随着新的科技进步，新的人类交流方式的产生，新媒体艺术正在打破这种被动的艺术欣赏方式，一种交互的、对话式的观看方式正在出现。

       

借着影像声效的吸引，搭着时间的桥梁，艺术作品正在把观者的参与和互动带入到当代艺术的语境里。

       

如果说，传统的艺术作品是静态的，那么新媒体艺术就是动态的；如果说，传统的艺术表达是单向的，那么新媒体艺术的沟通则是双向的。

 

 

重磅策展委员会：

 

Eric Shiner

 

      安迪•沃霍尔和亚洲当代艺术著名学者

      原安迪沃霍尔美术馆馆长

      现纽约苏富比当代艺术部门副总裁

 

Natalie Kovacs

 

      独立策展人，专注于表演架构

      

她发掘了兰登国际（一个知名的全球新媒体艺术团体），她长期和teamlab，drift studio等众多世界著名艺术家有着紧密的合作

      

引爆纽约现代博物馆MOMA的兰登国际“雨屋”与上海余德耀美术馆的“雨屋”策展团队核心成员

      

两位重量级大咖为本次展览加持，9月23日，准备好你的灵魂和肉体了吗？

      

本次展览邀请了10位国内外著名新媒体艺术家，创作了8件作品，汇集了数码互动艺术品和体验式装置艺术品，这些作品探索了延伸和无垠的理念。它们反映了一种当下的趋势，也就是说艺术从反映实体转移到反映一些易逝短暂的实验性事物，这些艺术家强调物理和隐喻意义上的宇宙是无边无际的。诠释，描绘或展现永恒正是这些作品核心内涵所在，这就好比让我们进入了不同的世界，这些气势宏大同时具备互动性的空间让我们变得更加现实，意识到我们自己的灵魂与肉体的存在。他们致力于推动科技与美学之间的互动发展，共同探讨新媒体艺术在当代艺术语境里的未来发展方向，为公众提供一个最近距离接触和了解新媒体艺术的平台。城市与人的关系在新媒体艺术的连接中发生变化，拉近人与人之间、人与城市之间、城市与城市之间的对话可能，并创造无边界的想象空间。

 

延伸和无垠？诠释、描绘、展现永恒？宇宙的无边无际？科技与美学？无边界空间？

 

快来现场体验吧~

 

国际顶级新媒体艺术家团队：

 

      

teamLab是一个由专家组成的超技术专家小组，包括由程序员（用户界面工程师、数据库工程师、网络工程师、硬件工程师、计算机视觉算法工程师、软件架构师），数学家、建筑师、CG动画师、网页设计师、平面设计师、艺术家和编辑等。他们以「实验和创新」去进行创作，使科学、技术、艺术和设计之间的边界更模糊。

 

作品《Flowers and People》

 

      

作品《花与人》是通过电脑程式实时地不断进行描绘，并不是将预先制作好的影像进行放映。从整体来说，并不是复制之前的状态，而是会受到观赏者的行为举动而影响，开始变化，这个瞬间的画，不会再看到第二次了。花朵，会从诞生丶生长丶结出花蕾丶开花，到不久后的凋谢丶枯萎丶死亡，也就是说，花朵永远地重复着诞生和死亡。花朵会根据观赏者的行为举动（非常靠近花朵丶或是保持一定的距离)，而展现出一刹那的凋谢枯萎，或是诞生成长齐开花。

 

      

Daniel Iregui ,新媒体和设计实践中心“非常态”的创办人。他既是艺术导演又是程序员。他秉承设计和技术并重的理念来创造新媒体艺术和光学雕塑。当面对观众并且由观众来解读的时候，他的作品是无限可能和随机可能的组合，这一点他永远成竹在胸。“我创造了体系，规则和审美，但是结果却是多样化的，这使我的作品增添更多互动及趣味。” Daniel Iregui 的作品通常署名非常态，参加过很多在蒙特利尔和国际上的音乐，灯光艺术和新媒体艺术节。这件作品曾受邀于蒙特利尔的igloofest 艺术节、荷兰glow、巴黎 les Bain's numeriques 、墨西哥视觉艺术周等。

 

作品《Control No Control》

 

      

作品《控制与非控制》是件互动LED 雕塑作品。该作品允许观众通过手和身体的触碰来激发声音和图像。完整的影音组合包括五个阶段，每个阶段都是以几何形状，有内容，有声音以及对应的身体姿势。把这件作品摆到公开空间，用尽可能简短的语言来描述它是如何运转的。通过这样的方式，观众可以自由探索如何控制声音和图像。任何触及作品表面的物体都会带来影响，同时一些动作会触发更加复杂的动作，随着观众参与度的提高变得愈发明显。观众被控制了吗？他们是否遵循最初的设计路径？这件作品的创作初衷就在于行为是如何被塑造以及控制到底是个什么样的概念。

 

       

Vincent Houzé使用现代电脑图像技术来创作互动艺术，表演和大型多媒体装置。他的艺术实践聚焦于动态刺激和那些规则导致复杂性，宏富性和真实性的系统。

       

他曾在巴黎和伦敦担任电影，广告和视频游戏的视觉效果设计师，目前是纽约新博物馆孵化器NEW INC的成员。 Houzé本次带来的作品在休斯敦的Google I / O 2017展出，并出现在许多在线杂志，如创作者计划和创意应用网络等。

 

作品《Fluid Structure》

 

       

作品《流体结构》是种仿真的互动装置。这个装置在不同的来自内部和外部的刺激下不断变形转瞬即逝。压力和撞击使其破碎，然后重组,聚拢。结果形成了不断变幻的风景，既熟悉又神秘。戏剧化数码化的影像呈现强调形状的外部结构和动态 。电脑图像让观众成为过程的一部分，留下暂时的物理印迹 ，终究会消逝。这一系统是由真实的时间流驱动的并且指向目标形状。

 

       

Quayola把技术当作镜头用来探索对立力量之间的张力与平衡：真实与虚拟，具象与抽象，新与旧。希腊雕塑，古典大师的绘画是他的抽象系列的审美出发点的组成部分。Quayola参加过第54届威尼斯双年展, 巴西圣保罗艺术宫；日本东京国家艺术中心；莫斯科普希金美术馆；布鲁塞尔美术中心；巴塞罗那国家当代艺术中心；伦敦维多利亚和阿尔伯特美术馆；荷兰埃因霍温Mu 艺术空间 ；英国电影学院；法国巴黎音乐画廊；法国里尔美术宫；法国波尔多大剧院 .圣厄斯塔什大教堂；法国图像论坛；阿根廷布宜诺斯艾利斯国家文化中心；美国纽约EMPAC 中心；雅典乔治亚艺术博物馆 MIS 巴西圣保罗；巴西当代艺术馆等。合作包括伦敦现代交响乐团，波尔多国立交响乐团。2013年Quayola被授予电子艺术勋章。

 

作品《Strata》

 

       

作品《纹理》是关于哥特风格的窗户和两座巴黎建筑：巴黎圣母院和圣厄斯塔什大教堂。这件作品是受巴黎电子艺术节组委会委托创作的。Quayola的影像装置立足主题的客观细节：光线，形式，形状，颜色。富丽堂皇地表现出熟悉的巴洛克和文艺复兴时期的图像，同时和主题保持距离，他通过物体表面的探索来超越图像本身。剥离图像后，他探索图像的象征意义， 尤其是在《纹理》系列当中，他通过考古学的分层和层理手段来处理，他的作品是历史的暗喻，是时间岩层累积的结果，是个地质学概念意思是岩石的分层机构，每一层在多孔性，质地，颜色和组成方面都不一样。

 

       

刘唱，Hibanana工作室的创始人之一，以视听文化为核心致力于影像空间的延伸，动态图形的设计，音乐声音的制设计，以及视频包装的发展等。她同时也在纽约大学交互电子媒体专业担任研究员。她的作品经常在美国，南美和中国展出。她的近期展览包括：无限（卡罗/弗莱彻画廊，伦敦，2015），文件电子艺术国际艺术节（巴西圣保罗艺术中心，圣保罗，2015），重瞳体-海外华人女性艺术家邀请展（何香凝美术馆，深圳，2014），中国首届当代设计展（上海当代艺术博物馆，上海，2013），北京首届国际设计三年展（中国国家博物馆，北京，2011）等。

 

       

苗晶，国内年轻一代的新媒体艺术家。2005年开始VJ的现场视觉表演,并在2007年组 建新媒体工作室Hibanana Studio，创办基于声音、空间、视觉、交互体验的多媒体作品。他与不同领域的艺术家、音乐人、设计师合作,并创作多种类型的多媒体艺术作品，声音影像装置及影像艺术。他的作品通常专注于人在虚拟与现 实世界中的体验的探索，并以“人造风景”的主题来思考这种体验的可能性。他的创作媒材甚为宽广,涉及了绘画、声音影像装置、电脑动画、声音影像现场表演等多个领域。

 

作品《INFINITE》

 

       

作品《无垠》主要由时间，数字以及索利•莱维特的122个可变形的Open Cube组成视觉主要构成，并融合了刘唱的安装与编码方式，并将其融入缪进的油画和沉浸式视听环境中，实现了神秘和冥想空间的想法。影像和声音同时迸发出的力量严密紧张，没有缝隙，仿佛机器般冰冷没有瑕疵没有语序没有诉说，只有不断的运转，不停不休，永无止尽。我们在宇宙的运转速度，日月更迭本就是可无序的，不可停滞的，我们用时间去计算它的更迭，人为的生成数字使抽象的宇宙变得具体而可以运算，我们在其中寻不到终点，最终也无法找到起点。信息，代码，人类，机器的起点和重点变成一个永恒追逐答案的巨大命题。神秘如光影，数字，时间，机器的来源，从无从得知到有迹可循。

 

       

王叒婷，毕业于美国迈阿密大学，获得建筑学学士学位。曾就职于北京MAD建筑事务所以及纽约FR-EE建筑事务所，现在纽约任灯光设计师。参与及主持过多个国内外建筑项目， 包括哈尔滨大剧院，新墨西哥城国际机场，Saba大楼，拉丁美洲美术馆等等。王叒婷一直致力于参数化设计的研究与实践，个人项目曾多次获得国际建筑奖项，王叒婷也同时能驾驭其他各个领域的设计，包括首饰，时装，家具以及室内设计。

 

       

王俊睿，纽约知名灯光设计事务所KUGLER NING LIGHTING DESIGN的高级设计师。毕业于帕森设计学院的建筑与照明双硕士专业，他曾经在CBBLD，MFLD等事务所有过丰富的从业经验，目前主要专注于照明环境和建筑空间的融合互动。他曾作为PER/FORM公共建筑比赛的获胜者接受了METROPOLIS的单独采访，并在白宫奥巴马夫人主办的服装设计教育日负责室内布展。

 

作品《Iridescence》和《Grid》

 

       

作品《皪》与《陈》，由喧闹的都市到隐秘的光影丛林，互动的灯光始终指引着访客的脚步。设计师王叒婷和王俊睿共同创建了一个体验式的光影装置艺术品，作品链接了内外空间，对规模，运动和我们体验空间的方式提出了质疑。长廊作为接待与展厅的衔接，渲染了由明到暗的气氛，为访客观展作好了提前准备。参数化光源的引入作为展品的预告，使访客接受此次展览的互动性，并鼓励访客与艺术品直接交流。

 

       

孙德庆，一位现居纽约的艺术家，创意工程师，也是纽约大学兼职教授。他使用多种技术进行创作，包括传感器，传动器，LED，自定制硬件和软件。他的作品专注于动态装置艺术，交互媒体艺术。他热衷于将最先进的技术与艺术和设计结合，创造出震撼的作品。

 

       

苏佩琪，是一位新媒体艺术家和交互设计师，纽约Think Create公司联合创始人，专注互动装置设计与制造。同时，她在纽约大学教授研究生课程，并为多家公司提供设计咨询服务。她的作品在纽约等多地受邀展出，并受到全球媒体的广泛关注，包括赫芬顿邮报，ABC News, VICE 等。

 

作品《Partical Dance》

 

       

作品《蝴蝶效应》探讨了小事件造成大影响的概念。传感器用观察者的手来显示颗粒的运动。这些信息与实时天气数据合并，以创造美丽和全球敬畏的视觉效果。屏幕上的粒子被纽约的风裹挟着舞动，你在屏幕前挥手带起一丝风意，会使纽约掀起一场风暴吗？纽约，地理上刚好与上海在地球的两侧。作品灵感来自1972年Edward Lorenz对于蝴蝶效应的提法，即“一只蝴蝶在巴西轻拍翅膀，会导德克萨斯州的一场龙卷风吗”，意为地球一侧的微小扰动会引起地球另一侧巨大的长期的变化。作品通过让观众与纽约天气数据之间进行互动的形式，尝试思考中国人正在以怎样的力度影响世界。

       

为什么作品中的互动形式（kinect）是有意义的，而不是为了互动而互动？因为蝴蝶效应关注的是行为变化对周围环境的影响。作品中用 kinect 侦测行为变化。

       

为什么作品中的视觉效果（particle system）是有意义的？因为作品中的气象数据是靠particle system的运动表现出来，实现数据可视化的。

       

为什么身在纽约的我们，为上海的展览定制这件作品？因为纽约和上海基本是处在地球上相对180度的两侧，符合大家熟知的蝴蝶效应概念，即蝴蝶在地球一侧（上海）煽动翅膀，会影响地球另一侧（纽约）的天气。借用这一概念，隐喻中国人对世界的影响力。

       

本次展览中的这些作品位居艺术，设计和技术之间的中线位置。设计师，动画师，工程师，网络艺术家和程序员正在努力创造新媒体，重新定义未来艺术的可能性。这些感官艺术品展示了一种新的获取材料的方式，反映了我们是如何通过技术进化的。

       

快来和艺术家们一起激活声音，动图，动画和光线，体验改变空间和建筑的方式。