Lv6《高手》应该是一个双男主的设计，一个优等生和一个差生，差生一开始类似于优生的小弟，就想着跟着优生混，两人一起实现济世救人的梦想。原本水平差太多是不可能被分到一个地方实习的，但天之骄子呢，通常比较容易得罪人，容易不服，惹怒了老师，两人就很“愉快”的成了搭档，一起来到了小地方的中医馆。Alex蕾蕾Lv62018-03-30
傲气的人，鸡毛蒜皮的事瞧不上，总想着来个病人能够赶紧大显身手，但作为实习医肯定在最开始的阶段是没有权力独自开药方的，所以就被师傅罚去洗药罐，差生就跟着师傅学习，然后优生一气之下就去香港追逐自己的梦想，留下差生一个人，好像被抛弃一样。接下来差生开始逆袭，因为踏实学习，医术越来越好，顺便跟馆主女儿发展下感情线；优生在香港就各种受挫，离梦想越来越远，郁郁不得志。两位男主的生活再次有交集是因为SARS爆发，优生又刚好收到了馆长惩罚他之后写的一番话，表明中医馆人手其实挺紧张，特别希望他能够留下来，觉得他会是一名好医生，优生很是感动，历经各种困难回到中医馆和大家一起对抗SARS。
编剧没让差生逆袭的太彻底还是比较合理的，两人主角和好是因为优生实力在那，在优生的帮助下，差生才想出了完整的抗SARS的药方。结尾差生申请到第一线去抗击非典也激起优生重回香港参与非典救援工作的想法，于是两人就各自踏上行程，带着医生这个职业崇高的使命感和信念朝着自己的梦想前进。
在我的认知里，中医是生命科学，感觉神农尝百草就是靠人体来测试自然界中各种动植物的特性；讲究阴阳平衡，与大自然和谐共处。一直觉得头痛医头，脚疼医脚是不对的，很多时候病因并不在发病的器官，或者人们看到的症状，而在于其他，比如说身体发热其实是人体自我保护的体现，本身不是病，但人体长期处于这个温度，会导致其他问题，需要降下来。中医讲究防患于未然，如果人体长期处于某种环境容易导致一些疾病大规模爆发，那就应该提前做好准备，减少伤亡。疾病在刚有苗头的时候就被消灭了，那自然就看不出效果，人总是到病入膏肓时才悔不当初。所以中医给人的感觉是没有西医厉害，效果不那么立竿见影。一个问题的解决必然会导致新问题地产生，就好比降血糖，一针胰岛素打下去血糖确实是降了，但这个数字依然会升上来，血糖为什么高才是重点，听人说好多糖尿病人死亡是治疗过程中的并发症导致的，如果只是血糖位置转移，那其实是有点自欺欺人，因为还是在体内并没有消解，只是没让人看见罢了。虽然不懂中医，但能从中感觉到人类的渺小，对天地万物的敬畏，每个人都是一个动态平衡的生态体系，健康不是说各项指标都符合标准，不同人的身体还是不一样的，很多病无法根治，那就调理身体，保持住情况不恶化，也算是达到自己的一种健康状态了。1回复9赞
Lv3在观演之前我对于《春逝》近乎一无所知，除却“物理双姝”这个标志性的标签外，我没做过功课也不曾有预期，只是冥冥之中在27岁生日的这一天选择了这样一部以女性作为主角的话剧，出于一种仪式感，甚至可能是无意识的刻奇与自媚。而我全然不曾想到，会在两小时中数度落泪。七七吃你家大米了吗Lv32023-05-15
顾静薇与翟建雄的第一场对手戏，我亦曾在心底悄悄吐槽——生怕又是一对没头脑与不高兴式的刻板人物刻画；在剧情展开之后又渐渐明白，她们是知己至交、是继承与延续、是来路与远方。
关于《春逝》的诞生，我在蝴蝶剧场的推文里看到了这一段——“《春逝》编剧兼导演朱虹璇说，《春逝》由一个简单的人物小传丰满而来。在写《对称性破缺》这个戏时，有一个以吴建雄为原型的角色。在查资料时，看到的多是男性对她的影响，但朱虹璇认为吴健雄不可能从未遇到过来自同性的影响，这部分可能被遮蔽了。而她想要做的，便是对少数的放大和细描，让那些看不见的被看见、听不见的被听见。”
而这一段创作手记就是我想说的：当你看见一个女性时，她是如何走来的？她是从前人的脚步里走来的，她向更远的未来走去，她留下了一行脚印等待着无数个曾如她鲜活灵动坚强勇敢的女孩走向更远的地方。这一条路曾经幽暗曲折、荆棘丛生，在不为人知的岁月里被那些女人一步一步踩平，没有历史书记、没有文学赞颂，它“大众”的语境下隐秘而幽微，却被每个女性口耳相传，我们不在书卷里寻找她，却自发自觉的踏上她，从继承者又变为拓荒者，终会天宽地广。
来路·顾静薇：你身体与灵魂的自由都属于自己
顾静薇的出场并不像是“中国第一位物理学女博士”，反而更像是刻板印象之下的上海小女人，精明中透露着一点点厉害，口音里的吴侬软语下又有着一丝计较，口中锱铢必较似乎确实有违科研工作者的清高；忙于相亲的恨嫁更是勾画出一个“非典型性”的知识分子形象。
诚然在剧情铺开后我们逐渐知晓，顾静薇对于婚姻的渴求更像是对祖母的一种慰藉，但我仍然一度未曾思考——那么对于她自己，婚姻是什么？直到那份刊载于报纸上的征婚启事由翟建雄之口念出：“1. 面貌俊秀，中等身材，望之若庄严，亲之甚和蔼。2. 学不在博而在有专长。3. 高尚的人格。4. 风姿潇洒，身体壮健，精神饱满，服饰洁朴。5. 对于女子情爱，专而不滥，诚而不欺。6. 经济有相当的独立。7. 没有烟酒等不良嗜好。8. 有创造的思想和保守的能力。”顾静薇的形象好像忽而丰满了——乐观却不盲目，随性仍保有底线。
积极相亲是希望祖母能够放心，坚持择偶的原则则是因为对自己的负责，更是因为清楚祖母期待她结婚，并非期待她囿于世俗偏见对于女性的束缚与要求，而是希望自己的孙女真正的幸福。
就如同观测塔和留声机——砍掉观测塔是境遇无奈之下权衡过的最优解，留着留声机是尚有余力时对生活的热爱和期待，最终卖掉留声机是在现实之下对于科学的热忱与坚守。
她看上去盲目乐观，好像一向能将任何事情大而化之，实际上坚守着自己的底线和原则。而最为难能可贵的是，她始终以一个女人的身份在奋斗，没有将自己异化成男性与女性割席，而是以女人的身份，无论在教学还是科学都做出自己的成绩。
前途·翟建雄：科学只认真理，从不论资排辈
单纯从怡人性的角度来讲，翟建雄确实是个很难说讨喜的存在。从甫一上台，翟建雄就是带着一股劲儿在的，若有若无地让人觉得她是在心里憋了一口气的，当然在后面我们会随着剧情的展开而知道这口气是什么——庚款留学考试三次，即便位列第一但依然失败。更深层次的，是学界乃至传统道德乃至于世界的认知对于女性的无视乃至于漠视。而知悉原因之后，作为观众的我又很难不去思考——她的心气儿乃至于怨气难道不合理吗？她的坚持和骄傲又难道不应该吗？似乎也很难得到一个否定的答案。
相比于顾静薇的引导者身份，翟建雄则是一个成长型主角。
从关注自身到观照世界——最初愤愤不平于庚款留学的考试结果，而最终被顾静薇劝服则是在于“是做影响更多人的居里夫人还是做老家一个连门都不敢出的老太。”这表的的是一种认同，认同科学的成就不止于研究成果，更是有可能开拓的道路。
当最初带着一点生硬与淡漠的少女会说薇草并非随处可见而是顽强而生时，这是她对世界的又一次探索——不是从科学的角度，而是从人性的温度。
初时的翟建雄总是有一点较劲的别扭在身上，感谢的时候别别扭扭、送项链教跳舞的时候别别扭扭，学了三句话来安慰人的时候也是别别扭扭。而剧情愈发展却越能够发现，她渐渐坦荡而柔和了下来——同样是送东西，送项链和将领带改为丝带送出的时候是全然不一样的。
温柔的旁观者·丁奚林：搞戏和搞科研的谁更穷一点还真说不好
《春逝》整部戏都带有一种异乎寻常的平静与触动人心的温柔，而这温柔平静的背后，离不来丁奚林这个成功的人物塑造。经历过不公的人去表达不平是难免激动的，在塑造“对方阵营”的形象时也是难免怨怼的，于是一个平和中正的“对方阵营”形象就显得尤为可贵。
丁馆长并非完人，面对两位女士改椅子的时候仍然会有“男人=正常人”的思维误区；但丁馆长的的确确是个有原则的好人，所以境遇即便艰难，也是没有女演员、女研究员陪吃饭的。
他是串联故事的重要人物；也是大众非恶意的刻板印象与道德操守的代表；更是动荡年代下知识分子形象的缩影。
遥远的回响·祖母：时间的尺度是相对的，应该对未来充满信心才是
全剧中有一位从未出场但是意义重大的角色——祖母的相对论照亮了顾静薇的求学之路，也重塑了翟建雄的进取之心。居里夫人、顾静薇是为翟建雄趟出来路的前辈，那么祖母，应当就是鼓舞顾静薇的前辈。
在顾静薇心疼翟建雄的时光和前程的时候是那样急迫的问她：“没有老师、没有战友也没有战壕，你还是要做这件事？”我不禁在想，那位青年守寡、中年丧子，不顾世俗眼光拉扯大了自己的孩子又送自己的孙女去学堂的老人应该也曾满怀心疼、不舍与骄傲地问过：“出国留洋离家万里，你一个年轻女子要怎么生活？洋人轻视、男子主导，如此境遇你要如何自处？做学问不易假如做不出成绩你要如何接受？离经叛道便意味着世人飞短流长。你要如何面对？”而面对孙女的坚持，那个曾经同样离经叛道的女人终究是懂得的，她曾慰藉自己的孙女：“妇女解放几十年了,才见到一个女博士，实在是不甘心，但换一种想法，几十年对一个人而言很长，放在几千年的人类历史中却是短短一瞬，时间的尺度是相对的，应该对未来充满信心才是。”多年之后，她说过的话被孙女拿来劝慰了另一位晚辈，她的孙女在她求生求存的路上迈出了求知求学的脚步，又在多年之后对着另一位晚辈倾囊相授一路相送。
故事的最后，顾静薇回赠了翟建雄一串曾经陪伴自己的、祖母的珍珠项链，将这份面对命运的勇敢一路延续；这串项链中温暖、历史原型里的两位科学家将这份力量传递给了执笔编剧的朱虹璇；而她又将这份力量传递给了看戏的你与此刻满心感慨的我。
关于现实的一点观照
在顾静薇对翟建雄讲“每个人的现在都是由无数前人走出来的”时，我想起了两个月之前和朋友的对话，前因大概是她一向希望作为女性突破职业天花板给其他女性创造公平条件，而那一段时间工作屡屡受挫，彼时我亦安慰她讲：“古人说达则兼济天下穷则独善其身是有道理的，因为自身能力不到的时候是做不到这些的。所以与其在做的过程中就先把这些担子背在身上，不如走到哪一步就做力所能及的事情。就比如，哪怕是现在的你，也是能够鼓励到女孩子的，作为一个拥有专业技能、稳定工作并且可以供养自己长久的爱好形成自己不会被轻易左右的审美品味，这样的的“姐姐”的形象，对于年轻女孩儿本来就是一种激励。至于以后，站得更高自然能做得更多，我在年纪小的时候/迷茫期的时候，其实不是有多么明确的目标，只是我认识的看得到的优秀女性告诉我我的未来可以是这个样子，这样一个朦胧的目标或偶像很多时候足够鼓舞人前进了。”
顾静薇相亲后同翟建雄讲“安慰人的意义及如何安慰人”我俩之间也有几乎一至甚至更为激烈的争论。而顾静薇给两位非常不靠谱的相亲对象取代称的一幕也几乎是我同另一位好友的翻版。这些细节真是而鲜活，映射了我普通而充实的人生里那些或有趣或热忱的片段。
很感谢《春逝》的真实灵动与深情细腻，最后我决定以我当日的朋友圈为结尾——
从走出地铁看见了一个又一个背着戏剧文创背包的人心情突然好了起来，有姑娘穿着旗袍或如我绾着中式发髻，这一点仪式感如墨入水，晕开一丝丝一片片的浪漫。
早上出门匆匆忙忙又回去取我落下的胸针，是电影《二十二》的周边，我想这于我无比特别的一天，如此好的一部戏是要带“她”来的。我也不怕今日晚归，经历过苦难的女孩子会保护我。
台上台下，我们相互对望彼此祝福吧，敬格物致知打破藩篱上下求索的她们；敬挣扎于苦难中永生于历史里的她们；也敬如今努力着学会勇敢独立的27岁的我。回复赞
Lv3和老公相知于罗大佑，然后才知道什么是真正的经典：经得起时间的沉淀，守得住岁月的流失！罗大佑的歌需要静下心来默默的听，才能体会音乐中的厚重与深沉。用户136****4768-dHYpuLv32018-01-01
记得第一次接触罗大佑的作品是《恋曲1990》，前奏几个切分音响起，一种萧条、凄凉的感觉油然而生，随之而来的是他那低沉的嗓音，把人带入无限的回忆之中。接下来，唱到“或许明日太阳西下，倦鸟已归时，你将已经踏上，旧时的归途，人生难得再次寻觅，相知的伴侣，生命终究难舍，蓝蓝的白云天”的时候，就像一个人站在山脚下，在山野中呐喊，在高山的相称下显得很渺小，发泄完之后，突然没了力气，所有的挣扎都是徒劳的，那时才发现：在现实面前，所做的努力都是苍白的。
如果说《恋曲1980》是充满无忧无虑的青春年少的欢乐，《恋曲1990》则是时代的叛逆与挣扎，那么《恋曲2000》就是一种超越时空、跨越时代的自我超越与回归。
罗大佑，讲述了多少人的故事，诉说着多少人的心声，一种属于过去的语言-----怀旧。 或许怀念的是一滴泪、一个眼神、一种情结；也许怀念的是一处风景、一种思绪、一次挣扎。让那些如烟的往事，变得忽远又忽近。无论世事怎样变迁，人既要能超越自己，也要能回归自己，才能享受生活赋予你的一切。
今天的演唱会是以“家”为主题，“当年离家的年轻人”如今已六旬有余，曾经的叛逆与疯狂、曾经的落寞与辉煌都已沉淀，“叶落归根”是对今天主题最好的诠释！音乐超越年龄，舞台是他的天地，在舞台上他依然雀跃，俨然一个顽童。歌声唤醒多少沉睡的心灵，音乐跨越多少时代的梦想，让不同年代的人齐聚一堂，唱响那些共同的歌谣......
家，是永恒的主题，归家，是共同的旋律，人生的乐章在空中传唱！回复6赞- Lv4好看，美爆，安利，如果来不及去看现场，那也可以找出官摄来看一看，真的精彩。汤老湿在路上👾Lv42019-05-12
舞美
不像法扎一样浮华绚烂，但是我却觉得美于法扎。
整部格局从头到尾设计都非常简单，没有大布置，大部分道具都融入了演绎本身，由角色自行带入场中，但又不突兀，反而能更灵活运用为角色表演的一部分。道具和服装从头到尾都有一种俄罗斯的浪漫主义美感，质朴，抽象，苍白，唯美，配上神仙构图，竟然将普希金原诗中那种抽象却令人心碎的感觉完美还原了。less is more，意境上取胜了。
很多幕都可以单独拿出来夸。
比如最经典那幕少女们穿着雪白的裙子坐上秋千，缓缓在舞台上升起，风吹动她们雪白的裙摆，白雪飘飘，感觉她们神圣得仿佛歌唱爱情的天使，但她们每个人脸上那种悲哀的神情，又仿佛哭诉着爱情悲剧的幽灵。配合着舞台最后面神奇的镜子幕布，倒影与现实，有种浮生若梦的感觉。
再比如我个人非常喜欢的连司机连斯基死去的那一幕。
我非常喜欢这版连斯基，不只演员极其帅，而且实在是太可爱太鲜活了[说到底只是个被爱情冲昏头脑的傻白甜青年啊，到底做错了什么要被渣男射并不]
而当炽热的灵魂凋落，他背对着我们半裸着坐在大雪中死去，他的腰微微的弯着，曲线柔软宛如沉寂的希腊雕塑。枪鸣，死寂，随着音乐的爆开，雪落下来了，覆盖了他的头发，落满了他的身体。他是那么纯白，那么孤独。而舞台的中间，中年连斯基沉默的看着另一个死去的自己，而右侧，是崩溃的爱人奥尔加[构图绝了]。
不只是我，现场观众全场最喜欢的除了塔季扬娜，就是这对傻白甜情侣了，所以谢幕的时候他们的呼声最大。连斯基刚到村子就将代表着他的爱情的手风琴交给了这个可爱的跳脱的姑娘，他们唱着“银白色的月光下”，在每一个场景里亲密地挨在一起。他的心就好像那架开开合合的手风琴，永远鼓动着生命的节拍。直到他去世，年轻的爱人被迫带上头纱，被挽起手臂，被夺下唯一留下的手风琴，被一步一步拖走。
悲哀，但是好美。果然人类的美学都是建立在别人痛苦的压榨上。
还有很多场景的小细节部分也可圈可点。
比如塔季扬娜的信被撕碎后，老年奥涅金小心地用玻璃框将它复原，那忧郁又温柔的神情，暴露了他对少女深藏心底的眷恋，而轻骑兵和老年连斯基也凑过了看碎掉的信的时候，那一瞬间的寂静，三个老大叔的手足无措，很可爱。
再比如，连斯基跟奥涅金对决的时候，枪原本在老年奥涅金手中，在说完诸多未来的懊悔之后，年轻的奥涅金一把抢过枪，对准连斯基毫不犹豫地开枪，了解故事结局的老年奥涅金的沉痛与深陷故事当局者迷的年轻奥涅金的冷酷形成对比，始终不愿将枪口对准奥涅金的连斯基与从始至终用枪指着连斯基的奥涅金也形成对比，最后再由奥涅金说出失魂落魄和“悲伤使旅行和自由都失去颜色”。
再比如，连斯基跟奥涅金对决前，连斯基遭受背叛痛苦无比，又不敢相信，在奥涅金台词的部分，自己一个人默默去墙角塔季扬娜的信前抵着头站着，可爱爆了。
还有塔季扬娜偷吃果酱之前，先轻轻吹掉了盖子上的雪，这样小的一个细节，也十分可爱。
当然，除了上面这些，我最喜欢的场景，无出其右，必定还要是塔季扬娜那幕“床戏”。
初见奥涅金之后，芳心暗许又懵懂悸动的塔季扬娜彻夜难眠，她在床上疯狂地翻滚喊叫，身体折成痛苦的直角，带着巨大的惶恐和愤怒地砸枕头，下一秒却又狂喜地跑跳，恨不得呼号奔告。爱情的力量使她力大无穷，她拖着床到处奔跑，抱着奶妈求她讲年轻的爱情，却又一句也听不进去，原因只是一句来自少女灵魂最深处的呼喊——“我恋爱了！”
这一幕真的经典，明明是幸福的，是饱含快乐的糖果，甚至带着点滑稽的小可爱，但是不只是我，在场很多人看到这幕都落泪了。那一瞬间，所有人都被这样一个理想化的人格感动了，为纯粹的爱情潸然泪下。那一瞬间我也彻底明白了为什么很多人说塔季扬娜是全俄罗斯最可爱的理想，是俄罗斯式乃至全人类美好爱情最纯真的写真。一个少女的人性独白，一个少女的文化侧写。
当然也不是没有缺点。
缺点就是奥涅金作为主角的魅力有点不够。
作为文学界三大渣男[奥涅金、于连、贾宝玉]的代表，奥涅金是残酷而复杂的，但是在剧中，这点突出的不够，原因就是塔季扬娜的篇幅跟奥涅金的篇幅简直不可同日而语，第二幕开头非常冗长一段跟奥涅金没有半毛钱关系，所以如果这部戏改成《塔季扬娜》我觉得更贴切，奥涅金早已沦为配角了。
但是也不好说，毕竟奥涅金本来就是“多余人”。多余人真的好多，我印象比较深刻的、也是比较称职在做“多余人”的几个角色，一个是托尔斯泰的皮埃尔，一个是人间失格的边缘人，再就是奥涅金了。其实我觉得这三个，边缘得各有千秋，人间失格的“我”因为第一人称，着重于研究边缘人的内心，重视“人”自我的感觉和内心的探索，跟皮埃尔和奥涅金不太一样，姑且不放在一起讨论。
皮埃尔与奥涅金，作为多余人形象出现在文学作品中，有着相同的角色意义，那就是推动剧情发展以及反映社会深层问题。但是相对来说，我觉得皮埃尔非常不边缘，全程存在感极强，动不动出来跟安德烈讨论下哲学思想，而社会前进显然是有思想上的推进作用的[而且还抢了我可爱的娜塔莎岂可修]。相比之下，奥涅金可是非常多余了，啥也没干，而且确实挺可鄙的，非常符合可恨又可怜的多余人形象，如果照这个理论来说，普希金一开始的动机也许就是讴歌塔季扬娜的爱情，并没有我们后世解读那么多的阶级意义。我们受到的教育太过于喜欢把一切都局限在时代和意识形态的框架里进行解读，感情还要分主义，逮着一切“过去”的东西就说是“封建”“老派”，然后大加批判一拨，挺没劲的。
音乐
全剧音乐主要就是一首主题曲，但是却能吹整场，因为这首曲子就是柴可夫斯基的 “古老的法兰西民谣"。神仙作品，美得像仙境，就不多吹了。
但是值得一提的是我原本以为会用柴可夫斯基的奥涅金歌剧，但是反而没有，可是老柴的作品真的是硬啊，也是俄罗斯文化的写照了，不论怎么用都很贴合角色和情景。
另外还有一首奥尔加唱了非常很多遍的“叮铃铃”的歌。演员们演技唱功都没得说。
这里想单独把法扎拎出来做个比较。这么说不是为了踩一捧一，只是我在看的时候总是会想起法扎。法扎的优点非常多，舞台，服装，音乐，和男演员的颜值演技，都是登峰造极的，但是看完之后我感觉眼花缭乱，却没有澎湃的感觉，反而是简单朴素到近乎苍白的塔季扬娜让我泪如雨下，我不禁去思索个中原因。
我想第一就是因为普希金的故事构架是完美的，并且是有层次的，被编剧导演一改编，感觉赋活了。
其次，普希金的台词漏洞太少，两者的剧本不是一个层次上的，普希金的台词太他妈简练了，又太他妈深刻了，这种菊苣就是个bug，后来者难望其项背，所以经典还是有经典的原因的。
既然如此，下面就聊聊剧本。
剧本
衡量影视作品的标准从来不应该是单一的镜头表达和社会含义，而是剧作内容本身。
所以先从剧本谈起。
《叶甫盖尼·奥涅金》，作为普希金的经典作品，可以说是俄罗斯超级大IP，柴可夫斯基为它写了一部伟大的格局，又由芭蕾大师约翰·克兰科将其改编为芭蕾舞剧，可以说剧中的塔季扬娜已经升华成整个俄罗斯的可爱的理想，而奥涅金式的爱情悲剧也成为了全人类爱情悲剧的写照。
所以这样的珠玉在前，导演选择了“忠于原著，忠于原著中角色的自然反应，且忠于原著所处的时代印记”。也是，你有多大本事，敢动普希金菊苣的原作。
整部格局台词全部出自普希金的原文，一个字没改。因为原作是诗体小说，不同于剧本或传统小说，它的台词相对意象化，也相对更简练，因此也就给了导演和编剧更多的设置上的创作空间。
所以重点表扬导演在角色的设置上的改编，除了原本的角色设置外，导演在第一幕就让老年奥涅金跟青年奥涅金直接对话，我们都知道。奥涅金的角色设定一直是冰冷无情、沉默寡言和高傲乖张的，这样的设定在诗歌里面没有问题，但是变成剧就会缺乏张力，所以鬼才导演就选择了将奥涅金一分为二，青年奥涅金负责演，老年奥涅金负责说，“说”的人又更无限接近于“想”，这样就避免了角色崩盘[求罗素好好学一学]，又完美表现了奥涅金格格不入于世俗的角色特点。
而另一点睛之笔就是连司机连斯基——这个年轻殒命的可怜孩子，也是以青年老年这样分裂的形式来表达的，年轻的连斯基自不必说[炒鸡帅]，老年的连斯基是作为奥涅金的幻想出现的，是奥涅金对过去的懊悔和自我摧残后的空虚的文学写照。这个设定简直可以让人高呼一声bravo。
为什么呢？
因为就这么一个小小的改动，就打通了原本在普希金长诗了看似完全不相关的两个角色——连斯基&奥涅金这对双生花。
其实很多人原本看完叶甫盖尼·奥涅金这部作品，始终都无法理解奥涅金与连斯基之间复杂的感情。起初二人互相耳闻互相轻蔑，到一见如故成为知交，这么看奥涅金就只是个死傲娇，而连斯基作为奥涅金唯一的朋友——“我们把其他人看作零，只把自己看作一”[全场都了然地笑了哈哈]，代表了所有可爱美好热情柔软的东西。而且连斯基爱的是奥尔加，而奥涅金爱的是自己，两者本身没有冲突，何来奥涅金对奥尔加的调戏？那么何来反目这出戏？看上去这一切都是毫无逻辑的，其实这恰恰是普希金想要表达的——连斯基与奥涅金本就是一体，“诗歌和散文，冰雪和火焰，彼此的差别也不如他们明显。”奥涅金代表的是自己性格中软弱、冷酷、理性而黑暗的一面，而连斯基代表的就是“哥廷根的魂灵，康德的信徒，热爱自由、天性热烈、充满诗情”的奥涅金的另一面。
这样就解释得通了。
全戏从奥涅金的视角看过去，其实就是一场自我人格的搏斗和谋杀，天真烂漫的一面被生活摧折，变得千疮百孔自我否定的过程。这也就解释了为何奥涅金在面对塔季扬娜纯真的告白时为何如此的悲观，因为他自身就是否定，否定自我，也否定世间所有可堪称之为美好的事物。而作为自己性格中美好的部分的连斯基，自然也被当做不必要的东西，甚至是耻辱的东西[奥涅金不允许自己沉溺在爱情当中，而连斯基却狂热的陷在轻薄女奥尔加的臂弯当中，这是奥涅金痛恨的一点]。
这种double式的人格解读是普希金原作里非常隐晦的部分，但却也并不是没有提示，最明显的一处，莫过于奥涅金在杀掉连斯基时那段对白，里面充满着懊悔和悲伤，这也是奥涅金离开这个小镇的直接导火索。倘若二人之间只是勾引所引发的背叛，那断断不会有失去后的不舍和绝望的情绪，更不会如此强烈。
编剧跟导演极好地抓住了这一点，进行了巧妙地再创造，让奥涅金这个角色看上去更立体，也更富有人情味。而这种double的应用在整部歌剧中都能看到，比如一开始的那一堆邻家少女，其实都是塔季扬娜内心复杂情绪的写照，而结尾女舞蹈老师的死亡象征了塔季扬娜爱情的死亡等等。
其他剧情就不详解了，对于这部戏的评论和夸赞，就像普希金的诗歌一样，是千言万语都无法说完的。这也许就是传奇作品与普通作品之间的区别，经典的寿命是无限绵长的，即使作者的声音已经苍老，但它自身的语言却是永远年青的，是万万年的。
其实说到底只是一个爱情故事，但是从另外一个角度说，说到底人类的题材就那么少，故事都是一样的，区分高下的是作者本身的伟大，是那些台词，是那些隽永智慧的语言。而在爱情的解读上，或者爱情诗上，我墙都不扶就扶普希金。这样简单的一个故事，因为普希金的语言，而变得如此充盈，这是普希金的胜利，也是文学的胜利。
“生活过、思索过，难免对人类产生蔑视。”
说实话，作为普希金脑残粉，第一句台词出来的时候我就已经跪了。
更何况亚历山大·我就是要决斗·谢尔盖耶维奇·情书圣手·普希金大大还在这本书里贡献了教科书般的情书写作教程。
写到这里，突然发现可以用我最喜欢的一篇普希金的诗结尾，虽然它并非出自奥涅金，却意外地贴合：
“我爱过你；爱情，或许还没有
在我的心底完全熄灭
但我已不愿再让它打扰你，
不愿再引起你丝毫悲切。
我曾默默地、无望地爱过你，
折磨我的，
时而是嫉妒，时而是羞怯。
我是那么真诚，那么温柔地爱过你，
愿上帝赐你别的人，也似我这般坚贞似铁。”
p.s 看了官摄的人也建议一定要去现场看一下，那种磅礴的悲剧美，以及满分的构图和表演，都是在现场才能体会到的。但不建议坐得太靠前，因为它的构图要坐得稍稍远一点才能看到。
p.s 这个故事很像汤姆和简奥斯汀有木有。
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Lv6谢谢票牛，让我有幸赶上了椎剧场“Shall We Talk”演出季收官之作《毒》的首演---这是一个因先失去儿子，继而失去自我，最后失去彼此情感的关于一个关系的故事。爱看剧的伪文青Lv62017-05-20
或许为人母后，更能体会剧中经历丧子之痛的母亲的情感。 其实男人和女人看待问题和处理问题的想法与做法不一样。不能很好地沟通，彼此把所思所想放在心里，这才是引发矛盾的问题所在。
思念是毒，会上瘾；痛苦是毒，会上瘾。当多年后，女人精心安排了一次与前夫的墓地重逢，我想她是想借以此而去解开那个心结，尽管丧子这个话题是心中永远的痛，但是她试着走出了这艰难的一步，希望与前夫聊一聊当时他为何离开，在孩子车祸这件事上，他当初是怎么想的，这么多年是否想念他们的儿子。这次重逢，她是希望可以“戒毒”的。
在10年前孩子发生车祸，回天乏术的时候，母亲的是希望孩子哪怕多活几分钟也好，即使明知道孩子身上的管子已经拔去。而作为父亲，则希望孩子少受些苦，得以尽快解脱。我想，身为父母，任谁都难以接受白发人送黑发人这一现实。但是女人与男人的想法已经在此时发生了分歧，裂痕由此而越来越深。
最终男人选择了离开，我们不能全然说男人无情，懦弱，逃避现实。男人的情感是深埋于心底的。丧子后那心里拧着的痛，胃里绞着的痛，他需要找到一个地方可以舒缓释放，他不想一直被女人这种肆意蔓延的悲痛形成的一个黑洞吞噬了自己。但他也确实是自私的，他想方设法为自己去找寻了一个出口，却抛下妻子独自一人禁锢在那黑洞里无法走出来。
事情既然已经发生了，但是生活总要继续下去。这是男人解决问题最为实际的想法。
而女人原本以为通过这次沟通可能会让彼此消除心里的隔膜，或许两人还能重新走到一起，即使心里带着这份悲痛，但只要男人在身边，那么这“毒”总会慢慢戒掉吧。（女人外在的“强大”有时是被生活逼出来的。但她们的内心依然有脆弱，会渴望温暖的柔弱面）然而，当女人知悉男人若干年后选择在另一国家重组了家庭，并将迎来新的生命。我想这消息无疑把她想打开出口，寻找光亮的最后一丝希望也无情抹灭了。她的世界，可能从此永无天日。
外在的伤，在结疤后，我们会没有了最初的疼痛。它会提醒我们，以后避免重蹈覆辙。可是心里的伤，我们却无法直视，那些伤痛一直都在，无法愈合，原来时间从来不曾治愈从前。
野芒将男人内在情感的收敛和情感的外在爆发都拿捏的恰到好处，演得很棒！女主歇斯底里的表现有些夸张，在某些方面的情感把控不够自然（但感觉女主与陈数有几分相像，是个气质美女来着）尽管题材沉重，看后久久让我难以平静，从剧中走出来，但这确实是一部优秀的作品！回复1赞
Lv4“幻境”那一幕，贾宝玉在梦境中被警幻仙姑指引，看到了《金陵十二钗正册》……舞台上，十二位青春靓丽的女孩子亮相，却都是一身缟素，衬着对面红衣的宝玉尤其显眼。随之一同亮相的还有从天而降的幅幅白纱，纱布上写着她们的判词，一一对应。用户164****7864Lv42023-05-15
那一刻，我突然明白了编导的意图。《红楼梦》这样一部皇皇巨著改编当然是难的。舞剧删繁就简，精中取精，与其什么都要结果按下葫芦浮起瓢，不如大胆取舍用心抓一头——删去了很多角色，女性除了“金陵十二钗”，只保留了贾母和刘姥姥，男性角色就只有贾宝玉。它所要用舞蹈来呈现的就是美好青春的伤逝，美丽女性的相互怜惜，以及她们被戕害，抗争……千红一哭，万艳同悲。
“陋室空堂，当年笏满床，衰草枯杨，曾为歌舞场”
舞剧《红楼梦》的导演之一兼主演黎星说：“《红楼梦》非常神奇，给了当下的我们那么多的可能性，所以也不能贪心，我们就选择以大观园里12位女性的美来诠释它。”
而贾宝玉就成了这12个青春美丽生命的见证人，也是她们的灵魂共振人。黎星这样形容自己的角色：“他是观众的眼睛，带着观众撩开一层一层帷幔，推开一个一个屏风，看见12个姑娘如花地绽放，又在最鲜艳的时候开始凋零……”
因此，熟悉《红楼梦》的观众就能在舞台上看到原著中那些与“金陵十二钗”相关的经典桥段：黛玉进贾府，元春省亲，黛玉葬花，陪刘姥姥游大观园，和贾母共庆元宵节，探春远嫁……
其中“省亲”那一幕舞台表现形式令人震撼。原著中这一章节就是在喜庆中写悲声。《红楼梦》的伟大也在于此，荣华富贵都是空，欢喜雀跃皆伏祸，烈火烹油鲜花着锦到头来不过大梦一场空。舞剧很好地抓住了这个原著基调。在“省亲”中看似满台人的大场面，但以元春为首的宫人们却都“穿”在一个个立在台上固定的衣服中舞蹈。这个衣服的设计非常棒，像似一个个枷锁把他们、把元春给困住了。演员们没有开口说一句话，但却将“当日既送我到那不得见人的去处”“今虽富贵，骨肉分离，终无意趣”的情节表现得形神兼备。
大家都知道，在原著中“金陵十二钗”是不曾有机会同时出场的，秦可卿去世早，巧姐成年晚……但，观众自然是渴望她们能够同台。为此，在第二轮巡演中，编导“针对‘游园’这一章节，重新作曲、重新设计舞美、重新编舞，借‘惜春笔画大观园’之由，再给十二金钗‘齐聚’的机会。有将近10分钟全新段落。”
当美得千姿百态的十二钗或倚或坐于一个长案上，被从乐池升上舞台，那一幕美丽的冲击真的令全场观众凝神屏息，击节叹赏。
“叹人间，美中不足今方信。纵然是齐眉举案，到底意难平”
看《红楼梦》绕不过去的自然是宝黛爱情。舞剧《红楼梦》用“含酸”“葬花”“冲喜”等几幕来展现这出爱情悲剧。
这里，我忍不住想要说一下这部舞剧对于舞台的运用，对于舞台上每一个道具，甚至是幕布的巧妙运用。
“含酸”表现的是贾宝玉、林黛玉、薛宝钗三人之间的微妙关系，三人的舞蹈很好地将他们在情感上的进退怨嗔表现出来。然后当宝玉和黛玉共舞时，半边幕布突然降下，把宝钗遮住，仿佛舞台上只有宝黛二人，但你知道不是，你知道宝钗就在那里，一直在暗处，一直都在。而宝玉和宝钗共舞时幕布也同样将黛玉掩住……
“冲喜”里轿子则成了最重要的道具。用得非常巧妙，它挡在宝玉跟黛玉、宝钗之间，于是宝玉看到进轿子的是黛玉，结果一转眼从轿子里走出来的却是宝钗。这一幕中，王熙凤也有很重要的戏份，由她操控着轿子，在台上怀揣心事五内俱焚，仿佛是操控一艘随时会翻沉的船。饰演王熙凤的李倩也是这部舞剧中一个非常出挑的演员，不管是前期角色的掐尖要强，还是这时的强弩之末，她都演得很好。
“冲喜”最后在黛玉仙逝戛然而止。而黛玉仙逝的同时，舞台上方一袭白纱倏忽遽然落下，却仿佛一块巨石落在了观众心上，美好砸碎，无奈终结。
饰演林黛玉的李艳超是黎星的同班同学，相识多年，默契十足。之前在《大饭店》中就有过合作，但在那部舞剧中，他们跳得香艳非常，极尽缠绵。但到了《红楼梦》，两人即便共舞也显得两小无猜，显得纯情动人，显得生离死别，令人慨叹。
李艳超是一个颇能与角色共情的好演员：“舞者是一个高压职业，每次拉开大幕带给大家的都是一个崭新角色。当我们台上时，那种激动紧张、高度集中，甚至手伸出去都不自觉抖动的状态，正好和黛玉入府时的复杂心境形成了契合。”回复赞
Lv4#7月最佳现场# What’s the world coming to？人都一样，行到穷途末路，才知走投无路。努力早睡Lv42019-07-29
终幕的嘶喊、声浪与静默形成了非常独特的戏剧张力，作为荒诞剧来说也许过于“显”而直白，但仍毫无疑问的精彩而有质感。
大约三百年前的本子改出来的故事，却仍让人有所共鸣，那些旧的、腐朽的东西，现在与旧时，仿佛也并无不同。
舞台布景看起来有点杂乱，确实有点“乞丐”气质，但舞台空间完全都被很灵活地运用起来了，各种道具和小人偶是点睛之笔，并且藏有不少与剧情呼应的小细节。
作为音乐戏剧，部分歌难免显得有些单薄，但当演员一拿起话筒，整个氛围就完全不同，有的气场全开，有的rock全场，有的空灵悠扬，合唱的部分也非常有层次，乐队也都是演员自己担当，都水准在线。
作为大戏院邀请展的戏，质感真心不输乌镇热门剧，也许不那么大众口味，但确实值得进剧院感受一把，尤其是戏里那些灵魂呐喊与拷问。
我们选择的因，所造成的果兜兜转转终会回来。
每个人生来都已在颈项系上绳索，绳索的另一端，大概就是泰伯恩之树了吧。7回复6赞
Lv60511 兰心话剧呼吸不是第一次看椎剧场的演出了，从开放夫妻开始关注这个剧团，总体剧本和故事质量在上海话剧圈都属于比较良心的。其实一开始没打算看这个剧，作为一个小学读福尔摩斯得出结论不让离婚是人生的大不幸的异见问题人，我实在是继续减肥的喵星人Lv62017-05-15
对生娃的问题不感兴趣。最后让我下定决心看一看主要是几位剧迷小伙伴说不错。
一上来制作人就让我们放松，并且给我们打了个戏不怎么大众化的预防针。看完之后我部分赞同他的看法。本戏的前半部分故事实在是太超越目前国内大部分群众的价值观了。毕竟，我们更多的烦恼的是如何让自家的娃过上人上人的日子，烦恼生孩子的费用。毕竟目前体制下，生娃是个一锤子买卖，不容失败，对于大部分家庭一个残疾孩子病孩子都是不能承受之重。看着台上的演员，委实感觉像是一只脚踩在马斯洛三楼上的人看着两个五楼上两个人在喝咖啡。碳排量地球资源离我们太远了，我还觉得隐隐有点北欧冷淡风。
随着故事的推进，女博士所遭遇的一切，让她变得更加人性化，我才慢慢将自己的思想带入了进去，感觉有些意思了。作出生孩子的决定花了很长时间，但是生下孩子和养大孩子所表现的时间却很短，但一切都是那么美好。结束，我陷入了深思，虽然烦恼不同但是在生孩子的问题上，我们都犯了相同的错误想太多，我们是何需祖上治牛马他们是生不生地球照转。在这点上，我们倒是殊途同归。
近年来，外国导演外国剧本的话剧很多都进去了不接地气的怪圈。呼吸大概是正好踩在了一个交叉点上，刚刚好的找到了中国观众能接受的价值观，获得了成功，希望以后再接再厉。很期待下一轮的毒，毕竟故事更加贴近现实，而且还有野芒，而且野芒刚刚演了相近题材的黑鸟状态不错。回复4赞
Lv5提起深夜食堂，满满都是温暖刻骨铭心感动的记忆，有一种萦绕在心头、无法名状的情感像病毒一样在全身蔓延扩散。而这部音乐剧，恰如适时缓解的良药，带给我回忆的同时，又如清风拂过翻开一个崭新篇章。比起浮夸的2.3分中版电视剧，音乐剧深夜食堂实在是太完美了。要说日版电视剧深夜食堂有9.2分，那中版音乐剧深夜食堂起码也能打到8.8分。落痕Lv52018-10-10
自从被抱着极高期许看了几级的黄磊版电视剧吓劝退后，已经不敢对任何翻版作品有很高热诚了。虽然中版电视剧也并没有想象中那么差，不过对于音乐剧中文版这样的改编作品还是会抱有一丝疑虑。但是打着深夜食堂这样的名号，我却怎么样也抗拒不了这样的诱惑，早早几个月前就买好票等到首演。
万幸，虽然演员们我并不熟悉，不过熟悉的舞台场景，那个古旧的钟摆，贴在墙上的简略菜单、海报，四四方方的客桌椅，堆满了厨具和食物的小小厨房，和那个总是穿着感觉旧旧的朴素蓝色上衣，泛黄的白围裙，带着刀疤一脸有故事的温和中年男人。瞬间我就回到了09年初看电视剧的感觉，那一个影响了我下半生饮食作风的时间点。
后来粉墨登场的经典角色性感舞娘玛丽莲、单身狗联盟茶泡饭三姐妹、超级粉丝阿忠、娘娘专情的小寿叔、沉默寡言貌似可怕实则重情的阿龙等等，非常令人惊喜都在超级高度还原剧情的状态下，还进一步有了超棒的改编。如果说日版电视剧的感觉基调大多是沉静温暖悲伤励志，那音乐剧的基调就是五分喜三分温暖二分悲。
很令人难以置信的是，音乐剧在中文歌曲和部分剧情、台词上有让人忍俊不禁的优秀改编以外，那些演员把电视剧里角色和一些并不用语言的镜头情景，在有限舞台上所表现出的每一个人的形象性格、行为举止简直如出一辙。各种小细节实在用不可思议来形容，好像又看了一遍精选版电视剧。
既然是音乐剧，演员们的唱功显然不用怀疑。演技也很棒，绝对不会像中版电视剧一秒出戏。个人来说，最最喜欢的是剧中玛丽莲的扮演者超惊艳，还有茶泡饭三姐妹的主打歌，感同身受。有趣的是，在她们三人开始登场表演时，位于后方舞台灯控音效台上的两位帅哥还跟着泡饭三姐妹唱起了同样的歌词，传来的声音让我忍不住数度回眸。到底是用心认真打造的剧，连不是演员的幕后工作人员都会剧中人物的歌，让人不觉好感倍增。
从演员服装、妆容以及各种舞台小道具，灯光等等，集结了中日韩多方精心打造的深夜食堂音乐剧，真心赞！不但让我重温了那平凡现实到就发生在你我身边，每个市井人物独有的不幸却又温情的故事，还又一次勾起了我对美食的念想，所谓深入人心、接地气大约就是如此吧。
厚蛋烧，我会做甜的吃，虽然卷不起来那么美的造型，仍然至今坚持吃甜的。黄油拌饭，我也会在热乎乎的米饭上放上一块刚刚好的黄油，然后滴上几滴日料酱油，看着黄油一点点融化在白米饭里然后一点一点小心翼翼搅拌，瞬间感觉饭都香了。其他如梅子茶泡饭、鲑鱼茶泡饭、猫饭难得去外面吃一回。
特别喜欢看日剧中小林薰演的老板在那里淡然细致一点点做着客人点的菜，听着滋滋的声音，夜复一夜招待着不同客人，少有的交流如旁观者讲述不同故事那种感觉，真的形容不出的爱。也是这部片让我认识并记住了松重丰，这两位演员都很喜欢。虽说并不是顶级佳作，却让人难以忘怀。从片头到片尾连带着主题曲铃木常吉的《思ひで》和第三季片尾曲高桥优的《ヤキモチ》我都学会了。说到《ヤキモチ》，中文翻唱版有个挺有名气的《起风了》，都非常好听。
还有一件有意思的事，这部号称音乐剧的深夜食堂，竟然是个真·食堂。远远的我都能隔着好多人看到厨房袅袅升起的白烟，闻到飘来的阵阵美食香气。在此友情提醒各位还没看的看官，请务必酒足饭饱后去“食堂”小坐。
这么棒的音乐剧，真心需要大家口碑相传，希望喜欢深夜食堂里无论哪一点的你，赶快来吧~是值得等待的音乐剧！
めしめし
一緒に食べよ
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Lv4沧海遗珠Lv42017-08-27
波兰克拉科夫老剧院版《李尔王》 导演：扬·克拉塔
——“当我们生下地来的时候，禁不住放声大哭，因为来到了这个全是傻瓜的伟大的舞台。”（莎士比亚，李尔王）
这恐怕会是我印象最深刻的一版李尔王了。导演极为大胆且富有创造力。我迄今为止头一次看这么短的戏，没有中场休息，一个半小时就结束，若以莎翁原作，光念台词就要三个钟头，可见戏份精简到何种程度。但这样的处理堪称极妙——导演可以说抛开了人物的一切身份、性别、乃至生死，只关注他们作为纯粹的人的存在，探究并展现他们的情感与心理层次。
莎剧原本的剧情或许诸位早已熟知，李尔王为安享天年将国土一分为三，大女儿、二女儿因巧言表达爱意而得厚馈，小女儿考狄利娅因真诚且不愿阿谀却遭厌弃，一无所获被断绝父女关系，去国离乡。其后，大女儿二女儿为彻底摆脱老王对他一再怠慢嘲讽，竟致他自逐荒野在暴风雨中疯狂，身边只有乔装的忠臣肯特、一愚人和二三十名武士相随，考狄利娅得知后伤心欲绝，亲率法军回国救父，却被俘身亡，其后李尔王追随女儿而去。此外，戏里还有一条副线，葛罗斯特伯爵的私生子爱德蒙诬告嫡兄埃德加谋害亲父，致父子失和兄长逃亡，而后又向李尔王的大女儿及女婿告密，使得他那对李尔王忠心耿耿的父亲被挖去双目后流放，窃得荣华的爱德蒙同获李尔王的大女儿、二女儿欢心，姐妹二人因此相残而亡，而他自己最后也死于同兄长埃德加的决斗。
而在这波兰版《李尔王》中，剧情仿佛被提纯一般——它几乎比我描述的梗概还精简，台词也只保留了与核心剧情相关的以及最深邃隽永的那部分（基本上，从李尔王在暴风雨中发狂呼喊过后，整个戏就仿佛拉了进度条）。原本在莎翁的笔下，李尔王是个具有“巨人”人格同时也有着刚愎自用的明显缺陷的老王，但不管李尔王的人格如何，他与他的拥趸都绝对占据正义一方的，而这其实是所谓伦理纲常规定的，但在这场戏里，一切评判与道德说教都不存在了，只有夸张的肢体动作作为内心状态的外放，或急促到近乎神叨叨窃窃私语的念白或放声疾呼的激烈台词配合着音效传达情感与氛围，于是，整个戏剧都成为纯体验式的，你只要将身心浸入其中即可，就如那首在开头、结尾放得中文歌里所唱的那句“何必分出谁错谁对”。
剧中对关键人物的大胆精简与改动，其用意亦在于此。李尔的饰演者，波兰国宝级艺术家耶日·格拉雷克于今年二月去世，享年70岁，导演出于对他的爱重与纪念，不换演员，径自让他以影像的方式在舞台两侧屏幕中出现。实则，我觉得，那影像也只是为了便于观众理解罢了，去掉也无妨，李尔王以声音出场，他不在场，却又仿佛无所不在，这种跨越生死界限的表现令人震撼，同时又发人深思。在莎剧中，遭女儿背弃后曾有这样一段对白。李尔问：“这儿有谁认识我吗？这不是李尔。是李尔在走路吗？在说话吗？他的眼睛呢？他的知觉迷乱了吗？他的神智麻木了吗？嘿！他醒着吗？没有的事。谁能告诉我我是谁？”愚人答道：“李尔的影子。”权柄在握的他在戏台上是一个空空如也的王座，遭到背弃的他是一张空空如也的病床，当考狄利娅回来帮助他后，他又回归为一个空荡荡的王座。他的血肉之躯呢？好像从没有存在过，有人真正关注作为一具血肉之躯的李尔王吗？
此外，李尔的三位女婿被省去了，那两位公爵阁下和本来也就是跑个龙套的法兰西王从未出场。而他的大女儿与二女儿竟由两个中年男人饰演，于是她俩为了爱德加争风吃醋的戏码也不复存在——这意味着，戏中不再充斥着两个蛇蝎妇人的阴毒计较的“庸俗戏码”，可谓是对原作的一种凝练升华，而这种反串似乎也暗示着她们的内心真实映射，作为那个时代的女性，她们要牢牢控制权柄让自己置身男性化的地位，行使所有男人可以行使的权力，为此不惜抛弃作为女人、作为女儿的天性；爱德蒙的饰演者则有种雌雄难辨的气质，出场时的独舞从内敛到狂放与他的黑衣是那么不协调，好像他在急于挣脱什么束缚——那是他与生俱来的作为私生子的身份——他为此不择手段，但你不得不承认，当他被授勋换上红衣的那一幕，非常美，好像这身装扮才合乎他的天性，纵使那身红衣饱蘸着父兄的鲜血，并且，由于李尔的某种意义上的不在场，原本就作为戏中另一条主线的焦点的爱德蒙仿佛实际上成了这出戏的主角，魅力四射。还有考狄利娅，她是三个女儿中唯一由女性饰演的，也即，她是唯一保存着自身本真的天性的，同时，这位女演员又分饰了始终追随着李尔的愚人，这愚人，却戴着教宗的高帽，既深陷其中又仿佛超脱其外，尤其在那场荒野外的暴风雨中，她狂放的肢体表现仿佛也是替李尔王呈现出那癫狂的情感，同时又烘托出一个不存在的李尔王的存在，她充分展现着情感波动的同时，也一次次口吐着箴言般的歌辞。
最令我惊艳的三处设置——
1、李尔在暴风雨中陷入疯狂后，一个玻璃罩子将他笼罩住，他明明置身广袤荒野，可是，好像却只置身那个与世隔绝的透明罩子里，外界的一切都进不来，那可不就是他的精神状态——之外的所有风雨、他人，都与他再无干系，他沉浸在内心的巨大痛苦与癫狂的激情中了。
2、幕布投影设置，那一面墙可以投射出台上的俯视视角，于是，埃德加引着他被挖双目的父亲攀登海边悬崖时，两人在台上匍匐而行，投射出来的影像。恰是他们笔直地攀登向上，葛罗斯特作势从崖上一跃而下砸在地面上的场景也触目惊心，而埃德加欺骗父亲未死是神明庇佑时，投影里，两人头颅相抵相依，太温情太动人，虽然葛罗斯特并不知道守在身边的真是他心存悔愧并思念着的儿子，但埃德加内心的景象恰是如此，至此，父子已然和解；
3、开场时，所有人着黑衣，一一对着那空王座致礼，而后，四位侍者肩抬王座向前，如抬灵柩，配合着结尾处不宣布每个人的结局，省去了最后的战争与决斗，只有李尔醒来与考狄利娅的和解，然后所有人躺下，围成圈状，灯光渐暗，无声的一句台词在屏幕显现：请忘记并原谅我这糊涂的老家伙吧。不禁悲从中来。
在看戏过程中，有多次，我想到古典戏曲。毕竟，原本肢体剧与戏曲在精简舞台和用身体动作传达情节方面就有颇多相通之处，虽然，现代戏剧的肢体表达比之传统戏曲的动作程式要更为开放也更趋于内心化。另外，它和传统戏曲一样，不着眼于剧情本身，如戏曲的折子戏，只截取一段精华，观众反复观看那几折，情节烂熟于心；波兰版的李尔王似乎也先验地预设观众对剧情本身已有一定的熟悉和掌握，而且，也只有观众熟知莎翁原作究竟如何，才能真正感受到导演的各种编排其用意何在。因此，必须感谢朋友提醒我观演前要先复习剧本，此次所获良多。这一出《李尔王》实在是我看过的最纯粹的李尔王。
见殊
11.05 于戏散场后的归途
参照朋友意见的补充——
1、“李尔王前后那个中文歌讲座完了之后问一下翻译，刚好这个问题昨天他们私下也有聊到，翻译的解释是说，导演不是说到中国来，然后才用那个中文歌，而是因为他之前在排这个戏的时候，然后突然听到这个歌，觉得给这歌里面的那种宗教的仪式感还有一些韵味儿，他虽然听不懂，但是觉得歌放那地方挺合适的，就用的这个版本的歌。”（from 黑檀）所以，听不听得懂歌词并不重要，即使它是中文的，感受氛围即可。
2、“对于两个大女儿为什么是男性角色，另外为什么剧中会出现那么多天主教的元素，在你的剧评的基础上再补充一点。导演是天主教徒，在波兰也有很多人是信天主教的。对于古代的国王，比如李尔王，他的权力是天授的，不是像现代国家那样是民众投票选举出来的。对于现代世界上所有的国家，除了梵蒂冈之外，他的国王或者说他的教主是天授的。但是，对于这样一个天授的权利，对于教皇或者是国王来说，他会在这样的一个高尚的外表下面，做很多肮脏的事情。在这样一个神权国家里面，所有有权力的人物都是男性。所以说导演在设计这一版李尔王服装、氛围的时候，用到了很多梵蒂冈天主教的一些宗教元素。”（from 黑檀）
3、“结尾那一段（所有人围成圈形躺倒，投影显示出上帝视角）我想到汉尼拔里面那段人体调色盘，汉尼拔这个似乎是一个宗教隐喻，是一个瞳孔 ，上帝在看着世人那种意思。但是这个解释在这版李尔王也是说得通的，李尔王里也出现了大量关于眼睛的比喻。尤其是对葛罗斯特那个瞎子，还有最开始大女儿还是二女儿也说爱李尔就像爱眼睛…”（from 围巾）
最后，我发现这部戏豆瓣上很多人打三星甚至一星两星，说实在的，难看和难懂是两回事，打低分的表示的都是难懂的意思。然而，1、如果完全不熟悉莎翁原剧本，看不明白、跟不上节奏，太正常了。看经典剧本的外国戏，无论是希腊剧，还是莎剧，观演前温习或预习剧本是基本功课，但凡对原剧情、台词较为熟悉又稍加思索，不会看不懂；2、波兰人就是这样，他们出了很多艺术家，他们根本不考虑什么通俗易懂，那正是他们的魅力所在；3、何况这还谈不上多先锋呢，这是当代戏剧的惯常表演方式（最先锋之处在于不在场的李尔王，太厉害了），我曾看德国法兰克福剧团的《美狄亚》，也是极简+肢体+部分投影元素，他们连服装都穿现代日常衣服，直接演出。回复赞
Lv5lalalalaLv52017-08-16
波兰克拉科夫老剧院版《李尔王》 导演：扬·克拉塔
——“当我们生下地来的时候，禁不住放声大哭，因为来到了这个全是傻瓜的伟大的舞台。”（莎士比亚，李尔王）
这恐怕会是我印象最深刻的一版李尔王了。导演极为大胆且富有创造力。我迄今为止头一次看这么短的戏，没有中场休息，一个半小时就结束，若以莎翁原作，光念台词就要三个钟头，可见戏份精简到何种程度。但这样的处理堪称极妙——导演可以说抛开了人物的一切身份、性别、乃至生死，只关注他们作为纯粹的人的存在，探究并展现他们的情感与心理层次。
莎剧原本的剧情或许诸位早已熟知，李尔王为安享天年将国土一分为三，大女儿、二女儿因巧言表达爱意而得厚馈，小女儿考狄利娅因真诚且不愿阿谀却遭厌弃，一无所获被断绝父女关系，去国离乡。其后，大女儿二女儿为彻底摆脱老王对他一再怠慢嘲讽，竟致他自逐荒野在暴风雨中疯狂，身边只有乔装的忠臣肯特、一愚人和二三十名武士相随，考狄利娅得知后伤心欲绝，亲率法军回国救父，却被俘身亡，其后李尔王追随女儿而去。此外，戏里还有一条副线，葛罗斯特伯爵的私生子爱德蒙诬告嫡兄埃德加谋害亲父，致父子失和兄长逃亡，而后又向李尔王的大女儿及女婿告密，使得他那对李尔王忠心耿耿的父亲被挖去双目后流放，窃得荣华的爱德蒙同获李尔王的大女儿、二女儿欢心，姐妹二人因此相残而亡，而他自己最后也死于同兄长埃德加的决斗。
而在这波兰版《李尔王》中，剧情仿佛被提纯一般——它几乎比我描述的梗概还精简，台词也只保留了与核心剧情相关的以及最深邃隽永的那部分（基本上，从李尔王在暴风雨中发狂呼喊过后，整个戏就仿佛拉了进度条）。原本在莎翁的笔下，李尔王是个具有“巨人”人格同时也有着刚愎自用的明显缺陷的老王，但不管李尔王的人格如何，他与他的拥趸都绝对占据正义一方的，而这其实是所谓伦理纲常规定的，但在这场戏里，一切评判与道德说教都不存在了，只有夸张的肢体动作作为内心状态的外放，或急促到近乎神叨叨窃窃私语的念白或放声疾呼的激烈台词配合着音效传达情感与氛围，于是，整个戏剧都成为纯体验式的，你只要将身心浸入其中即可，就如那首在开头、结尾放得中文歌里所唱的那句“何必分出谁错谁对”。
剧中对关键人物的大胆精简与改动，其用意亦在于此。李尔的饰演者，波兰国宝级艺术家耶日·格拉雷克于今年二月去世，享年70岁，导演出于对他的爱重与纪念，不换演员，径自让他以影像的方式在舞台两侧屏幕中出现。实则，我觉得，那影像也只是为了便于观众理解罢了，去掉也无妨，李尔王以声音出场，他不在场，却又仿佛无所不在，这种跨越生死界限的表现令人震撼，同时又发人深思。在莎剧中，遭女儿背弃后曾有这样一段对白。李尔问：“这儿有谁认识我吗？这不是李尔。是李尔在走路吗？在说话吗？他的眼睛呢？他的知觉迷乱了吗？他的神智麻木了吗？嘿！他醒着吗？没有的事。谁能告诉我我是谁？”愚人答道：“李尔的影子。”权柄在握的他在戏台上是一个空空如也的王座，遭到背弃的他是一张空空如也的病床，当考狄利娅回来帮助他后，他又回归为一个空荡荡的王座。他的血肉之躯呢？好像从没有存在过，有人真正关注作为一具血肉之躯的李尔王吗？
此外，李尔的三位女婿被省去了，那两位公爵阁下和本来也就是跑个龙套的法兰西王从未出场。而他的大女儿与二女儿竟由两个中年男人饰演，于是她俩为了爱德加争风吃醋的戏码也不复存在——这意味着，戏中不再充斥着两个蛇蝎妇人的阴毒计较的“庸俗戏码”，可谓是对原作的一种凝练升华，而这种反串似乎也暗示着她们的内心真实映射，作为那个时代的女性，她们要牢牢控制权柄让自己置身男性化的地位，行使所有男人可以行使的权力，为此不惜抛弃作为女人、作为女儿的天性；爱德蒙的饰演者则有种雌雄难辨的气质，出场时的独舞从内敛到狂放与他的黑衣是那么不协调，好像他在急于挣脱什么束缚——那是他与生俱来的作为私生子的身份——他为此不择手段，但你不得不承认，当他被授勋换上红衣的那一幕，非常美，好像这身装扮才合乎他的天性，纵使那身红衣饱蘸着父兄的鲜血，并且，由于李尔的某种意义上的不在场，原本就作为戏中另一条主线的焦点的爱德蒙仿佛实际上成了这出戏的主角，魅力四射。还有考狄利娅，她是三个女儿中唯一由女性饰演的，也即，她是唯一保存着自身本真的天性的，同时，这位女演员又分饰了始终追随着李尔的愚人，这愚人，却戴着教宗的高帽，既深陷其中又仿佛超脱其外，尤其在那场荒野外的暴风雨中，她狂放的肢体表现仿佛也是替李尔王呈现出那癫狂的情感，同时又烘托出一个不存在的李尔王的存在，她充分展现着情感波动的同时，也一次次口吐着箴言般的歌辞。
最令我惊艳的三处设置——
1、李尔在暴风雨中陷入疯狂后，一个玻璃罩子将他笼罩住，他明明置身广袤荒野，可是，好像却只置身那个与世隔绝的透明罩子里，外界的一切都进不来，那可不就是他的精神状态——之外的所有风雨、他人，都与他再无干系，他沉浸在内心的巨大痛苦与癫狂的激情中了。
2、幕布投影设置，那一面墙可以投射出台上的俯视视角，于是，埃德加引着他被挖双目的父亲攀登海边悬崖时，两人在台上匍匐而行，投射出来的影像。恰是他们笔直地攀登向上，葛罗斯特作势从崖上一跃而下砸在地面上的场景也触目惊心，而埃德加欺骗父亲未死是神明庇佑时，投影里，两人头颅相抵相依，太温情太动人，虽然葛罗斯特并不知道守在身边的真是他心存悔愧并思念着的儿子，但埃德加内心的景象恰是如此，至此，父子已然和解；
3、开场时，所有人着黑衣，一一对着那空王座致礼，而后，四位侍者肩抬王座向前，如抬灵柩，配合着结尾处不宣布每个人的结局，省去了最后的战争与决斗，只有李尔醒来与考狄利娅的和解，然后所有人躺下，围成圈状，灯光渐暗，无声的一句台词在屏幕显现：请忘记并原谅我这糊涂的老家伙吧。不禁悲从中来。
在看戏过程中，有多次，我想到古典戏曲。毕竟，原本肢体剧与戏曲在精简舞台和用身体动作传达情节方面就有颇多相通之处，虽然，现代戏剧的肢体表达比之传统戏曲的动作程式要更为开放也更趋于内心化。另外，它和传统戏曲一样，不着眼于剧情本身，如戏曲的折子戏，只截取一段精华，观众反复观看那几折，情节烂熟于心；波兰版的李尔王似乎也先验地预设观众对剧情本身已有一定的熟悉和掌握，而且，也只有观众熟知莎翁原作究竟如何，才能真正感受到导演的各种编排其用意何在。因此，必须感谢朋友提醒我观演前要先复习剧本，此次所获良多。这一出《李尔王》实在是我看过的最纯粹的李尔王。
见殊
11.05 于戏散场后的归途
参照朋友意见的补充——
1、“李尔王前后那个中文歌讲座完了之后问一下翻译，刚好这个问题昨天他们私下也有聊到，翻译的解释是说，导演不是说到中国来，然后才用那个中文歌，而是因为他之前在排这个戏的时候，然后突然听到这个歌，觉得给这歌里面的那种宗教的仪式感还有一些韵味儿，他虽然听不懂，但是觉得歌放那地方挺合适的，就用的这个版本的歌。”（from 黑檀）所以，听不听得懂歌词并不重要，即使它是中文的，感受氛围即可。
2、“对于两个大女儿为什么是男性角色，另外为什么剧中会出现那么多天主教的元素，在你的剧评的基础上再补充一点。导演是天主教徒，在波兰也有很多人是信天主教的。对于古代的国王，比如李尔王，他的权力是天授的，不是像现代国家那样是民众投票选举出来的。对于现代世界上所有的国家，除了梵蒂冈之外，他的国王或者说他的教主是天授的。但是，对于这样一个天授的权利，对于教皇或者是国王来说，他会在这样的一个高尚的外表下面，做很多肮脏的事情。在这样一个神权国家里面，所有有权力的人物都是男性。所以说导演在设计这一版李尔王服装、氛围的时候，用到了很多梵蒂冈天主教的一些宗教元素。”（from 黑檀）
3、“结尾那一段（所有人围成圈形躺倒，投影显示出上帝视角）我想到汉尼拔里面那段人体调色盘，汉尼拔这个似乎是一个宗教隐喻，是一个瞳孔 ，上帝在看着世人那种意思。但是这个解释在这版李尔王也是说得通的，李尔王里也出现了大量关于眼睛的比喻。尤其是对葛罗斯特那个瞎子，还有最开始大女儿还是二女儿也说爱李尔就像爱眼睛…”（from 围巾）
最后，我发现这部戏豆瓣上很多人打三星甚至一星两星，说实在的，难看和难懂是两回事，打低分的表示的都是难懂的意思。然而，1、如果完全不熟悉莎翁原剧本，看不明白、跟不上节奏，太正常了。看经典剧本的外国戏，无论是希腊剧，还是莎剧，观演前温习或预习剧本是基本功课，但凡对原剧情、台词较为熟悉又稍加思索，不会看不懂；2、波兰人就是这样，他们出了很多艺术家，他们根本不考虑什么通俗易懂，那正是他们的魅力所在；3、何况这还谈不上多先锋呢，这是当代戏剧的惯常表演方式（最先锋之处在于不在场的李尔王，太厉害了），我曾看德国法兰克福剧团的《美狄亚》，也是极简+肢体+部分投影元素，他们连服装都穿现代日常衣服，直接演出。回复4赞
Lv5第一次来看#恋爱的犀牛#，发现来的大多都是热恋中的小情侣，这部标榜着“爱情圣经”本质不是一部带着神经质的爱情悲剧吗？！尽管其中夹杂着各种无厘头的段子和笑话，但整体还是很悲伤，笑着笑着就想哭了。这是个很老套的故事——“我爱你，你爱他，而他不爱你”，无论马路还是明明，他们都偏执顽固地爱着、活着，可能我没有这种深入骨髓的痴爱，无法体会，只觉得他们很傻，令人心疼🙄️🙃🙃Rui-kovicLv52017-12-10
什么是爱？爱情真是道无解的难题，有点羡慕又有点害怕马路这种热烈而又疯狂的爱情——咀嚼明明吐掉的柠檬味口香糖，报名恋爱培训营修炼爱情，为明明打架、写诗、学习、陪伴，无微不至，甚至是杀了他最好的朋友犀牛图拉，把自己以及犀牛的心脏虔诚地献给明明……可明明却说“#我不要#”，看得我心里堵得慌。他们都爱上了一个不爱自己的人，爱得如此心力交瘁、痛彻心扉，不断奔跑也无法企及对方，我也能深刻地感受到这种求之不得爱情落下的疼痛感觉。
为什么是犀牛？犀牛的视力很差，而他们就像犀牛一样在感情的道路上盲目冲撞、顽固坚持、不顾一切、非ta不可。马路质问图拉“#你应该像其他的犀牛一样顺从你的命运，你就不会整天那么郁郁寡欢。#”这何尝不是在质问自己，为什么忘不掉，“#忘掉是一般人能做的唯一的事，但是我决定不忘掉她。#”真的，像马路和明明那样有着傻逼式轴劲儿的人，在现实中很难看到了。他们如果在一起就是自我折磨，听不进任何劝阻，直至某一方自我清醒。
所以说，做人呢，还是要洒脱一点！喜欢就主动去追，勇敢告白努力坚持，不行就决然放弃，转身去寻找新的幸福！这种爱情看看就好🙂回复14赞
Lv6赖声川的名作，演出30年，从电影带舞台剧，很多大卡也都演出过，经久不衰，戏剧有其非常好的故事讲述手法，一个故事二个故事三个故事，一部戏等于看了三场戏。。。而且风格完全不同，看似煮了一锅东北乱炖，却有其呼应的点。。。也没有太脱离，所以经典能持久。。很不错，有乱局喜剧的点，也有很承重让人想要落泪的情节。。。很棒，一个喜剧，一个悲剧，还有混沌两个点的故事主心。。。说的是不同人生不同爱情，暗恋的故事其实还是蛮伤感的，战火硝烟弥漫的年代，一见钟情却被分开的恋人，再也没能因缘而见，其实他们的距离是被缩进了，却进入有缘无分的状态。。直到暮年相见后的他们感叹岁月的伤痕，误会连连，再重逢只是叹息上天不公，但是各自的生活都还算圆满。。往事只可追忆，天意弄人。。。幸福是什么，其实男女主角已经找到了各自的幸福，有人陪伴一生。。所以一切只是一个心结，解开了也就那么回事。。。另外个主故事桃花源，纯喜剧，一开始有点潘金莲谋杀武大郎的感觉，直到男主无意落入仙境桃花源，在回到人间，其实之前想要的生活，老婆相伴，有子女，也没有想象中的那么好。。所以何为爱。。幸福人生究竟是什么，需要思考下。。。UkLv62016-05-03回复2赞
认证（以下提及的“话剧版”均为刚看的国内版，“电影版”均为美版《十二怒汉》）柔小小认证2023-05-16
《12个人》的话剧版是另类的“一镜到底”，“镜”是观众的眼睛。由于无法切镜头、换视角，故事节奏就变得难以掌控，时间流逝成为了最难表达的事情，每一幕仿佛都紧接着下一幕，情绪没有递进，以至于很多时候我都感觉气氛的焦灼和剑拔弩张主要是因为角色们个性急躁，而非出于他们的个人经历、“受困”好几小时的事实和讨论久无进展的挫败感。很多围绕着“解读真相的角度”的冲突似乎也变成了宣泄情绪的纯粹的吵嚷，观念的碰撞变成了荷尔蒙的蓬发，剧作深度不再。
另外，仍然是囿于形式，观众无法看到演员的微表情，诸如“尽管脸上汗珠滚动但不去擦拭地持续着目光对峙”这样微妙的镜头没法传递给观众，于是话剧的基调相比起电影版就有些飘忽不定，快节奏和搞笑感随着时间的推移占据了主导地位。同样也是因为在话剧中，演员表达炎热的方式大体上是“擦汗”、“喝水”和“脱衣”三种，重复地使用的话会显得刻意，所以看得出来话剧版删掉了不少凸显空间之憋闷的动作设计，以至于前半段基本上我是没有感觉到角色们的燥热难当的，剧本对他们的“怒”的塑造自然就失败了一半。我觉得这也吃亏在剧场的布景本身就很宽敞上。
最后是我对话剧的剧本不太满意。话剧版对一些精华台词进行了删节，浓重的话剧腔和译制腔也使得部分饱含深意的台词变得夸张，不像是会被运用在日常生活中的对话。这是和原著的本意背道而驰的。观众理当在无知无觉中化身为《十二怒汉》里的一员，一样地流汗，一样地焦躁，一样愤怒地捍卫遭到质疑的自己认定的正义。话剧自带的部分拿捏和夸张粉碎了我不少的共情，比起融入剧情，我分外明显地感觉到“我在看戏”。
虽然这么说很冒昧，但总体而言，我认为话剧版的戏剧冲突远没有电影版激烈，所以我觉得它是鸡肋般的存在，这个故事可能本身就不适合改编成这样的形式。根据我自己的体验，我觉得先看话剧再看电影的话，体味不到电影本可以传达的那么深刻的震动，看电影时又会因为已经知道关键情节而丧失参与感；先看电影再看话剧的话，则会因如上问题感觉话剧比不上电影，甚至有时候想到如果同样要花两个小时，不如重看一遍电影。简单来说，就是话剧版的优点影版都有，但话剧版却平添了几分缺憾。
思索了一下为什么话剧版还是被叫好的，我觉得可能是因为在不考虑别的版本的前提下，本剧绝对是精彩的，因为故事内核太优秀了。就像我自己热衷于看各个改编版本的《无人生还》一样，对于这类有丰富转折的故事，我觉得只要保留了足够的戏剧冲突，水平再不稳定的改动者也是很难抹杀掉原著的优秀的。
不过，我是不建议专门走进剧院看这部话剧的。不如节省点钱期待未来的佳作吧。
另外我一直因陪审员们管1号叫“团长”而出戏，听了半天终于确认叫的真的是“团长”。死啦死啦是你吗？团长，为什么叫团长！（这不是我的锅啊，就连在知乎搜“陪审团团长”都会搜出龙文章……❓）回复赞
Lv3“眷村”——在台湾近代史中似乎是别具特色，有嚼头的一个词。在这个词所指代的实质在时间中逐渐流逝的时候，经过人们记忆的整理，复活在文艺作品当中。七夜Lv32023-05-13
《宝岛一村》演出介绍的第一句话是：“这是一个不说很可能就会随即消失的故事。”
“1949年从中国大陆撤退到台湾的60万军人、军眷是中国近代史上仅见的一次民族大迁徙，在人类历史中也算是一次巨大的迁徙。当时为解决新移民的居住问题，政府兴建不少临时性的眷舍予以安置。这批当时被视为战败外来者的新住民，带着反攻大陆的期望，在这些眷村中居住下来。”
——这是一般媒体上对《宝岛一村》，介绍“眷村”的文字。然而，这中国近代史上仅见的一次，在中国历史上，却是每逢改朝换代都要发生的事情。（性质上如此，当然，人口和规模没有可比性）
如果时间足够“古早”，那么一个少数民族或许就这样衍生出来了，我们今天所谓的“客家人”，既是唐宋以来以这样的形式演变为几只特殊的族群。
由于那段历史（此略），这些“异乡人”的命运跌落进文学母题中，他们无需矫揉造作，身下的影子细细看去，便是密密麻麻书写的“异乡”、“异客”、“思乡”、“等待”、“错过”、“生离”、“死别”、“追忆似水年华”的今夕对比。
而他们的下一代，既出生在一个文化碰撞融合的新纪元，又同时成长于父辈的命运的阴影之下，他们既对这个生他养他的土地怀有亲情，又对父辈们述说的故乡……这里不知道用什么修辞。他们在家乡和故乡之间是二元分裂，对待故乡的感情又是二元分裂的再分裂，甚至并非是沦为此情可待成追忆的一块碎片，也并非是现实身后的已惘然，等到他们亲临到“故乡”的时候，感受到的竟然是一种如同“即视感”一般似曾相识的“通灵体验”。
以大陆观众对台湾人民的认识和期望，或及大陆观众自身命运经历的体验而言，在这部剧中看到的或许全然是一种“异乡”、“思乡”的主题。一种海峡两岸之间“海水直下万里深，谁人不言此离苦”那胸腔里向心力的“正能量”。讨巧的是，对于台湾观众而言，这又是一部“如何将他乡视故乡”的乡土认同的“正能量”。所以，该剧能上演一百六十多场，并且在大陆也能够获得超过十分钟以上的掌声，真是因为“左右逢缘”。
《宝岛一村》只是众多眷村中的一个，或者说，其实主要是这一个村中的三家人。三个小时的话剧，要表现四十多年来不同人物不同角色的共同处境，以及他们不同的性格和命运。
一个舞台上隔出三户人家，虽然剧情的推动有主调，可门户之间细节也众多，难以顾及；而就算是剧情的主线，却也是这家照顾一下，那里描绘几笔，就算哪吒有三头六臂，也只有一门心思，难免舞弄不周全。情节里的每一出，都选的是那些经典的，有代表性的来描绘；每一件事，边边角角，也是冰山的一角。看似娓娓道来，靠的是人生经验和共同处境之下的共同记忆来体认。说到底，就算所谓的“外省人”的命运和处境，也是作为“在台湾的外省人”的命运处境，我们大陆同胞掏心掏肺地看，他们掏心掏肺地演，剧是同一出，腔是一个调，可映射到心底里，到底是不同的画面和情感。鼓起掌来，又回到同一个声音。
不过，在最后……或许跟升旗的那一幕一样，白日旗被换成红旗，这部剧在大陆地上演，不知道被砍了多少刀，舞弄得不周全，多少因为这些绑手绑脚，更明显了而已。回复赞
上海
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