在上半年美琪大戏院演出时，舞台剧《繁花》第一季场场售罄，一票难求；还收获了例如梁文道、陈村、孔祥东、金复载、胡歌、俞飞鸿、史航、陈冲、梅婷、朱一龙等横跨导演、作家、音乐家、演员等多个圈层的铁杆粉丝，成为“现象级舞台剧”，可谓是业内、媒体、观众三方零差评的口碑之作。
本次再度回归申城演出，《繁花》花落艺海剧院，本轮演出承接上半年美琪演出版本，原班人马打造，原汁原味呈现。

 

 

除赢得大众的掌声和泪水，《繁花》还荣膺专业领域的嘉许。作为文学经典IP 改编的舞台剧，她开创了一种新的类型剧，塑造了崭新的“繁花”美学，让舞台剧市场充满更多可能性和想象空间。
在第二届华语戏剧盛典中，《繁花》斩获“2018华语戏剧盛典：最 佳创新剧目”大奖，并一连拿下“最 佳年度剧目、最 佳创新局面、最 佳导演、最 佳编剧、最 佳舞美、最 佳投资人”6项提名；今年，《繁花》再次独揽2019壹戏剧大赏“年度大戏”、“年度最 佳编剧”两大奖项。
 

 

有《繁花》迷粉自2018年到2019年已三刷《繁花》，观者沉迷于《繁花》中的矛盾：一种亲密的疏离，一次传统的跳脱，一幕客场的观照，欲望如太阳炽烈却又照出阴影，生活如长河却又静水流深。
 

“不响”的回响

 

“小毛不响”、“沪生不响”、“阿宝不响”……小说全文有1500处“不响”。
作为《繁花》最重要的核心美学，每个“不响”都有不同的意义，是一种无奈，一种孤独感，也是一种焦虑的表现；更重要的是，“不响”是上海人的一种常态，一种智慧，比“响”更安全，“不响”制造了一种安全距离，这是一种文明，是上海人特有的矜持，正是这种地域性格，造就了上海。一个人的不响、一群人的不响，成为一个城市的回响。
 

 

如此复杂的不响，如何在四维里展现，是舞台剧版《繁花》最 大的挑战。舞台上的轮盘是“不响”的空间化意象，是空间里具象化的留白。那些时而装糊涂、时而不高兴或是忍耐、尴尬、茫然的失语状态，都在轮盘的转动中被无声地凝练，在短暂的沉默中泛出情感的动态。
舞台剧《繁花》没有照搬原著中“不响”的位置，而是通过舞台灯光和转台的表现方式，将属于《繁花》的“不响”——整部剧的灵魂建构起来。那些消失在嘴边的话语，不仅没有让观众脱离繁花的叙事，更神奇地让观者在剧场中体会到了那份疏离和距离。
 

“饮食”的男女
与全剧多次“不响”相对照的，是尘世的喧嚣和饮食男女的情欲。

 

 

《繁花》中看不到任何一个标签化的个体。三个沉默的男性，状如繁花的多位女性，你很难界定他或她是一个好人还是坏人。
形形色色的饮食男女，一地鸡毛的平凡，或无处宣泄的欲望，或欲望抒发后的空虚和挣扎，就同观剧的我们，即使前一天晚上末世狂欢般的发泄，第二天依然要回归正轨，所谓的抚慰只是生活被迫按下一个暂停键。
《繁花》无意营造一个童话，她只是用一次客场的观看“慈悲”地阐释，生活的日常，没有那么多的波澜和传奇。
 

“沪语”的风情
《繁花》用全沪语演绎，为体现这份语言背后的烟火人情，甚至全 部 启用上海籍演员。上海籍的演员用自己的母语演绎与自己有千丝万缕联系的上海故事，抒发浸润于骨子里的上海风情，这不仅是一种举手投足的自然，更是一幅充满层层叠叠烟火气息的生活图景，一份深刻的上海质感。

 

 

为了让观众始终沉浸在这份质感里，演出时全程普通话字幕，也突破翻译的常规，把沪语最直接地展现在众人的眼前。例如“今朝老适意”这句话，不直接翻译为“今天很舒服”，而是直接打出“今朝老适意”，不仅能保证非沪籍观众的理解，更能让观者时刻身临其境，无片刻抽离。
今年6月，《繁花》受邀参演“第五届中国原创话剧邀请展”，在北京国家话剧院演出3场。演出谢幕时，北京观众报以长时间掌声，久久不愿散去。《繁花》里的方言并非沟通的壁垒，它的背后是“一种文化，是一个活生生的人群，是一种生活的韵味，是一种奇妙的自然风光，也是人文景观。无论走到哪里，《繁花》的沪语演绎都会觅到走心的知音。
 

“流动”的城市

 

上海，从茅盾《子夜》里的“史诗”，到张爱玲的“传奇”，再到《繁花》里质朴的普通市井的鸡零狗碎。“鳞次栉比的电线杆、弄堂里长长短短的衣架、梧桐树叶细密的纹路、糖醋小排……”，这些剧中展示的细节之后隐藏着《繁花》的“史诗”和“传奇”。通过《繁花》了解20世纪的上海，就如同透过巴尔扎克感受19世纪的巴黎。
一个舞台，剖开一个城市“上知绸缎，下知葱蒜”的横截面；一个转台，转出60 年代和90 年代的时空交错，演绎一个城市的流动，从“懵懂、彷徨和纯真”，到“市侩、物质和欲海沉浮”。

《繁花》原著作者金宇澄勾勒了这座历史波涛中的城市博物馆，而“一群年轻人从书中找到了戏剧的种子”，青年导演马俊丰、编剧温方伊、电子音乐家B6、多媒体艺术家雷磊、服装设计师徐家华、中国台湾的舞美设计李柏霖、灯光设计谭华等，用多媒体、音乐、服饰造型、视觉艺术等手法，完成了当代年轻人对《繁花》的理解。