阎罗王看遍了各种各样的人，喜欢喝时光酒也会为了主人公的遭遇而落泪非常有人情味。我觉得这样的设计处理非常人性化，他对两位男主的测试可以看作对人性的考验。
本剧故事的现实意义我觉得在于男女两性如何看待和理解爱情，婴宁作为情窦初开的少女对于爱情是非常看重的。她对爱情的渴望其实是对人类情感的好奇和对爱情的憧憬，因为狐狸只讲交配没爱情。因此对于才子桑晓的撩拨缺乏抵抗力，换言之她缺乏辨别渣男的能力。有时选对象不能光看外在如何，而是要了解清楚对方情况后再决定是否成为情侣比较安全。
反观桑晓这个人物明显是外貌党，难怪在地府他回答婴宁时很多观众都非常惊讶（骂他是渣男的观众估计不少）。始于颜值倒也不能算错，但是见异思迁就比较渣了。漂亮姑娘像一道光芒射进了他的心，但是爱人不在身边就经不起诱惑耐不住寂寞这不是渣是啥。我最反感这种上家还没拗断就找下家的人，况且他对于封三娘的爱更多是同情和倾佩占大比例。如果不是封三娘意志坚定要原配，那容易心猿意马的桑晓会如何选择恐怕就是未知数了。就算他真的并非是朝三暮四的男人，那至少说明对于爱情他的理解和处理很成问题。
演员的声线都很有辨识度，故事中表达的悲欢离合也令人动容。扮演婴宁的董姿彦属于爵士曲风的女歌手，所以轻柔的歌声正好适合这个外表柔弱、可爱但内心坚强令人心疼的角色。扮演桑晓的梁允睿带有鼻腔音的声线听上去也很舒服，他与其他演员表演上的互动体现了资深的专业水准。扮演封三娘的叶贞芳我觉得演唱方面表现最好，有丰富音乐剧表演经验同时又是创作型歌手的她在高音部分的驾驭能力非常好。一般唱得好的人听上去感觉就很轻松不费劲，反之会有点声嘶力竭的感觉。
整部剧看下来代入感还是很强的，歌曲也还是非常带感的。特别是一些慢歌和男女对唱的部分我听上去很顺耳，比如《抱紧》、《什么是爱》、《何去何从》都很喜欢。剧中有亲情、友情、爱情，而人妖鬼情感间的选择和碰撞组成了这个奇异又感人的故事。不过剧中的一些戏份其实并不适合小朋友观看，而且新加坡式的国语有点让人出戏。让我想起了小时候看过的新加坡电视剧，幸好看了一会儿就适应了这种口音。
本剧的歌曲虽然还算好听，不过就故事来说人物的感情进展缺乏足够的事件驱动导致可信度不够。所以对于人物的种种选择缺乏说服力，不过故事还是幽默与感人兼具的。满分10分制我打7.5分，下一次讲电影《流浪地球》。（喜欢图文并茂版的小伙伴可以关注我的微信个人公众号：好习惯吐槽的观后感）回复4赞- Lv5明星版话剧《独自温暖》由北京市演出有限责任公司出品，于2018.11.16-11.18在人民大舞台演出，之后继续全国巡演。导演：王延松、复排导演：金冶、编剧：冯丽、演员：吕丽萍、孙海英、李晔/张博、哈森/谢佩霏共同出演。好习惯Lv52018-11-23
导演：王延松，80年代毕业于上海戏剧学院导演系，也一直在中国戏剧界保持活跃的状态。近些年导演了曹禺的《原野》、《雷雨》、《日出》的新话剧解读版本。
编剧：冯丽，现任职于沈阳鲁迅美术学院，笔名皮皮。出版有长篇小说《渴望激情》《比如女人》《爱情句号》《所谓先生》，短篇小说集《全世界都八岁》等。多部作品被改编成电视剧，话剧《独自温暖》也是皮皮在戏剧领域的处女作。
看这部话剧是因为有明星吕丽萍和孙海英夫妇联袂主演，所以想看一下这部剧是否好看。该剧历史豆瓣评分6.7分，言归正传讲剧目。（观后感涉及部分剧情，请谨慎阅读！）
剧情介绍：
故事讲的是一位生活在国外的老妇人，人生阅历丰富、心地善良、但又性格乖戾、生活富足但又空虚寂寞，与儿子的关系复杂而微妙，既有疼爱同时夹杂着不屑，对于儿子的婚姻更是时常冷嘲热讽。
在儿子为母亲聘请专职司机之后，老妇人首先表达出对司机的不信任以及对儿子这种孝举的抗拒，但她善良的本性和智慧渐渐征服了司机，同时也从司机身上感受到了朴实的诚意，两人的关系逐渐缓和并转变为交心的朋友。随着二人彼此之间的开解，也影响到妇人和儿子关系的冰释前嫌，以及妇人对于个人感情生活迸发的勇气。而面对司机的患病，老妇人以及儿子做出的善举让最后的分别尽管感伤，却更是温暖。
主要人物：
老妇人早年和画家丈夫离婚，从德国回国居住。他儿子给她请了保姆还请了一个司机，毒舌老妇和憨厚的司机老楚最后成了忘年交。
老楚从部队退伍后曾给5位企业老总当过司机，为人憨厚朴实。他和老妇人长期相处后彼此交心成了朋友，并且极力撮合院士与老妇人的婚姻。
老妇人的儿子事业有成，对常常语出惊人的母亲非常孝顺。他和妻子聚少离多，还有一个叛逆的女儿。
孙女小野是个新新人类，她对考大学并没有兴趣。对于人生她有不同的追求，她和奶奶非常谈得来。
导演王延松称老妇人外表非常冷，而心非常热，但她的这份‘热’是不容易被发现的，所以这也产生了这部戏的戏剧性。而且这位老妇人和自己的小孙女可以顺畅的交流，她的心里有若干个秘密。剧本对孙女、司机和这个老太太的关系的交织中，呈现出一种充满悖论的叙事风格，在这样的一个叙事圈套中一点一点的呈现。
这部话剧不是平常的喜剧，它给人带来的笑是会心的笑，是没有准备的情况下本能的被激发出来的笑。这个剧本中的故事，故事背后的故事，以及故事生产其他的人物都是每一个人的碎片，《独自温暖》就是将这些碎片都拼凑成一副美丽的图景。这是一部令人感动的温暖的戏剧。
本剧看上去有点像小时候看的室内情景喜剧，类似电视剧《编剧部的故事》这种。这种喜剧靠室内的几个人物之间的互动交流，通过幽默的语言和事件把人生哲理一一展现出来。引发了观众的反思，让人在品味欢乐之余也能通过作品感悟自己的人生。
其实这个故事主要是讲一个古稀之年的高知老太太的晚年生活，所以她以及剧中其他人物没有全名。姓名只是一个符号，没有符号可以理解为剧中人物的生活境遇泛指很多人的情况。艺术源于生活，但高于生活。
老妇人的这种毒舌在一般生活中别人很难适应，因为一般都是喜欢听好话。说者无意，听者有心。就算是恨铁不成钢，也不能老是说话带着锋芒。幸好剧中老妇人刀子嘴豆腐心，而身边的人都知道她的秉性所以相处很和谐。换成现实中可能没有那么风平浪静，因为口服蜜饯和毒舌的人都不讨人喜欢。
此次我买的打折票不巧是在骑楼，也就是相当于山坡侧面。幸好位置没有坐满，我从第7排挪到了第4排距离可以看得基本清楚。
舞台设计上主要按功能把舞台分成餐厅、客厅、车库三块区域，背景后边悬挂着照片和书，餐桌、车模型、书橱、沙发、椅子、台灯、路灯、吊灯等一应俱全，使得场景非常逼真。
在人物去不同区域的时候通过灯光切换如追光来区分场地，剧中使用最频繁的道具是电话。通过电话串联了剧中没有出现的人物：保姆和追求主人公的花心老院士。
剧中人物表演方面都还不错，对话时字正腔圆非常流畅。四位演员的表现也都很自然，非常有代入感。
吕丽萍和孙海英两位老师的表演把人物自带的性格人设体现得淋漓尽致，两人的互动表达了老妇人和司机老楚在长期相处后形成的人与人之间互相关爱的真情实意。
剧中故事反映了很多社会问题，比如老人赡养、临终关怀、夫妻相处、老人再婚、子女教育、交通纠纷等。
当然重点还是围绕老妇人的晚年生活，作为一个德国归来、知识渊博的单身老年人如何度过余生是个问题。这个老妇人有一定的哲学思想，对生活很多问题看得很透。所以她把追求幸福比喻为攀登珠峰，而已经再婚第7次的前夫的婚姻称为爬公主坟。
对于追求自己的院士和小保姆勾搭在一起还来追求她感到十分不快，在她心中浪子老是回头就不稀罕了。她的婚姻观十分虔诚，坚持宁缺毋滥。不像以前新闻里说的在宜家相亲的那几个老阿姨，为了一个老头上演全武行还骂对方是野鸡这样吃相难看的举动。
本剧是传统的线性叙事，时空切换通过灯光淡入淡出一幕幕切换。故事特点主要是温情和幽默。我个人感觉撇开台词光故事本身其实比较平淡，并没有刻意设计剧烈的戏剧冲突和反转来增加故事性。
通过该剧让观众可以更多关注老年人的生活和心里世界，对于自己的人生和孩子的人生有更多思考。从这一点来说其实该剧的立意还是不错的，只不过故事前后的衔接有时不是很流畅。
“最美不过夕阳红，温馨又从容！”从剧中老妇人与其他人物相处的点点滴滴，体现了老年人的生活观、婚恋观、价值观，生死观等主题。勃朗姆斯的圆舞曲适合跳华尔兹，在剧中烘托快乐的气氛。从台下时不时观众的笑声可以看出效果还是不错的，观众能够理解故事想要表达的情感元素。
“长得漂亮是优势，活得漂亮是本事！”老妇人代表的是中国老人为自己而活的一种生活方式，不用为别人而活照样可以活得很滋润。看书、喝咖啡、出门兜风、与人攀谈。她的行为和语言体现出了她的开明、睿智、善良、幽默。
本剧没有吕凉宋忆宁夫妇的《原告证人》对戏那么有意思，适合喜欢看温馨家庭伦理剧的观众。人都有老的一天，当我们回望自己的生活时，是否也能像老妇人那样看清生活的本相呢？
初心这个词已经被大家用烂了，我认为一个人的想法应该随着时代和环境的变化而与时俱进。如何调整心态和生活方式是当代人需要思考的问题，就像剧中所有人物无论年龄地位都要做出自己人生的选择。知道自己想要什么，看清现实，并怀着感恩的心去生活，可能人生的道路会更宽广。满分10分制我打7.5分，下一次讲电影《毒舌》。（想看我图文并茂的电影和舞台剧评的小伙伴，可以关注我的微信个人公众号：好习惯吐槽的观后感）回复4赞 - Lv52018年上海国际艺术节青年创想周邀约剧目，上海戏剧学院研究生教育创新计划成果《挣》于2018年10月26日在上海戏剧学院新空间剧场上演，2018年10月30日-31日在光影车间·静剧场上演。好习惯Lv52018-11-08
制作人：孙文文、编剧：齐名、导演：程佩弦、副导演：魏子程，主演：刘一君、李锶沛 、赵一兰、杨竣棋、袁真一、董炫含、杜程朗。
导演：程佩弦毕业于上海戏剧学院13级导演系。
参与创作作品：
佛教肢体剧《婆娑》，米其林公益安全主题话剧《以爱之名安全出行》，内蒙古民族艺术剧院合作话剧《信仰的力量》，亲子音乐剧《云宝》，其他话剧作品《窝头会馆》《霸王别姬》《天使来带巴比伦》，音乐剧《妈妈咪呀》。
编剧作品：《套中人》《天堂的眼泪》。
表演作品：话剧《皆大欢喜》《无人生还》《不要担忧》《百无禁忌》《暗恋桃花源》《女人统治世界》《尸语者.法医秦明》《天使来到巴比伦》《起飞在即》《驯悍记》，音乐剧《原野》，电视节目《金星秀》，雅哈咖啡广告。
编剧：齐名毕业于中央戏剧学院2011级戏剧创作专业，上海戏剧学院2015级MFA戏剧影视编剧。
主要作品：
原创话剧《初雪》《毒药与蜜糖》《谁打翻了我的火锅》《红桥》，改编话剧《杏仁豆腐心》，论坛剧《他乡与故乡》，网络剧《好色千金》，电影《鲶鱼小姐》《旅行清单》，微电影《追“星”》，广告片《人为什么要坚持》。
看这部话剧主要是因为有活动赠票，所以去看一下这部原创话剧是否好看。豆瓣没有该剧条目我已亲自申请增加，言归正传讲剧目。（观后感涉及部分剧情，请谨慎阅读！）
剧情简介：
故事讲的是青梅竹马的恋人王万山与改花因为随迁分离，相约守候彼此却因缘巧合错过，改花嫁作他人妇。多年后，王万山等来了改花的女儿刘宝儿，命运轮回，他卷入与刘宝儿断不清的情感纠葛中。是爱屋及乌还是真情流露，为爱守候还是为爱放逐？
多年后，刘宝儿的儿子王思慧成年时再遭遇爱情选择时，感受到来自父辈祖辈的印记和枷锁。家族血脉通过基因传递延续，每一代人对真情的选择都隐隐相息。为挣破上一代传递的情感枷锁，所有人都做出了自我放逐式的挣，试图挣出宿命轮回。
主要人物：
王万山是名老兵，手巧、善吹口琴。曾与教书女青年改花相恋，为她学习识字，二人因故分离不能成眷属，直至遇到与恋人如出一辙的少女刘宝儿，陷入复杂的情感纠葛中，最终为护卫恋人之女，在刘宝儿身上倾注了未完成的寄托。
刘宝儿身材娇小，性格果敢、炽热、明快。在与父亲老战友王万山相处时，被他的坚韧稳重吸引，大胆追求，为爱放逐，最终因为无法面对情感枷锁弃子而去。
导演程佩弦称有些事就像是一只气球，不能戳，一戳就破了、就泄了、就散了……生命如此、生活如此、甚至历史也一样…
故事中的他们在挣扎，看故事的我们在挣脱，而我们所“挣”的不是命运，不是生活的压迫，而是自我。就像歌里唱的，“月光光，照四方，娃娃心里有话讲，空一场，空一场，深埋心头入梦乡”。
故事中的他们，对待命运，有的是欲言不语，有的是不平则鸣，但祖辈的故事，父母先人的纠葛，到头来挣脱命运，真正重新开始的，也就只有被宝儿保护着的王思慧吧…
故事的背景主要在上山下乡时期男主的村庄，以及90年代的上海改花家。（剧中提到思慧参与建设的东方明珠是1991年7月30日动工，1994年10月1日建成的）
这部有年代感的戏出自一位年轻编剧之手让我惊讶，毕竟那个年代她没有亲身经历过。而且那是个特殊的时代，很多人的命运无法自己掌控。我们通过电视剧《孽债》、《活着》、《霸王别姬》等影视剧可以看出敏感时期当时生活的艰难，也明白“聪明是一种天赋，善良是一种选择。”这句话做起来的不易。
通过剧中舞蹈队友与年轻刘宝儿划清界限以及小郑的趁人之危都可以看出，无论什么年代雪中送炭的人永远比锦上添花的人要少。
本剧我觉得其实讲述的是三代人的时代悲剧：改花遵从父命没有选择嫁给爱情，老年痴呆后一直想起年轻时喜欢的万山。宝儿虽然敢于表达感情，但是为人单纯的她在家庭巨变下失了方寸被渣男所骗。思慧进城务工一心想扎根大城市自由恋爱，同时苦苦寻找自己的生母。而关键人物万山既没有和改花在一起，也没有接受刘宝儿的感情。还帮忙养育宝儿之子思慧，自己却终身未娶。
但是从这三代人身上可以看出，一代比一代对于自己人生和情感的追求更加有主见。改花象征着婚姻大事听从父母之命的那一代，刘宝儿这一代已经主动表白喜欢的对象，到了思慧这一代对于婚姻自主选择否决了家长的意见。
时代在变迁，人的思维和观念也在变迁。在茫茫人海中遇到所爱之人实属不易，对于缘分应该牢牢把握。爱情理应是婚姻的基础，如果以其它东西作为基础或错误选择可能会抱憾终生。
此次看演出时我的位置当中靠前视角不错，能够清晰看清演员的表情和肢体动作。表演时演员打破了第四面墙从过道经过，使得和观众的互动感很强。
包括部分沪语台词的插入很有亲切感（脏话除外），真实还原了过去弄堂局促的生活环境。在这种环境下邻居们经常互帮互助，但同时生活隐私也容易被传得人尽皆知。通过画外音邻居出言调戏可以看出，刘宝儿的身世以及大龄剩女的身份别人似乎略知一二。
剧中演员们表现中规中矩，其中我觉得道貌岸然的小郑表现很有喜感和渣感。大多数演员可能是怕用力过猛显得浮夸，所以在表演时有点拘谨、不是很放得开、导致代入感有所欠缺。
剧中通过几次人物间的矛盾冲突交代了故事前后的因果关系，同时展现了人物的命运。我认为导演在安排剧情的叙述过程中采用了闪回平行剪辑模式，将现在与过去来回穿插叙事。剧中多次采用了老年改花的回忆作为切入点，但实际戏份主要在刘宝儿和王万山身上。因此这点设计上我觉得容易给观众造成歧义，应该以中年刘宝儿的回忆作为切入点更合适。
剧中改花哼唱的《月光光》是首客家童谣，由于受各地生活环境影响有不下数十种歌词不同的版本。在本剧中这首童谣的作用我认为是烘托老年改花对往事的眷恋，体现了一种遗憾和怀念之情。
剧中服化道和灯光设计都很用心，服装很有年代感符合时代特色。舞台分为上下两层：上层布置芦苇荡主要代表了王万山的家乡，下层主要代表了老年改花和中年刘宝儿在上海的家。灯光的明暗变化在现在与过去的时空穿插中淡入淡出切换着剧情，配合了回忆过渡的效果。
剧中改花年轻时织的那条红色围巾王万山天寒的时候会用，让他带着对昔日恋人的思念。刘宝儿也碰巧织了一条红色围巾，带着她对王万山的爱慕之情。两条围巾对于王万山来说一条代表的是得不到的感情，一条代表的是不能接受的感情。
“心里有座坟，住着未亡人！”当你心中住着一个人的时候，可能其他人再好也无法进入你的世界。就像《大话西游》中至尊宝心里紫霞为什么会留下眼泪是一个道理，感情的世界有时确实有先来后到。爱情会让人鬼迷心窍，春风再美也比不上她的笑。
剧中让我不能理解的部分是王万山当年穿的军装为什么像国军的？还有改花当年与万山分离时给过他上海的家庭地址，但是为什么一年后万山没去上海找她？还有多年后已经生活在上海家中的中年刘宝儿为什么没有和万山联系问儿子的事？虽然我能理解王万山起初不想打扰改花的生活，但是改革开放后他为什么没有再续前缘我很难理解。加上之前只以老年改花的回忆作为切入点，感觉逻辑上有些地方设计安排有点说不通。
整部戏我看下来总体还是戏剧性很强的，剧中改花对于自己情感的追忆、刘宝儿对于自己人生的惋惜、都充分在剧中表达了出来，最后结尾对于两人梦幻般的情节处理体现了这种情感。
当然牺牲最大的是王万山，他终身未娶把刘宝儿的孩子独自抚养成人。虽然他并没有成为改花家的成员，但是他对改花家真的是恩重如山。剧中人物的命运让人唏嘘不已，王万山的高尚情操令人十分敬佩。
最后开放式结局并没有交代人物命运是否会发生变化，但是我希望会往好的方向发展。如果在之前我觉得的那些漏洞上再加以完善，并把回忆的切入点换从刘宝儿出发可能角度看上去更合理。
“挣”这个题目我觉得代表了挣脱时代的束缚和命运的枷锁，正如思慧在剧中所说：“人要不是跟命较劲，命就跟人较劲！”在大时代背景下很多人的命运无法自控，如何能让自己掌握命运是件很难的事。
而性格决定命运，要改运必须改变自身原有性格去突破自我。吃热狗变不成王思聪，穿破袜子成不了王力宏。改变并非是简单模仿他人，只有改掉自身弱点才能重塑新的人生。满分10制我打7.5分，下一次讲电影《铁血战士》。
（想看我图文并茂版观后感的小伙伴，可以关注我的微信个人公众号：好习惯吐槽的观后感）回复7赞 - Lv5《无人生还》由阿加莎·克里斯蒂[英]编剧、中文版由上海话剧艺术中心优秀青年导演林奕执导，上海话剧艺术中心和上海捕鼠器戏剧工作室制作出品。演出由贺坪、付雅雯、李建华、佘晨光/许承先、徐幸、童歆、吕游、王肖兵、王华/王珏、张羴、祖永宸联合主演。舞台结尾版：2018年7月12日-7月13日19:30，7月19日-7月25日19:30，7月28日-7月29日19:30（周一无演出）小说结尾版：7月14日14:00， 7月14日-7月18日19:30、7月26日-7月27日19:30（周一无演出）。好习惯Lv52018-07-23
导演林奕1982年1月出生于上海，2000年考入上海戏剧学院导演系。并于2004年毕业获得学士学位，同年进入上海话剧艺术中心工作。2007-2009年执导《捕鼠器》，2007-至今执导《无人生还》，2009-2011年执导《侦查》，2009-2012年执导《意外来客》，2010-2013年执导《空幻之屋》，2011-2012年执导《命案回首》，2011-2012年执导《死亡陷阱》，2011-至今执导《原告证人》，2011-2013年执导《蛛网》，2013-2014年执导《Rule Of Three》。
编剧阿加莎·克里斯蒂是一个被誉为“举世公认的侦探小说女王”的英国小说家与剧作家。英国皇家文学会会员，英国女王钦点为“侦探女王”；“不列颠帝国勋章”获得者；埃克赛特大学名誉文学博士；“不列颠帝国女爵士勋章”获得者。因侦探小说成名，一生所获殊荣远远超过其他侦探小说家。她的作品被译成103种文字,在157个国家出版。总印量仅次于《圣经》，并与《圣经》、《莎士比亚戏剧集》同列世界畅销书前三名。创造出了一个叫“波洛”的小人物式侦探，并凭借这个小人物使侦探小说正式步入正统文学的殿堂。在阿加莎数以万计的仰慕者中不乏显赫的人物，其中包括了英国女王伊丽莎白女王和法国戴高乐总统。《尼罗河上的惨案》、《东方快车谋杀案》、《阳光下的罪恶》、《捕鼠器》等作品在中国读者和观众脑海中都留下极为深刻的印象，很多作品被改编成了影视剧。
看这部话剧是因为阿加莎的话剧看过几部都觉得不错，这次是上话&捕鼠器工作室联合出品所以去看一下。该剧目前豆瓣评分8.6分，言归正传讲剧目。（观后感涉及部分剧情，请谨慎阅读！）
故事讲的是十个互不相识的人，被富有的欧文先生邀请到了印第安岛上的私人别墅里。晚餐后一个神秘的声音揭开了人们心中所各自隐藏着的可怕秘密，当天晚上年轻的马斯顿先生离奇死去。古老的童谣就像诅咒一样笼罩着所有人，似乎有一双神秘的眼睛在时刻窥视着这场死亡游戏。到访者就像消失的印地安小瓷人一样一个又一个的走向死神密闭的大剧场，孤岛的悬崖别墅被迷雾笼罩。随着剧中人物接二连三地突然死亡，悬念和恐惧向人频频发难将故事和推理慢慢带向高潮。
主要人物：
隆巴德上尉在南非曾参军，在部队遭到围困时自己侥幸逃出让土著手下被敌人所杀。
维拉曾当过家庭教师，当时为了想获得遗产的男友而使男友的小侄子被淹死而没阻止。
瓦格雷夫法官为了利用自身权威对一名有争议的犯人判处死刑，他在别墅里判断谁是凶杀时非常从容不迫。
富家子弟马斯顿平时喜欢飙车，他曾经超速行驶撞死过一对兄妹。
麦肯锡将军因年龄差距大的老婆与手下有私情，利用职务之便派手下去战场送死。
化名戴维斯的前探长布洛尔为了升官发财与匪徒勾结，在法庭上作伪证诬陷别人导致对方在狱中死亡。
神经科医生阿姆斯特朗滴酒不沾，实际上他当年因喝酒导致医疗事故病人死亡才转的科。
老妇人布伦特因循守旧，当年她的年轻女佣与人珠胎暗结后被逼自杀与她有关。
管家罗杰斯和女佣是一对夫妇，他们早年在看护主人时没有及时送医导致东家致死而获得遗产。
《无人生还》这部小说是阿加莎•克里斯蒂本人最钟爱的一部作品，而话剧《无人生还》也是由她本人亲自改写的剧本。自2007年在上海轰动首演后，在全国范围内掀起一股“悬疑热”号称“史上非常恐怖的”的悬疑话剧。在中国上演了300余场，先后在北京、南京、杭州、宁波、苏州、长沙等11个城市进行过巡演。
这部话剧我很早就订了票，位置在第一排偏当中视角还行。演出从19:30演到差不多22:40左右结束，幸好地铁末班车时间还能赶上。作为阿加莎名剧来看的人很多，基本座无虚席。开场时映入眼帘的布景非常逼真，别墅分为客厅、门廊、卧室、厨房、小岛。另外还有酒柜、壁炉、吊灯、落地窗、沙发等一应俱全，看上去非常考究。
故事刚开始时由罗杰斯夫妇交代会有很多客人来到别墅小住，紧接着客人们陆续到来。每个人物出场举手投足和说话间都透露出各自的性格，其中隆巴德和维拉关系很密切。
来的人都是收到了欧文先生各种理由的邀请，实际上根本没有欧文夫妇。开始大家只是觉得主人不来有点不地道，之后唱片机里有人控诉来访的每个人的罪行。从这里开始透露了请大家来到别墅动机不单纯，而富二代马斯顿意外身亡后表明并不是恶作剧而是早已布局的阴谋。
在马斯顿死亡时伴随着一个印第安小瓷人的损毁，而墙上的十个印第安小男孩的童谣预示着所有人死亡的形式。所有人对于曝光自己的黑历史都矢口否认或者有自己正当的理由，其实马斯顿被杀后大家心中还是很忐忑的。但是无法确定谁是罪犯，所以大家互相猜忌。
瓦格雷夫法官牵头帮助大家抽丝剥茧分析罪犯，首先询问大家收到的邀请函的内容。通过内容发现凶手对于大家比较熟悉，可是大家对于凶手没有丝毫印象。之后在几个主人公之间的谈话中慢慢揭示了彼此的黑历史，所有人都直接或间接背负人命。
这里我有个疑问，凶杀不认识当事人是从何渠道获知这些人的罪行的？还有证据是否确凿呢？如果证据不充分这种谋杀就不能算是替天行道了。事实上很多影视剧和小说里都提到过有些人虽然犯了罪，但是没有证据抓他们而让他们逍遥法外。美国电影里很多主角对付坏人基本都是受害后报仇，或有确切渠道了解罪犯详细的罪行后出手。而此剧中幕后黑手我估计他搜集的信息有限，像隆巴德上尉、维拉小姐等间接致人死亡的罪行很难取证只有当事人自己清楚。所以说法律虽然有其局限性，但依靠证据判案总好过靠猜测在法外处理要好。
在一个个当事人接连神秘遇害后大家陆续交代了自己的罪过，有忏悔也有死不悔改的。这并非都是良心发现，而是面临死亡产生的恐惧而做的辩解。这些辩解只是想表明自己罪不至死，或者只是一时疏忽。凶手并没有因此发善心戛然而止，而是继续按照童谣上的次序一个个除掉每个人。通过每个人罪行可以看出其实很多人没有亲自动手杀害别人，比如借刀杀人或者玩忽职守等形式。这些人的罪行如果按法律判即使证据确凿很多确实罪不至死，幕后凶杀有点量刑过重了。话说回来，如果是正常人确实不会以密室凶杀的模式来彰显为民除害。
在最后部分所剩人数不多的情况下，大家互相盯得更紧而凶手的机会更小。如何在确定凶手就在大家当中的情况下动手成为了一大悬疑，这里容易肚子饿的布洛尔出了不少笑料。而房间断电后点了蜡烛增加了恐怖的气氛和惊悚的味道，观众们都在屏气凝神的观察台上的进展。
我们常说：“害人之心不可有，防人之心不可无！”人与人之间的信任在陌生人间有时很脆弱，比如那些碰瓷的老人多了很多人见到老人摔倒都不敢扶。这里除了坏人变老了的问题外也说明法制上对于此种问题还需完善，避免人心惶惶谁都不敢做好事。电影《心理罪之城市之光》中的反派江亚就以暴制暴，其中有个小女孩做好事反而被讹就是体现了这种问题。
最后部分只剩两人时这种互相猜忌更加严重，当然也是凶手希望看到的。至于最后谁是凶手就不剧透了（瓦格雷夫法官谢幕时提醒我们不能说），我看的舞台结尾版结局和小说结尾版不同。
阿加莎的剧我觉得好看的地方就是在这种悬疑和惊悚气氛相结合的地方，她提供了一定的线索给观众去揣测人物的动机和下一步行动。而且就算是你知道剧情的情况下，演员们的表现互动依旧感觉很出彩。加上《无人生还》有两个版本，阿加莎自己编两个版本的结局不同效果也不同。
我个人感觉这部话剧非常好看，虽然我坐在第一排但是真没发现凶手是何时动手的。其他观众可能和我一样好奇每个人的死法如何与童谣相符，以及凶手到底是谁。本剧的布景、音效、灯光都设计的不错，把恐怖的气氛以及不同的天气和时间逼真地还原。
演员们演技都发挥不错，使人物有血有肉十分饱满。每个演员的肢体语言和音色神态都惟妙惟肖，把人物的恐惧和互相猜疑体现得淋漓尽致。喜剧效果的部分主要由阿姆斯特朗医生、探长布罗尔、上尉隆巴德包办，恐怖效果部分由前家庭教师维拉负责。
这部反映人性的密室凶杀悬疑剧常演不衰主要就是依靠这些优秀演员精湛地演技吸引观众的，我个人强烈推荐大家有机会去看一下。满分10分制我打9分，下一次讲电影《兄弟班》。12回复20赞 - Lv5演出盛况好习惯Lv52017-11-09
《金牌制作人》是百老汇最卖座的音乐剧之一，在百老汇演出超过2500场，并多次在世界范围内开启巡演。梅尔·布鲁克斯拍摄的电影原版，曾获得1969年度奥斯卡最佳剧情剧本创作奖。吉恩·怀尔德也因此片儿获得当年奥斯卡最佳男配角提名。
该剧中多个华美的大型歌舞场面充分的展现了百老汇的特点。2001年4月19日，一经推出，评论界纷纷给出极高的评价，一夜之间影响轰动。
第二天，排队抢购演出票的观众挤满了半条第44街。这一天创下了百老汇史上单日票房最 高的记录，收入接近300万美元。随后又在当年的美国托尼奖（第55届），包揽了最佳音乐剧、最佳作曲、最佳男主角和最佳男配角等12项大奖，成为有史以来得奖最多的百老汇音乐剧。
获奖佳绩
2001 Tony Award for Best Musical
2001年度托尼奖最佳音乐剧
2001 Tony Award for Best Book
2001年度托尼奖最佳剧本
2001 Tony Award for Best Score
2001年度托尼奖最佳曲谱
2001 Tony Award for Best Actor in a Musical
2001年度托尼奖最佳音乐剧男主演
2001 Tony Award for Best Featured Actor in a Musical
2001年度托尼奖最佳音乐剧男配角
2001 Tony Award for Best Featured Actress in a Musical
2001年度托尼奖最佳音乐剧女配角
2001 Tony Award for Best Direction of a Musical
2001年度托尼奖最佳音乐剧导演
2001 Tony Award for Best Choreography
2001年度托尼奖最佳音乐剧编舞
2001 Tony Award for Best Orchestrations
2001年度托尼奖最佳音乐剧编曲
2001 Tony Award for Best Scenic Design
2001年度托尼奖最佳音乐剧舞美设计
2001 Tony Award for Best Costume Design
2001年度托尼奖最佳服装设计
2001 Tony Award for Best Lighting Design
2001年度托尼奖最佳灯光设计
Drama Desk Award for Outstanding Musical
剧评人奖最杰出音乐剧
Drama Desk Award for Outstanding Book of a Musical
剧评人奖最杰出音乐剧剧本
Grammy Award for Best Musical Show Album
格莱美奖最佳音乐剧专辑
Olivier Award for Best New Musical
奥利弗奖最佳音乐剧
媒体评论
"笑声不断，绝对欢乐！"
--《每日邮报》
"叹为观止的出奇之作"
--《纽约时报》
"一段让您笑声不绝，捧腹不已，心痒难止，坐不稳也站不直的欢乐时光"
--《综艺》杂志
"真正让音乐剧回归'音乐喜剧'行列的佳作"
--《卫报》
创作组合
Music and lyrics by Mel Brooks
作曲作词——梅尔·布鲁克斯
Book by Mel Brooks and Thomas Meehan
编剧——梅尔·布鲁克斯和托马斯·米汉
MEL BROOKS
梅尔·布鲁克斯
梅尔·布鲁克斯，原名梅尔文·卡明斯基，于1926年6月28日出生在纽约的布鲁克林。他曾在二战中服役，退役后在Catskills酒吧担任鼓手。之后布鲁克斯开始了喜剧表演生涯，在转入电视行业之前，也曾在无线电台表演过，并曾在名噪一时的格罗辛格度假酒店担任过首席娱乐嘉宾。
他曾担任过电视综艺节目《万秀之王》（1950年）和喜剧节目《凯撒笑一笑》（1954年）担任文案创作，还是百老汇音乐剧《新邦小巷》的编剧之一。而在他于电影的创作、表演、制作和导演方面获得巨大成就之前，也曾经参与过喜剧电视剧《两千岁的老家伙》（1975年）和喜剧电视剧集《糊涂情报员》（1965年）的前期创作。
布鲁克斯也因不少涉及不同类型的电影佳作，如《闪亮的马鞍》（1974年）、《帝国时代》（1981年）、《无声电影》（1976年）、《新科学怪人》（1974年）、《戏说罗宾汉》（1993年）、《恐高症》（1977年）、《吸血鬼恩仇记》（1995年）和《星际歪传》（1987年）等，而声誉卓著。
THOMAS MEEHAN
托马斯·米汉
托马斯·米汉出生于纽约州的瑟夫恩，毕业于汉密尔顿学院。他24岁时移居纽约，为《纽约客》杂志的“坊间闲谈”专刊工作。
他曾有三部作品获得托尼奖最佳音乐剧剧本奖，分别是：他的百老汇亮相之作《安妮》（1977年）、《金牌制作人》（2001），以及2003年与马克·奥登内尔合作一起获奖的《发胶星梦》。
除此之外，他的作品还包括《百老汇灵不灵？》、《哦，凯！》、《孟买梦》、《慈母泪》（音乐剧版）、以及《安妮2：汉尼更小姐复仇记》（该剧后改为外百老汇上演，并更名为《安妮·沃巴克斯》）。
除了戏剧领域，米汉还是《纽约客》杂志的幽默专栏作家；曾因电视喜剧秀节目荣获艾美奖的创作家；好几部电影剧本，包括梅尔·布鲁克斯的《星际歪传》、《你逃我也逃》（重拍版）、《金牌制作人》（电影版）、以及《圣诞奇遇记》等的合作编剧。
米汉曾为根据1974年的同名电影改编的音乐剧《新科学怪人》以及《哭泣宝贝》创作剧本；他和鲍勃·马丁一起担任《小精灵音乐剧》的合作编剧。2012年，米汉将史泰龙的《洛基》电影剧本改编成了音乐剧，同年在汉堡上演，并在2014年移师百老汇。
这部音乐剧是因为我在朋友圈看到很多看过的小伙伴都在安利,所以决定买票去欣赏一下,现场取票对接人给了票面价550元的票非常合算。以往我看的音乐剧都是国内演员出演,这次有幸可以看到国外演员原汁原味的表演算是一种不错的体验。言归正传讲剧目。
故事讲的是曾在百老汇风云叱诧，如今却迫不及待想要脱贫致富的过气制作人麦克斯·毕亚利斯托克偶遇一个碌碌无为但一直暗自梦想成为百老汇大腕的小会计师里奥·布鲁姆。他们发现与其认认真真制作一部成功作品，还不如推出一部烂戏更能实现他们的愿望。于是他们寻找并起用了史上最糟糕的剧本、最不堪的导演、和最差劲的演员。出乎他们意料的是，《阿道夫的春天》这部本应惨败的制作，却成为了票房杰作给他们这个看似万无一失的计划以及未来人生，带来了无法预料的转折……
故事里的过气制作人胖子麦克斯开始的窘境这点和现实我们国内很多编剧水平不行，编出一些烂剧有点像。因为投资方本身可能不懂剧目只求回报，也使得风气急功近利严重，过于注重商业效益使得选角大多挑选没有演技的流量小花，而他们的人气不代表有演技。所以很多天价演员其实并没有什么实力能提升作品的质量，这就是我们电影院等媒体上为什么经常会看到烂片的根源。
正所谓富贵险中求，但是计划赶不上变化，意外的情况使烂剧获得了空前的好评。这里其实说明麦克斯之前的剧本挑选有问题，观众和剧评人希望看到的不是陈词滥调的老套故事，而是有新意的作品。《阿道夫的春天》这部剧由同性恋导演罗杰出演主角使得喜剧元素非常浓，起到了讽刺的作用。一个战争狂人发动了战争，但是戏中把希特勒演成一个滑稽充满野心的小丑，这点对于观众来说接受度或许更高一些，如果严肃的表现成写实的疯子反而缺乏创意。现在很多影视剧反派过于脸谱化是个很普遍的现象，这点确实是需要编剧创作人员好好反思的问题。
故事最后的圆满大结局体现了麦克斯和里奥的友情，金钱是无法代替友情的。这点上主人公做了很好的示范，在物欲横流的今天这点其实非常难能可贵。
这部音乐剧我感觉有着百老汇传统音乐剧载歌载舞诙谐幽默的风格。演员的唱功舞蹈以及布景都非常不错，演员的演技好过故事本身。人生当中有时确实是无心插柳柳成荫，好的伙伴是成功路上的关键。与之相反的话就是：不怕神一样的对手，就怕猪一样的队友。表面上故事插科打诨有人或许觉得和王晶的屎尿屁的荒诞喜剧区别不大，但实际2001年能夺得托尼奖15项大奖中的12项就知道并非是一般的剧目。当然美国式的幽默梗有些可能因为文化差异我不能全部参悟，不过确实全程故事无尿点非常流畅，最后看到结尾还觉得有点意犹未尽。满分10分制我打8分，下次讲电影《银魂》。
（顺便提一下最近电影优惠活动方面大家可以关注百度糯米APP和猫眼电影APP的活动，因为没有具体时间限制，可惜都是国产片优惠活动。淘票票APP活动和万达APP活动都是10点开始，大家有空可以看一下。另外鉴于有粉丝无法直接通过剧目搜索到我历史众多的观后感而取关，我暂时在自动回复功能中添加了历史观后感的链接，可以通过在后台输入剧名自动回复出我的历史观后感，太长的可以尝试输入关键词）回复5赞 
认证总觉得，话剧适合一个人观看，剧院来回的路途适合做些簇新的期待和发散的回味，就像翻山越岭去采药，和反刍清晨吃下的草，唯有大段的空白，才能稀释那些高亢的语调、浓缩的精义、以及经得起推敲的话语和思想。彩虹合唱团认证2023-05-15
于是乎，我藏在人群里，舞台藏在黑暗中，我们做好了对接。
12个人
8.2
类型: 话剧 又名: 十二怒汉 / 十二个人 导演: 田水 编剧: 雷基纳德 ·罗斯 主演: 刘鹏 / 徐紫东 / 曹毅 / 贾景晖 / 郭林 / 黄晨 / 李传缨 / 赵磊 / 兰海蒙 / 周小川 / 刘炫锐/贺坪 / 王衡 / 吴尔朴 / 贾邱 / 司琨 / 陈山 / 周围 / 马...
舞台的布置和《十二怒汉》大致相当，一间封闭的暗色调的屋子、十二把木背靠椅、十二个年纪不等的西装革履的男子、一个不怎么管用的风扇、以及一场瓢泼大雨，不同的是，《十二个人》撤去了长桌，许是为了更好地呈现每个演员的身形姿态。
在情节方面，话剧版的《十二个人》也详实了一些人物的设定，譬如3号陪审员除了隐藏的刽子手身份外，还是一个重视父子伦理对儿子付出了一切最终被辜负的伤心父亲，由此他那样固执地相信一切对男孩不利的证据，坚决要把“弑父”的男孩送上电椅；4号陪审员冷静客观，对自己生活有条不紊，从始至终认真记录分析过程，因为对自己生活的高度掌控感，他无法相信人会在高度情感压力下忘记所观看电影的情节；5号陪审员是一个出生贫民窟的医生，尽管现在的工作已经实现了阶层的跨越，但原生环境依旧是他心中无法释怀的地方，因此当10号陪审员输出“贫民窟的人生来就是小偷是贼是下等人，怎么坏都不为过”的观点时他会有非常激烈的情绪反应；6号陪审员是一个粉刷匠，踏实工作，纯朴正直，他虽然认为“假设”是老板应该做的事情，但关键时刻他能站出来维护敢于“怀疑”的老先生9号陪审员表达观点、不被打断的权利；7号陪审员是一个推销员，热心球赛，他不在乎是否会有一个男孩被送上电影，只关心自己的俏皮话有没有被听到、能不能如期观看球赛：8号陪审员是一个建筑师，这也与他表现出来的一以贯之的严谨、逻辑推理能力、用简单实验戳破证人谎言的做法相符合；9号陪审员同为老人，因此理解同为老年人的证人“坚决”的理由，一个未曾被社会关注的跛脚老人，被人们注意对于他无比重要…
人们在尝试理解和做出评判之前，首先都是基于自己站立的地方。由此会有“共鸣”和“无感”。我做出上段的分析也是基于自己“自认的理性人视角”和观众身份赋予我的“先入为主的男孩无罪论”。在某种程度上，我的观点也是一种偏见。有哲人说“每句话都是偏见”，正因为没有人能够完全独立于自己的人格和身份之上，所以说出的话语无法做到绝对的客观公正。也正由于每个人都有自己独特的人格和身份，都有历经长途的“不足为外人道”，“你以为”无法触及“身不由己”、“理所应当”也不总涵盖“情有可原”，生命就是这样一种存在，评判别的生命不该从自己的生命出发。尤其是决定生命去留的大问题，更应当慎之又慎，不论是“罪有应得”还是“错杀一个”，生命一旦被剥夺、再无法重来。正如8号陪审员所说：“把一个男孩送上电椅的证词，就得这么准确！”
我还想谈谈与主题无关的一些感受：尊重。当别人表达观点时，尤其是表达不同于己的观点，能否认真倾听。一次心理咨询课上，老师让大家训练自己不说话只听另一个人说，结果证明这是一件非常困难的事情——人很难克制自己的表达欲望。当在倾听别人时也是如此，会想赞同、想辩驳…总之说些什么，证明我在听、或者我也会说bushi( ˙˘˙ )剧中大多冲突都发生在打断别人讲话时，4号、7号陪审员为甚，我注意到他们说过最多的话是“你到底想说什么？”和“你是个什么身份？”未经倾听的打断和基于身份的质疑，在旁观者的视角下格外粗鲁。
很喜欢《菜根谭》中关于言论自由的四句：“毋因群疑而阻独见，毋任己意而废人言，毋私小惠而伤大体，毋借公论以快私情。”放诸该场景下，无比妥帖。毋因群疑而阻独见——要支持孤军奋战、合理怀疑的8号陪审员；毋任己意而废人言——4号陪审员只相信自己愿意相信的经常打断他人的不同陈述，堪称反例；毋私小惠而伤大体——7号陪审员因为自己的球赛即将开始而对这一场关乎男孩生命的审判漠不关心；毋借公论以快私情——4号陪审员把自己的不成功父子关系投射到男孩身上，想要处死男孩以成全自己的未被满足的遗憾…
4号陪审员“舌战群儒”
似乎随着年岁渐长，甚至自夸一些：看过的书多了，经历的人事多了，就越发失去了去评价的热情。如果有人问我你怎么看xx事，我很可能会把事情复述一下，陈述正反方的有理和不足的地方，但要问我具体的倾向，我会开始犹豫…
不记得哪一门课了，老师提到了克里希那穆提的一句名言：“不带评论的观察是人类智慧的最高形式。”这话很适合拿来为我自己开脱：不表明立场＝人类智慧的最高形式。但这事实上并不完全正确，或者确切一些，是一种不负责任的做法。不带评论的观察是认清事情本质的良策，却不是指挥行动的良策。如果秉持这种态度，在剧中就是弃权，虽然不会助长主张惩罚男孩的一方，但也无益于男孩迎来公正的对待。
升华一些的话，以出世的态度处理入世的事业，是无法推动世界朝着你认为好的方向改变的。而且如果你有足够的信息、足够的理智、足够的发表观点施加影响的机会，我以为此时作壁上观并不是一种可取的做法。
我们生活的世界，这正是靠着“不带评论的观察”+“大胆假设、合理怀疑、小心求证”+“敢作敢为、要世界成为我要的模样”而不断推进的(´-ω-`)
坚持、支持对的观点，同样重要！
结尾照例是言语共勉：
“在黑暗中勇敢，追寻人类闪光，不放弃责任、良知，与滚烫”
希望我们都能“兼听正反”、“偏信（力挺）正义”，在黑暗中坚定地选择人类闪光。回复赞
Lv3随着一声声哀怨的秦腔，话剧《白鹿原》完美落幕。白嘉轩和鹿子霖从一头青丝腰杆笔直，到满头白发直不起腰，大祠堂仁义白鹿村的匾额从不可撼动到零落成泥，三个小时的演出，演员们将观众带回到充满悲情的白鹿原上，白鹿两家跨时代的分崩离析，是无数中国人、中国乡村，无法摆脱的宿命。珵Lv32023-08-17
族长白嘉轩，一个被黑娃称为腰杆太硬太直的“大家长”，用乡规族约约束着村民们的日常行为。每每鼓点响起，白嘉轩率领众人在祖先排位前跪拜，旁白是童声朗诵的乡约，幽暗的灯光打在祠堂的“仁义白鹿村”匾额上，庄严、肃穆。宗族制度在中国乡村绵延上千年，殊不知这僵化的制度行将就木，纵然有祖宗在天之灵的注目，有家规族法的约束，却依然无法阻止人的堕落与犯罪。
黑娃与田小娥的到来，打破了白嘉轩主持的仁义白鹿村的平静。由于田小娥的身世，白嘉轩不同意他们进村，不许他们祭祖。黑娃与田小娥只能住在窑洞中。随后黑娃随鹿兆鹏参加农业讲习所，回村造反，打碎刻着乡约的石碑。在白嘉轩看来，黑娃一身反骨，田小娥是红颜祸水，皆是不可容忍的罪恶。随后黑娃逃窜，田小娥被迫委身鹿子霖。鹿子霖更设计让田小娥诱骗白孝文。田小娥被鹿三所杀，又化身厉鬼附身鹿三。最终，白鹿原竖起一座镇妖塔，将烧成细灰的田小娥镇在塔下。
田小娥无疑是悲剧人物，也是大部分农村妇女的缩影。她有姿色，也有胆识，爱着黑娃，只想随着黑娃回村安家立业。却遭遇族长白嘉轩的拒绝，理由是她不是清白人家的女子。而为了救黑娃，被鹿子霖利用，被迫委身于他，是一位手无寸铁的无助女子在当时唯一的选择。被鹿三杀死后，她附身鹿三，一边发出毛骨悚然的笑声，一边控诉白鹿原族人的虚伪和丑陋。她不过是想如嫦娥奔月，却不曾想飞蛾扑火。镇妖塔落成，蝴蝶纷飞，在色欲面前，仁义礼智信皆是虚假，男人的堕落却道是女人祸水。仁义救不了世人，世人却拿仁义行不义之事。
随着革命如火如荼的发展，从军阀混战，到第一次国共合作，到抗战的全面爆发，再到解放全中国。当时的中国，各路人马异军突起，政党时而联盟时而互相残杀。白鹿两家的年轻一代也纷纷投入这场战斗。白灵与鹿兆鹏、鹿兆海兄弟的恩怨情仇，也裹挟着对革命理想的追求。鹿兆海因为加入gm党，而失去了白灵，白灵与鹿兆鹏因共同的革命追求结为夫妻。然而乱世不容得儿女情长，兆海死于抗战，白灵死在延安。而被鹿子霖陷害的白孝文，却成了gm党保卫团的营长。黑娃改邪归正，加入保卫团，又跟随朱先生读书，企图寻找到今后的正路。
可是，革命，始终是一群乌合之众的狂欢。他们假主义之名，耀武扬威，将刀枪指向昔日的仇敌。白灵希冀的“自由平等没有剥削没有压迫的世界”最终没有到来，乌托邦终将破灭。而如先知一般的朱先生，并没有料到他那个所谓的“政/z/m/主/广开言路”的政党，在夺取政权之后，对异见人士、地主乡绅大开杀戒。朱先生没有算到黑娃的死，也没有料到鹿子霖的疯。更没有想到，仁义礼智信没有了，革命理想也没有了，不要脸不要祖宗也不信主义的人掌握了生杀予夺的权力，扔掉了“仁义白鹿村”的匾额，祠堂里挂起了猩红的“公审大会”旗帜，以主义之名，对他人拿起了屠刀。
白孝文与张团长喝酒时说道“为了脸，为了不要脸……为了撕破脸再长一张新脸。”白孝文彻底地沦落，曾经的乡约族规对他已毫无震慑，而他更从未相信过哪个主义，见到gm党大势已去，便起义倒戈到gc党，成为了滋水县县长。而为了寻求正轨而努力蜕变的黑娃，终不敌不要脸的白孝文，最终死于白的阴谋。
白嘉轩和鹿子霖活到了最后，鹿子霖疯了，白嘉轩的腰更塌了。但见白嘉轩颤颤巍巍跌坐在被推倒的匾额边上，垂下他一辈子正直高傲的头。朝代变了，一代人也故去了，土地不过是你买来我买去，到底是竹篮打水一场空。所有人不过是被历史的洪流裹挟着往前走，螳臂不能当车，终将在历史的车轮下粉身碎骨，万劫不复。
剧中的演员多是老戏骨，白嘉轩的扮演者蒋瑞征老师已经70岁，拿到这个角色时，已经66岁退休在家的他再次出山。鹿子霖的扮演者管越老师，也带着腰伤坚持巡演。年轻一代的演员也十分努力，角色的拿捏非常精到。配角也非常出彩，即使戏份不多，却也令人印象深刻，比如冷先生的女儿说疯话，还有冷先生在日军飞机的炮火中为女儿配毒药的那一幕，凄苦无奈的小人物，只能在满目苍痍的宿命前投降。
虽有北京人艺版本的珠玉在前，陕西人艺版本的《白鹿原》却剑走偏锋，全程用陕北方言演绎，幽暗的灯光，悲怆的秦腔，将观众带回陈忠实先生笔下最真实的白鹿原。
剧中还起用了古希腊悲剧的歌队，一群陕北农民，他们从众，八卦，爱看杀头，爱看他人笑话。是鲁迅笔下麻木不仁的“看客”，是卑劣的国民性的真实写照。
非常感谢陕西人艺精心打造的话剧《白鹿原》，是陈忠实先生最认可的版本，也是最打动观众的宏伟史诗。全国巡演三百场，非常值得现场观看。回复赞
上海
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