Lv5#音乐剧巴黎圣母院 0719上海首演repo ⛪️urnotivyLv52019-07-20
经典之所以称之为经典，时隔8年再度降临魔都面对不同的观众却同样的火爆，即使是法语音乐剧，返场后观众居然能整齐的娓娓合唱，可见一斑。
所谓视听盛宴实至名归担得起，称其为音乐剧不如为歌舞剧，事实上，它纳入了摇滚、现代舞、和杂技等。现场也找不到乐队席，取而代之的是伴奏乐，这点略遗憾了，首演的音响有点炸，开场高音部分都感觉滋滋作响。全剧并未出现大教堂的画面，用简单却有趣的背景板代替，文广舞台上的‘多功能背景板’已在多部剧内出现，对舞台整体呈现很惊喜。尤其是当有大面积同色灯光打下时，背景板不规则的纹路映衬着更有层次感。不得不夸灯光师，全剧各种花式打灯，名场面如爱斯美达拉的vivre宛如圣母玛利亚莅临，三重唱Bella完美均衡地分布如艺术品ban工整，百合和爱斯美达拉表达爱意渣男时的Beau Comme Le Soleil大剪影诗意地投影在幕布上放大了所有的爱和无奈。
舞蹈和歌唱相对独立。歌曲主料恢弘大气，伴以柔美小料，偶尔还来点歌剧味道刺激一下，主打是躲不了摇滚味儿，真可谓“摇滚大教堂”。诗人和菲比斯的歌声非常厚实稳当，却在我这没有特别大的记忆点。盼星星盼月亮远道而来的Hiba女神着实惊艳，无论是歌神还是身段舞姿，可谓尤物，她或澄净或庄重或激昂或悲怆的嗓音真正担得起剧迷的热爱和期望。当然了，全场最佳给到姗姗出场的卡西莫多，张扬的红色妆容服饰大喇喇地凸显其丑陋到惊世，他的声音开嗓跪，浑厚得仿佛和其他歌者不在一个维度，非常强烈的共鸣声直击后脑勺，余韵苍凉悲壮。被大家诟病的主教大人却意外地喜欢，他的声音纯净却毫无隐藏的表达欲望，几段独唱虽然有时候被伴奏略吃掉一些，却瑕不掩瑜吧。
门外汉看舞蹈部分包括却不限于芭蕾，现代舞，杂技舞，攀岩(?)等，通过具象的表现手法，把歌声背后的情感更直接可视化的呈现，如五人独舞表达菲比斯内心挣扎戏，名场面倒挂金钟舞，爱斯美达拉被处刑后空中灵魂飞升舞，吉普赛人部落早期的舞蹈和攻打教堂解救爱斯美达拉甚至利用起围栏作为道具等等。颠覆了以往我看音乐剧歌舞一体交相呼应的场面，每一部分单独拎出来都可以是一出完美的表演，却大胆地融合在一起，观众在大饱耳福的同时，所观所想也被调动起来。
剧情弱化的处理，如果是其他剧本可能是个缺陷，对于nddp而言，却是最紧凑扎实的演绎，毕竟大家对情节都耳熟能详，不至于费时前情交代繁复。每一个人物都相对饱满独立。四个男人，代表了不同的爱，诗人作为名不副实的丈夫旁观一切的发生，卡西莫多爱得卑微只求守护她，主教压抑的爱而不得却疯狂磨灭她，菲比斯幸运得到爱自负不懂珍惜。而我们的大女主，美的动人心魄，善良、真实、勇敢，她告诉自己：爱吧，至死不渝；给予，不求回报；自由，选择人生，没有排挤，没有禁忌。正如主题。
爱与自由，永恒的主题。一部诚意满满的剧，曲作者的亲临指挥一起合唱大教堂时代，也真是难能可贵的回忆。11回复14赞
Lv6#Mini Lover# 开心麻花的音乐剧。托某妹纸的福到虹桥艺术中心观演。新年第二场剧如此欢乐又带着点小心酸。童话世界里，王子与公主从此幸福地生活在一起。。。这是我们通常看到也期望的Happy ending! 然而残酷的成人童话世界……灰姑娘，白雪公主，人鱼公主，小矮人，他们能收获属于自己的幸福吗？没有人能告诉你真爱在哪里？付出未必会有回报，但不付出就根本谈不上有回报！如同歌神唱的“等待着别人给幸福的人，往往过得都不怎么幸福”胡迪扮演的小矮人查理的娃娃音好可爱，冒冒（冒海飞）小矮人形象差点没认出来呀，《危险游戏》里的内森角色太深入人心了，频道一时转换不过来呀[捂脸]还有一袭蓝裙的“辛德瑞拉”太妖娆了😂锁骨和妩媚的眼神最撩人[捂脸]“Lisa姐姐”施哲明，你这个大魔法师要圈多少妹纸回去和你哈利路亚[抠鼻]还能更污一点吗～～[捂脸]（儿童不宜的成人童话音乐剧）爱看剧的伪文青Lv62017-01-24回复赞
Lv4一部令人震撼且沉重，但是又非常有时代性和警示性的舞剧PoisonedLv42023-05-17
泪水在眼里打转，心情久难平复
在我看来，这部舞剧所展现出来的已经不仅仅是“美”，最让我难以接受也是最不愿意相信的是这部剧所展现的“真”，84年前在南京这片土地上真实发生的事情，和我们的距离是那么的近，又是那么遥远！
开场的时候，一片纯色的背景，一袭白裙的张纯如拿起手枪，结束了自己的生命。随着哀伤的音乐响起，开始了她的故事也是贯穿全剧的线索。与此同时，四位主角一同上台开始跑动，西门子驻中国的经理德国人拉贝；金陵女子文理学院院长、美国传教士魏特琳；怀胎七月的中国普通母亲李秀英；日本侵华日军代表东史郎四人；舞台上无序的跑动毫无任何交集，好似这四个人的人生，本就没有任何交集，每个人都有自己的人生轨道，可是当屠杀降临在南京城，这四个人的人生就都和一件事密不可分——南京大屠杀。
第一幕:群舞+拉贝part+万人坑
所有人都开始跑动，乱舞，没有人是幸免者，一个个倒下又一个个站起，不屈不挠的抗争永不停息，堆积成山的尸体，纯如一个一个的抚摸，也正是她在一幕幕的揭开这段历史。拉贝举起国际安全区的大旗，尽其所能护佑着中国的难民。在史实中，拉贝曾经直接给希特勒发过电报，要求对日军的行为进行限制，虽然没有收到回信，但是日本的轰炸确实由对全城的狂轰滥炸变成仅针对军事区的轰炸。随后四名战场上退却的中国士兵的到来，打破了国际安全区原有的氛围，因为根据国际公约，安全区内不准有军事警察人员的存在，但是他们扔掉了枪之后进入安全区，也随之带来了日本兵的大搜查，随后便是全剧第一个小高潮点，每一个平民都被迫跳入万人坑接受活埋，在舞台上一跃而下，舞蹈的张力加上凄惨的音乐，热血奔涌而出。
第二幕:东史郎part+魏特琳part+李秀英part
以日本的特色音乐开场，东史郎从生母手中接过剑，生母对他的教育是“忠于天皇，战死沙场”，这就解释了为什么年纪轻轻的日本青少年在当兵之后变成了毫无人性的战争机器，因为从小就没有情感的教育，只有对天皇冷冰冰的愚忠，而这种愚忠就演变成了他们在战场上对人性的漠然。随后是东史郎养母的出场，养母对东史郎是拥抱、背、玩耍等亲昵动作，并对他出征恋恋不舍，展现了一个母亲的爱，这也是本剧唯一一个亲情的点，也是不可或缺的点，正是养母的动作在东史郎的心底里埋下了一颗爱的种子，也为他在战争结束后，一直在忏悔的行为埋下了种子。随后，东史郎加入了日本军队，整个军队整齐划一，变成铁面，舞蹈也有蝎子的味道，暗指其蛇蝎心肠，成为战争的机器。他们来到了金陵女子学院，对这里的女性展开疯狂的迫害，引出了院长魏特琳这位被称为“南京人的活菩萨”，尽力拯救着她的学生与难民。随后转向了李秀英这位英雄母亲，也是本剧的最高潮，面对日本人的暴力行为，李秀英虽怀胎七月，仍不屈服，最终身中37刀而倒下，被当做尸体在往死人坑中扔的时候被发现还喘气，随后被送到金陵医院治疗，幸运的是，她坚强的活了下来，直到2004年才去世，但是腹中胎儿流产。
第三幕:与右翼分子博弈
张纯如由于写了许多关于南京大屠杀的材料并将之公之于世，并陆续发现了《拉贝日记》、《魏特琳日记》这样铁一般的证据，加上对幸存者李秀英等人的采访，逐渐让世界认识到二战时期东方战场也有类似纳粹大屠杀的行为存在，而与纳粹大屠杀不同的是，这段历史至今都被日本许多右翼分子人不承认，甚至想抹杀。而张纯如在此期间也遭受过相关的威胁与恐吓，最终选择了自杀。值得一提的是，正是张纯如他们的行动，在国际社会上得到了认可，在日本申请加入联合国安理会的时候，成千上万的在美华人联名请愿，拒绝其加入安理会常任理事国。
结尾
每个人都在麻木的前行，魏特琳因为目睹了太多的残暴与血腥，在第二年回美国后去世；拉贝回国后没多久也去世；58年后李秀英一直在讲述那时候的所见所闻，那句采访时候的“皱纹掩盖了刀疤，我年轻的时候刀疤很清楚”久久难以忘记；东史郎开始了忏悔，写了东史郎日记，揭露南京大屠杀的暴行。
最后，张纯如被所有人托举起来，我想这些人应该指那30万亡灵吧，是纯如让他们重新被记起，历史不应该被遗忘。
写在最后
到南京来的第一次周末，就选择去了侵华日军南京大屠杀遇难同胞纪念馆，因为这段历史很厚重，总是不愿意被提及。每次受到警示后心中油然升起的是吾辈当自强的精神。馆名写得很清楚，造成这次浩劫的罪魁祸首是侵华日军，我们愿意相信，侵华日军并不代表整个日本，这是日本军国主义所带来的灾难。我们可以忍受住同胞丧命的苦楚，去正视这段历史，也愿意正视日本这个国家，选择包容与相信，这是中国人骨子里的温凉。但是反观日本的行为呢？右翼分子、当权者一而再，再而三地参拜靖国神社，靖国神社供奉的都是些什么人呢？没错，就是刚刚我们馆名上所说的南京大屠杀的罪魁祸首，那些侵华日军的首领，给中华民族带来浩劫、带来伤痛、带来耻辱的侵华日军的代表。这样让我们如何心平气和地正视，让小人长戚戚?在今天这个日子，我们有了国家公祭日，心中着实感动，我们没有忘记，我们不会忘记，我们永远牢记，我们会在这次深深的浩劫中汲取力量，我们会尽自己的最大努力做好我们自己，让我们的国家、我们的民族、我们的同胞永远永远永远不再经历这样的事。张纯如姐姐，请您放心！回复1赞
Lv6#黑鸟#用户138****6697-aeff0Lv62017-06-01
《黑鸟》是一部九十分钟的独幕剧，它以十分紧凑集中的篇幅展现男女之间一场激烈的对峙,它的触角伸向敏感禁忌的恋童话题,叩问理智、情感和伦理之间模糊的边界。
在观点的激烈冲突中，演员们全情投入、张弛有力的细腻表演，一层层脱去了Ray和Wuna的伪装，袒露出他们的真实灵魂，颤抖着、害怕着，让人忍不住把目光移开……全剧剧情尖锐、激烈、残酷，扣人心弦……
周野芒和杨子奕一出场的细微的表情和试探性的对话就演绎出2个经历一夜不被认可的两性关系15年后的重逢。从最初的小心翼翼相互试探，到后来的针锋相对，试图回顾那一夜被遮盖的真相，究竟是无情的抛弃？还是命运的捉弄？愤怒、好奇、困惑充斥着女主的人生，为了掩盖男主Ray的罪恶她撒谎掩盖真相，但又被不得已被迫验伤收取证据从而揭发Ray的罪行。那一夜后她失去了一切，生活在周遭充斥于耳的谴责中，被囚禁家中，遭受邻居道德非议，如同生活在炼狱中。可即便如此却又对男主Ray有着说不明的执着依恋，凭着一张不起眼的杂志照片时隔15年后找到了深陷囹圄多年后改名换姓重拾新的“Peter”。对于Wuna的突然到访，Peter心存戒备，猫鼠式的复仇和性阴谋即将上演。
周野芒老戏骨，表演内敛又不失张力，杨子奕也满身都是戏。浑身颤抖控诉周的无情抛弃，冲突扭打后2人摔倒在地，杨依靠架子坐在一旁时说着台词，脚趾都分分钟抢戏，令人刮目相看。
全场最令人惊叹的不是传说中的大胆激情戏（好吧，对于周杨的真亲及裸露我只想说演员真敬业！），而是周杨二人激烈冲突时愤而举起椅子砸向地板摔得散架的震撼，以及两人为宣泄压抑15年情感怒砸瓶子，满场像是灾难后的一片狼藉。极具煽动性，很震撼。发泄后峰回路转两人又看对眼情不自禁深吻起来，正当我陷入男女主似乎重拾爱意的温馨场面，反转式的开放结局又把我拉回现实，探讨人性的丑恶。
谢幕时深陷周野芒的魅力忘了拍照，只能找了2位主演的剧照凑数啦。[调皮]回复2赞
Lv511.30 晚场的《麦克白》Edith^^Lv52018-12-01
英国TNT剧院原版话剧
英文对白（舞台两侧屏幕有中文字幕）
时长140min（幕休15min）
自从不眠之夜体验之后，就对这部莎士比亚的作品突然有了兴趣。
因为考虑到可能比较晦涩难懂
事先特意翻出译本又看了一遍
如果没有看过译本，不建议直接去看。
建议去不眠之夜前，先去看这部话剧。
因为英文原版演出，语速非常快
可以在【云汉剧场演出】公众号
提前了解下中文剧本的内容
和中文字幕是完全一样的
一共有四幕，但舞台布景相当简单
主要就是三根石柱，一个王位，很复古。
根据第几幕第几场的需要，
稍微改变下位置就好了。
灯光布景服装可以说是非常朴素无华了。
全剧好像就麦克白夫人换了一件连衣裙？
同僚们的服装都是一样的
麦克白成为国王加了一件类似貂皮毛料
麦克白夫人也戴了一顶像斯嘉丽的帽子
绿色连衣裙＋飘带帽子，
有斯嘉丽的feel~）
演员一共六人，几乎都是一人分饰几角。
这样的话演员功底算是相当不错的了。
其中麦克白夫人和麦克德夫比较出色。
没有一惊一乍故意渲染诡异气氛的配乐，只有恰到好处的自然音效，比如乌鸦、丧钟等作为暗喻。还有通过灯光突然变红，说明这个人被杀。
第二幕第四场城堡外 列诺克斯和麦克德夫跪在台前说话 窗户的影子倒映在地上 很美
三个女巫预言麦克白将会成为考特爵士，甚至是未来的君王。每次当麦克白的头脑中升腾起这个念头的时候，女巫会悄悄地出现在他身后，把折好的藤蔓树枝弯曲成一个花圈戴在他的头上，既像是为他加冕，也有煽动他欲望的成分。
不过麦克白夫人显然起到了更加关键的推动作用，蛇蝎心肠的她不仅利用女人的妩媚引诱他，更是使用了激将法，使他杀死了邓肯国王。
（麦克白夫人的妩媚让我有点心动2333）
当邓肯国王的灵魂在台上出现的时候，这部剧被推向了高潮。只有麦克白一人才能看到（观众是上帝视角），他无法抑制住自己的恐惧，惊慌失措，六神无主。
麦克白夫人把发疯后歇斯底里的状态表演得淋漓尽致。她像是在梦游，却异常清醒。她在睡梦中不停地洗着自己的小手，那一声叹息让人痛心又揪心，非常具有感染力。终于，她选择了自杀来得到永久的解脱。
麦克德夫在听说自己的夫人和孩子们无一生还的噩耗时，从情感上来讲，他最爱的人惨遭这般毒手，他悲痛欲绝，自责不已，却要强颜欢笑表现出男人的坚强，最后都变为一腔愤怒，打起精神准备应战。麦克德夫这样细腻的心理变化，也是非常打动人心的。
中间还穿插了一些舞蹈动作，比如女巫三人叠，还有门房夫妇的小打小闹。
幕休的时候，工作人员为王位穿上三层blingbling的布料，就像衣服一样。女巫三人利用王位椅子和地面的高低落差，制造出一个庞然大物来故弄玄虚，也蛮有意思的。
门房这段比较诙谐，带有喜剧色彩。门房和他的夫人共度良宵，两人摆出很多姿势，还有门房脱衣服拉裤子的动作，但是却不像国内的话剧，会有木板吱吱嘎嘎的配音让人感觉尴尬。我觉得这个尺度不算很大，能接受的范围内。1回复9赞
Lv5斯蒂芬•桑德海姆一直是一个说事的人，他不会因为要赚钱而写些肉麻的动听歌曲，编写浪漫的俗套故事，相反，他宁愿自己的戏只演出几场就因为票房不佳停演。他是一个真正为了艺术良心而创作的大家。lalalalaLv52017-07-28
虽然很多人对于他的作品只是敬佩，而非喜爱，我却可以说是绝对的桑德海姆迷。从第一部接触的Into the Woods开始，我就被他精湛的作曲技巧，奇妙的故事情节，绝妙的对白措辞和深刻的主题征服，从此对他五体投地。就好像当初遇到小波的文章时一样。其实故事不是最重要的，很多时候不是任何真理都可以用故事来表示的。于是概念音乐剧就出现了，桑德海姆的剧作虽然基本上都是有清晰的情节的，但是在好几部剧中叙事结构跟着主题走的趋向已经很明显。比如史诗《太平洋序曲》，探讨艺术与生活的《星期天与乔治同游公园》，讨论当代人婚姻爱情生活的《伙伴们》等等。
但1979年的《理发师陶德》却具有极强的叙事性，故事情节可谓曲折动人。虽然如此，桑德海姆还是赋予了这个精彩的故事以灵魂，而不是单纯为讲故事而讲故事。理发师陶德的故事在欧美流传多年，是大人用来吓唬小孩的经典素材。虽然作家彼得•海宁（Peter Haining）认为斯威尼•陶德确有其人，但由于资料不足，陶德的真实存在还是一个迷。其实最早的陶德故事可以追溯到11世纪的英国传说，故事说一个旅馆老板杀死三个住客后，他妻子将尸体做成肉饼出售。这颇有孙二娘的风采。
虽然历史上关于陶德故事改变的戏剧、文学作品很多，但是大多数都是将它写成一个单纯的恐怖故事。陶德就是一个天生的杀人狂，杀人没有目的。直到1973年克里斯托弗•邦德的剧作《理发师陶德》才将故事的主题进行了深化，给予了陶德杀人的动机。关于这个动机，在后文将会谈到。桑德海姆第一次在伦敦看到这部话剧后就认为“它可以歌唱起来”，于是开始了音乐剧版的创作。休•维勒将克里斯托弗的剧本改编成了音乐剧剧本，而词与曲还是由才华横溢的桑德海姆一人操刀。虽然名导哈罗德•普林斯对于维多利亚时期的剧作不感兴趣，但是桑德海姆还是说服了他来做音乐剧版《理发师陶德》的导演。1979年3月1日，《理发师陶德》在纽约尤利斯剧院（即现在的乔治•格什温剧院）开演。并于次年获得了包括最佳音乐剧，最佳剧本，最佳曲谱，最佳男女主角（兰•卡里奥（Len Cariou）和安吉拉•兰斯伯里(Angela Lansbury)）等在内的8项大奖。随之而后的复排及各种变体形式的演出也很多。《理发师陶德》可以说是桑德海姆作品中观众认同度最高的作品之一。
1982年美国公共电视娱乐频道播出了美国巡演卡司的录像。这也是现在市面上可以找到的两种《理发师陶德》的录像之一。其他录像有英国皇家国家剧团的复排版，巴塞罗那西班牙语版，均在电视台播出过，但未公开发行。美国巡演卡司与原百老汇剧组人员变动较大，但是令人敬佩的安吉拉•兰斯伯里还继续扮演洛维特夫人。兰•卡里奥的陶德则由曾在百老汇短暂代替他的乔治•赫恩（George Hearn）饰演。这两位主角的表演相当到位，火候十足。这我会在后面讨论。
桑德海姆的剧作一向以极强的音乐表达力和控制力而独具一格。师从小哈姆斯坦的桑德海姆可谓是才华横溢。年纪轻轻就成为了伯恩斯坦的名剧《西区故事》的剧诗作者。自己的独立创作也日益成熟，他的很多名作均是自己包办词曲。托尼奖5次词曲双佳的记录无人能及。这些足可以证明桑德海姆高超的音乐功底。
《理发师陶德》的音乐可能是桑德海姆写过的音乐剧里最为复杂的一部。大量使用重唱与合唱，频繁的旋律反复和变调，以及丰富多彩的尖锐和弦，这些虽是他常用的技巧，但是在《理发师陶德》中可谓发挥的相当出色。
从开头到结束贯穿全剧的《斯威尼•陶德谣》起到了强调主题和连接故事的作用。桑德海姆动用了主导动机的写作手法，这使得整部剧的音乐剧连为一体，可谓一气呵成，而没有支离破碎之感。这一向是我最佩服桑德海姆的地方。有许多音乐剧存在着讨巧的问题，单曲动听，但是连在一起对主题对剧情的帮助不大，感觉就像是演唱会。韦伯的《轻风微哨》就有这个问题。这对于一部剧作是个致命伤，就好像话剧里面混杂了各种语言文体一样，庞杂无序。
桑德海姆本人更愿意称《理发师陶德》为一部歌剧，确实，从音乐上讲，这部剧达到了很高的造诣。内中很多咏叹调都有古典乐简朴明晰的特点，如霍普的情歌《乔安娜》，简单的几个音符和舒缓的节奏将年轻水手心中的柔情刻画的相当到位。
洛维特夫人复杂的咏叹调《伦敦最差的馅饼》将动作，人物心理和剧情柔和在了一起，节奏和曲调随着故事的发展和人物心理的变化而巧妙转变。桑德海姆被有些人称为控制狂也可以理解，因为确实如此。桑德海姆将音乐的作用发挥到了极致，连动作也包括了进去。很少有音乐剧作曲家花如此大的心思，让音乐发挥出如此大的作用。
托比亚斯的《皮列里的仙药》的曲调借鉴了英国民间小调的特色，顺畅跳跃的节奏，将托比亚斯单纯的性格和皮列里所谓仙药的虚无显露无疑。尤其是开头一句，连续的两次下行，在乐句最后一个高于前一个音8度的写法，不仅模仿了人说话的语气，还将小贩推销时的语气模仿地惟妙惟肖。
乔安娜的咏叹调《绿雀和红雀》，连续的下行乐句将乔安娜心中的失落描写的很动人。其中结尾的高音延续，又在绝望中透露出希望。
贯穿全剧的《斯威尼•陶德谣》借鉴了Dies Irae Gregorian chant的曲调，《醒悟》（Epiphany）的伴奏中也借鉴了这一古调，这和故事发生的时代和背景契合的很好。在Epiphany中因为措施复仇良机，陶德陷入疯狂，这一宗教古调为素材的伴奏将陶德内心扭曲的仇恨烘托的很好。而且在略显恐怖的《斯威尼•陶德谣》里这一宗教曲调更使得这一贯穿全剧的重唱与全剧总体氛围和主题联系地很紧密。
桑德海姆最擅长的估计是重唱了，重唱对于情节的发展和人物的互动很有帮助，和单曲不同，重唱可以包含大量的信息，刻划复杂的人物心理。这也使得《理发师陶德》这一情节性极强的素材在桑德海姆的笔下更显得此起彼伏。
桑德海姆承认自己是一个恐怖片影迷，所以《理发师陶德》估计是他看恐怖片后的一次音乐总结，许多恐怖片配乐的精华都在桑德海姆为《理发师陶德》的音乐里显露出来。蒂姆•伯顿的电影版就可以证明桑德海姆为《理发师陶德》作的曲在萤幕上也会一样熠熠生辉。
还有不得不提的是桑德海姆为陶德准备的那两句宣叙调（There’s a hole in the world…），平直的曲调和快速的节奏就像一个人在发牢骚，和陶德对于伦敦这个貌似文明的黑暗所在的痛恨相当符合。
桑德海姆的音乐从来都不刻意追求优美，只要是符合情节发展，主题需要的，他就会写，无论多复杂，多让人受不了。但是到了情节需要柔情优美时，他向人们证明了他绝对是一个情歌高手，从《小夜曲》里的那些经典曲目（Send in the Clowns, Everyday a Little Death），到《拜访森林》里的《郁闷》(Agony)，《无人是孤单的》(No One is Alone)，到这部剧里的《当我在你身边时就不会》（Not While I’m Around），这些柔情的歌曲足以说明桑德海姆能够完美驾驭各种歌曲，而且不是一个媚俗的作曲家。
这部剧的主题并没有《星期天与乔治同游公园》，《太平洋序曲》等剧目的晦涩难懂，但是虽然如此，此剧的主题还是正中要害的。那就是人性的黑暗。
为什么说克里斯托弗的改编赋予了这个流传上百年的故事灵魂，就是因为他赋予了陶德以杀人的动机，有了这个动机就可以回推，推出他为何为这样。于是整个社会的虚伪和黑暗就在这个小小的动机中得到揭露。但是桑德海姆似乎更愿意强调人性而非社会。
本来的陶德要杀的只是罪大恶极的大法官，但是自从第一次失手后他就将自己的仇恨放到了整个社会上。所有所谓的文明人都是他的复仇对象。这时的他开始失控，成为一个情绪波动较大的杀人狂。直到最后悲剧的发生。这似乎像是所谓的命运悲剧，性格悲剧，陶德无法控制自己心中膨胀的仇恨。就好像哈姆雷特无法克服自己的软弱和犹豫一样。所以《理发师陶德》颇有莎氏悲剧的风采。
人性的自私也是本剧的主题之一，洛维特夫人因为自己自私的爱，而没有告诉陶德实情，直到陶德误杀了自己的妻子后，她才醒悟。但这时一切都晚了，最后只是死路一条，因为陶德从未爱过她。这就是为什么托比亚斯会提醒她要小心陶德。
说到这里，人在爱前面的软弱也显露无疑，洛维特夫人无法离开陶德，因为她已经爱上了这个曾经的帅气发匠。最后自己的毁灭也是不可避免的。
特平法官是整个所谓上流社会黑暗腐败的代表，他的种种劣迹已经使他成为十恶不赦之人，但是社会的不公便在于此，于是陶德只有自己复仇，这也揭露了社会的黑暗。而教区执事则是那些帮凶的代表，是整个肮脏的上流社会的走狗的代表。
陶德最后被托比亚斯杀死，或许是为了说明复仇的虚无吧，最后什么都没有了，只有乔安娜和霍普在一起了，这是悲剧中的喜剧。也是为这一出大悲剧镶上一丝喜悦和希望。
我这里单纯讨论1982年录像版的演员，少许会涉及其他制作的演员。
首先讲乔治•赫恩，可以说赫恩的陶德是入木三分的。这也许就是为什么01演唱会版的《理发师陶德》还是由他来饰演这个经典角色。 在这个主角复杂的心理塑造上，赫恩没有单纯将他演成一个冷血杀手，相反陶德的遭遇让人觉得可怜。人们对于他的同情会多于恐惧。在与皮列里比赛那一场戏里陶德沉稳冷静和幽默的一面被赫恩把握的很到位。最后的一场感情大爆发的结局，赫恩恰到火候的表演没有让我失望。我在看戏时最怕的就是演员的过火或者火候不到，过火是很麻烦的问题因为有些演员难以收住自己，一演就过了，而火候不足则或许可以纠正。
女主角安吉拉就更不用说了，老牌的明星了，她创下了5次托尼提名4次获奖的纪录（除了今年的话剧类最佳女主角未获奖）。虽然奥斯卡至今没有垂青这位大牌，但是金球奖还是肯定了她在电影界的成就。安吉拉塑造的是一个可爱中带点邪恶的洛维特夫人，她为了爱毁了自己，这可谓是她最大的悲剧。她对于托比亚斯的母性显示，使得这个角色更是一个悲剧角色。安吉拉纯熟的演唱技巧和演技加之多年的舞台经验，让她的洛维特夫人成为了不朽的经典角色。她自己都曾经说洛维特夫人是她最喜欢的舞台角色。
其他演员也表现地很不错，毕竟是一个要上电视台的制作，所以班底还是很优秀的。
本人最不喜欢的就是乔安娜的演员贝茨•乔斯林（Betsy Joslyn） 。不得不承认她是一个很优秀的女高音，单听录音的话我会喜欢上她的乔安娜。但是在演技上她显得有点过火，尤其是在《绿雀和红雀》这首表现乔安娜内心苦闷的歌曲里，她的动作和表情有点扭曲，过于夸张。看到特平法官往屋里跑的表演也过于夸张。01演唱会版的丽莎•弗洛曼(Lisa Vroman)诠释的乔安娜就比贝茨的到位很多。还有一点便是贝茨的形体有点偏肥，让人无法和霍普口中的“美丽女人”完全联系起来。尤其是穿上水手服的时候，这种体型更加显现出来。近段时间她在饰演非百老汇制作的汤乃地夫人（《悲惨世界》），看剧照她很适合这个角色，而且这个角色本来就是很夸张的，过火也没有关系。
看到01年演唱会版贝蒂•吕朋的演出，我觉得她也是洛维特夫人极好的人选，在05年（伦敦04）的复排版百老汇剧组里她饰演了洛维特夫人。这个复排版显得十分后现代，完全脱离了时空的束缚。布景和服装以黑色为主调，夹之白色，显得十分惨白阴森。较之79原版，此版更阴森。此版还有一个特色是没有管弦乐团伴奏，演员自己伴奏，这也是很有创造性的。可惜在06托尼颁奖上最佳复排版音乐剧被The Pajama Game夺走。
当然贝蒂的风格和安吉拉完全不同，安吉拉的让人有一种亲近的感觉，而贝蒂则显得稍有野性和邪恶感，我本人一直觉得贝蒂•吕朋在唱歌的时候有点野，有点过的感觉，但是到洛维特夫人这个角色时却是刚刚好。总之两者都是洛维特夫人的极好诠释者。回复1赞- Lv5那晚，在热闹的除夕晚会上，他默默走过小时候生活玩耍的老屋子，在屋门口点了根烟，然后他看见了去世的父亲和父亲在自己满月的时候写下的一封信。lalalalaLv52017-06-06
不擅言辞更不擅笔墨的父亲，在信的最后说，愿你此生不知道什么叫战争，愿你一生平安。父1956年11月26日于宝岛一村。
这是整场话剧我印象最深刻的一句台词。一个因战乱流离失所背井离乡的男人给他的儿子最深最深的祝福和期盼。那期盼与功名利禄无关，与家国大义无关，只愿你永远不会经历一种残酷，这种残酷叫做，战争。
听到这句台词的时候，我浑身颤栗，这是整部剧第一次那么明确地点出，战争之痛，战事之苦，那是生命的不可承受之重。
他们在台湾过第一个年的时候，曾喜气洋洋地说，这是我们在台湾过的第一个年，也是最后一个。因为他们坚信，逃离是暂时的，他们很快就会反攻大陆，跟家人团聚。这时候很多观众都笑了。他们笑，是因为历史已经告诉我们这些人一去就是六十年，至今未归。他们笑那时候这些人太天真异想天开。他们笑这些人自以为是白日做梦。他们能笑，只不过是于之当时，他们是六十年后历史的见证者。
可我笑不出来。即便是我真的在1950年的台湾，面对这些国民党老兵对归乡热切的在我看来确实是天真的期盼，我也不忍心告诉他们这期盼至少在六十年内会落空。因为对于走的匆忙甚至没来得及跟父母道别的他们来说，这个期盼就是他们这一生的希望啊。
70年代的那场戏，蒋公逝世，眷村老小跪地痛哭，尤其是对于那些还心存希望的老兵来说，这无异于是宣判了他们的死刑，与亲人永世隔离的死刑。屈哥饰演的老赵，撕心裂肺地喊道，您不是答应过我们会带我们回去的么！
回去！回去？回去。。。从载着将近百万的国民党军官、军眷的船支慢慢远离大陆的那一刻开始，他们就盼着，回去。
所以那一首小曲儿，从到台湾的那一天一直唱到现在，我的家在东北松花江上啊，那里有森林煤矿， 还有那满山遍野的大豆高粱。。。
所以那正宗的天津包子，从到台湾的那一天一直吃到现在，皮薄馅多，肥瘦适宜。
所以那一口标准的山东青岛话，从到台湾的那一天一直讲到现在，即使娶了台湾的媳妇儿，乡音也丝毫未改。
台湾对于他们到底是什么？是家？是中转站？是最终归宿？
那种迷惘彷徨无奈和心酸，伴随着他们整整一辈子。
整场戏我都一直处于想哭的状态。历史是多么的沉重！战争是多么的残忍！然后这沉重的历史这残忍的战争，这些后果这些结果却要让普普通通的人民们去承担！
战争没有对错，只有失败和成功。
历史没有对错，只有不同的角度。
那伟大的命运之手只那么轻轻一拨，便让至亲骨肉生生分离，妻离子散，人走客乡。但是也总是会有那么一天的吧，这命运之手轻轻一拉，我们最终在一起。回复2赞 
Lv6感谢的话写在最前面🤗鼎鼎Lv62018-12-08
偶然间在票牛上捡漏到了李云迪上海站音乐会的低档票，用完优惠券，价格只溢价一丢丢…这卖家也算良心，也有信誉，按时发货，赞一下👍🏻
天寒地冻，保利剧院在我心中距离不是问题。票房反正早就没票了。人多的来，车库都停不下车，广场上也全部停满…记忆中是头一次。🤔
音乐会选曲
上半场肖邦第二钢琴协奏曲
下半场肖邦第一钢琴协奏曲
作为肖邦钢琴大赛冠军，又是成名演绎之作，选曲意料之内。而且都非常棒的作品，个人比较偏爱第一协奏曲，无论是节奏、旋律还是主题的多次变奏，好听😊
只是今天李云迪还担任指挥，我们都知道很多音乐家都是多才多艺。边弹钢琴边指挥也有，先不说一心能不能二用，至少人的精力是有限的。我个人比较喜欢钢琴家把100%的精力放在演绎和诠释作品上面，指挥工作还是交给他人吧🧐
今天配合的上海爱乐乐团在国内的演出水平还行，但是你要期待1+1＞2那就不现实了。而且今天奇怪的是乐团首席和大提琴首席，不是我之前熟悉的。这种级别的演出，主力竟然不出席…
连续听了几场音乐会，丹尼尔、郎朗、李云迪，不说水平高低，反正都是优秀的钢琴家。个人这次听下来，最喜欢丹尼尔，拉三真的演绎入我心。不愧为年度音乐人物，实至名归！
————————-吐槽分界线
1.协奏曲共3乐章，通常是快慢快，乐章之间不鼓掌。今天观众拍手那叫一个起劲。没文化，真可怕😱保利提醒字幕也打得太晚。
2.坐后面的老阿姨说话大声，说了她么。又开始吃东西，工作人员提醒她。她说为什么不能吃?真是穷山恶水出刁民
3.一对母女穿的是有模有样，中场休息不出去WC，下半场刚刚开始5分钟，居然要出去WC，影响一排人。小孩子不懂事，大人呢?
4.演出开始，迟到的人随便进场就不提了，工作人员居然在场内撕票，嗞啦滋啦发出嘈音。工作人员基本规范流程乱七八糟。
5.我后面那小孩乱踢座位不说，玩手机两次掉在地上。没有教养🤮惹不起，害得我躲去其他空位。
6.下半场新找的空位，左边一对母女。小女孩拼了命的踢前面的人座位，吓得前面的女生赶紧坐到其他位置上。后面的情况惊呆了我。妈妈非但没有教育孩子不要乱踢，反而欢欣鼓舞，前面没有人，视野更加开阔了。💩
今天真是人多怪更多！场外场内一样精彩👻1回复8赞
Lv2推理粉们不必看剧情简介也一定知道，阿加莎•克里斯蒂的小说《无人生还》是“暴风雪山庄” 模式的经典代表作，它完整创造并完美诠释了该模式不同于其他推理小说的标志性看点，即，被困者一次次被死亡迫近又无可逃离时逐级递增的紧张和恐惧。改编此种类型小说对一干话剧主创而言是种“致命诱惑”：一方面，利用母题中天然存在的情节张力稍加琢磨便能成就“秒杀”观众的利器；另一方面，鉴于该类型的命脉在于悬疑过程的步步惊心，编、导、演任意环节的一处节奏拖沓都有可能导致满盘皆输……所幸的是，《无人生还》没有让广大人民群众失望。从十余万字的长篇小说到两个半小时的单场景话剧，从文字语言到舞台语言，这个改编是如此地漂亮，因为，最能直接形容这部戏的词就是：好看！打开光之门Lv22023-05-14
怎样入戏
《无人生还》的故事中共有十个角色（不包括船夫），所有角色性格不同、前史迥异、彼此毫无交集（管家夫妇除外），他们需按顺序一个一个地被杀，且须在死前由本人亲口讲出各自心中隐匿的罪恶往事。这意味着，无论出现时间有多短，这部剧的所有角色在本质上(当然，除龙套船夫外)并无主配之别，他们的人物形象都必须得到完整塑造，每个人从出场到死亡的过程必须分别被完整叙述。很显然，这对于一部时间、空间和叙事视角均被严格限定的单场景话剧来说着实不易。如果话剧的改编没能让观众对故事中人充分移情，在缺乏充分代入感的情况下，即使是再恐怖的死亡、再精致的谋杀，在不明所以的观众眼中也不过是路人甲乙丙丁的机械动作，根本谈不上节奏与张力。为了避免此类悲剧的发生，《无人生还》采取了和阿婆小说相同的慢热策略，首先把主创认为应该交待的都交待清楚。因此，本剧的第一幕只安排了一次速战速决的谋杀，其余时间都被用于铺垫下文，以保证后面可以无障碍地直达高潮。通过第一幕，我们知道的信息包括了以下这些（全剧共四幕）：
“暴风雪山庄”——无需赘言；
“比拟杀人” ——童谣、小瓷人和马斯顿之死的关联足以让人预感到恐惧；
前史追溯——首先要知道这10个人是怎么来的，才能更好地知道他们是怎么“没”的；
角色的基本信息、性格特征——虽然截至当前还说不上立体，但已足够鲜明。要知道，立住角色是舞台剧成功的关键；
人际关系的微妙变化——珍爱生命，远离剧透。就不多说了……
其他重要剧情建构——同上。
大量信息的加入使这部戏的前奏显得格外漫长，以至于在开场半个小时后，角色们似乎还只是在不紧不慢地“闲聊”，极容易让观众觉得被忽悠了。也许，慢热的开端是改编不得不面临的无奈，但这对于这部戏整体的精彩却是功不可没。当被中后期迭起的高潮连连惊艳到时，我们才终于意识到看似冗长的第一幕究竟承担了多么重要的任务。其中，最值得赞叹的是，主创们用精炼到位的台词、调度和表演在开端部分就成功地立住了几乎全部角色——想想早在第一幕就歇菜的马斯顿和女仆罗杰斯吧，前者的纨绔浪荡和后者的唯诺自卑难道没有深刻地印在观众脑海中吗？
物理学上讲，足够的势能可以积蓄一泻千里的动力。叙事，同理。
舞台设计&场面调度
一个比真实别墅客厅面积差不多大的舞台、后方的两扇玻璃大门、两扇落地窗、一个通道入口、分处两侧的两扇小门、头顶的一个吊灯、厅堂中的一个单人沙发、一个双人沙发、四周靠墙安置的一个半人高的小酒柜、一个壁炉、一个座钟、一盆绿植以及两张墙面装饰画，构成了《无人生还》的唯一场景。舞台被可以开合的大门分隔成两部分，主体是别墅客厅，门后的一小片地方为露天走廊，通向小岛（不可见）。另外，客厅内的小门和通道分别为二层卧房与厨房（均不可见）的入口。于是，小巧的舞台神奇地延伸出了客厅、门廊、小岛、卧房、厨房五个空间，随着演员们的进进出出，叙事有了充分地回旋余地。比如，实现发生在客厅之外的隐秘谋杀；再比如，维拉通过进出大门，在一个连续时间段内先后听到了门廊上的麦克阿瑟将军和客厅角落里的布伦特小姐不愿向更多人公开的心事，造就了一段相对完整的动人抒情段落。
剧中的十次谋杀中共有三次发生于舞台之上，也就是观众可见的范围内。而有趣的是，凶手分明就在众目睽睽之下作案，观众席上却无人发觉……当然，凶手没有隐身斗篷，他能成为透明人只是因为观众的注意力都被活跃在舞台前景的演员和紧凑的剧情紧紧吸引住了。在扣人心弦的情景下，谁还能注意到发生于舞台角落里的“罪恶”呢？同时，这种双线安排巧妙地避免了“杀一个，演一段，杀一个，演一段”的致命尴尬，实现了一波未平一波又起的紧张刺激。事实证明，这样的巧思犹如魔术表演中的障眼法一样奏效。演后谈时，有观众坦言自己是专程为了找到凶手如何杀人而第二次来看《无人生还》。好吧，导演，你赢了！
灯光、音效与其他
作为一部暴风雪山庄题材话剧，《无人生还》的惊悚程度成功地飙到了吓死人不偿命的级别。这其中当然少不了灯光与音效设计的助阵。演出所在的剧场规模很小，硬件设施条件也许远比不上标准话剧场，但其声光设计还是颇有层次感（舞台本来就有室内、户外两个层次），日夜更迭、风雨雷电、情绪氛围样样拿捏得明晰无误。同时，小亦有小的好处，由于观众与舞台之间的距离相对较近，只要稍加渲染，便可事半功倍。通观全剧，大部分用来制造惊悚的音效和布光中规中矩，多半采用了B级片中类似情景的手段，在需要吓人时抛开剧中的合理现实，介入性地给个高光或配段恐怖音乐，人为制造氛围，虽然达到了目的，却禁不住长久回味（关于这点，我承认我是好了伤疤忘了疼……）。相比之下，本剧倒数第二幕的声光效果则堪称亮点。剧情中，夜晚的暴风雨导致了断电，灯光俱熄，人们只好点蜡烛照明。近一个小时的时间，舞台之上乃至整个剧场空间只有三点烛光，墙壁上投射出摇曳的人影重重，并时而伴有惊雷闪电……情境与原著如出一辙，手法极其写实，真正让观众身临其境，和剧中人一起经受煎熬（到了该幕的后半程，我不止一次地忍不住想，快点天亮吧）……此外，在光效方面可圈可点的还有开端部分。本剧的第一幕故事时间需由下午持续过渡至晚上，在这里，灯光以肉眼难以明显察觉的程度渐暗（我当时听到后排有观众议论，究竟是自己眼睛出问题了还是灯坏了），完美地不间断再现了从天光大亮到日影西斜直至黑夜降临的全过程。此举在不知不觉间“快进”了叙事，也在空间维度内具象化了时间，而当暗到一定程度时，客厅天花板上的吊灯豁然亮起，满堂生辉。整个过程浑然一体，十分精妙。
与《无人生还》的惊悚相伴相生的是它的搞笑。在尾声高潮之前的很多次，全场观众往往是前一秒还在惊恐，后一秒就被逗笑。关键在于，剧中的笑点品质极佳，与剧情及角色气质极贴和，即使放在惊悚情境中也毫无违和感。而某些角色既帅且萌，相当好地调节了气氛，适时适度暂缓了观众紧绷的神经。为此，我们实在应该感谢主创的体贴……
关于结局
依然是那句话，“珍爱生命，远离剧透”，这里不便对具体情节展开讨论。总之，话剧结局与小说结局相去甚远，如某人那可爱的演后谈所说，话剧剧本是由阿加莎本人亲自操刀改编而成，至于为什么要大作改动只有去问阿婆本人（详情请见阿婆的自传）。在豆瓣翻短评看到有书迷对话剧结尾多有诟病，在此就个人感想要说的是，小说与话剧是两种不同的文本承载形式，各有各的属性与优势，即使讲述同一个故事，也可以导向完全不同的意境。之于《无人生还》，话剧不能把小说中大段大段的心理描写直接搬成独白，小说也不会让我们亲耳听到维拉姑娘那一声撼天动地的尖叫，而它们不同的结尾方式与各自的文本风格均可谓相得益彰。内在深刻和惊悚刺激是同样精彩的审美体验，至于偏好哪个，便是“萝卜青菜”的问题咯（理智上，我承认小说更好；情感上，话剧完胜……）！
最后，郑重地向诸位童鞋推荐这部话剧。想想看，还有什么比放下一切念头坐下来专心聆听一个好故事更加让人惬意的呢？回复赞
Lv4音乐剧《猫》是上世纪80年代韦伯根据儿童诗改编的歌舞剧，与《西贡小姐》、《歌剧魅影》、《悲惨世界》并称四大，因为著名，15年前在上海大剧院的那些巨幅广告还记忆犹新，如今，这部原版剧再次回归上海，已是一票难求，还好半年前守着时间抢到票子。悠悠兜兜Lv42018-06-30
网上也会有些不那么好看的评论，也许期待太高，总会觉得在剧情上有些拖沓，音乐也不够经典，但舞美、场景和表演水平是非常精湛的，不然怎么号称世界上票房最高的舞台剧,之前没做任何功课，直接走进剧场，就为了让自己能独立的去感受剧幕。
进场就看到一个豪华的垃圾场，在蓝色穹顶幽光下，大到铺天盖地的感觉，看到1楼一排甚至脚都能够到了，即便是垃圾也是复杂度极高，废弃的汽车、轮胎让人眼花缭乱，U找出了薯片，可乐等大型垃圾包装一一指点。不过这些貌似很杂乱的垃圾堆布景可是暗藏玄机，展示出了强大仓储能力，大型道具在全电子控制下制造出令人瞠目结舌的视觉效果。
开场秀的灯光是我在文广看到最赞的，舞台上扑簌迷离的灯源恰似猫的眼睛，一层层彩灯从舞台中间发散开来，一直点亮到观众席，宛如又一次来到了迪斯尼的城堡前，杰里科猫族盛大的舞会要开演了……
满月悬空、灯影班驳，形形色色的猫纷纷登场，为一年一度选取一只升入天堂重生的猫而显现各猫的风姿，或慵懒或矫捷的身形，蓬蓬的毛发，灵动的双耳与那狡黠的眼珠。它们是许多古老传说里最神秘的角色，二十几只猫欢唱着，叫嚣着，唱着杰里科猫的杰里科歌，给了我们无限的遐想“精明的猫、神秘的猫、政治的猫、虚伪的猫、神圣的猫、疯狂的猫、愤世的猫、教条的猫”是不是和人一样，有段齐声朗诵听着感觉有些渗人的愉悦。里面那只妩媚可爱的白猫最是夺人眼球。摇滚猫最最是性感。
领袖猫杜特罗内米是猫族的首领和长者，他缓缓而出，德高望重、前拥后促，充满智慧和经验，像神父般给猫们指引着方向。
当众猫们沉浸在欢聚的幸福之中的时候， 格里泽贝拉，一只蓬头垢面、褴褛憔悴的老猫摇摇欲坠的登场，打破了暖融融的氛围。它年轻时也是猫族中的风华绝代，尝尽世态炎凉再回猫族时，破烂腐朽的皮毛稀落而卑微。群猫唾弃它，月光下，她只能逼到昏暗的角落，孤独的魅力猫回忆着自己年轻美丽时的傲娇时光，孤独、无助与凄凉。在轻响起的音乐声中开始她独白出回忆的时候，歌声表达意犹未尽。整个剧幕，三次唱响回忆，当中一次，是由年幼的小猫杰米玛来了一段不标准的中文《回忆》，猫儿们悲天悯人，宽大为怀，用宽容与同情给了老猫重生的荣耀，格里则贝塔再次唱起《回忆》向大家伸出渴望之手。下水道口、通向天国的悬台，秒变的蒸汽火车，创造出梦幻般的舞台面貌，具有强烈的视听冲击力。既有轻松活泼的踢踏舞，又有凝重华丽的芭蕾舞，还有充满动感的爵士舞，虽是猫的服饰，没有雷同撞衫，每只猫从服饰上都能让你记忆深刻，和性格一一对应，“富贵猫”、“保姆猫”、“剧院猫”、“摇滚猫”、“犯罪猫”、“迷人猫”、“英雄猫”、“超人猫”、“魔术猫”等一一出场，不过看多了就有些困，毕竟上了一天学熬不住。猫族动作轻捷，配合小心谨慎的一副猫容，脚踩肉垫，灵动轻盈，无声无息。感叹他们对生命的传承和伟大的胸襟，在选举时，对生命对幸福的理解，不带一点私心才是最感动人。1回复11赞
Lv5《无人生还》由阿加莎·克里斯蒂[英]编剧、中文版由上海话剧艺术中心优秀青年导演林奕执导，上海话剧艺术中心和上海捕鼠器戏剧工作室制作出品。演出由贺坪、付雅雯、李建华、佘晨光/许承先、徐幸、童歆、吕游、王肖兵、王华/王珏、张羴、祖永宸联合主演。舞台结尾版：2018年7月12日-7月13日19:30，7月19日-7月25日19:30，7月28日-7月29日19:30（周一无演出）小说结尾版：7月14日14:00， 7月14日-7月18日19:30、7月26日-7月27日19:30（周一无演出）。好习惯Lv52018-07-23
导演林奕1982年1月出生于上海，2000年考入上海戏剧学院导演系。并于2004年毕业获得学士学位，同年进入上海话剧艺术中心工作。2007-2009年执导《捕鼠器》，2007-至今执导《无人生还》，2009-2011年执导《侦查》，2009-2012年执导《意外来客》，2010-2013年执导《空幻之屋》，2011-2012年执导《命案回首》，2011-2012年执导《死亡陷阱》，2011-至今执导《原告证人》，2011-2013年执导《蛛网》，2013-2014年执导《Rule Of Three》。
编剧阿加莎·克里斯蒂是一个被誉为“举世公认的侦探小说女王”的英国小说家与剧作家。英国皇家文学会会员，英国女王钦点为“侦探女王”；“不列颠帝国勋章”获得者；埃克赛特大学名誉文学博士；“不列颠帝国女爵士勋章”获得者。因侦探小说成名，一生所获殊荣远远超过其他侦探小说家。她的作品被译成103种文字,在157个国家出版。总印量仅次于《圣经》，并与《圣经》、《莎士比亚戏剧集》同列世界畅销书前三名。创造出了一个叫“波洛”的小人物式侦探，并凭借这个小人物使侦探小说正式步入正统文学的殿堂。在阿加莎数以万计的仰慕者中不乏显赫的人物，其中包括了英国女王伊丽莎白女王和法国戴高乐总统。《尼罗河上的惨案》、《东方快车谋杀案》、《阳光下的罪恶》、《捕鼠器》等作品在中国读者和观众脑海中都留下极为深刻的印象，很多作品被改编成了影视剧。
看这部话剧是因为阿加莎的话剧看过几部都觉得不错，这次是上话&捕鼠器工作室联合出品所以去看一下。该剧目前豆瓣评分8.6分，言归正传讲剧目。（观后感涉及部分剧情，请谨慎阅读！）
故事讲的是十个互不相识的人，被富有的欧文先生邀请到了印第安岛上的私人别墅里。晚餐后一个神秘的声音揭开了人们心中所各自隐藏着的可怕秘密，当天晚上年轻的马斯顿先生离奇死去。古老的童谣就像诅咒一样笼罩着所有人，似乎有一双神秘的眼睛在时刻窥视着这场死亡游戏。到访者就像消失的印地安小瓷人一样一个又一个的走向死神密闭的大剧场，孤岛的悬崖别墅被迷雾笼罩。随着剧中人物接二连三地突然死亡，悬念和恐惧向人频频发难将故事和推理慢慢带向高潮。
主要人物：
隆巴德上尉在南非曾参军，在部队遭到围困时自己侥幸逃出让土著手下被敌人所杀。
维拉曾当过家庭教师，当时为了想获得遗产的男友而使男友的小侄子被淹死而没阻止。
瓦格雷夫法官为了利用自身权威对一名有争议的犯人判处死刑，他在别墅里判断谁是凶杀时非常从容不迫。
富家子弟马斯顿平时喜欢飙车，他曾经超速行驶撞死过一对兄妹。
麦肯锡将军因年龄差距大的老婆与手下有私情，利用职务之便派手下去战场送死。
化名戴维斯的前探长布洛尔为了升官发财与匪徒勾结，在法庭上作伪证诬陷别人导致对方在狱中死亡。
神经科医生阿姆斯特朗滴酒不沾，实际上他当年因喝酒导致医疗事故病人死亡才转的科。
老妇人布伦特因循守旧，当年她的年轻女佣与人珠胎暗结后被逼自杀与她有关。
管家罗杰斯和女佣是一对夫妇，他们早年在看护主人时没有及时送医导致东家致死而获得遗产。
《无人生还》这部小说是阿加莎•克里斯蒂本人最钟爱的一部作品，而话剧《无人生还》也是由她本人亲自改写的剧本。自2007年在上海轰动首演后，在全国范围内掀起一股“悬疑热”号称“史上非常恐怖的”的悬疑话剧。在中国上演了300余场，先后在北京、南京、杭州、宁波、苏州、长沙等11个城市进行过巡演。
这部话剧我很早就订了票，位置在第一排偏当中视角还行。演出从19:30演到差不多22:40左右结束，幸好地铁末班车时间还能赶上。作为阿加莎名剧来看的人很多，基本座无虚席。开场时映入眼帘的布景非常逼真，别墅分为客厅、门廊、卧室、厨房、小岛。另外还有酒柜、壁炉、吊灯、落地窗、沙发等一应俱全，看上去非常考究。
故事刚开始时由罗杰斯夫妇交代会有很多客人来到别墅小住，紧接着客人们陆续到来。每个人物出场举手投足和说话间都透露出各自的性格，其中隆巴德和维拉关系很密切。
来的人都是收到了欧文先生各种理由的邀请，实际上根本没有欧文夫妇。开始大家只是觉得主人不来有点不地道，之后唱片机里有人控诉来访的每个人的罪行。从这里开始透露了请大家来到别墅动机不单纯，而富二代马斯顿意外身亡后表明并不是恶作剧而是早已布局的阴谋。
在马斯顿死亡时伴随着一个印第安小瓷人的损毁，而墙上的十个印第安小男孩的童谣预示着所有人死亡的形式。所有人对于曝光自己的黑历史都矢口否认或者有自己正当的理由，其实马斯顿被杀后大家心中还是很忐忑的。但是无法确定谁是罪犯，所以大家互相猜忌。
瓦格雷夫法官牵头帮助大家抽丝剥茧分析罪犯，首先询问大家收到的邀请函的内容。通过内容发现凶手对于大家比较熟悉，可是大家对于凶手没有丝毫印象。之后在几个主人公之间的谈话中慢慢揭示了彼此的黑历史，所有人都直接或间接背负人命。
这里我有个疑问，凶杀不认识当事人是从何渠道获知这些人的罪行的？还有证据是否确凿呢？如果证据不充分这种谋杀就不能算是替天行道了。事实上很多影视剧和小说里都提到过有些人虽然犯了罪，但是没有证据抓他们而让他们逍遥法外。美国电影里很多主角对付坏人基本都是受害后报仇，或有确切渠道了解罪犯详细的罪行后出手。而此剧中幕后黑手我估计他搜集的信息有限，像隆巴德上尉、维拉小姐等间接致人死亡的罪行很难取证只有当事人自己清楚。所以说法律虽然有其局限性，但依靠证据判案总好过靠猜测在法外处理要好。
在一个个当事人接连神秘遇害后大家陆续交代了自己的罪过，有忏悔也有死不悔改的。这并非都是良心发现，而是面临死亡产生的恐惧而做的辩解。这些辩解只是想表明自己罪不至死，或者只是一时疏忽。凶手并没有因此发善心戛然而止，而是继续按照童谣上的次序一个个除掉每个人。通过每个人罪行可以看出其实很多人没有亲自动手杀害别人，比如借刀杀人或者玩忽职守等形式。这些人的罪行如果按法律判即使证据确凿很多确实罪不至死，幕后凶杀有点量刑过重了。话说回来，如果是正常人确实不会以密室凶杀的模式来彰显为民除害。
在最后部分所剩人数不多的情况下，大家互相盯得更紧而凶手的机会更小。如何在确定凶手就在大家当中的情况下动手成为了一大悬疑，这里容易肚子饿的布洛尔出了不少笑料。而房间断电后点了蜡烛增加了恐怖的气氛和惊悚的味道，观众们都在屏气凝神的观察台上的进展。
我们常说：“害人之心不可有，防人之心不可无！”人与人之间的信任在陌生人间有时很脆弱，比如那些碰瓷的老人多了很多人见到老人摔倒都不敢扶。这里除了坏人变老了的问题外也说明法制上对于此种问题还需完善，避免人心惶惶谁都不敢做好事。电影《心理罪之城市之光》中的反派江亚就以暴制暴，其中有个小女孩做好事反而被讹就是体现了这种问题。
最后部分只剩两人时这种互相猜忌更加严重，当然也是凶手希望看到的。至于最后谁是凶手就不剧透了（瓦格雷夫法官谢幕时提醒我们不能说），我看的舞台结尾版结局和小说结尾版不同。
阿加莎的剧我觉得好看的地方就是在这种悬疑和惊悚气氛相结合的地方，她提供了一定的线索给观众去揣测人物的动机和下一步行动。而且就算是你知道剧情的情况下，演员们的表现互动依旧感觉很出彩。加上《无人生还》有两个版本，阿加莎自己编两个版本的结局不同效果也不同。
我个人感觉这部话剧非常好看，虽然我坐在第一排但是真没发现凶手是何时动手的。其他观众可能和我一样好奇每个人的死法如何与童谣相符，以及凶手到底是谁。本剧的布景、音效、灯光都设计的不错，把恐怖的气氛以及不同的天气和时间逼真地还原。
演员们演技都发挥不错，使人物有血有肉十分饱满。每个演员的肢体语言和音色神态都惟妙惟肖，把人物的恐惧和互相猜疑体现得淋漓尽致。喜剧效果的部分主要由阿姆斯特朗医生、探长布罗尔、上尉隆巴德包办，恐怖效果部分由前家庭教师维拉负责。
这部反映人性的密室凶杀悬疑剧常演不衰主要就是依靠这些优秀演员精湛地演技吸引观众的，我个人强烈推荐大家有机会去看一下。满分10分制我打9分，下一次讲电影《兄弟班》。12回复20赞- Lv3《信》repo🌨EurusLv32019-08-19
没有看过原著，之前看过＋听说过东野圭吾先生的部分有名小说。
总体评价：就剧本而言，东野圭吾作品平均线以下，人性可以作为主题升华，不能作为主心骨；欢乐与悲伤交错转换会不自然。就译配而言，传达到意思，通顺，有一些高光时刻，还是不错哒。就歌曲本身而言，不够鲜明，曲调记忆点不够深刻（难以达到）。就演员表演来说，总体ok，但是整体对于欢乐的表达不准确。乐队老师是由电子琴、小提琴、吉他、电吉他组成的（大概），可能加大提琴效果会更好，伴奏仅靠以上提及乐器会有点单薄。
剧本只能说我不太喜欢，对于现实的放大反而把真实度降低了，剧本和真实生活的距离拉得比较大，包括剧本也来自于日本，如果不够了解日本社会的一些状况可能会很难理解。剧本如果有色彩的话，那么这份剧本太暗了，每个人都长期处于压抑的状态，确实与日本的部分现状相符，但是剧本中展现“光”的部分着实不多。喜剧部分不够自然，在人物压抑状态下的喜剧并不让人舒适。点名方方同学（我错了），在舞蹈部分给人感觉那就是你，不是直贵，表情需要更多的控制。悲剧部分，崩溃的场面很聚集，情节上有层次，但是演员表演时可能缺乏程度的体现。尤其体现在弟弟（武岛直贵）是怎样从一开始为哥哥谋杀而责备自己，到怪哥哥记住了糖炒栗子偷窃被发现，再到哥哥完全毁了自己的人生，过程性的东西表达太少，情节跳跃。
三首剧里反复出现的歌，里面知道歌名的是《imagine》（披头士），其余两首一首是男主角每次被伤害时旁人的歌，还有一首突然遗忘了。imagine并没有完整的唱一遍，其余两首会在特定的相似剧情中出现，说实话会不自然。
里面比较熟悉的演员肯定是方方和黑甜。方方听歌声表现出了年龄的变化，形体上和日本白领还是有一些区别（可以看看日剧什么的），压迫感少了。所谓压迫并不是一时的崩溃，而是长久的状态，哪怕在最高兴最脱离黑暗的时刻都是存在的。情绪不只是要外放，还要内含。在高兴的情绪里还是要在角色里，可能我感觉方方的表情还是属于方方，不属于直贵。直贵怎么加入宇宙光和他展示的才能事实上呈现都太少了。
黑甜读便签的时候好机智啊哈哈哈哈哈。其实黑甜的刚志可能缺少的是情绪外放，整个剧本里对他情绪表达基本都是通过“信”的媒介，但是信里的歌有点平了，有一些是转由他人读，我觉得可能还是本人诠释更好。还有一点比较难改变，还是黑甜声音太年轻了，剧里缺少像直贵一样年龄的跨度。
丁汀姐姐的名字一下子就记住了，由石子在剧里的出现太突然，丁汀姐姐的声音太亮了，会突出不和谐的感觉。后面的部分成为了贤妻良母的存在，在孩子受伤的部分同样情绪不够外放。难道由石子真的是光的化生吗（除去同意直贵与刚志断绝关系），她自己的部分展现的太少反而使她对剧情的促进作用变得不自然。这么美好的人物是否太少见了，是否不够立体？
宇宙光的成员们感觉是都会弹吉他的，即便是对手型，就一个没有学过吉他的观众来看看不出什么破绽，这点真的很棒。两遍代表作层次从声音完全是听得出的。
朝美只唱了一首歌，高音部分可能听起来会有点不舒服。作为人生导师的社长和分饰两角的奶奶就表演情绪来说都挺完美的。（社长貌似错了一个小词，不过没关系）但是社长的剧情，特别是他为什么会找到直贵同样很模糊，让人有点摸不着头脑。奶奶是真的很像在日本遇到的老奶奶，演得很棒。
剧本当中原本自带的日语具有的谦/敬词一类希望保留大多数。
最后看了看书评，个人觉得书的表达音乐剧更好，来源于东野圭吾先生的写作顺序和那种循序渐进的感觉，还算熟悉他的小说，音乐剧在这些细节方面很难呈现（由于时长），但是可能要尝试做减法。包括最后一幕由于舞台，很难打造的兄弟间空间上的距离感，可能要尝试用更多途径。
剧里的一些气息不足的现象和走位失误还是都存在的，也都看得出，听得出（虽然非专业人士）。毕竟也那么多场了，细节还是要多注重，往往细节才会带来最真实的感受。和声编的不算多，中等吧，对于听感上来讲没有听到达到极致和谐的地步（是声部太接近了还是emmm），三重叠在一起的词难听请也难看清。单从谱曲来讲，个人觉得一般，只是到了能讲故事为止。跳舞演员都跳得不错，摇滚那一小段唱得很不错，很有感觉。
可能返场的时候主创再谈谈剧本身会比便签互动来得更好吧，迎合粉丝的心愿还是不必了，都知道难以实现的。好的剧的票房还是不是靠粉丝n刷撑着的。提高粉丝的鉴赏能力才会成为健康的市场。回复5赞 - Lv4先说优点：服化道不错，双姝一些互动不错。PoisonedLv42023-05-16
但剧本设计角度违和之处太多，看的时候脑子里总有“不合理啊”、“人物变形啦”“人设不统一啊”“这里不对劲啊”等等声音冒出来，屡屡出戏。发现评论区不少读者也有同感，但却说不出哪里不对。把全剧人设和感情线又捋了捋，挑其中比较严重影响情感连贯性和人设统一性的地方说说。
---------批评向评论预警--------
一、顾静薇人设前后不统一问题： 明明是本科康奈尔硕士耶鲁博士密执安的资深海归，算起来有9年的海外留学经历，这一关键点却在剧中时而出现时而消失。作为一个经历过这么多年海外留学+做了多年研究员的人，静薇的一些基本判断力和表现完全不符合她的经历和年龄。让人经常想问：编剧你还记得你的静薇是个海归是个资深物理女研究员吗？
1、健雄庚款第一却还是无法去留学之后，对静薇转述了命题组吴先生说的话“派个女人出去学物理，不是浪费钱吗”；这里静薇接的是：“吴先生学界泰斗，怎么会说这样的话”。
这句话显得像是一个比健雄还无知的小白，反映的是静薇眼里：既是学界泰斗就不该说这样的话，因此惊和怒。但是她是一个比健雄大了12岁、在物理界跌爬滚打多年的人，她能对国内物理界对女人的态度感到惊讶和意外吗？理论上&按照后面的对话她不是应该已经经历过了很多次性别带来的困境吗？ 那她为此惊个什么劲？
这里如果改成，静薇苦笑：“吴先生学界泰斗，竟也是这个想法”，这样不香吗？会不会符合年龄和阅历很多。她当然知道国内物理界对女性的态度，她只是惊讶吴先生也是这样，而且也能铺垫后面两人关于物理界对女性态度的讨论。
2、 静薇在抱怨和健雄的关系的时候说自己和她像灰姑娘和她后妈，自己是辛德瑞拉。这里说了几条健雄对她的指责，“实验用的晶体有杂质不够平滑”“光谱学研究不够认真细致投入”，静薇对此是抱怨的态度。
这里观众有困惑三连：静薇曾经到底是不是个认真细致投入的人呢？她现在到底是个什么工作状态？静薇对自己的现在到底满意不满意？
先说第一个：静薇的曾经的学习工作状态是什么样。
从静薇能取得这么多成就这么多海外学位合理推断，静薇这个人当年肯定也是个认真细致努力勤奋的人。但从她的其他情绪反应来看，又看到了矛盾。
假设这个人曾经是个认真负责的人，那她面对一个后辈这些谴责的时候，有躲闪情绪是正常的，但是不可能是全部吧？
是不是还会有点对这个认真负责的人的亲切的情绪？因为这个人是自己昔日的映照，该有点惺惺相惜吧？
是不是还会有点对自己现在的反思的情绪？“我怎么变成这样了？那么专注的我去哪里了”之类的。
“惺惺相惜”能够建立cp感的情感基础，“反思”让静薇这个人物更丰满，不过这可能都是对编剧的过高要求了，这里的“抱怨和躲闪”违和到让人都质疑静薇的人设和简历的不统一了，困惑她到底昔日是个什么样的人。
再说第二个第三个：她现在到底是什么工作状态？她对自己满意吗？
假设她曾经认真负责，她现在是改变了什么呢？1）她现在有所改变只是在一个特定年龄分了一些经历在别的事情上，比如相亲，但工作内该做的事情上还是做得很好的（按照前面她自己的辩白，批改作业等任务繁重）；2）她的认真负责程度出现全面滑坡。我认为话剧里想说的是1）。
那么在1）的情况下，首先健雄指责她的场景中，“实验用的晶体有杂质不够平滑”之类不该发生吧？已经严重到了影响实验结果的程度了呢。这超出了一般的不认真不负责，感觉可能不是编剧的本意，让人怀疑静薇的职业素养了。
另外她对现在的自己是满意和理解吗？如果不满意的话，怎么没有前文说的反思情绪？如果满意的话，是不是对健雄的指责会有 “你这孩子还小，不知道我这个年纪需要考虑许多别的问题了”的情绪，怎么还这么不从容地对待健雄的抱怨呢？让观众非常困惑静薇的实际状态，感觉编剧在设计这个人物的底层的时候没有完整，不管观众做哪个方向的猜测都有违和感。
现在的版本下，我们看到的是，一个曾经勤奋努力的人，面对另一个勤奋努力的人对她的督促，只是抱怨和躲闪，没有惺惺相惜，也没有自我反思，也没有过来人的从容。 于是观众难以遏制地开始困惑了：静薇女士你的昔年和今日到底是什么样啊？
3、 健雄对静薇说了些 “我没兴趣了解你的家史”的话，也没怎么仔细问过静薇如何出国的？怎么申请的？经济问题怎么解决的？有奖学金吗？奖学金该怎么申请？等一系列问题。反而是见面掐架，费了好大劲才误会解除冰释前嫌。
这里真的太奇怪了！
静薇姐妹，你曾经抱怨读了多年书没有同类，但现在终于找到同类了，但是前半段几乎没有什么地方表现出了 “啊，这是我的同类”的心情；这不应该是第一反应吗？
健雄姐妹，你梦寐以求的出国留学有人做到了，你居然不关心人家的家史，不关心人家是怎么成长起来的，不关心人家是怎么做到的，不关心奖学金和申请的任何细节，也没有什么地方表现出了“啊，这是我的同类”的心情；这不该是第一反应吗？
这两人，茫茫人海遇到了经历相似的知己，对于对方都没有好奇的！这合理吗？不仅如此，居然不求同而是论异开始掐架！虽然可能健雄对静薇的第一印象因为相亲之类的有所带跑偏，但人家简历摆在这里，终究是做到了这些事情呀，都不问一句怎么做到的吗？
4、 静薇说健雄的导师给她看过健雄的毕业论文求把关，说到女物理学家比例，然后健雄说“我们这里没有居里夫人”。
违和感拉满，满脑子问号。
静薇女士视角：都给人看过毕业论文了，跟人导师也熟悉，前文一片“你从哪里冒出来”的样子是怎么回事。
健雄女士视角：你面前就是中国第一个物理女博士女研究员！扯什么我们没有居里夫人，难道不是“你已经前进了许多，谢谢你，我想沿着你的道路前进更多”才是正常想法吗。
二、两人感情线充满bug：感情基础没有体现，甚至多次出现细节违和、感情浓度不一致的问题，感觉两人在彼此心中的地位忽高忽低。从细节上经常感觉不到爱，但又有不少嗑生嗑死的台词和描写和引导，于是有了“按头嗑”的感觉，情绪不连贯顺滑。
1、 两人见面和前期没有体现出对彼此的欲探究竟好奇感、惺惺相惜知己感、互为映照亲切感前面已经写了，这是最大问题。
2、 丁所长的剧本提到了“房东有单身女儿，因此不愿意租给单身男房客”；健雄下意识接了一句：“那他去结个婚不就好了”。
这里一般人的反应不应该是“那换个房东没有单身女儿的房子”吗？这样“结婚”作为解决方案才有出人意料感呀。就算编剧是为了为了突出健雄随口一嘴就启发了丁所长，把这个“出人意料”的解决方案留给了健雄说，需要提到“结婚”，但健雄对结婚是如此随意的态度也是非常不合理的。
这里的健雄已经目睹了静薇n次的相亲失败，她是知道找到真爱结婚有多难的，她怎么会第一反应是“结婚不就好了？”。除非是为了租房而假结婚的权宜之计，不需要真爱，但健雄这里显然没想这么多，如何能脱口而出这句话？这里前文是静薇说到相亲健雄会竖着耳朵听，后文是静薇抱怨相亲对象；中间夹杂着健雄的这个脱口而出……这句话瞬间让人感觉，健雄对于静薇相亲屡战屡败是没有任何感知和共情的，cp感碎裂……
3、 最后一幕的静薇缺席送别、送礼送信的戏，特别违和，原因是两人的感情预期和感情浓度完全不在一个档次。
静薇划掉了一句话没写在信里但说给观众听了，大意是“因祖母病重，我需回乡照料，遗憾错过告别。不愿亲口告诉，是怕你要留下陪我，反而耽误了出国学习”。
静薇预期健雄：如果知道了她祖母病重会留下来陪她，会耽误出国，所以不告诉健雄；她对于两人之间的感情预期到了这个份上。
但是健雄这边呢，丁所长告诉了她是家里有事，请假，其实跟直接告知“祖母病重”区别不会很大，因为绝对是非常重大的事情才会导致静薇请假错过了送健雄……而健雄明知这样，却依然稍微依依不舍一下直接就走了……
不讨论说健雄这个行为对不对，而是两个人的预期如此不同，让人在这里感觉到了感情上的一边高高举起一边轻轻落下，直接一脚踏空了。既然受制于剧情推进和历史原型，不能是健雄真的不顾一切留下，那就要把静薇那句话改成“因祖母病重，我需回乡照料，遗憾错过告别。不愿亲口告诉，是怕你走时为我担忧，心有牵挂。”跟健雄带着牵挂走互为映照，这样不香吗？非要静薇端情绪拉满，强调极致的深情厚谊让静薇预期健雄会留下。
（这信里还一个小吐槽，静薇说，“我曾在密执安就读，当地对亚裔女子之看法或者令你沮丧”。天呢，这两个人都熟到了这个程度，两个好朋友之间，如果一人去自己昔日学习顾地学习，还会特意强调“我曾在密执安就读”吗？肯定是直接开始殷殷叮嘱呀！编剧不用在这里提醒观众静薇是海归，而应该在前面考虑静薇海归人设统一性的问题，这里听着只会觉得这信写得太不贴人之常情。）
一些小建议，也是九人老粉了，祝九人剧组和《春逝》越来越好！回复赞 
Lv4沧海遗珠Lv42017-08-27
波兰克拉科夫老剧院版《李尔王》 导演：扬·克拉塔
——“当我们生下地来的时候，禁不住放声大哭，因为来到了这个全是傻瓜的伟大的舞台。”（莎士比亚，李尔王）
这恐怕会是我印象最深刻的一版李尔王了。导演极为大胆且富有创造力。我迄今为止头一次看这么短的戏，没有中场休息，一个半小时就结束，若以莎翁原作，光念台词就要三个钟头，可见戏份精简到何种程度。但这样的处理堪称极妙——导演可以说抛开了人物的一切身份、性别、乃至生死，只关注他们作为纯粹的人的存在，探究并展现他们的情感与心理层次。
莎剧原本的剧情或许诸位早已熟知，李尔王为安享天年将国土一分为三，大女儿、二女儿因巧言表达爱意而得厚馈，小女儿考狄利娅因真诚且不愿阿谀却遭厌弃，一无所获被断绝父女关系，去国离乡。其后，大女儿二女儿为彻底摆脱老王对他一再怠慢嘲讽，竟致他自逐荒野在暴风雨中疯狂，身边只有乔装的忠臣肯特、一愚人和二三十名武士相随，考狄利娅得知后伤心欲绝，亲率法军回国救父，却被俘身亡，其后李尔王追随女儿而去。此外，戏里还有一条副线，葛罗斯特伯爵的私生子爱德蒙诬告嫡兄埃德加谋害亲父，致父子失和兄长逃亡，而后又向李尔王的大女儿及女婿告密，使得他那对李尔王忠心耿耿的父亲被挖去双目后流放，窃得荣华的爱德蒙同获李尔王的大女儿、二女儿欢心，姐妹二人因此相残而亡，而他自己最后也死于同兄长埃德加的决斗。
而在这波兰版《李尔王》中，剧情仿佛被提纯一般——它几乎比我描述的梗概还精简，台词也只保留了与核心剧情相关的以及最深邃隽永的那部分（基本上，从李尔王在暴风雨中发狂呼喊过后，整个戏就仿佛拉了进度条）。原本在莎翁的笔下，李尔王是个具有“巨人”人格同时也有着刚愎自用的明显缺陷的老王，但不管李尔王的人格如何，他与他的拥趸都绝对占据正义一方的，而这其实是所谓伦理纲常规定的，但在这场戏里，一切评判与道德说教都不存在了，只有夸张的肢体动作作为内心状态的外放，或急促到近乎神叨叨窃窃私语的念白或放声疾呼的激烈台词配合着音效传达情感与氛围，于是，整个戏剧都成为纯体验式的，你只要将身心浸入其中即可，就如那首在开头、结尾放得中文歌里所唱的那句“何必分出谁错谁对”。
剧中对关键人物的大胆精简与改动，其用意亦在于此。李尔的饰演者，波兰国宝级艺术家耶日·格拉雷克于今年二月去世，享年70岁，导演出于对他的爱重与纪念，不换演员，径自让他以影像的方式在舞台两侧屏幕中出现。实则，我觉得，那影像也只是为了便于观众理解罢了，去掉也无妨，李尔王以声音出场，他不在场，却又仿佛无所不在，这种跨越生死界限的表现令人震撼，同时又发人深思。在莎剧中，遭女儿背弃后曾有这样一段对白。李尔问：“这儿有谁认识我吗？这不是李尔。是李尔在走路吗？在说话吗？他的眼睛呢？他的知觉迷乱了吗？他的神智麻木了吗？嘿！他醒着吗？没有的事。谁能告诉我我是谁？”愚人答道：“李尔的影子。”权柄在握的他在戏台上是一个空空如也的王座，遭到背弃的他是一张空空如也的病床，当考狄利娅回来帮助他后，他又回归为一个空荡荡的王座。他的血肉之躯呢？好像从没有存在过，有人真正关注作为一具血肉之躯的李尔王吗？
此外，李尔的三位女婿被省去了，那两位公爵阁下和本来也就是跑个龙套的法兰西王从未出场。而他的大女儿与二女儿竟由两个中年男人饰演，于是她俩为了爱德加争风吃醋的戏码也不复存在——这意味着，戏中不再充斥着两个蛇蝎妇人的阴毒计较的“庸俗戏码”，可谓是对原作的一种凝练升华，而这种反串似乎也暗示着她们的内心真实映射，作为那个时代的女性，她们要牢牢控制权柄让自己置身男性化的地位，行使所有男人可以行使的权力，为此不惜抛弃作为女人、作为女儿的天性；爱德蒙的饰演者则有种雌雄难辨的气质，出场时的独舞从内敛到狂放与他的黑衣是那么不协调，好像他在急于挣脱什么束缚——那是他与生俱来的作为私生子的身份——他为此不择手段，但你不得不承认，当他被授勋换上红衣的那一幕，非常美，好像这身装扮才合乎他的天性，纵使那身红衣饱蘸着父兄的鲜血，并且，由于李尔的某种意义上的不在场，原本就作为戏中另一条主线的焦点的爱德蒙仿佛实际上成了这出戏的主角，魅力四射。还有考狄利娅，她是三个女儿中唯一由女性饰演的，也即，她是唯一保存着自身本真的天性的，同时，这位女演员又分饰了始终追随着李尔的愚人，这愚人，却戴着教宗的高帽，既深陷其中又仿佛超脱其外，尤其在那场荒野外的暴风雨中，她狂放的肢体表现仿佛也是替李尔王呈现出那癫狂的情感，同时又烘托出一个不存在的李尔王的存在，她充分展现着情感波动的同时，也一次次口吐着箴言般的歌辞。
最令我惊艳的三处设置——
1、李尔在暴风雨中陷入疯狂后，一个玻璃罩子将他笼罩住，他明明置身广袤荒野，可是，好像却只置身那个与世隔绝的透明罩子里，外界的一切都进不来，那可不就是他的精神状态——之外的所有风雨、他人，都与他再无干系，他沉浸在内心的巨大痛苦与癫狂的激情中了。
2、幕布投影设置，那一面墙可以投射出台上的俯视视角，于是，埃德加引着他被挖双目的父亲攀登海边悬崖时，两人在台上匍匐而行，投射出来的影像。恰是他们笔直地攀登向上，葛罗斯特作势从崖上一跃而下砸在地面上的场景也触目惊心，而埃德加欺骗父亲未死是神明庇佑时，投影里，两人头颅相抵相依，太温情太动人，虽然葛罗斯特并不知道守在身边的真是他心存悔愧并思念着的儿子，但埃德加内心的景象恰是如此，至此，父子已然和解；
3、开场时，所有人着黑衣，一一对着那空王座致礼，而后，四位侍者肩抬王座向前，如抬灵柩，配合着结尾处不宣布每个人的结局，省去了最后的战争与决斗，只有李尔醒来与考狄利娅的和解，然后所有人躺下，围成圈状，灯光渐暗，无声的一句台词在屏幕显现：请忘记并原谅我这糊涂的老家伙吧。不禁悲从中来。
在看戏过程中，有多次，我想到古典戏曲。毕竟，原本肢体剧与戏曲在精简舞台和用身体动作传达情节方面就有颇多相通之处，虽然，现代戏剧的肢体表达比之传统戏曲的动作程式要更为开放也更趋于内心化。另外，它和传统戏曲一样，不着眼于剧情本身，如戏曲的折子戏，只截取一段精华，观众反复观看那几折，情节烂熟于心；波兰版的李尔王似乎也先验地预设观众对剧情本身已有一定的熟悉和掌握，而且，也只有观众熟知莎翁原作究竟如何，才能真正感受到导演的各种编排其用意何在。因此，必须感谢朋友提醒我观演前要先复习剧本，此次所获良多。这一出《李尔王》实在是我看过的最纯粹的李尔王。
见殊
11.05 于戏散场后的归途
参照朋友意见的补充——
1、“李尔王前后那个中文歌讲座完了之后问一下翻译，刚好这个问题昨天他们私下也有聊到，翻译的解释是说，导演不是说到中国来，然后才用那个中文歌，而是因为他之前在排这个戏的时候，然后突然听到这个歌，觉得给这歌里面的那种宗教的仪式感还有一些韵味儿，他虽然听不懂，但是觉得歌放那地方挺合适的，就用的这个版本的歌。”（from 黑檀）所以，听不听得懂歌词并不重要，即使它是中文的，感受氛围即可。
2、“对于两个大女儿为什么是男性角色，另外为什么剧中会出现那么多天主教的元素，在你的剧评的基础上再补充一点。导演是天主教徒，在波兰也有很多人是信天主教的。对于古代的国王，比如李尔王，他的权力是天授的，不是像现代国家那样是民众投票选举出来的。对于现代世界上所有的国家，除了梵蒂冈之外，他的国王或者说他的教主是天授的。但是，对于这样一个天授的权利，对于教皇或者是国王来说，他会在这样的一个高尚的外表下面，做很多肮脏的事情。在这样一个神权国家里面，所有有权力的人物都是男性。所以说导演在设计这一版李尔王服装、氛围的时候，用到了很多梵蒂冈天主教的一些宗教元素。”（from 黑檀）
3、“结尾那一段（所有人围成圈形躺倒，投影显示出上帝视角）我想到汉尼拔里面那段人体调色盘，汉尼拔这个似乎是一个宗教隐喻，是一个瞳孔 ，上帝在看着世人那种意思。但是这个解释在这版李尔王也是说得通的，李尔王里也出现了大量关于眼睛的比喻。尤其是对葛罗斯特那个瞎子，还有最开始大女儿还是二女儿也说爱李尔就像爱眼睛…”（from 围巾）
最后，我发现这部戏豆瓣上很多人打三星甚至一星两星，说实在的，难看和难懂是两回事，打低分的表示的都是难懂的意思。然而，1、如果完全不熟悉莎翁原剧本，看不明白、跟不上节奏，太正常了。看经典剧本的外国戏，无论是希腊剧，还是莎剧，观演前温习或预习剧本是基本功课，但凡对原剧情、台词较为熟悉又稍加思索，不会看不懂；2、波兰人就是这样，他们出了很多艺术家，他们根本不考虑什么通俗易懂，那正是他们的魅力所在；3、何况这还谈不上多先锋呢，这是当代戏剧的惯常表演方式（最先锋之处在于不在场的李尔王，太厉害了），我曾看德国法兰克福剧团的《美狄亚》，也是极简+肢体+部分投影元素，他们连服装都穿现代日常衣服，直接演出。回复赞- Lv5lalalalaLv52017-08-16
波兰克拉科夫老剧院版《李尔王》 导演：扬·克拉塔
——“当我们生下地来的时候，禁不住放声大哭，因为来到了这个全是傻瓜的伟大的舞台。”（莎士比亚，李尔王）
这恐怕会是我印象最深刻的一版李尔王了。导演极为大胆且富有创造力。我迄今为止头一次看这么短的戏，没有中场休息，一个半小时就结束，若以莎翁原作，光念台词就要三个钟头，可见戏份精简到何种程度。但这样的处理堪称极妙——导演可以说抛开了人物的一切身份、性别、乃至生死，只关注他们作为纯粹的人的存在，探究并展现他们的情感与心理层次。
莎剧原本的剧情或许诸位早已熟知，李尔王为安享天年将国土一分为三，大女儿、二女儿因巧言表达爱意而得厚馈，小女儿考狄利娅因真诚且不愿阿谀却遭厌弃，一无所获被断绝父女关系，去国离乡。其后，大女儿二女儿为彻底摆脱老王对他一再怠慢嘲讽，竟致他自逐荒野在暴风雨中疯狂，身边只有乔装的忠臣肯特、一愚人和二三十名武士相随，考狄利娅得知后伤心欲绝，亲率法军回国救父，却被俘身亡，其后李尔王追随女儿而去。此外，戏里还有一条副线，葛罗斯特伯爵的私生子爱德蒙诬告嫡兄埃德加谋害亲父，致父子失和兄长逃亡，而后又向李尔王的大女儿及女婿告密，使得他那对李尔王忠心耿耿的父亲被挖去双目后流放，窃得荣华的爱德蒙同获李尔王的大女儿、二女儿欢心，姐妹二人因此相残而亡，而他自己最后也死于同兄长埃德加的决斗。
而在这波兰版《李尔王》中，剧情仿佛被提纯一般——它几乎比我描述的梗概还精简，台词也只保留了与核心剧情相关的以及最深邃隽永的那部分（基本上，从李尔王在暴风雨中发狂呼喊过后，整个戏就仿佛拉了进度条）。原本在莎翁的笔下，李尔王是个具有“巨人”人格同时也有着刚愎自用的明显缺陷的老王，但不管李尔王的人格如何，他与他的拥趸都绝对占据正义一方的，而这其实是所谓伦理纲常规定的，但在这场戏里，一切评判与道德说教都不存在了，只有夸张的肢体动作作为内心状态的外放，或急促到近乎神叨叨窃窃私语的念白或放声疾呼的激烈台词配合着音效传达情感与氛围，于是，整个戏剧都成为纯体验式的，你只要将身心浸入其中即可，就如那首在开头、结尾放得中文歌里所唱的那句“何必分出谁错谁对”。
剧中对关键人物的大胆精简与改动，其用意亦在于此。李尔的饰演者，波兰国宝级艺术家耶日·格拉雷克于今年二月去世，享年70岁，导演出于对他的爱重与纪念，不换演员，径自让他以影像的方式在舞台两侧屏幕中出现。实则，我觉得，那影像也只是为了便于观众理解罢了，去掉也无妨，李尔王以声音出场，他不在场，却又仿佛无所不在，这种跨越生死界限的表现令人震撼，同时又发人深思。在莎剧中，遭女儿背弃后曾有这样一段对白。李尔问：“这儿有谁认识我吗？这不是李尔。是李尔在走路吗？在说话吗？他的眼睛呢？他的知觉迷乱了吗？他的神智麻木了吗？嘿！他醒着吗？没有的事。谁能告诉我我是谁？”愚人答道：“李尔的影子。”权柄在握的他在戏台上是一个空空如也的王座，遭到背弃的他是一张空空如也的病床，当考狄利娅回来帮助他后，他又回归为一个空荡荡的王座。他的血肉之躯呢？好像从没有存在过，有人真正关注作为一具血肉之躯的李尔王吗？
此外，李尔的三位女婿被省去了，那两位公爵阁下和本来也就是跑个龙套的法兰西王从未出场。而他的大女儿与二女儿竟由两个中年男人饰演，于是她俩为了爱德加争风吃醋的戏码也不复存在——这意味着，戏中不再充斥着两个蛇蝎妇人的阴毒计较的“庸俗戏码”，可谓是对原作的一种凝练升华，而这种反串似乎也暗示着她们的内心真实映射，作为那个时代的女性，她们要牢牢控制权柄让自己置身男性化的地位，行使所有男人可以行使的权力，为此不惜抛弃作为女人、作为女儿的天性；爱德蒙的饰演者则有种雌雄难辨的气质，出场时的独舞从内敛到狂放与他的黑衣是那么不协调，好像他在急于挣脱什么束缚——那是他与生俱来的作为私生子的身份——他为此不择手段，但你不得不承认，当他被授勋换上红衣的那一幕，非常美，好像这身装扮才合乎他的天性，纵使那身红衣饱蘸着父兄的鲜血，并且，由于李尔的某种意义上的不在场，原本就作为戏中另一条主线的焦点的爱德蒙仿佛实际上成了这出戏的主角，魅力四射。还有考狄利娅，她是三个女儿中唯一由女性饰演的，也即，她是唯一保存着自身本真的天性的，同时，这位女演员又分饰了始终追随着李尔的愚人，这愚人，却戴着教宗的高帽，既深陷其中又仿佛超脱其外，尤其在那场荒野外的暴风雨中，她狂放的肢体表现仿佛也是替李尔王呈现出那癫狂的情感，同时又烘托出一个不存在的李尔王的存在，她充分展现着情感波动的同时，也一次次口吐着箴言般的歌辞。
最令我惊艳的三处设置——
1、李尔在暴风雨中陷入疯狂后，一个玻璃罩子将他笼罩住，他明明置身广袤荒野，可是，好像却只置身那个与世隔绝的透明罩子里，外界的一切都进不来，那可不就是他的精神状态——之外的所有风雨、他人，都与他再无干系，他沉浸在内心的巨大痛苦与癫狂的激情中了。
2、幕布投影设置，那一面墙可以投射出台上的俯视视角，于是，埃德加引着他被挖双目的父亲攀登海边悬崖时，两人在台上匍匐而行，投射出来的影像。恰是他们笔直地攀登向上，葛罗斯特作势从崖上一跃而下砸在地面上的场景也触目惊心，而埃德加欺骗父亲未死是神明庇佑时，投影里，两人头颅相抵相依，太温情太动人，虽然葛罗斯特并不知道守在身边的真是他心存悔愧并思念着的儿子，但埃德加内心的景象恰是如此，至此，父子已然和解；
3、开场时，所有人着黑衣，一一对着那空王座致礼，而后，四位侍者肩抬王座向前，如抬灵柩，配合着结尾处不宣布每个人的结局，省去了最后的战争与决斗，只有李尔醒来与考狄利娅的和解，然后所有人躺下，围成圈状，灯光渐暗，无声的一句台词在屏幕显现：请忘记并原谅我这糊涂的老家伙吧。不禁悲从中来。
在看戏过程中，有多次，我想到古典戏曲。毕竟，原本肢体剧与戏曲在精简舞台和用身体动作传达情节方面就有颇多相通之处，虽然，现代戏剧的肢体表达比之传统戏曲的动作程式要更为开放也更趋于内心化。另外，它和传统戏曲一样，不着眼于剧情本身，如戏曲的折子戏，只截取一段精华，观众反复观看那几折，情节烂熟于心；波兰版的李尔王似乎也先验地预设观众对剧情本身已有一定的熟悉和掌握，而且，也只有观众熟知莎翁原作究竟如何，才能真正感受到导演的各种编排其用意何在。因此，必须感谢朋友提醒我观演前要先复习剧本，此次所获良多。这一出《李尔王》实在是我看过的最纯粹的李尔王。
见殊
11.05 于戏散场后的归途
参照朋友意见的补充——
1、“李尔王前后那个中文歌讲座完了之后问一下翻译，刚好这个问题昨天他们私下也有聊到，翻译的解释是说，导演不是说到中国来，然后才用那个中文歌，而是因为他之前在排这个戏的时候，然后突然听到这个歌，觉得给这歌里面的那种宗教的仪式感还有一些韵味儿，他虽然听不懂，但是觉得歌放那地方挺合适的，就用的这个版本的歌。”（from 黑檀）所以，听不听得懂歌词并不重要，即使它是中文的，感受氛围即可。
2、“对于两个大女儿为什么是男性角色，另外为什么剧中会出现那么多天主教的元素，在你的剧评的基础上再补充一点。导演是天主教徒，在波兰也有很多人是信天主教的。对于古代的国王，比如李尔王，他的权力是天授的，不是像现代国家那样是民众投票选举出来的。对于现代世界上所有的国家，除了梵蒂冈之外，他的国王或者说他的教主是天授的。但是，对于这样一个天授的权利，对于教皇或者是国王来说，他会在这样的一个高尚的外表下面，做很多肮脏的事情。在这样一个神权国家里面，所有有权力的人物都是男性。所以说导演在设计这一版李尔王服装、氛围的时候，用到了很多梵蒂冈天主教的一些宗教元素。”（from 黑檀）
3、“结尾那一段（所有人围成圈形躺倒，投影显示出上帝视角）我想到汉尼拔里面那段人体调色盘，汉尼拔这个似乎是一个宗教隐喻，是一个瞳孔 ，上帝在看着世人那种意思。但是这个解释在这版李尔王也是说得通的，李尔王里也出现了大量关于眼睛的比喻。尤其是对葛罗斯特那个瞎子，还有最开始大女儿还是二女儿也说爱李尔就像爱眼睛…”（from 围巾）
最后，我发现这部戏豆瓣上很多人打三星甚至一星两星，说实在的，难看和难懂是两回事，打低分的表示的都是难懂的意思。然而，1、如果完全不熟悉莎翁原剧本，看不明白、跟不上节奏，太正常了。看经典剧本的外国戏，无论是希腊剧，还是莎剧，观演前温习或预习剧本是基本功课，但凡对原剧情、台词较为熟悉又稍加思索，不会看不懂；2、波兰人就是这样，他们出了很多艺术家，他们根本不考虑什么通俗易懂，那正是他们的魅力所在；3、何况这还谈不上多先锋呢，这是当代戏剧的惯常表演方式（最先锋之处在于不在场的李尔王，太厉害了），我曾看德国法兰克福剧团的《美狄亚》，也是极简+肢体+部分投影元素，他们连服装都穿现代日常衣服，直接演出。回复4赞
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