认证终于等到你。广州玩乐资讯认证2023-05-13
[海棠依旧，却再无人面桃花。]
有一艘船，你只要踏上，就可以去宝岛台湾。你去不去。
有一艘船，你只要踏上，就可以去宝岛台湾，可是这一去，和故乡、亲人的挥别是40年、50年、70年、一辈子。你去不去。
这艘一别数十年的[时空航船]，在1949年真的出现了。
船上的人挥手告别，欢欣雀舞。他们坚信，不过是离去几天。
船下的人嘘寒问暖，嘱咐万千。他们不信，这一等竟是40年。
小龙女和杨过一别16年，仅在书中，就足以让你涕零。可是这一笔几十年的别离，在世界的战争移民史上，是这样触目惊心的存在着。
他们真真实实的活在台湾879个眷村里。他们日日夜夜想念的，可能就是你已然厌倦和嫌弃的[家乡]。
船上的人，在台湾过第一个年。喜气洋洋，意气风发。他们说，这是在台湾过的第一个也是最后一个年。
他们等待反攻大陆，可历史已经告诉我们，他们再也回不去了。
无数次，在离别的码头驻足，却看不见旧时人新模样。霜白了头，船下人还在忧愁。
无数次，在油灯寒窗下缝衣，却刺破了手结出颗红豆。人面桃花，船上人只得孤酒。
无数次，在风天听秋燕呢哝，却任凭褶皱爬上了额头。红色砖墙，记不清的老排楼。
它立春，它立秋，你们怎么还不回家。
先天下，后天下，都比不上你能回家。
[我在想念，一段有血有肉的故事。]
大学最后一年，全班30个同学分成两组进行话剧大戏的汇报演出。
老师要求我们自己找到喜欢的剧本，在课堂上读出最喜欢的台词，让大家说说对每个剧本的看法。
一个同学上台。读了一段孟京辉《恋爱的犀牛》。
[啊。一切白的东西和你相比都成了黑墨水而自惭形秽。一切无知的鸟兽因为不能说出你的名字而绝望万分 。]
老师说，你明白这台词的意思吗。
同学说，鸟兽作为一种低等生物因为不能说话而绝望。
老师说，你歇会吧，你自己都不懂台词的意思，只为了深沉而装深沉，何来共鸣。
一个同学上台。读了一段査明哲《青春禁忌游戏》 。
[啊。在生活中找到支撑点，找到自己的位置很重要。考不上大学不重要，重要的是在每个领域成为真正的人。]
同学抢先说，老师我知道这台词的意思。
老师说，这句话戳动了你的心弦？
同学说，我一大老爷们戳动不戳动心弦不要紧，关键我觉得这是句心灵好鸡汤。
老师说，你歇会吧，观众花两三个小时看你们演戏，不是来听你读连自己都打动不了的鸡汤。世界这么乱，装纯给谁看啊。
又一个同学上台。直接来了句《雷雨》。
[啊。就让天上的雷劈死我吧。]
老师说，你歇会吧，这雷劈了几十年了，都快劈成盘古开天地了。
全班哄堂大笑。
最后上台的同学，是和我一样来自山东的小白，平日里话不多言。他显然很紧张。拿着台词的手都有点哆嗦。
老师说，你读吧，怕什么。
小白清了清嗓子，看着老师开始念词，[这是我作为父亲写给你的。]
全班静了一会儿，目光齐齐的看向老师有些尴尬的脸。终于还是没憋住，哈哈大笑了起来。
老师拍了拍手说，笑什么，让他读完。
[这是我作为父亲写给你的。愿你此生不知道什么叫战争，愿你一生平安。1956年11月26日于宝岛一村。]小白读完这一句，静静的站在台上。
他读的是赖声川《宝岛一村》。
小白说，老师，它是一个故事，但它是一个有血有肉的故事。
我们一个遮一个的偷偷拿出手机百度《宝岛一村》，可这一查，班里突然就鸦雀无声了。
你看，在这个光怪陆离琳琅满目的世界，你最渴望的还是一些纯朴真实却能在一瞬间打动你内心的声音。
[愿你思念未央，愿你不是局里人。]
我常常再想。
我所想念的精神撼动是什么。
对你我来说，可能根本对政治没什么兴趣。我们日复一日埋头于千篇一律的工作，上班挤公交，开车堵在东西快速路上，午餐吃食堂要排队，下了班只想一头倒在床上。
对你我来说，看见青岛大剧院《人鬼情未了》、《天鹅湖》、《大河之舞》、密密麻麻的精彩演出，可能对《宝岛一村》这个名字一眼扫过，它比起它们就像在纽约大街上一个穿着碎花裙扎着麻花辫还有两坨腮红的小姑娘，在天鹅湖中的丑小鸭、在整齐的踢踏舞群中突然冒出一个卖包子的村中小哥，太朴实无华、太平易近人。
对你我来说，可能想象不到有一部舞台作品，不像电影一样有镜头切换，不像文字一样可以写一句[几十年后]就变得万象更新、风云突变。几十个演员，就在你的眼皮底下，用3个小时还原了70年的有血有肉。
对你我来说，可能每张电影票平均30块，一个月能看4场，看完之后走出门来吐槽几句越来越智商漏洞的剧情，越来越粗制乱造的镜头，越来越基情四射的噱头也不觉得太亏。
你看，我们都是局里人。
我们有这么多的理由，不愿意仅仅比看电影多花100到200块去看这一部有血有肉的舞台剧。
那个历史，那个故事，那些人，真的与我们一点关系都没有吗。
你还记得孩提时代，离开母亲一会就会大哭的自己吗。
你还记得幼年时，姥姥、姥爷总愿意和你讲他们在战争年代是如何排除万难把你父母拉扯大的吗。
你还记得外乡游学的你，在异乡看见[青岛啤酒]广告就骄傲兴奋到想拉住身边的人炫耀的心情吗。
你还记得你朋友圈中那些外国留学的同学，在发了一段时间白云蓝天后，会在有时差的凌晨两点发一句[想家]吗。
你还记得你年少时说过的情话吗，我希望我们永远在一起。
你还记得你高中时写在日记的话吗，希望除了赚钱过更有意义的生活。
你还记得，小时候别人问你的愿望，你说的那句，我希望一家人永远开心的生活在一起吗。
这些痛楚，《宝岛一村》的三个小时里，格外突兀。这些你可能不曾察觉的小事，对《宝岛一村》里的人来说确是可望而不可及的疤痛。
但是他们让你心痛的，却是哀而不怨的乐观精神。
你坐在那里，看着他们，可能不知怎么，笑着笑着就流泪了。
比起死别，更痛生离。因为活着的每一分，无能为力的感觉就越重一分。
你觉得历史是什么。它不是你触摸不到的轰轰烈烈，它就是从你祖辈口中传下来的日日夜夜。
你觉得乡愁是什么。它不是你觉得矫情的为赋新词强说愁，它就是你在外地发烧无人身边照料时的一句[想家]。
你觉得回忆是什么。它不是你非要爱过多少人，它就是你腿上的一块疤，胳膊的一块胎记。
忙碌。麻木。生存。迷惘。很多直觉棱角被生活磨平，但我很庆幸，至少看到这个文章的你，和我一样，不愿意被生活流推着走，我们还可以用力让很多直觉复苏。
我还不愿意，每日机械一样的生活，我还愿意去感受和认知爱与悲悯。
我还不愿意，吝啬于一两百块钱放弃追求更好的感官选择，我还愿意用三个小时去沉淀自己，好好看一场悲欢离合。
好的作品是什么。可能就是让你愿意去看，愿意为它哭笑鼓掌。
成功的作品是什么。是能够让你在哭笑鼓掌后，真真切切的思考什么。
《宝岛一村》，真的是后者。
对于历史来说，几万人几十万人的背井离乡，只是一个冰冷数字。
可对于有血有肉的你我，我相信在你看完《宝岛一村》之后，你会了解我的这场事不关己的刻骨铭心。
我多么想替剧中人说一句，终于等到你。回复赞
Lv5上海文化广场 520/2022《我的遗愿清单》中文版官摄用户163****2634Lv52023-06-11
很简单的剧本。人类的文明里，讨论生死议题的巨作太多了。在“生死”这样肃穆庄严的议题面前，这里导演们选择从一个更灵动轻松的基调，来诠释两个少年在完全不同的原生家庭背景下，那属于很年轻阅历的、面对生命与生活时截然不同的姿态。这里就是以一个相对轻松、单纯、干净的方式，让我以喝杯午茶的心情，品一部很青春的、小而精致的美好，读一段带着青春明媚、却被迫在最盛开的时节要提前面对生死的少年忧伤。在泛着蓝眼泪的海洋岸边（给这个简单却绝美的舞台浪景点赞），就是看导演、创作团队、以及两位主演，如何将一个沉重的生死议题，重新以一个年轻的视角、年轻的阅历、去呈现属于年轻的思考与表达; 用属于年轻的 tone，和世界做一场他们想要的、天真、纯粹、漂亮而无憾（或有憾）的道别。
剧情确实浅。但是，整体的完成度很高。中文的台词很顺，剧本定位清晰。每一场景的衔接与转换流畅; 话剧似的对白与歌唱互相烘托、穿插得很圆滑; 两位主演都是极成熟的音乐剧演员，全场顺畅自如游刃有余的调度与演绎，让我随时都能莞尔一笑。工业风的舞台、介于现代与后现代之间的片场氛围、漾着蓝眼泪的海岸线，每个细节在镜头下都给了情节最好的衬托。舞台剧与音乐剧所需的所有元素，其水平在这里维持得很 balanced，平淡得刚刚好，喧闹得刚刚好，抒情得刚刚好，摇滚得刚刚好。所有的知觉刺激都落在我最舒适的感官区，就像春天的花开夏天的阵雨秋天的清风冬天的落阳，样样明媚得刚刚好、清爽得刚刚好、忧伤得刚刚好、温暖得刚刚好。整体而言，算得上是一个很成熟的制作。这样的小戏真的是一个很棒的起点。
整出剧在阿云嘎饰演的杨晓宇和张志饰演的刘宝一段前后互相呼应的对话中拉开序幕：“曾经我认为我的生活就是一场永无止境的噩梦。直到我遇见了刘宝这个傻小子，他把我从噩梦中救了出来。” “我要举办一场幸福的葬礼，让所有人都记住我的笑脸。” 他们的语调和声线，马上把我带到当年那个藤井树和藤井树之间最单纯美好青春烂漫的北国阳光里。然后我突然就好放心了。松弛下来的我安心地在每个满满生命力的音符中，跟随他们的台词、歌声、还有专属于很中二世代的肢体语言与微表情，调动我很遥远的青春记忆。
刘宝有年少生命里头所有的美好：乐观、憨实、敦厚、拥抱理想主义。刘宝的父亲在开场还有后续的几句对白中，以一个无法被忽视的方式存在在这个剧本里。是这样温暖而强大的父亲，才能引导出刘宝专属的天真、善良、还有他解读生命时的聪慧与包容。 （甚至，刘宝的父亲对杨晓宇而言，都是很特别的救赎）。
杨晓宇的青春很接地。不完美的原生家庭，有车有房，没爹没娘（说实话，阿云嘎讲出这句台词时，真的让我有一瞬间的揪心，呼吸都不顺畅了一下）。不好的学习成绩，愤世忌俗的叛逆，但在那个张牙舞爪又刚又烈的傻狠样背后，是一颗比谁都柔软的心。
两位演员对这两个角色的细节真的做了完美的拿捏。然后，杨晓宇带着我们所有人年少的叛逆，遇见了年少这个意象里所能代表的所有的美好，刘宝。刘宝在海边用 Espresso Doprio 敲开了杨晓宇的心房，从此，晓宇的心间有了阳光。在生命最迷惘迷失的时刻，他们一个在南极一个在北极的灵魂，意外地相知，成了彼此的救赎。刘宝的 Bucket List 变成了刘宝和晓宇共同的 Bucket List，他们一起走过黄昏，一起尝过苦到不行的咖啡，一起在沙滩上留下长长的脚印，一起在洒满月光的海面、仰望繁星、拥抱黑夜。在停不下来的倒数里，这些都是刘宝拼命想挽留的，人生里最美最浪漫的瞬间。
在相伴完成清单的旅途上，听完了有那么点摧我心肝的 Someday, 挺过了有那么点让我胆疼的 Why, 我终究还是在最后一次张志和阿云嘎、一个在天堂的窗框里、一个站在人间，对观众呐喊时：这里是我杨晓宇—— 我刘宝—— 充满曲折的演唱会现场—— 眼泪完全不受控地热腾腾地滚了下来。 It's time to say goodbye，my bucket list. 哎，我没挺过最后一首张志和阿云嘎合唱的遗愿清单（挺了整出剧最后还是完全破防）。
遇见你是我此生的幸运。是你，把我的余生谱成最美的旋律。想你能代替我，勇敢的走下去。刘宝：答应我要微笑活着; 杨晓宇：一定面带微笑地活着。
人间的孩子，与短暂来这世间旅游的精灵手拉手，走向荒野，涉过河流。这世界哭声跟笑声都太多，他们都太年轻，对于生命里太沉重的反思跟感怀，不见得懂。但他们各自在自己的道路上，陷入迷惘的时刻，有幸一起哭、一起笑、一起历险，成为彼此的光，一起在黑暗中找出口。
故事终于还是要来到一个段落。在段落的终点，那个过去人间的杨晓宇死了，他带着刘宝对生命的热情与渴望，重新找回了生命存在的意义; 从此，他带着刘宝的灵魂，在这个世界重生。
小精灵刘宝完成了他99%的清单，我相信他会抱着无憾或是那最后 1% 的遗憾，在另一个世界重生。
后记
（先说在前面。我相信，每一个版本每一对杨晓宇刘宝，都有他们独一无二的诠释、独一无二的精彩、独一无二的闪光点。每一对演员之间摩擦出的化学变化跟火花，都是独一无二的。而我接下来想说的，是针对上海文化广场 520/2022 直播《我的遗愿清单》中文版官摄的杨晓宇刘宝演员，说说我的观察跟感受。）
张志/张博俊饰演的刘宝，真的是无比出彩。这个刘宝的底色，无比明亮、温暖。贯穿全剧，这个版本的刘宝，让我感觉仿佛在阅读梵谷的向日葵跟麦田。那样鲜艳明亮的彩度跟亮度，在生命走向终点前，诉说的是对生命无比张扬的爱恋; 像是周期表上，锂钠钾跟镁那两族的元素燃烧起来时的炙热跟夺目，那火焰极其短促、却明亮热烈到让人眩目。会让你一直记得那片光和热很久很久、很深刻。
阿云嘎个人有一份很特殊的气质。他即使什么都不做，站在那里，就有强烈的故事性。说句夸张的，从眼底到发稍，都沉默地在向你叙述故事。因着他本身独特的气质，他饰演的杨晓宇，有一份文字很难描述的温暖，还有一份文字无法描绘的破碎感。这两种很不一样的质感，很难形容、一点都不冲突地完美地融合在他身上。像是哥德式教堂最精致的玻璃彩绘，意外被打碎后，宝石般的色调在阳光下，因着无数的棱角，折射出碎钻般的光。你把碎钻小心翼翼地捧在手掌心上，那片碎钻中，有梦、还有伤。阿云嘎的杨晓宇，就是莫名地更傻一点、更暖一点、更破碎一点、让俺的心更疼一点、胸口更堵一点、眼泪更热一点。 。 。
ps 废话一坨
阿云嘎让我完全无法维持我的理智、质感、让我无法坚持教育与年岁赋予我的智慧跟高雅。我在电脑面前，没间断地尖叫：阿云嘎你实在是太帅了。 MD, 真的是太帅了。帅到让我所有的语言跟文字都那么的苍白。
他在表演中每一个坏坏的微表情跟耍酷装b的动作，真的是复刻遥远的一个青春世代的记忆啊。当年，那些痞痞的、绝对在“乖”这个定义之外的学生，就是用这些招牌标帜，骗走了无数青春少女在无数夜晚小心翼翼万分虔诚地用五彩斑斓的色纸、折叠出的无数颗纯爱小星星。
pps
在考古过程中发现，韩版的遗忘清单，其实用一个低调的方式，纪念 2014年4月16日南韩世越号沉没事故。这起 2014年4月16日 的南韩船难，发生在世越号客轮自仁川港驶往济州岛途中。发生事故时载着476人，其中325人是安山市檀园高等学校参加修学旅行的高中学生。在这场事故中，超过300位高中生罹难。这些年轻人中，有的是校乐队主唱、想开一场演唱会，有的希望环游世界，有的希望和偶像结婚，有的希望一辈子花心花到死。 。 。他们怀揣着各种各样的属于青春的、异想天开的梦想，最后都沉在大海底。遗忘清单里面的愿望，是真实的这些罹难学生的曾经的梦想。
想做个记号。就觉得，这样的历史悲剧不该被遗忘。刻个记号，看能不能让这样的悲剧永远不被重复。回复赞
Lv4先说优点：服化道不错，双姝一些互动不错。PoisonedLv42023-05-16
但剧本设计角度违和之处太多，看的时候脑子里总有“不合理啊”、“人物变形啦”“人设不统一啊”“这里不对劲啊”等等声音冒出来，屡屡出戏。发现评论区不少读者也有同感，但却说不出哪里不对。把全剧人设和感情线又捋了捋，挑其中比较严重影响情感连贯性和人设统一性的地方说说。
---------批评向评论预警--------
一、顾静薇人设前后不统一问题： 明明是本科康奈尔硕士耶鲁博士密执安的资深海归，算起来有9年的海外留学经历，这一关键点却在剧中时而出现时而消失。作为一个经历过这么多年海外留学+做了多年研究员的人，静薇的一些基本判断力和表现完全不符合她的经历和年龄。让人经常想问：编剧你还记得你的静薇是个海归是个资深物理女研究员吗？
1、健雄庚款第一却还是无法去留学之后，对静薇转述了命题组吴先生说的话“派个女人出去学物理，不是浪费钱吗”；这里静薇接的是：“吴先生学界泰斗，怎么会说这样的话”。
这句话显得像是一个比健雄还无知的小白，反映的是静薇眼里：既是学界泰斗就不该说这样的话，因此惊和怒。但是她是一个比健雄大了12岁、在物理界跌爬滚打多年的人，她能对国内物理界对女人的态度感到惊讶和意外吗？理论上&按照后面的对话她不是应该已经经历过了很多次性别带来的困境吗？ 那她为此惊个什么劲？
这里如果改成，静薇苦笑：“吴先生学界泰斗，竟也是这个想法”，这样不香吗？会不会符合年龄和阅历很多。她当然知道国内物理界对女性的态度，她只是惊讶吴先生也是这样，而且也能铺垫后面两人关于物理界对女性态度的讨论。
2、 静薇在抱怨和健雄的关系的时候说自己和她像灰姑娘和她后妈，自己是辛德瑞拉。这里说了几条健雄对她的指责，“实验用的晶体有杂质不够平滑”“光谱学研究不够认真细致投入”，静薇对此是抱怨的态度。
这里观众有困惑三连：静薇曾经到底是不是个认真细致投入的人呢？她现在到底是个什么工作状态？静薇对自己的现在到底满意不满意？
先说第一个：静薇的曾经的学习工作状态是什么样。
从静薇能取得这么多成就这么多海外学位合理推断，静薇这个人当年肯定也是个认真细致努力勤奋的人。但从她的其他情绪反应来看，又看到了矛盾。
假设这个人曾经是个认真负责的人，那她面对一个后辈这些谴责的时候，有躲闪情绪是正常的，但是不可能是全部吧？
是不是还会有点对这个认真负责的人的亲切的情绪？因为这个人是自己昔日的映照，该有点惺惺相惜吧？
是不是还会有点对自己现在的反思的情绪？“我怎么变成这样了？那么专注的我去哪里了”之类的。
“惺惺相惜”能够建立cp感的情感基础，“反思”让静薇这个人物更丰满，不过这可能都是对编剧的过高要求了，这里的“抱怨和躲闪”违和到让人都质疑静薇的人设和简历的不统一了，困惑她到底昔日是个什么样的人。
再说第二个第三个：她现在到底是什么工作状态？她对自己满意吗？
假设她曾经认真负责，她现在是改变了什么呢？1）她现在有所改变只是在一个特定年龄分了一些经历在别的事情上，比如相亲，但工作内该做的事情上还是做得很好的（按照前面她自己的辩白，批改作业等任务繁重）；2）她的认真负责程度出现全面滑坡。我认为话剧里想说的是1）。
那么在1）的情况下，首先健雄指责她的场景中，“实验用的晶体有杂质不够平滑”之类不该发生吧？已经严重到了影响实验结果的程度了呢。这超出了一般的不认真不负责，感觉可能不是编剧的本意，让人怀疑静薇的职业素养了。
另外她对现在的自己是满意和理解吗？如果不满意的话，怎么没有前文说的反思情绪？如果满意的话，是不是对健雄的指责会有 “你这孩子还小，不知道我这个年纪需要考虑许多别的问题了”的情绪，怎么还这么不从容地对待健雄的抱怨呢？让观众非常困惑静薇的实际状态，感觉编剧在设计这个人物的底层的时候没有完整，不管观众做哪个方向的猜测都有违和感。
现在的版本下，我们看到的是，一个曾经勤奋努力的人，面对另一个勤奋努力的人对她的督促，只是抱怨和躲闪，没有惺惺相惜，也没有自我反思，也没有过来人的从容。 于是观众难以遏制地开始困惑了：静薇女士你的昔年和今日到底是什么样啊？
3、 健雄对静薇说了些 “我没兴趣了解你的家史”的话，也没怎么仔细问过静薇如何出国的？怎么申请的？经济问题怎么解决的？有奖学金吗？奖学金该怎么申请？等一系列问题。反而是见面掐架，费了好大劲才误会解除冰释前嫌。
这里真的太奇怪了！
静薇姐妹，你曾经抱怨读了多年书没有同类，但现在终于找到同类了，但是前半段几乎没有什么地方表现出了 “啊，这是我的同类”的心情；这不应该是第一反应吗？
健雄姐妹，你梦寐以求的出国留学有人做到了，你居然不关心人家的家史，不关心人家是怎么成长起来的，不关心人家是怎么做到的，不关心奖学金和申请的任何细节，也没有什么地方表现出了“啊，这是我的同类”的心情；这不该是第一反应吗？
这两人，茫茫人海遇到了经历相似的知己，对于对方都没有好奇的！这合理吗？不仅如此，居然不求同而是论异开始掐架！虽然可能健雄对静薇的第一印象因为相亲之类的有所带跑偏，但人家简历摆在这里，终究是做到了这些事情呀，都不问一句怎么做到的吗？
4、 静薇说健雄的导师给她看过健雄的毕业论文求把关，说到女物理学家比例，然后健雄说“我们这里没有居里夫人”。
违和感拉满，满脑子问号。
静薇女士视角：都给人看过毕业论文了，跟人导师也熟悉，前文一片“你从哪里冒出来”的样子是怎么回事。
健雄女士视角：你面前就是中国第一个物理女博士女研究员！扯什么我们没有居里夫人，难道不是“你已经前进了许多，谢谢你，我想沿着你的道路前进更多”才是正常想法吗。
二、两人感情线充满bug：感情基础没有体现，甚至多次出现细节违和、感情浓度不一致的问题，感觉两人在彼此心中的地位忽高忽低。从细节上经常感觉不到爱，但又有不少嗑生嗑死的台词和描写和引导，于是有了“按头嗑”的感觉，情绪不连贯顺滑。
1、 两人见面和前期没有体现出对彼此的欲探究竟好奇感、惺惺相惜知己感、互为映照亲切感前面已经写了，这是最大问题。
2、 丁所长的剧本提到了“房东有单身女儿，因此不愿意租给单身男房客”；健雄下意识接了一句：“那他去结个婚不就好了”。
这里一般人的反应不应该是“那换个房东没有单身女儿的房子”吗？这样“结婚”作为解决方案才有出人意料感呀。就算编剧是为了为了突出健雄随口一嘴就启发了丁所长，把这个“出人意料”的解决方案留给了健雄说，需要提到“结婚”，但健雄对结婚是如此随意的态度也是非常不合理的。
这里的健雄已经目睹了静薇n次的相亲失败，她是知道找到真爱结婚有多难的，她怎么会第一反应是“结婚不就好了？”。除非是为了租房而假结婚的权宜之计，不需要真爱，但健雄这里显然没想这么多，如何能脱口而出这句话？这里前文是静薇说到相亲健雄会竖着耳朵听，后文是静薇抱怨相亲对象；中间夹杂着健雄的这个脱口而出……这句话瞬间让人感觉，健雄对于静薇相亲屡战屡败是没有任何感知和共情的，cp感碎裂……
3、 最后一幕的静薇缺席送别、送礼送信的戏，特别违和，原因是两人的感情预期和感情浓度完全不在一个档次。
静薇划掉了一句话没写在信里但说给观众听了，大意是“因祖母病重，我需回乡照料，遗憾错过告别。不愿亲口告诉，是怕你要留下陪我，反而耽误了出国学习”。
静薇预期健雄：如果知道了她祖母病重会留下来陪她，会耽误出国，所以不告诉健雄；她对于两人之间的感情预期到了这个份上。
但是健雄这边呢，丁所长告诉了她是家里有事，请假，其实跟直接告知“祖母病重”区别不会很大，因为绝对是非常重大的事情才会导致静薇请假错过了送健雄……而健雄明知这样，却依然稍微依依不舍一下直接就走了……
不讨论说健雄这个行为对不对，而是两个人的预期如此不同，让人在这里感觉到了感情上的一边高高举起一边轻轻落下，直接一脚踏空了。既然受制于剧情推进和历史原型，不能是健雄真的不顾一切留下，那就要把静薇那句话改成“因祖母病重，我需回乡照料，遗憾错过告别。不愿亲口告诉，是怕你走时为我担忧，心有牵挂。”跟健雄带着牵挂走互为映照，这样不香吗？非要静薇端情绪拉满，强调极致的深情厚谊让静薇预期健雄会留下。
（这信里还一个小吐槽，静薇说，“我曾在密执安就读，当地对亚裔女子之看法或者令你沮丧”。天呢，这两个人都熟到了这个程度，两个好朋友之间，如果一人去自己昔日学习顾地学习，还会特意强调“我曾在密执安就读”吗？肯定是直接开始殷殷叮嘱呀！编剧不用在这里提醒观众静薇是海归，而应该在前面考虑静薇海归人设统一性的问题，这里听着只会觉得这信写得太不贴人之常情。）
一些小建议，也是九人老粉了，祝九人剧组和《春逝》越来越好！回复赞
Lv4《繁花》舞台剧请了青年编剧温方根据原著伊操刀改编。你可能不知道温方伊这个名字，但你一定听过她的另一部作品——《蒋公的面子》，或许很多人第一次接触话剧就是拜她所赐。《繁花》制作人提出由还在读博士的温方伊来改编作品时，后者自己也感到有些意外。个中原因，《蒋公的面子》大热当然是一方面，我个人感觉，温方伊这个年龄段的编剧，能更好地拿捏住剧中两个时代——少年与中年之间的情感痛点。况且，《繁花》这部女性角色戏份相当多的作品，编剧的女性身份或许也是一大加成，毕竟有那么多的男作家/编剧不懂得怎么写女人戏。如何如何又如何Lv42023-05-16
一部35万字的作品，要在短短3小时的时间呈现出来，换作是谁都会头痛，所以一定程度的改编和取舍是必要和必须的。
改编
温方伊采取了相当讨巧的方式对原著进行了取舍，六七十年代选取了沪生、小毛两条线，90年代突出的则是阿宝这条线。陶陶那条线去掉好理解，因为他是和其他三大主角（沪生、阿宝、小毛）关系最松散的，删掉了其他线的完整度都还在。而且，陶陶中年油腻男人，情节上不堪入目（涉黄啊）的太多，即使放进来也势必大改。
至于为什么少年时期删去了阿宝线，一方面是平衡各角色的戏份（中年的戏阿宝是主角），另一方面，我想无论是金宇澄还是温方伊都是有考量的，一流的作家，塑造人物不是靠多费笔墨，反倒是蜻蜓点水的呼应更使人叹服。所以，我们看到，舞台上身为律师的沪生稳重、不苟言笑的形象，是可以从少年时家庭的剧变、和姝华的感情挫折中找到答案的。同样的，“宝总”的身份和小时候资本家“克腊”（classy）的形象也是吻合的。事实上，整部剧，两个不同的年代形成的是一个稳定的三角结构（沪生—小毛—阿宝）。剧情上你中有我，我中有你，随处一处细节都在疯狂暗示这个人物的过去和将来。当然了，这样在长度上也更适合舞台上演出。
还有一个臆测就是，阿宝小时候的情节，比如资本家爷爷被抄家，爸爸地下情报人员的身份，演起来都会比较敏感。
那么喜欢阿宝的原著党们是不是只能无奈了呢，我觉得也不尽然，毕竟这次海报上写的是《繁花舞台剧·第一季》，我们大可以期待下第二季对原著的挖掘。
顺便也说说自己不太理解的改编
银凤请小毛吃绿豆汤那场戏，原著中老公海德是在场的。那一句“姐姐每一趟吃饭，就多摆一副碗筷”很明显是讲给海德听，这里变成对银凤说，倒像是小毛在撩银凤了。回来一看演员表，二楼爷叔和海德是同一人扮演的，难道是来不及换装吗才出此下策？
舞台呈现
看过原著的人，心里对舞台上的《繁花》是有一个预期的，就是整体风格是怎么样，人物的气质该怎么样。你看书的时候，文字通过眼睛转化成信息，在你脑中形成的印象，就是你对这本书的感知。我想说，这一出舞台剧，和我的感知，并没有什么违和。无论是舞美布景、道具、服装、方言，还是演员的选择，这些，不得不说，都太“繁花”了。
整个制作组在还原六七十年代生活画面方面费劲了心思，相比于90年代的戏，这个年代的表演更值得期待，对于年轻的观众来说，充满了好奇，对年长的观众来说，又有怀念的意味在。比如，那个年代国庆节时兴的是看礼花，看电影是要提前排队买票的，唱片机还是稀奇货，做饭是要生煤炉的。尤其是去沪生家过生日这场戏，上楼前先是坐电梯，拉拉链门、响铃、向上牵引、加速减速、响铃、拉铁栅门，电梯当然是不存在的，但在演员动作和声效的配合下，这一场景已经映入观众们脑中。
还是这场戏，一时间舞台上汇集了军人、知识分子、资本家、工人阶级多种身份，你能看到制作组在各人的服装上是做了严格区分的。沪生爸妈穿的是军衣军裤；小开阿宝头戴鸭舌帽，牛津纺白色上衣，英伦风十足；小毛蓝色线纹衫打底，粗布背带裤包身，符合他胡天野地的性格，弄脏了也不会心疼；姝华知性，温柔可人的短发套上白色发箍，浅蓝色长身连衣裙，毕竟是个读诗写诗的人。舞台的这种真实感，不仅使观众，也使演员自己迅速进入到角色当中，到忘我的境界。
切换场景，是每部舞台剧都要做的。以往我看过的话剧，切换无非是灯光熄灭，等新一幕的道具布置好，重新亮起灯来。《繁花》把舞台分成了前后两部分，前低后高；前面又分成左中右三块。演出时，可以做到这4块区域的彼此独立，即我这边演完了，就可以将这部分熄灯布置场景，与此同时其他亮灯的区域表演仍旧可以同步进行，丝毫不受影响。
舞台前方的区域是一个带舞台机械的大转盘。这个道具的妙处在于，除了作为常规的舞台使用，还作为时间和空间更替的象征。当其转动时，后面的屏幕也相应切换不同图片，暗示角色所处场景的变化。不仅如此，这个转盘还可以将演员动态下的状况模拟出来。比如，有一场戏小毛、沪生和姝华沿着转盘边走，渐渐小毛和其他两人拉开了差距，接着又是沪生和姝华慢慢拉开了差距。这种差距不仅仅是物理上的距离，还是姝华心理上因为对时代的失望，内心越来越孤寂的写照。
说起这个转盘，最后谢场的时候也算是一个彩蛋吧。所有演员围着转盘依次面朝外站定，正前方一束光线打下，转盘动，《新鸳鸯蝴蝶梦》谢场音乐起，后面屏幕实时显示演员名字，一一接受观众掌声，此时此刻，肾内腺素已至高点，除了感动，也感恩于主创们奉献了这么美好的表演，将《繁花》作品呈现在舞台上。
演员们谢场
苦命人小毛
《繁花》之所以受人喜爱，很大一方面在于故事的悲剧性。作者金宇澄毫不掩饰地掰碎人世间的温情，将悲情赤裸裸地展现给读者。剧中原本几段颇为温馨/暧昧的关系，都无一例外走到了尽头——这就是人生。
几段关系中，最让人心痛的，莫过于小毛与阿宝、沪生的绝交。打个不恰当的比方，这三人绝交，就好比《天龙八部》中的段誉与乔峰、虚竹绝交了，你能想象得到对读者的冲击有多大。
小毛的与沪生和阿宝绝交，有必然性。
小毛，工人阶级出身；沪生，空军干部子弟；阿宝，大资本家小开。与他们的身份相对应，小毛住的是工厂企业密集的普陀区小弄堂，沪生和阿宝的家则在富人和权贵们钟爱的静安区和卢湾区高级公寓。
三个人的家
小毛在和沪生、阿宝的结识的过程中，整体来说是被动的。在国泰电影院排队买票，刚好可以帮沪生多买两张，这才有了认识的机会。按照小毛的活动轨迹，是比较难打入沪生的社交圈的，这种友谊的开始，大抵可以诉诸“偶然”两字。常把“人们不禁要问”大字报话语挂在嘴边的沪生，除了认同小毛的为人，可能也会觉得，和工人阶级出身的小毛交往，是一件“政治正确”的事。
我不否认三人之间存在友谊，但是沪生和阿宝有没有在心底里认同过小毛呢？很难说。从刚开始见面小毛“结义金兰”的建议被无视，到沪生嘲讽中国武术为“骗术”，甚至于在背后调侃小毛在春香家过夜。小毛好像从来没有和他们两人对等相处过。于是呢，我们也就不难理解，为什么有了体己事，小毛选择和樊师傅、拳头师父商量，而不和沪生、阿宝说。
说到底，小毛的天花板，可能只是沪生、阿宝的地板而已。毕竟，阿宝有个吃定息的资本家爷爷，思南路奥斯汀汽车随便坐，平常的兴趣爱好是集邮；沪生家住配备电梯的英商公寓，爱好航模，对世界各大舰艇如数家珍，而小毛脱口而出的只是苏州河的铁驳船。这种差异，在天性使然的年幼尚可，但随着年岁的增长，他们以后每一次“碰撞”，小毛都不禁要怀疑起自己的人生，或者如书中描述的只能“不响”。最终，他会发现，他们是玩不到一块的。
所以，拗断事件，沪生俩人调侃是导火索，但或许，也是小毛对自己在这段关系中身份的一种宣泄。小毛注定是要和他们渐行渐远的，只不过离开的时候，因为这件事以偏激的方式表现了出来。
之前我一直在想，改编舞台剧的意义是什么？毕竟原著那么精彩，超越原著的可能性极低。看完这部剧，我有点想明白了，改编舞台剧，是想以另一种富有美感的形式，将作品的精彩之处呈现在舞台上，让观者以更直观的方式，了解并喜欢上这部作品。以上的这些，我想，这部《繁花》舞台剧是做到了。回复赞
Lv3候门府邸，庭院重重。各用青，红帷幔层层遮掩，以彰显世家风范。第一章的“入府”，当然指黛玉入府，她的入府，独有竹影轻幔，作为触发整个故事的基本。如果和之后剧情安排结合，“入府”则有多重：黛玉，宝钗，湘云……十二钗或者降生于贾府如三春巧姐，或者嫁入如李纨熙凤。具是入府之人。七七吃你家大米了吗Lv32023-05-17
“幻境”是第一个高潮，十二钗在幻境中皆着素衣，俨然纯真状态。剧场顶部悬垂的白布上逐个显现十二钗的判词，这倒让我想起了古阿拉伯的悬诗。到最终宝玉在中，钗黛各一边。十二钗的两个首册站在“玉带林中挂，金钗雪里埋”。判词就在头顶，高挂着的就是宿命。因为红楼判词写的太好太妙，因此即便是完全的舞剧，也一定要有所表现。这一段其实很切合原著，又有独特设计，宝玉看着十二钗的曼妙身影，但是隔云隔雾，本就不是一境，他的身份更像是虽然无时无刻不再亲近，也无时无刻不在观望。不过我的一点失望是没有把“千红一哭，万艳同悲”呈现出来。
“含酸”正式进入宝黛爱情线，如果单纯是传达黛玉拈酸的情节不免单一。因此舞台上的帐幔一青一红，黛玉，宝玉，宝钗你来我往，或吃酒，或交谈，不时情绪变动，一人跑到帐后，一人急切追去。这个章节是“全遮”，既然含酸的内容偏向单一，就用一些留白让观众丰富它。
“省亲”一段是我看到第一个震撼我的设计，元春在大小官员侍者中从后走出，贾府众人却先向观众行李叩拜。贵妃一身明黄宽衣大袖，当她脱下那件大衣裳，我发现了设计所在。那件大袍可以完全立柱，人在期后如同无头。接着，贾府众人向贵妃孤零零的衣服叩拜行李，贵妃在一旁无语凝噎。她身边皇宫走出的官员的衣服和她形式类似，也是前方有一架子。这明艳的大袍，愣愣地支撑着的是皇权，是帝命。愣愣地彻底锁住元春，除却片刻在家人身边的依偎，她只能有贵妃这一个名字。
“游园”是刘姥姥的章节，舞剧的所有舞蹈都在极雅的氛围里，为了在无台词的境地里凸现刘姥姥的憨态。舞者动作极其夸张，加入一些杂技的元素，在妆容上形似丑角。而“游园”或许在舞台屏幕上的展览之外，还可以设计些别的因素，让刘姥姥在荣府里的故事更丰富。
“葬花”包含读西厢和葬花两个部分。这是全剧最摄人心魄的舞蹈之一，下垂的舞幕如纱，映着树影婆娑，落红阵阵。宝玉和黛玉在这无二的花林中起舞，旋转。然而葬花依然是黛玉独自一人的事，当她走向花林深处，一束花瓣顺着光散下。这一章，把潇湘妃子的悲情美感推向了高峰。
“元宵”开始，隐性的悲剧感渐渐明显清晰，先是一段极宏重辉煌的群舞，映照着贾府的余晖。这段舞蹈规律性最强，我还是要说一点私货，王熙凤的昭君服实在把她真推成了“神妃仙子”。导演保留了原著里“爆竹”的物象，在夜幕上点点火光，盛宴将散。
“丢玉”没有示幕，和“冲喜”联系很近。从元宵开始的无声之悲到丢玉的“乱”悲，再到冲喜，把这种情感一点点放大。“冲喜”内容较多，我个人理解包括宝钗成婚，元妃薨逝两个部分。在成婚之前，宝玉进入了迷局，导演设计里，一个接亲的轿子，其中有时是黛玉，有时是宝钗，或者说从一开始那个入府的小轿子里，事情都已经“前定”了。在太虚境中，宝玉是一片琉璃世界里的一点红。在冲喜的婚宴上，黛玉是绣房红帐里的一点白。在宝黛爱情收尾的处理上，舞剧选择了程高本的叙述，黛玉在后，孤卧于病榻。宝玉宝钗在前，佯演着看似你情我愿的伪剧。构建一种近乎于平行蒙太奇的处理。此外，婚为喜，薨为悲，四面的群舞，一身正红，但是长袖都是纯白色的，舞蹈也全谈不上是祝贺新婚的喜庆。上摆天空，下击地面。竟然有对爱情无果，家道衰颓的无力回天之感。
宝玉来找黛玉，这时她依然油尽灯枯。舞台上只有她在一张孤榻上，见她诗稿零落，头顶一缕大白纱落下，花落人亡。因为长久的情绪积攒，白纱落下时，似有万斤，轰然落下，就像大厦倾。绛珠仙草的悲情美，在这里达到了顶峰。宝玉的独舞可谓悲之切他独自不断的捶地拗胸，无一处可以吸收他的悲恸。在原著的续书里，这一段对应“苦降珠魂归离恨天，病神瑛泪洒相思地。”这个充满动作感和画面感的章回，在舞蹈中释放了更大的张力。
“花葬”是整个舞剧绝对的高光时刻，也是最值得称道的匠心独运。这是十二钗的花葬。十二钗去掉脂粉华服，散发立在十二个墓碑上。满地残花，但是这一段的舞蹈不是柔性的悲，反而异常悲壮。她们转头挥舞着长发，间或抛弃满地花枝，痛彻心扉地责问自己一切被动的不幸，俨然是一种无惧且决绝的天问。
在这之后，十二钗渐渐离开，茫茫雪白的厚地高天，宝玉再出现时，已然归彼大荒。这和87红楼最后的处理颇为相似。
配乐能感受到许多韵律上对王立平先生所作的红楼梦电视剧乐曲上旋律的契合，也延续了那种音乐情感。首先是空幻，琵琶遮面，断断续续，游丝薄雾。再来就是悲壮，这在最后的花葬和归彼大荒章节尤其明显。因为红楼的悲，绝不是轻描淡写，委婉转肠的悲。是一种彻底的，无保留的，不作秀的，纯自然的悲。在这种宏壮的悲情中，交响式的配乐将之推到崇高的地位。
此外，舞剧保持了小说原有的氛围。在繁华盛大中，处处弥漫着悲凉雾气。这其中还有很强的鬼魅气质，那无头的大衣，烟霭里的影影绰绰，底光里的十二钗群像……但也正是极多元丰富的，悲喜交杂的，才给人一种一点窥全貌的感觉。
舞美设计是舞剧更绝妙的一处，至于如何，依然不是我的薄笔浅文能说的了。
并且，观众需要建立在对文本熟知的基础上才能不至于在迷糊的状态里全身心沉浸。
至于不足，是舞剧本身特质的不足，因为舞剧注定是一种完全形象性的，通过视觉传达出效果和情感的形式。用“极其深刻”“发人深省”这些文本评论化的言语评论本身就背离了这种舞蹈为核心的艺术形式的特点。当然，这也完全不阻碍它的光辉。能从不同的角度欣赏红楼的美，才是无二的享受。
真实是美的，传神的。人不喜欢假的，空幻的，但唯有红楼的空幻，让人日思夜想，化成心相上的一缕烟，融成生命的一部分，凝神暗想，一舞难忘。
回廊复道亘长春，幅幅红楼梦里人。
徙倚雕阑凝睇想，真真幻幻两传神。回复赞
Lv4看《宝岛一村》之前，怀抱着很大的期待。因为王伟忠，因为冯翊纲、屈中恒、宋少卿，因为我喜欢的“大时代下小人物的悲欢”题材，当然，最重要的，因为赖声川。我是被第一版的《暗恋桃花源》带进舞台剧的世界的。这一次对我来说，背景、演员、题材，再加上导演，万事俱备，只欠观众在台下感动而已。阿里里Lv42023-05-11
近三个小时的演出结束后，在献给演员们的经久的掌声中，我坐在保利剧院二楼的座位上，看着楼下舞台上脸庞不那么清晰的王伟忠和赖声川，默默许诺自己，明年，如果宝岛一村还来北京，还在保利剧院，一定要给自己买一张前三排的票。
这是一部超出了我预期太多的作品，即使我已经保持着极大的期许。
《宝岛一村》是一部很直白很实诚的作品。无论是故事本身，还是讲故事的手法，人物形象的塑造，甚至情感的表达和宣泄都非常的直接干脆。大陆老兵们对故乡的眷恋，对党国的忠诚，对新生活的不安、绝望与希望；第二代眷村子弟的成长、逃离；军眷们的人生起落、甘苦自咀。从头至尾，几乎没有任何观众会难以理解的对白、桥段或是其他元素（除了那个贯穿首尾的极具象征意义的陆奶奶）。《宝岛一村》是一部完全不炫技的作品。重剑无锋，大巧不工。赖声川把时代、民族、个体汇成一把玄铁重剑，一挥之下，情感溃堤。中国人通常认为，一件事做到极致，反而会看上去走向了反方面。大工便是不工，大巧便是大拙。《宝岛一村》电视剧般的通俗易懂之下，是赖声川绝对大师级的控制力。笑和泪，喜剧和正剧，王伟忠和赖声川，这之间的转换与融合，精准无比，浑然天成。
《宝岛一村》是一部煽情的时代大剧，是三代人的历史。这种戏本就是催泪大杀器，又赶上导演选择了最通俗易懂的手法来讲述故事，从第一幕开始，一直到最后那漫长的献给演员的掌声结束，我一直听到身边压抑却清晰无比的啜泣声。当然，我自己也是众多在黑暗中拼命压抑自己的死要面子的观众之一。从剧中升旗时，老赵拿出那面破碎不堪的旗，然后在老婆追问之下，告诉他那个背着这面旗死在了抗日战场上的自己的好友，就是真正的“老赵”；到众人在眷村度过的第一个除夕夜里，老兵们合唱《松花江上》；再到老赵请小黄师傅为自己的岳母打一口十元钱的棺材。初到宝岛一村的这第一部分，我已经双眼泛红，苦苦压制着自己心中迅速汇聚起来的人类世界中永恒存在着的一种情感。
这种情感叫乡愁。
李安当年在观看《暗恋桃花源》之后，哭得泪流满面，他说他在这部戏里看到了“无尽的乡愁”。李安、赖声川、王伟忠那一代的台湾人，从小在台湾长大，但是他们的父母，却是地地道道的外省人，他们操着各省的方言，只吃得惯家乡的食物，听不懂闽南话，吃不惯面线。他们来到台湾，很多人一辈子就再没回到过家乡，他们的故事，他们的乡愁，被他们的孩子听到、看到，然后这些孩子，从嘉义去了台北，从屏东去了美国，这些孩子，他们有两个故乡，大陆上，父辈的故乡，以及太平洋上，那座被称为亚细亚的孤儿的宝岛。对李安们来说，乡愁在他们既来自于他们的血液，也来自于他们自身的生活。
《宝岛一村》也里满是这样的乡愁。三代人，四种乡愁。
老赵岳母，北平知名酒肆的老板娘，那个教会朱妈妈包天津包子的老人家，她的乡愁，简单而悲伤。大限将至，却被迫逃难远离故土，然后客死他乡。她的乡愁，是《宝岛一村》里的第一种乡愁。
老赵、老朱、老周、赵妈妈、周妈妈们对海峡那边故土和故人的怀恋，是第二种乡愁，一种大时代胁迫下，个体毫无抗争之力的悲剧式的乡愁。这是动荡年代最常见的乡愁，也是我眼中最畸形的乡愁，像是一棵树被连根拔起移植去了别的地方，它的根须具在，却失去了原有的土地。它还是原来那棵树么？这些1949年迁移去了台湾的大陆老兵，伴随他们的一生的对故土的怀念，在第二代眷村人出生后，却又渐渐混杂进了，对这个孕育出他们下一代新生命的宝岛上的小小眷村的乡情。就像老赵说的，“宝岛一村就是家”。他们生活的地方变了，他们的妻子儿女变了，他们的人生变了，他们的故乡呢？似乎也在改变着，由一个，慢慢变成了两个。 于是，当后来宝岛一村拆迁，他们的乡愁也终于由一个变成了两个。
宝岛一村的第一代原住民，大毛、大牛、二毛、大车、小毛、周胖，他们也有自己的乡愁，而且是两份乡愁，同他们的父辈很像，却又不同。他们一方面继承了父辈的乡愁，像继承了基因一般。大陆上的那个故乡，是父辈们在茶余饭后，在逢年过节，在酒后，在深夜，在有意与无意间强行印刻在他们脑袋里的。而另一方面，这座见证着他们出生长大，承载着他们青春叛逆的眷村，才是属于他们自己的故乡，而离开这座故乡，造就了他们自己的乡愁。大牛、大毛、二毛、小毛们的离开家乡，其实再正常不过，子女离开父母，建立自己的新世界，这是自古有之的事情，而到了工业时代，人的流动更是变成了社会的常态，于是背井离乡的乡愁自然也成为了这个时代再正常不过的一种情感。大牛踏上去往美国的轮船，直到最后宝岛一村被拆除时才回来，大毛和他差不多。周胖去了美国读博士，便彻底抛弃了那个令他青春期无比痛苦的继父的家庭。小毛和二毛倒是经常回到宝岛一村，可是，也不过是吃个饭住一晚而已。父辈们因为时代，因为战争，因为政治而无法归家。如今小毛们不再被战争和政治所左右，可是背井离乡仍然成了绝大多数孩子的命运。于是，对于小毛们来说，那座将要被拆除的宝岛一村，和海峡那一边，他们父辈的故乡，终于慢慢重合，成为他们只留在他们记忆中的故乡。这份由二化一的乡愁，是第三种乡愁。
最后一幕，当死去的老赵，在宝岛一村拆迁的前一夜，在老邻居们欢聚一堂的那一夜，突然出现，对小毛念出了那封被他遗忘在老房子里的那封写在小毛满月之日的信时，我终于也在黑暗中成为了默默流下眼泪的观众之一。家就是宝岛一村，宝岛一村就是家。离开家，就有乡愁，有乡愁，就意味着我们拥有着一个家，拥有着一方故土。赵妈妈拆下“宝岛一村99号”的门牌，因为担心老赵将来找不到新家。这一刻，老赵的故乡，变成了那个生活着他的妻子儿女的家，他的乡愁，就是那一方小小坟墓，他在里头，家在外头。全剧落幕前，我看到了第四种乡愁，横在生死之间的无尽的乡愁。
乡愁不仅无尽，而且永存。套用徐克的话“有人的地方就有乡愁”。就像最初的人类从非洲大陆走向世界各地；像五胡入华；像宋人南迁；像五月花号抵达新大陆；像王伟忠离开嘉义，来到台北；像赖声川从美国回到台湾；像我们因为学业工作或者任何理由而来到一座新的城市；像我们离开这个世界，再也回不去我们生活过的那间客厅，那间卧室。我们离开过去，我们创造现在，然后看着新的生命离开他们的过去，创造他们的现在，看着生命延续，看着未来一直在我们眼前。
乡愁不仅是艺术作品永恒的主题，也是生命的永恒主题。
几句题外话：
小毛们的乡愁我最熟悉。我也是一个一直离开故乡的人，而我的爷爷与外公，他们那代人，则像老赵们，是拥有第二种乡愁的一代人。我的爷爷是河南许昌人，年轻的时候为了生计，被迫离开家乡，带着我奶奶来到郑州，然后生下了我的父亲。爷爷几乎没怎么回过他生长的故乡，至少在我有记忆以后，一次也没有回去过。我的外公是湖北松滋人，年轻时候赶上抗日战争的末端，一边躲日本人一边一个人跑到武汉求学，然后上了军校，跟着部队来到河南，遇到了我外婆，生下了我母亲，从此在开封落叶生根，再也没有回过松滋。2000年左右，我们陪着外公去了趟武汉，见了几个旧友，外公想回松滋看看，但是最终没能成行。从此，直到外公去年去世，老人家一生再也没有回到过故土。外公常跟我讲他小时候的事情，讲松滋的山和水，讲他小时候如何过新年，如何下河抓螃蟹，如何在夜晚捉黄鳝。我的爷爷与外公，他们是有根的一代人，他们对我来说就像是真正从家乡的土壤里生长出来的农作物一般。而我不是，我填写各种资料时，籍贯是许昌，出生地是郑州，我中学在开封我母亲的故乡，大学跑去了广州，如今又在北京生活。也许几年后我又会更换一座新的城市。我离开的故乡的岁数未必比我的爷爷与外公们小，然而故乡和我之间的羁绊，却远远弱于老人家们。我一直觉得像我在城市生长大的孩子，在楼房中长大的孩子，在钢筋水泥中长大的孩子，就像是如今城市中人们最爱的绿萝，是得不到土壤的植物。我们寻着自己的根，也未必便能找到故土。《宝岛一村》像《暗恋桃花源》一样，给我心头来了一记闷拳，不仅写作，生活也要找到根，无论是黄土地里麦子高粱和根须，还是玻璃花瓶的水中，同样拼命生长的绿萝的根须。回复赞
Lv2《繁花》舞台剧请了青年编剧温方根据原著伊操刀改编。你可能不知道温方伊这个名字，但你一定听过她的另一部作品——《蒋公的面子》，或许很多人第一次接触话剧就是拜她所赐。《繁花》制作人提出由还在读博士的温方伊来改编作品时，后者自己也感到有些意外。个中原因，《蒋公的面子》大热当然是一方面，我个人感觉，温方伊这个年龄段的编剧，能更好地拿捏住剧中两个时代——少年与中年之间的情感痛点。况且，《繁花》这部女性角色戏份相当多的作品，编剧的女性身份或许也是一大加成，毕竟有那么多的男作家/编剧不懂得怎么写女人戏。爱笑的美少女ZzLv22023-05-15
一部35万字的作品，要在短短3小时的时间呈现出来，换作是谁都会头痛，所以一定程度的改编和取舍是必要和必须的。
改编
温方伊采取了相当讨巧的方式对原著进行了取舍，六七十年代选取了沪生、小毛两条线，90年代突出的则是阿宝这条线。陶陶那条线去掉好理解，因为他是和其他三大主角（沪生、阿宝、小毛）关系最松散的，删掉了其他线的完整度都还在。而且，陶陶中年油腻男人，情节上不堪入目（涉黄啊）的太多，即使放进来也势必大改。
至于为什么少年时期删去了阿宝线，一方面是平衡各角色的戏份（中年的戏阿宝是主角），另一方面，我想无论是金宇澄还是温方伊都是有考量的，一流的作家，塑造人物不是靠多费笔墨，反倒是蜻蜓点水的呼应更使人叹服。所以，我们看到，舞台上身为律师的沪生稳重、不苟言笑的形象，是可以从少年时家庭的剧变、和姝华的感情挫折中找到答案的。同样的，“宝总”的身份和小时候资本家“克腊”（classy）的形象也是吻合的。事实上，整部剧，两个不同的年代形成的是一个稳定的三角结构（沪生—小毛—阿宝）。剧情上你中有我，我中有你，随处一处细节都在疯狂暗示这个人物的过去和将来。当然了，这样在长度上也更适合舞台上演出。
还有一个臆测就是，阿宝小时候的情节，比如资本家爷爷被抄家，爸爸地下情报人员的身份，演起来都会比较敏感。
那么喜欢阿宝的原著党们是不是只能无奈了呢，我觉得也不尽然，毕竟这次海报上写的是《繁花舞台剧·第一季》，我们大可以期待下第二季对原著的挖掘。
顺便也说说自己不太理解的改编
银凤请小毛吃绿豆汤那场戏，原著中老公海德是在场的。那一句“姐姐每一趟吃饭，就多摆一副碗筷”很明显是讲给海德听，这里变成对银凤说，倒像是小毛在撩银凤了。回来一看演员表，二楼爷叔和海德是同一人扮演的，难道是来不及换装吗才出此下策？
舞台呈现
看过原著的人，心里对舞台上的《繁花》是有一个预期的，就是整体风格是怎么样，人物的气质该怎么样。你看书的时候，文字通过眼睛转化成信息，在你脑中形成的印象，就是你对这本书的感知。我想说，这一出舞台剧，和我的感知，并没有什么违和。无论是舞美布景、道具、服装、方言，还是演员的选择，这些，不得不说，都太“繁花”了。
整个制作组在还原六七十年代生活画面方面费劲了心思，相比于90年代的戏，这个年代的表演更值得期待，对于年轻的观众来说，充满了好奇，对年长的观众来说，又有怀念的意味在。比如，那个年代国庆节时兴的是看礼花，看电影是要提前排队买票的，唱片机还是稀奇货，做饭是要生煤炉的。尤其是去沪生家过生日这场戏，上楼前先是坐电梯，拉拉链门、响铃、向上牵引、加速减速、响铃、拉铁栅门，电梯当然是不存在的，但在演员动作和声效的配合下，这一场景已经映入观众们脑中。
还是这场戏，一时间舞台上汇集了军人、知识分子、资本家、工人阶级多种身份，你能看到制作组在各人的服装上是做了严格区分的。沪生爸妈穿的是军衣军裤；小开阿宝头戴鸭舌帽，牛津纺白色上衣，英伦风十足；小毛蓝色线纹衫打底，粗布背带裤包身，符合他胡天野地的性格，弄脏了也不会心疼；姝华知性，温柔可人的短发套上白色发箍，浅蓝色长身连衣裙，毕竟是个读诗写诗的人。舞台的这种真实感，不仅使观众，也使演员自己迅速进入到角色当中，到忘我的境界。
切换场景，是每部舞台剧都要做的。以往我看过的话剧，切换无非是灯光熄灭，等新一幕的道具布置好，重新亮起灯来。《繁花》把舞台分成了前后两部分，前低后高；前面又分成左中右三块。演出时，可以做到这4块区域的彼此独立，即我这边演完了，就可以将这部分熄灯布置场景，与此同时其他亮灯的区域表演仍旧可以同步进行，丝毫不受影响。
舞台前方的区域是一个带舞台机械的大转盘。这个道具的妙处在于，除了作为常规的舞台使用，还作为时间和空间更替的象征。当其转动时，后面的屏幕也相应切换不同图片，暗示角色所处场景的变化。不仅如此，这个转盘还可以将演员动态下的状况模拟出来。比如，有一场戏小毛、沪生和姝华沿着转盘边走，渐渐小毛和其他两人拉开了差距，接着又是沪生和姝华慢慢拉开了差距。这种差距不仅仅是物理上的距离，还是姝华心理上因为对时代的失望，内心越来越孤寂的写照。
说起这个转盘，最后谢场的时候也算是一个彩蛋吧。所有演员围着转盘依次面朝外站定，正前方一束光线打下，转盘动，《新鸳鸯蝴蝶梦》谢场音乐起，后面屏幕实时显示演员名字，一一接受观众掌声，此时此刻，肾内腺素已至高点，除了感动，也感恩于主创们奉献了这么美好的表演，将《繁花》作品呈现在舞台上。
演员们谢场
苦命人小毛
《繁花》之所以受人喜爱，很大一方面在于故事的悲剧性。作者金宇澄毫不掩饰地掰碎人世间的温情，将悲情赤裸裸地展现给读者。剧中原本几段颇为温馨/暧昧的关系，都无一例外走到了尽头——这就是人生。
几段关系中，最让人心痛的，莫过于小毛与阿宝、沪生的绝交。打个不恰当的比方，这三人绝交，就好比《天龙八部》中的段誉与乔峰、虚竹绝交了，你能想象得到对读者的冲击有多大。
小毛的与沪生和阿宝绝交，有必然性。
小毛，工人阶级出身；沪生，空军干部子弟；阿宝，大资本家小开。与他们的身份相对应，小毛住的是工厂企业密集的普陀区小弄堂，沪生和阿宝的家则在富人和权贵们钟爱的静安区和卢湾区高级公寓。
三个人的家
小毛在和沪生、阿宝的结识的过程中，整体来说是被动的。在国泰电影院排队买票，刚好可以帮沪生多买两张，这才有了认识的机会。按照小毛的活动轨迹，是比较难打入沪生的社交圈的，这种友谊的开始，大抵可以诉诸“偶然”两字。常把“人们不禁要问”大字报话语挂在嘴边的沪生，除了认同小毛的为人，可能也会觉得，和工人阶级出身的小毛交往，是一件“政治正确”的事。
我不否认三人之间存在友谊，但是沪生和阿宝有没有在心底里认同过小毛呢？很难说。从刚开始见面小毛“结义金兰”的建议被无视，到沪生嘲讽中国武术为“骗术”，甚至于在背后调侃小毛在春香家过夜。小毛好像从来没有和他们两人对等相处过。于是呢，我们也就不难理解，为什么有了体己事，小毛选择和樊师傅、拳头师父商量，而不和沪生、阿宝说。
说到底，小毛的天花板，可能只是沪生、阿宝的地板而已。毕竟，阿宝有个吃定息的资本家爷爷，思南路奥斯汀汽车随便坐，平常的兴趣爱好是集邮；沪生家住配备电梯的英商公寓，爱好航模，对世界各大舰艇如数家珍，而小毛脱口而出的只是苏州河的铁驳船。这种差异，在天性使然的年幼尚可，但随着年岁的增长，他们以后每一次“碰撞”，小毛都不禁要怀疑起自己的人生，或者如书中描述的只能“不响”。最终，他会发现，他们是玩不到一块的。
所以，拗断事件，沪生俩人调侃是导火索，但或许，也是小毛对自己在这段关系中身份的一种宣泄。小毛注定是要和他们渐行渐远的，只不过离开的时候，因为这件事以偏激的方式表现了出来。
之前我一直在想，改编舞台剧的意义是什么？毕竟原著那么精彩，超越原著的可能性极低。看完这部剧，我有点想明白了，改编舞台剧，是想以另一种富有美感的形式，将作品的精彩之处呈现在舞台上，让观者以更直观的方式，了解并喜欢上这部作品。以上的这些，我想，这部《繁花》舞台剧是做到了。回复赞
Lv5由上海神机文化传播有限公司与山东君子说文化传媒有限公司联合出品的悬疑舞台剧《设杀游戏之神探霍桑》根据程小青先生《霍桑探案集》改编，于2019.03.20 - 03.24 ET聚场（上海共舞台）演出。导演：陶海、编剧：陶海、柴三好，主演：周沐杰、施哲明、朱新锐、鞠仁曦、陈瑶瑶、温阳、孙晓磊、王铭豪、张旭冉、姜冰洁。好习惯Lv52019-04-14
导演：陶海，曾是上海红极一时的节目主持人，2003年从台前转到幕后。他的作品横跨电影、电视、广告、戏曲、舞台剧、话剧等，他导演的戏曲舞台剧《白蛇传》曾在意大利米兰世博会演出。
原著作者：程小青(1893年——1976年)是上海人，被誉为“中国推理之父”“中国现代侦探小说‘第一人’”。早年间，程小青专注于翻译《福尔摩斯》及阿加莎系列等的著名欧美推理小说。在此过程中，他决定要创作一部属于中国的推理小说，于是有了中国第一个侦探——霍桑。当时《霍桑探案》的横空出世轰动了整个上海滩，堪称民国时期的大IP，许多人更把程小青笔下的霍桑比作“中国版的福尔摩斯”。
看这部话剧是因为对民国时代推理探案这个题材感兴趣，所以看一下这部国产侦探小说改编的悬疑剧质量如何。该剧豆瓣评分6.9分，言归正传讲剧目。（观后感涉及部分剧情，请谨慎阅读！）
剧情简介：
故事讲的是上世纪三十年代，古董商人华伯荪找到名噪一时的大侦探霍桑，希望他调查一件怪事。华伯荪因为考古的发现，买下来青浦郊外的一栋房子，坊间传说那底下埋藏着唐代青龙镇的遗址。华伯荪将那老房子整修一新，刚想搬进去却有横祸飞来。那屋子夜夜闹鬼，有凄凉的箫声自屋内传来，又有大火球从屋顶降下，搞得人心惶惶。
霍桑认定，这一定是有人在算计华伯荪的那栋房子。他让华伯荪以庆贺“老房换新颜”的由头请有可能知晓这个秘密的人到场一聚，到时用青釉大盘试探一番必能探出几分真相。
一个诡异的夜晚，一场盛宴之后古旧的宅子里死了三个人：京剧名伶当众倒下、女中医自缢于庭院之中，还有一个来历不明的日本人死在了被风雪覆盖的小汽车里……
霍桑仔细的观察着在场的每个人，京剧名伶的义女、银行家、洋行小开、申报记者，每个人都有着错综复杂的关系，到底谁是凶手？到底谁爱着谁？到底是谁杀了谁？宅子里四周装饰着镜子，这镜子似乎能照出人心的最深处……
主要人物：
华伯荪自称是一位考古学家，实际另一个身份是古董商人。因新买下的古宅一直闹鬼他怀疑有人觊觎宅子地下的文物，所以请了上海滩赫赫有名的神探霍桑帮忙破案。
霍桑是沪上知名侦探，因屡破奇案被华伯荪邀请帮其查案。在参加盛宴过程中陆续发现3人被杀，而凶手就在到场的这些人中。
故事发生在民国时代十里洋场的上海，整个话剧以《霍桑探案集》的几个故事融合构成。以《别墅之怪》这个故事作为主导，加入其他故事的部分来丰富剧情从而增强悬疑度。导演通过这部剧发扬和传承海派文化，同时把这个中国版的福尔摩斯的人物普及给更多观众。霍桑这个人物的故事曾经拍成过电视剧以及电影，不过电影版的质量还不如民国奇案改编的电影《一步之遥》的分数高。
故事算是一个密室谋杀案，每个到访的人物都有动机嫌疑。银行家许邦英和华伯荪做中医的太太朱仰竹、京剧名伶黄宝荣和华府的佣人周妈、申报记者包朗和名伶养女黄玉凤、背景复杂的林沪生和警察局长汪银林都彼此相识。而且他们之间的关系并非泛泛之交，这也是《霍桑探案集》的多个故事综合一起改编而刻意体现的格局效果。比如像阿加莎的剧在真凶揭晓前也是人物众多，他们身份成谜而且有作案动机。
“天下熙熙，皆为利来；天下攘攘，皆为利往。”人们追求的大多是名利和感情，到访的这些人也是如此。华伯荪当然不相信这世界上真的有鬼，他的目的是要找出在别墅搞鬼的人和其背后的具体原因。表面上这个案件是为了利益，到了最后结局反转揭示了真相的玄机。
由于人物众多去掉已死的人物，寻找端倪一般情况观众会下意识从戏份较多的人物为焦点猜想是否为凶手。不过作为悬疑剧判断难度在于凶手如果在众人中，那他必须要有作案动机和作案时间。霍桑破案也正是先从死亡时间入手，假设一下谁最有机会下手。有作案时间机会的人物嫌疑最大，但是案情并非这么简单。
这次我的票位置虽不在当中区域，但是视角还算可以看清。那天我看到了导演淘海的老婆沈墨也在我这排坐着，难怪他们夫妇电视上很久没见原来是转行了。
整个舞台布景分为别墅室内和室外两块，通往外部的露台有阶梯。室内有写字台、沙发、留声机、箱子等物件，很有时代特色。最有特点的是几乎看不到墙，基本是由镜子组成的面。演员服装方面也很符合那个时代：老式的西装马甲、风衣、大褂、旗袍、礼帽、背带裤等，而且穿着很符合人物的身份。本剧的灯光和音效很好的配合了不同的时间和氛围，以烘托对应的效果。
演员们表现还是可以的，我看的那场导演介绍扮演朱仰竹的姜冰洁带着高烧坚持演出状态不佳。经验丰富的温阳老师扮演的周妈在本剧中表现最好，情绪表情的张力和语气语调的转折符合人物的个性和心态。
扮演华伯荪的施哲明好像来看他的观众不少，他的表演很符合人物性格。施三岁秀了一把上身肌肉，不过很快衣服穿回去了。可能之前看过他的戏都是喜剧方面的角色表现，所以此次感觉有喜剧方式的表演手法似乎不太搭调。如果不是剧中人物本身的性格缺陷，那我会认为他的表演在后半段有点不自然。
扮演霍桑的周沐杰的音色很有磁性，表现方面非常沉稳。其他演员的表现中规中矩，完成了角色需要表达的作用。由于演员们的共同表现增加了戏剧冲突，同时也弥补了故事中的短板。
最后的反转设计还是可以的，人物间的互动也很有意思。不过安排的人物过多，但是之间的恩怨情仇交代的戏份太少。这些人物的安排只是为了增加嫌疑人物混淆观众判断而布局的，对于最后案情分析推导其实作用不大。换言之如果不是那个关键线索露出的马脚使得真相水落石出，恐怕霍桑很难破案。这种巧合性降低了悬疑度，因此凶手是谁就显得比较好猜了。
整个故事情感和悬疑都有，反映了人性逐渐自我毁灭引发的命运悲剧。人生有时一步错步步错，不禁让人唏嘘感叹。逃避可能会招致更大的灾祸，犯了错误不及时止损而用一时冲动是解决不了问题的。谎言终究无法一次接一次地去弥补上一个谎言，活得阳光、真实、坦荡才是正确的人生方式。满分10分制我打7分，下一次讲电影《密室逃生》。（喜欢图文并茂的小伙伴可以关注我的微信个人公众号：好习惯吐槽的观后感）回复4赞- Lv5由大船文化引进的澳大利亚国宝级踢踏舞剧TAP DOGS《踢踏狗》于12月13日至16日在ET聚场（上海共舞台）上演，之后将陆续到其它城市巡演。导演/设计师：奈杰而·特里菲特，编舞：迪恩·佩瑞，作曲：安德鲁·维基，演员：ANTHONY RUSSO、CHAISE ROSEILL、JUSTIN MYLES、NATHANIAL HANCOCK、REID PERRY、SAM MARKS、Nathan Beech、Richie Miller、NORIKO TERADA、CATARINA PERCINIO。好习惯Lv52018-12-19
导演：奈杰而·特里菲特被公认为澳大利亚和国际视觉影效领域的领导者，在30年的职业生涯中拥有令人印象深刻的记录。可以说他最成功的项目是Tap Dogs，Tap Dogs已成为澳大利亚最大的出口产品之一（已在全球250多个城市巡回演出）。
编舞：迪恩·佩瑞已经在娱乐行业工作了三十多年，他创造了真正的演艺界商业现象TAP DOGS。1991年迪恩组成了踢踏兄弟(TAP Brother)，即是现今红遍半边天的踢踏狗前身。1995年伦敦西区特别邀请这个极具新意的踢踏舞团队制作了一部全新踢踏舞剧—《Hot Shoe Shuffle》一举成名，迪恩成为了最年轻也是第一个荣获英国奥利佛奖的澳洲人。1995年1月，掀起美式踢踏新风格的TAP DOGS《踢踏狗》正式和舞迷见面。
看这部舞剧是因为有活动免费观赏，所以想看一下这部剧和上一次看的《破铜烂铁》有何不同。本剧豆瓣历史评分7.7分，言归正传讲剧目。（观后感涉及部分剧情，请谨慎阅读！）
演出简介：这是一个只有6个演员而且是纯男团“脚斗士”，为你带来强劲的阳刚美感和炙热的双腿辣舞秀。《踢踏狗》既有充沛的男人气概，也有“逗你玩”的乐趣。
主要演员：
ANTHONY RUSSO 15岁时在密苏里州圣路易斯的一个剧院参加了Anything Goes的试镜，并成功参与演出。他也曾仅凭在纸上绘画微笑脸脱颖，获得了太阳马戏团的演出机会。参加了第六届Tap Dogs全国巡演，他为此甚至放弃了自己的高中学业。
CHAISE ROSEILL 5岁时便开始学习跳舞和唱歌，10岁便开始上台表演。他和Jamelia、Barry Humphries、Delta Goodrem、黑眼豆豆、Jessica Mauboy等知名艺术家都曾有过合作。2007年他加入了享誉国际的Tap Dogs，自此开启了他超过10年的巡演历程。他不仅热爱表演，还热爱制作、指导和编舞。他会制作剧目并且参与演出，并且一直在不断的创新。
JUSTIN MYLES从3岁开始跳舞打鼓，主修芭蕾舞和爵士乐。他还是匹兹堡剧场舞蹈团的公司成员，为派拉蒙、布希花园和迪斯尼游轮公司担任主唱、舞蹈演员和舞蹈队长。在百老汇演出期间，在北美和南美参演STOMP《破铜烂铁》。此次跟随TAP DOGS《踢踏狗》来到中国，他已经迫不及待想向中国的观众朋友们展示他的舞台活力与热情。
NATHANIAL HANCOCK接受过世界上最优秀的训练，在Jason Samuels Smith、Savion Glover、Dein Perry等人的指导下学习过。他是Street Feet 娱乐公司和澳大利亚Tap公司的创始成员，也是Tap Dogs巡演的重要成员。过去的7年里，他跟着Tap Dogs去过欧洲、亚洲、巴林、阿联酋、澳大利亚和南非等国家。
REID PERRY在他的父亲Dein Perry影响下童年时便开始了“Tap Pups”的舞蹈训练，在2016年Reid首次亮相Tap Dogs。他目前正在悉尼国际学校学习表演艺术，他与来自A Chorus Line剧团的Zach，以及Marcia Hines等澳大利亚名人一起合作演出过。这次来到中国，是他第一次参加Tap Dogs的世界巡演。
Sam Marks参演过《雨中歌唱》、《悲惨世界》、《绿野仙踪》，之后开启了他的职业生涯。他参演过许多音乐剧，如《猫》、《女巫前传》、《南太平洋》，《雨中歌唱》、《你好，多利》和《蓬岛仙舞》，表演功底深厚，舞蹈能力非常出众。在2010年Sam加入《踢踏狗》，在伦敦、法国、意大利、巴林岛、迪拜、中国台湾、新加坡和悉尼都参与了巡演。
这部剧曾经作为悉尼奥运会开幕秀，在世界巡演过370个城市。据说是当代踢踏舞的鼻祖，被澳大利亚政府定为国粹。
本剧一共6位男团成员负责舞蹈表演，两位妹子负责打鼓等伴奏。演出当中有水中踢踏舞环节，所以坐在第一和第二排的观众建议穿上剧场提供的临时雨衣防止被水花溅到身上。关于这部剧的辉煌历史和口碑在票务等宣传媒体上都有，我就不再多做赘述了。
这次我拿到的票是在第三排的左侧区域，由于演出当天左侧区域靠当中的位置没人坐所以我挪到了当中改善了视角。这次演出由于又是国际化团队的知名演出，所以到场观众中不乏外籍人士。
和上一次看《破铜烂铁》一样，演出过程中有烟的时候主要飘散区域往前排当中开始发散，所以坐边上可以少吃点烟。做一排的观众果然穿好了雨披，演出过程中水花其实溅的还好。
表演风格上该剧有点类似我以前免费看过的舞剧《破铜烂铁》，在诙谐风趣的气氛下利用各种道具、布景来跳不同节奏组合的舞步。
区别上《破铜烂铁》利用各种道具发出声音伴奏形成韵律节拍，而《踢踏狗》本身有伴奏，无伴奏情况下利用舞步打出的拍子与阿卡贝拉有异曲同工之妙。
表现形式上还是很多样的，一些套路令人眼花缭乱。前台地板上的五组收音的麦以及其他收音麦，配合舞鞋脚尖和脚跟特别设计的材料把敲打撞击底板后发出的清脆有力的节奏声清晰的体现了出来。
摇滚乐配合演员丰富的表情和各种节奏的舞步达到了一种珠联璧合的震撼观赏效果，令观众欢呼雀跃。
此次灯光设计主要用来追光演员走位，以及配合场景切换明暗度。比如在电锯钢花飞舞那段表演就用了很暗的光，反衬出火花四溅的奇妙效果。
演员用手电筒灯光切换的表演段落就彻底关灯，利用手电筒光源演员的有规律切换表达效果。这和《破铜烂铁》中用打火机的火光切换表演是相同设计原理，明暗交替容易产生强烈的反差视觉感。
服装方面基本都是以体恤衫为主，不过SAM是光着上身的。我看的那场NATHANIAL一条腿上好像还绑了类似绷带一样的东西，不知道是否之前腿受过伤。
音乐方面摇滚乐配踢踏舞确实很有现代感，演员舞步节奏和音乐配合相得益彰。两位女生在后面专门设计的位置打鼓以及各种乐器伴奏，这两位和6位男演员一样也是资历不浅。
Noriko Terada在3岁开始弹钢琴，7岁开始接受古典芭蕾舞训练，12岁时爱上了打击乐，高中毕业后在东京音乐学院接受培训，2007年她获得了伯克利音乐学院的奖学金。她与许多知名艺术家合作过，包括Alan Silvestri（电影回归未来的作曲家），Don Was（滚石制作人），Angelique Kidjo（格莱美奖歌手），Nobuo Uematsu（最终幻想作曲家）等。
CATARINA PERCINIO的音乐生涯始于8岁，她会演奏的乐器数量多种多样，包括马林巴琴，木琴和定音鼓，以及铃鼓，钹和低音鼓等交响乐器，以及许多民族和节奏乐器。她在圣保罗最好的音乐学院之一的Universidade LivredeMúsica学习管弦乐打击乐，她在圣保罗州立大学（UNESP）获得打击乐奖学金。曾在众多专业乐团演奏，包括着名的Duo Labeque，并与Frank Shipway，John Neshling和Neil Thomson等指挥家合作演出。
布景道具方面设计我觉得很有想法，比如可以移动拉起固定的地板成了立体阶梯或斜坡，可以像键盘一样踩出各种声响效果的踏板非常滑稽有趣。
还有身体倒挂着悬在空中双脚在舞台上方的铁板上起舞，还有利用水面和篮球为道具跳舞。其实踢踏舞基本动作技巧都是一样的，如何创意编排组合才是出效果的关键。
整场表演中各种踢踏舞技巧以及搞笑的部分非常精彩，演员当中还要负责调整道具布景十分辛苦。表演当中大家切换休息，完成了80分钟的演出。
大胡子ANTHONY RUSSO好像是领舞，在表演中起到领头作用。我印象当中有段舞蹈桥段是他教REID PERRY舞步，不知道是不是代表着一种艺术传承的意思。整场表现比较调皮的是JUSTIN MYLES，舞步走位比较风骚的是CHAISE ROSEILLO（跳舞时特别喜欢扭来扭去）。
原来印象当中踢踏舞应该是比较仪式感的那种集体舞或者男女配合的舞蹈，而这种非常现代感形式的舞蹈第一次见到令我耳目一新。
历史上这部舞剧曾改编成电影，不过豆瓣分数并不高。究其原因估计是舞蹈不错，在剧情设计方面单薄生硬所致。所以说艺术创作这个东西还是有难度的，并非都触类旁通。
总体看下来我个人觉得演出还是很精彩的，在视觉和听觉上整体效果非常享受。80分钟连续演出非常考验演员们的体力，居然能够坚持下来并且保证整齐和表演效果可见基本功很强。像脚底快速动作对腿部肌肉消耗不小，没有练过的一般人估计吃不消。“台上一分钟，台下十年功。”这句话所以说一点都不假。
在闲暇之余能看到这样一场别开生面的演出还是非常开心的，希望以后有机会能多看一些质量高的演出。满分10分制我打9分（时间再长一点就好了），下一次讲电影《老爸102岁》。（想看图文并茂版的小伙伴可以关注我的微信个人公众号：好习惯吐槽的观后感）回复5赞 - Lv5《暗恋桃花源》专属版于2018年9月14日-10月7日在上剧场上演（提供英文字幕），2019年还将上演该剧的30周年纪念版和经典版。该剧导演：赖声川、副导演：栾岚、戏剧指导：丁乃筝、编剧由赖声川规划、完成，李立群等原始剧组共同参与之创作。【暗恋】：王玮、凤莉、孙毓才、刘婉玲、林丽卿等；【桃花源】王萌、丁珊珊、丁辉、杨朕、刘宜林等；【戏中戏之外】金晶等出演。好习惯Lv52018-09-25
导演、编剧：赖声川--1954年10月25日出生于美国华盛顿，江西会昌客家人。中国台湾舞台剧、电视、电影导演，毕业于美国加州柏克利大学。1983年获戏剧博士学位，回台湾任台北艺术大学戏剧学院院长、美国斯坦佛大学客座教授及驻校艺术家。从八十年代开始他的作品促进了台湾现代剧场蓬勃多元的创意，也深刻地影响了当代华语剧场。主要作品包括《那一夜，我们说相声》《暗恋桃花源》《宝岛一村》《如梦之梦》等。现为上剧场艺术总监、【表演工作坊】创意总监。
看这部戏是因为这部戏30多年常演不衰，它成为赖声川及其【表演工作坊】最受欢迎的一部作品。金士杰、林青霞、丁乃竺、李立群、顾宝明、冯翊纲、赵自强、丁乃筝、黄磊、孙莉、袁泉、何炅、谢娜、喻恩泰、陈明昊、赵蕙梓等先后参演过《暗恋桃花源》。
该剧更被《纽约国际日报》评为“中国当代舞台剧艺术的高峰。”该剧豆瓣历史评分8.9分，言归正传讲剧目。（观后感涉及部分剧情，请谨慎阅读！）
剧情简介：
故事讲的是“暗恋”和“桃花源”是两个毫不相干的剧组，他们都与剧场签定了当晚彩排的合约。双方争执不下，谁也不肯相让。由于演出在即他们不得不同时在剧场中彩排，遂成就了一出古今悲喜交错的舞台奇观。
“暗恋”是一出现代悲剧：青年男女江滨柳和云之凡在上海因战乱相遇，也因战乱离散；其后两人不约而同来到台湾，却彼此不知情。苦恋40年后才得以相见，时已男婚女嫁多年。江滨柳也濒临病终，登报寻人启事希望相见。“桃花源”则是一出古装喜剧：武陵人渔夫老陶之妻春花与房东袁老板私通，老陶离家出走桃花源；等他回武陵后，春花已与袁老板成家生子……
主要人物
江滨柳因老家东北战乱辗转来到上海，与云之凡相识相爱。后因内战分开后到了台湾与当地女子成家生子，晚年绝症后登报寻找云之凡想见最后一面。
云之凡从老家昆明辗转来到上海，与江滨柳相识相爱。回老家看望家人后发生内战两人断了音讯，到台湾后与当地人成家生子。
老陶是武陵的一个渔夫，和妻子春花一起生活。他收入困难身体有病，因不堪忍受妻子与袁老板私通到上游打鱼希望改变局面。
2018年《暗恋桃花源》经典版、30周年纪念版及专属版三个不同版本，首次齐聚上剧场。以此为始，上剧场将在明年的桃花季延续这场专属于《暗恋桃花源》的盛宴。2019年《暗恋桃花源》演出季40场演出，不同版本将继续轮番上演！
这次我提前一天买了票面280元的打折票，谁知当晚取票时发现卖方大幅降价。起初对方希望我加50元升级到480元的票，我觉得多一天比后买的人贵故没有答应。在等候开场前对方又提议我加钱20元升级到380元位置的票，我一看是6排当中位置比我原来15排近不少就出钱升级了。当中靠前的视角果然便于近距离欣赏看清演员表演，买票价格浮动这个事真是凭运气。
这部戏的电影版我也看过，金世杰、李立群、顾宝明三位老戏骨和其他演员配合默契。无论是嘴上台词功夫还是表情动作都一气呵成非常流畅，把人物的性格和喜怒哀乐表达得淋漓尽致。
此次剧场版表演的这批演员我觉得也很不错，特别是演江太太的刘婉玲和演老陶的王萌都有上佳表现。我感觉刘婉玲在《糊涂戏班》里的表现就很有张力，此次把江太太对于丈夫的爱和内心的委屈都表达的很有代入感。扮演老陶的王萌也是十分有喜感，舞台表现力十足。
本剧又是一部戏中戏，不过相比《糊涂戏班》和《演砸了》此剧内有两个故事且风格不同。据说这部戏形式的灵感出自赖声川当年看到类似的情况而来，戏中除了讲爱情和婚姻外还有对历史和文化的思索。同样都是戏中戏，我更喜欢这部《暗恋桃花源》。其实很早以前就听说这部戏非常经典，终于有幸这次有机会去看了一下。
这种打破第四面墙的表演很有意思，感觉身临其境。通过这部戏让我们了解到一部戏剧中工作人员之间的彩排魔合非常重要，对于人物情感和性格的理解也需要贴近剧本。
一部戏里插入多个故事以前从未见过，我个人感觉很有意思。在配乐方面《暗恋》烘托了凄美的时代感气氛，《桃花源》烘托了欢快荒诞的气氛。一出悲剧，一出闹剧。两者相结合形成了雅俗共赏的模式，表达了好故事可以不用拘泥于形式。
当然在剧中两个剧组的导演在这方面的看法是有分歧的，两人都看不惯对方的戏。《暗恋》剧组的导演称看到对方的戏很痛心，因为他最崇拜陶渊明。《桃花源》剧中的导演称看到对方的悲剧就想笑，一个快死的病人从床上爬下来哼歌荡秋千太奇怪了。这些分歧可以看作是对于戏剧不同理念而产生的，也可以理解为对于不同文化的偏好而产生的。
看完两个故事其实最后都是悲剧，只是表现手法上不同。《暗恋》这部戏中江滨柳和云之凡因乱世而相识，又因乱世而分离。在兵荒马乱的时代里爱情来也匆匆去也匆匆，历史车轮的碾压下人们的命运无法自我把控不得不说是人生的悲剧。讽刺的是两人都曾写信寻找对方，但都是石沉大海。这种刻骨铭心的爱又有缘无分的结局，相信在大多人身上发生的话都会痛彻心扉。
从前生活的节奏很慢，基本靠写信鸿雁传情。一生可能时间只够爱一个人，所以爱人此生难忘。而现代人通讯方式和交通工具比以往的年代都发达很多，生活节奏快、诱惑又多、所以对于感情反而没有那么认真和坚持。就像照顾江滨柳的小护士说刚分手两个礼拜的男朋友，她已经想不起他长什么样了。
很多人的婚姻到最后并非找的是最爱的那个人，这是一种对现实的妥协也是一种命运的无奈。江太太是相亲时和江滨柳相识的，大家都觉得他人很好。但是通过她对小护士的叙述可以想见，江滨柳对这个女人更多的只是丈夫的义务却非爱人间的情愫。有空江滨柳也只愿喝着茶回忆往事，不愿妻儿去打扰。年轻时他忘不了战乱的东北，年老后他忘不了失散的恋人。当然他对家人的责任还是尽到的，连房产保单等都计划留给了家人。他与云之凡见面只是想在死前了却一个心愿，问一下这些年她有没有想过自己。
江滨柳的悲剧在于云之凡进入不了自己的生活，江太太的悲剧在于进入不了江滨柳的内心世界。老导演的悲剧在于无法让演员完全还原当年悲催的感情，但是又无法说清楚应该如何去演绎。我们所有人的理想和现实都是有差距的，我们想要的和得到的可能很难统一。
《桃花源》表面上很热闹，家庭贫困的渔夫老陶生不出孩子老婆还偷汉子。老陶的生活就像切不动的刀、打不到的大鱼、咬不动的饼、开不了的酒，可谓事事不顺。所以他对于生活的武陵有颇多微词，其实是他与环境的格格不入造成的不适应感。
换言之在他和老婆春花以及袁老板之间，他倒像一个多余的人。他明知道两人有奸情但宁可去死也不愿解除关系，说到底他不想改变自己的婚姻状态。因为他认为是自己身体不好收入不高造成的，所以愿意冒死去上游抓大鱼碰碰运气。在这点上他不如王宝强有魄力，敢于和残酷的现实划清界限。
事实上他离开后春花和袁老板一起生活的也不幸福，但是他出现后依旧是个多余的人。纵使他已经豁上了性命不在乎绿帽之耻，可他想挽回的生活终究不能如愿。
老陶的悲剧在于太过留恋过去，即使在桃花源中已经适应了心境平和与世无争的氛围。春花的悲剧在于放弃了爱她的丈夫选了她爱的袁老板，可是生活在一起后还是生出很多矛盾并不如风花雪月时快乐。袁老板的悲剧在于跟喜欢的女人长相厮守，但是家庭和孩子束缚了他打拼天下的手脚。事在人为追求幸福固然没错，但是很多事情计划赶不上变化。
整部戏的笑点来源与《桃花源》剧组“成事不足，败事有余。”的顺子造成的麻烦，还有戏里本身演员间互动的台词、动作产生的包袱。而且《桃花源》和《暗恋》在同时演出时台词还能串联在一起，形成了非常搞笑的效果。为了抢舞台两个剧组还闹出不少笑话，加上危机重重、洋相百出让《桃花源》的导演心力憔悴、无可奈何。
我觉得这部舞台剧非常好看，给人一种一菜两吃的感觉非常超值。剧中两个剧组都急于完成彩排，疯女人急于寻找他的刘子骥，江滨柳急于要见云之凡，老陶急于回家带老婆春花一起去桃花源。不管在什么时代大家都有急于实现的梦想，但是都忽略了当下。其实我们应该多多珍惜眼前的时光和身边的人，脚踏实地过好现在的每一天。
每个人对于这部戏都有自己不同的解读，每个人心中都有一个不同的桃花源。没有什么过不去，只有回不去。满分10分制我打9分，下一次讲电影《反贪风暴3》。（想看图文并茂版的小伙伴，可以关注我的个人公众号：好习惯吐槽的观后感）回复5赞 - Lv5《无人生还》由阿加莎·克里斯蒂[英]编剧、中文版由上海话剧艺术中心优秀青年导演林奕执导，上海话剧艺术中心和上海捕鼠器戏剧工作室制作出品。演出由贺坪、付雅雯、李建华、佘晨光/许承先、徐幸、童歆、吕游、王肖兵、王华/王珏、张羴、祖永宸联合主演。舞台结尾版：2018年7月12日-7月13日19:30，7月19日-7月25日19:30，7月28日-7月29日19:30（周一无演出）小说结尾版：7月14日14:00， 7月14日-7月18日19:30、7月26日-7月27日19:30（周一无演出）。好习惯Lv52018-07-23
导演林奕1982年1月出生于上海，2000年考入上海戏剧学院导演系。并于2004年毕业获得学士学位，同年进入上海话剧艺术中心工作。2007-2009年执导《捕鼠器》，2007-至今执导《无人生还》，2009-2011年执导《侦查》，2009-2012年执导《意外来客》，2010-2013年执导《空幻之屋》，2011-2012年执导《命案回首》，2011-2012年执导《死亡陷阱》，2011-至今执导《原告证人》，2011-2013年执导《蛛网》，2013-2014年执导《Rule Of Three》。
编剧阿加莎·克里斯蒂是一个被誉为“举世公认的侦探小说女王”的英国小说家与剧作家。英国皇家文学会会员，英国女王钦点为“侦探女王”；“不列颠帝国勋章”获得者；埃克赛特大学名誉文学博士；“不列颠帝国女爵士勋章”获得者。因侦探小说成名，一生所获殊荣远远超过其他侦探小说家。她的作品被译成103种文字,在157个国家出版。总印量仅次于《圣经》，并与《圣经》、《莎士比亚戏剧集》同列世界畅销书前三名。创造出了一个叫“波洛”的小人物式侦探，并凭借这个小人物使侦探小说正式步入正统文学的殿堂。在阿加莎数以万计的仰慕者中不乏显赫的人物，其中包括了英国女王伊丽莎白女王和法国戴高乐总统。《尼罗河上的惨案》、《东方快车谋杀案》、《阳光下的罪恶》、《捕鼠器》等作品在中国读者和观众脑海中都留下极为深刻的印象，很多作品被改编成了影视剧。
看这部话剧是因为阿加莎的话剧看过几部都觉得不错，这次是上话&捕鼠器工作室联合出品所以去看一下。该剧目前豆瓣评分8.6分，言归正传讲剧目。（观后感涉及部分剧情，请谨慎阅读！）
故事讲的是十个互不相识的人，被富有的欧文先生邀请到了印第安岛上的私人别墅里。晚餐后一个神秘的声音揭开了人们心中所各自隐藏着的可怕秘密，当天晚上年轻的马斯顿先生离奇死去。古老的童谣就像诅咒一样笼罩着所有人，似乎有一双神秘的眼睛在时刻窥视着这场死亡游戏。到访者就像消失的印地安小瓷人一样一个又一个的走向死神密闭的大剧场，孤岛的悬崖别墅被迷雾笼罩。随着剧中人物接二连三地突然死亡，悬念和恐惧向人频频发难将故事和推理慢慢带向高潮。
主要人物：
隆巴德上尉在南非曾参军，在部队遭到围困时自己侥幸逃出让土著手下被敌人所杀。
维拉曾当过家庭教师，当时为了想获得遗产的男友而使男友的小侄子被淹死而没阻止。
瓦格雷夫法官为了利用自身权威对一名有争议的犯人判处死刑，他在别墅里判断谁是凶杀时非常从容不迫。
富家子弟马斯顿平时喜欢飙车，他曾经超速行驶撞死过一对兄妹。
麦肯锡将军因年龄差距大的老婆与手下有私情，利用职务之便派手下去战场送死。
化名戴维斯的前探长布洛尔为了升官发财与匪徒勾结，在法庭上作伪证诬陷别人导致对方在狱中死亡。
神经科医生阿姆斯特朗滴酒不沾，实际上他当年因喝酒导致医疗事故病人死亡才转的科。
老妇人布伦特因循守旧，当年她的年轻女佣与人珠胎暗结后被逼自杀与她有关。
管家罗杰斯和女佣是一对夫妇，他们早年在看护主人时没有及时送医导致东家致死而获得遗产。
《无人生还》这部小说是阿加莎•克里斯蒂本人最钟爱的一部作品，而话剧《无人生还》也是由她本人亲自改写的剧本。自2007年在上海轰动首演后，在全国范围内掀起一股“悬疑热”号称“史上非常恐怖的”的悬疑话剧。在中国上演了300余场，先后在北京、南京、杭州、宁波、苏州、长沙等11个城市进行过巡演。
这部话剧我很早就订了票，位置在第一排偏当中视角还行。演出从19:30演到差不多22:40左右结束，幸好地铁末班车时间还能赶上。作为阿加莎名剧来看的人很多，基本座无虚席。开场时映入眼帘的布景非常逼真，别墅分为客厅、门廊、卧室、厨房、小岛。另外还有酒柜、壁炉、吊灯、落地窗、沙发等一应俱全，看上去非常考究。
故事刚开始时由罗杰斯夫妇交代会有很多客人来到别墅小住，紧接着客人们陆续到来。每个人物出场举手投足和说话间都透露出各自的性格，其中隆巴德和维拉关系很密切。
来的人都是收到了欧文先生各种理由的邀请，实际上根本没有欧文夫妇。开始大家只是觉得主人不来有点不地道，之后唱片机里有人控诉来访的每个人的罪行。从这里开始透露了请大家来到别墅动机不单纯，而富二代马斯顿意外身亡后表明并不是恶作剧而是早已布局的阴谋。
在马斯顿死亡时伴随着一个印第安小瓷人的损毁，而墙上的十个印第安小男孩的童谣预示着所有人死亡的形式。所有人对于曝光自己的黑历史都矢口否认或者有自己正当的理由，其实马斯顿被杀后大家心中还是很忐忑的。但是无法确定谁是罪犯，所以大家互相猜忌。
瓦格雷夫法官牵头帮助大家抽丝剥茧分析罪犯，首先询问大家收到的邀请函的内容。通过内容发现凶手对于大家比较熟悉，可是大家对于凶手没有丝毫印象。之后在几个主人公之间的谈话中慢慢揭示了彼此的黑历史，所有人都直接或间接背负人命。
这里我有个疑问，凶杀不认识当事人是从何渠道获知这些人的罪行的？还有证据是否确凿呢？如果证据不充分这种谋杀就不能算是替天行道了。事实上很多影视剧和小说里都提到过有些人虽然犯了罪，但是没有证据抓他们而让他们逍遥法外。美国电影里很多主角对付坏人基本都是受害后报仇，或有确切渠道了解罪犯详细的罪行后出手。而此剧中幕后黑手我估计他搜集的信息有限，像隆巴德上尉、维拉小姐等间接致人死亡的罪行很难取证只有当事人自己清楚。所以说法律虽然有其局限性，但依靠证据判案总好过靠猜测在法外处理要好。
在一个个当事人接连神秘遇害后大家陆续交代了自己的罪过，有忏悔也有死不悔改的。这并非都是良心发现，而是面临死亡产生的恐惧而做的辩解。这些辩解只是想表明自己罪不至死，或者只是一时疏忽。凶手并没有因此发善心戛然而止，而是继续按照童谣上的次序一个个除掉每个人。通过每个人罪行可以看出其实很多人没有亲自动手杀害别人，比如借刀杀人或者玩忽职守等形式。这些人的罪行如果按法律判即使证据确凿很多确实罪不至死，幕后凶杀有点量刑过重了。话说回来，如果是正常人确实不会以密室凶杀的模式来彰显为民除害。
在最后部分所剩人数不多的情况下，大家互相盯得更紧而凶手的机会更小。如何在确定凶手就在大家当中的情况下动手成为了一大悬疑，这里容易肚子饿的布洛尔出了不少笑料。而房间断电后点了蜡烛增加了恐怖的气氛和惊悚的味道，观众们都在屏气凝神的观察台上的进展。
我们常说：“害人之心不可有，防人之心不可无！”人与人之间的信任在陌生人间有时很脆弱，比如那些碰瓷的老人多了很多人见到老人摔倒都不敢扶。这里除了坏人变老了的问题外也说明法制上对于此种问题还需完善，避免人心惶惶谁都不敢做好事。电影《心理罪之城市之光》中的反派江亚就以暴制暴，其中有个小女孩做好事反而被讹就是体现了这种问题。
最后部分只剩两人时这种互相猜忌更加严重，当然也是凶手希望看到的。至于最后谁是凶手就不剧透了（瓦格雷夫法官谢幕时提醒我们不能说），我看的舞台结尾版结局和小说结尾版不同。
阿加莎的剧我觉得好看的地方就是在这种悬疑和惊悚气氛相结合的地方，她提供了一定的线索给观众去揣测人物的动机和下一步行动。而且就算是你知道剧情的情况下，演员们的表现互动依旧感觉很出彩。加上《无人生还》有两个版本，阿加莎自己编两个版本的结局不同效果也不同。
我个人感觉这部话剧非常好看，虽然我坐在第一排但是真没发现凶手是何时动手的。其他观众可能和我一样好奇每个人的死法如何与童谣相符，以及凶手到底是谁。本剧的布景、音效、灯光都设计的不错，把恐怖的气氛以及不同的天气和时间逼真地还原。
演员们演技都发挥不错，使人物有血有肉十分饱满。每个演员的肢体语言和音色神态都惟妙惟肖，把人物的恐惧和互相猜疑体现得淋漓尽致。喜剧效果的部分主要由阿姆斯特朗医生、探长布罗尔、上尉隆巴德包办，恐怖效果部分由前家庭教师维拉负责。
这部反映人性的密室凶杀悬疑剧常演不衰主要就是依靠这些优秀演员精湛地演技吸引观众的，我个人强烈推荐大家有机会去看一下。满分10分制我打9分，下一次讲电影《兄弟班》。12回复20赞 
Lv4爱情故事大抵有这么三类：情投意合型，天上人间共缠绵；争执不休型，谁爱谁多一点；暗恋单恋型，我在你面前而你不知道我爱你。沧海遗珠Lv42017-08-28
第三种就是歌德早在十九世纪提出的 “我爱你，与你无关”。徐静蕾拿这种维特式的爱情观大作文章，拍了部电影。这句话让很多半吊子文青中了毒。
半吊子文青是指那种热爱艺术，热爱读书，却又不怎么懂艺术，也没读过多少书的人。但很不幸他们看了《一个陌生女人的来信》。然而如今，孟京辉才是得了茨威格的真意：“我爱你，但与你无关 ” ？——少来，爱一个人不就是想和ta有点儿关系么。
就文本来说，回来跟豆瓣上浏览完所有的短评，发现很多观众拿这个戏和原著对比， “完全不是原著中淡然饱含深情的印象”、“茨威格笔下的女人是沉默和隐忍的，即使至死心中也只有爱而毫无怨言，不求回报 ” “原著的克制呢？孟京辉真是放纵，对不住茨威格” ……这些人大概就是我开头说的 “半吊子文青” ，只看过徐静蕾的电影受了误导，徐版是叙事冷淡抽离来着，不过原著里的女人，还就真是个不折不扣的怨妇，毕竟沉默不代表隐忍（我嘴上叨逼叨逼叨说我不求回报才是真心求回报的典型，各位！请去谈恋爱！谈完回来感受一下！），相反，我觉得孟京辉的剧本刚好道出了女主歇斯底里的本质。
书中，女主反复强调自己爱得有多么无私纯洁，她在信中反复说什么 “我永远也不会责怪你，不会的，我只会永远感谢你，我不责怪你，我爱你就是爱你这个样子”、“我不是责怪你，我亲爱的，我不责怪你 ”、“可是我并不抱怨” 、“我不怪你，我向你发誓，我从来也没有对你生过气、发过火 ”……似乎是这厢无论如何都在爱着那个作家，并不要求他有所回报，但另一方面，信中随处充斥着怨艾的情绪，女主始终在等待着她被作家认出来，等这份真爱被作家认识接受。
这么强烈的爱情，其实是一种 “饮鸩止渴” 的心理：我要付出，默默付出，无止境付出，总有一天，也许你会发现我的爱。哦，你还没发现吗？你还没有回头看我吗？那我加倍地、加倍地爱你，思念你吧。也许我再努力一点，你就会回头。
好吧，这固然与她偏执的性格和 “得不到的越想要” 的心理有关，但从心理学的角度来说, 也与她从小就缺失父爱有关。心理学上，按照弗洛伊德的观点，人在童年时期，父爱或母爱的缺失会使他在以后的生活中不停地寻找父亲或母亲的替代品，形成某种恋父或恋母情结，而这种依恋的对象一旦找到，他们对所依恋的对象就会有严重的依赖心理：一方面他们非常脆弱，另一方面又会非常偏执，甚至有自虐的倾向（如独白：【一离开你，我就不愿意高高兴兴地活】，又如：【我的继父对我很好，我的母亲对我很好，所有人都对我很好，我也过得很好，但是没有你的世界里，我不愿让自己过得好。】）
对照茨威格的这个故事背景呢，女主人公的父爱的确是缺位的。直到十三岁她遇到作家（原著是R先生，话剧改成W先生，也是，总不能一口一个 “二先生” 、“爱先生”的 XD）。这个形象恰好又符合了青春期少女心目中男性的特点。她对作家的爱情，实际上又包含了一个十三岁的小女孩对于父爱的渴求。
所以不难解释，为什么对作家的风流她不是一概地予以否定。 “我爱的就是这样的你” ，这可不是正常的情人应有的吃醋和不满，反倒更像一个十三岁的女孩对一个风流潇洒的父亲的欣赏。她信中流露出时而怨恨时而自制的情绪，在不停的哀怨倾诉，又时时说 “我不怨你” ，其实是因为对于一个处于弱势地位的孩子来说，一个强大的父亲的形象是不能怨恨的，她只能等着父亲来爱她。
至于有的人觉得女主太过极端，或者话剧太激越......我不习惯评判爱的对错愚蠢与否，这方面我态度一直算是温柔，女主有女主的道理，茨威格有茨威格的道理，孟京辉也有孟京辉的道理，艺术品有其自己的一套艺术生态，存在即合理，犯不上事事都得立flag。
值得一提的是，十五年后，最后一次，作家跟身为少妇的她上床也没能认出她，反而是事后临走，作家的老仆人认出来了。 “他（老仆人）哆嗦着，惊慌失措地抬眼看我——他在这一秒钟里对我的了解比你一辈子对我的了解还多” 。是哦，整个世界都看到了，为什么我深爱着的你没有呢。其中苦楚酸涩，是说不出来的，然而只有说不出来的苦楚酸涩才为之苦楚，为之酸涩。反正，世上多的是无可奈何。
就演出来说，是极佳的感官体验。
第十次蜂巢剧场 ，第一次看独角戏。可能是我预期值太低，也可能是《犀牛》里黄湘丽的角色太不讨喜，对于这部戏，我甚至做好了一切吐槽的准备，把它看作只是簋街一顿夜宵的普通前奏，或是沉闷生活的一场沉闷演出。可是整场下来，叫人禁不住拍案。
听觉方面，黄湘丽自编自弹自唱，虽然孟导的演员咬起台词都差不多一个味儿，拧巴拧巴可以出汁水的矫情，但是这次的惊喜是叫床，娇喘细细，勾人心魄，在场每根汗毛都竖起来，精神也随之高度紧张，女主的高潮可谓也是观众的高潮；
嗅觉方面，是酸涩柠檬、十三分熟的牛排香（真没想到过居然真的会把厨房带进剧场，真是大胆夸张，用红酒表现自杀的鲜血什么的，说真的红酒应该挺便宜）；
视觉方面，动作肢体准确到位，几乎没有破绽，恰当的走位是很重要的，因为会投影表现出来影子，光影交错。又及，我身边的摩羯男说他数了，其间脱内裤脱了七条，扔枕头二十来次。体力活真的很辛苦。
于是回想起进场前，娴姐姐看到《两只狗》的宣传明信片，问我这部戏怎么样，我想了一下，只好说了这么一句：“反正挺好的，就是后现代的那种风格。” ——是，对于蜂巢剧场所有的戏，都可以用“ 后现代 ”来概括。后现代，癫狂的，先锋，实验，表现形式多样，声光电色香味。而且这部是独角戏，说到这个我想起刘晓晔老师出演的《希特勒》，他当时是一人占了九成的戏份，让人折腰，跟《陌生女人》这里，黄湘丽却是实实在在的一人独挑大梁，真正的独角，怎么能不感慨于演员的才华呢。
看完话剧走在东直门的夜里，风一吹冷得刺骨，就跟半年前，一年前，两年前一模一样。
反正世上多的是无可奈何。1回复15赞- Lv4沧海遗珠Lv42017-08-27
波兰克拉科夫老剧院版《李尔王》 导演：扬·克拉塔
——“当我们生下地来的时候，禁不住放声大哭，因为来到了这个全是傻瓜的伟大的舞台。”（莎士比亚，李尔王）
这恐怕会是我印象最深刻的一版李尔王了。导演极为大胆且富有创造力。我迄今为止头一次看这么短的戏，没有中场休息，一个半小时就结束，若以莎翁原作，光念台词就要三个钟头，可见戏份精简到何种程度。但这样的处理堪称极妙——导演可以说抛开了人物的一切身份、性别、乃至生死，只关注他们作为纯粹的人的存在，探究并展现他们的情感与心理层次。
莎剧原本的剧情或许诸位早已熟知，李尔王为安享天年将国土一分为三，大女儿、二女儿因巧言表达爱意而得厚馈，小女儿考狄利娅因真诚且不愿阿谀却遭厌弃，一无所获被断绝父女关系，去国离乡。其后，大女儿二女儿为彻底摆脱老王对他一再怠慢嘲讽，竟致他自逐荒野在暴风雨中疯狂，身边只有乔装的忠臣肯特、一愚人和二三十名武士相随，考狄利娅得知后伤心欲绝，亲率法军回国救父，却被俘身亡，其后李尔王追随女儿而去。此外，戏里还有一条副线，葛罗斯特伯爵的私生子爱德蒙诬告嫡兄埃德加谋害亲父，致父子失和兄长逃亡，而后又向李尔王的大女儿及女婿告密，使得他那对李尔王忠心耿耿的父亲被挖去双目后流放，窃得荣华的爱德蒙同获李尔王的大女儿、二女儿欢心，姐妹二人因此相残而亡，而他自己最后也死于同兄长埃德加的决斗。
而在这波兰版《李尔王》中，剧情仿佛被提纯一般——它几乎比我描述的梗概还精简，台词也只保留了与核心剧情相关的以及最深邃隽永的那部分（基本上，从李尔王在暴风雨中发狂呼喊过后，整个戏就仿佛拉了进度条）。原本在莎翁的笔下，李尔王是个具有“巨人”人格同时也有着刚愎自用的明显缺陷的老王，但不管李尔王的人格如何，他与他的拥趸都绝对占据正义一方的，而这其实是所谓伦理纲常规定的，但在这场戏里，一切评判与道德说教都不存在了，只有夸张的肢体动作作为内心状态的外放，或急促到近乎神叨叨窃窃私语的念白或放声疾呼的激烈台词配合着音效传达情感与氛围，于是，整个戏剧都成为纯体验式的，你只要将身心浸入其中即可，就如那首在开头、结尾放得中文歌里所唱的那句“何必分出谁错谁对”。
剧中对关键人物的大胆精简与改动，其用意亦在于此。李尔的饰演者，波兰国宝级艺术家耶日·格拉雷克于今年二月去世，享年70岁，导演出于对他的爱重与纪念，不换演员，径自让他以影像的方式在舞台两侧屏幕中出现。实则，我觉得，那影像也只是为了便于观众理解罢了，去掉也无妨，李尔王以声音出场，他不在场，却又仿佛无所不在，这种跨越生死界限的表现令人震撼，同时又发人深思。在莎剧中，遭女儿背弃后曾有这样一段对白。李尔问：“这儿有谁认识我吗？这不是李尔。是李尔在走路吗？在说话吗？他的眼睛呢？他的知觉迷乱了吗？他的神智麻木了吗？嘿！他醒着吗？没有的事。谁能告诉我我是谁？”愚人答道：“李尔的影子。”权柄在握的他在戏台上是一个空空如也的王座，遭到背弃的他是一张空空如也的病床，当考狄利娅回来帮助他后，他又回归为一个空荡荡的王座。他的血肉之躯呢？好像从没有存在过，有人真正关注作为一具血肉之躯的李尔王吗？
此外，李尔的三位女婿被省去了，那两位公爵阁下和本来也就是跑个龙套的法兰西王从未出场。而他的大女儿与二女儿竟由两个中年男人饰演，于是她俩为了爱德加争风吃醋的戏码也不复存在——这意味着，戏中不再充斥着两个蛇蝎妇人的阴毒计较的“庸俗戏码”，可谓是对原作的一种凝练升华，而这种反串似乎也暗示着她们的内心真实映射，作为那个时代的女性，她们要牢牢控制权柄让自己置身男性化的地位，行使所有男人可以行使的权力，为此不惜抛弃作为女人、作为女儿的天性；爱德蒙的饰演者则有种雌雄难辨的气质，出场时的独舞从内敛到狂放与他的黑衣是那么不协调，好像他在急于挣脱什么束缚——那是他与生俱来的作为私生子的身份——他为此不择手段，但你不得不承认，当他被授勋换上红衣的那一幕，非常美，好像这身装扮才合乎他的天性，纵使那身红衣饱蘸着父兄的鲜血，并且，由于李尔的某种意义上的不在场，原本就作为戏中另一条主线的焦点的爱德蒙仿佛实际上成了这出戏的主角，魅力四射。还有考狄利娅，她是三个女儿中唯一由女性饰演的，也即，她是唯一保存着自身本真的天性的，同时，这位女演员又分饰了始终追随着李尔的愚人，这愚人，却戴着教宗的高帽，既深陷其中又仿佛超脱其外，尤其在那场荒野外的暴风雨中，她狂放的肢体表现仿佛也是替李尔王呈现出那癫狂的情感，同时又烘托出一个不存在的李尔王的存在，她充分展现着情感波动的同时，也一次次口吐着箴言般的歌辞。
最令我惊艳的三处设置——
1、李尔在暴风雨中陷入疯狂后，一个玻璃罩子将他笼罩住，他明明置身广袤荒野，可是，好像却只置身那个与世隔绝的透明罩子里，外界的一切都进不来，那可不就是他的精神状态——之外的所有风雨、他人，都与他再无干系，他沉浸在内心的巨大痛苦与癫狂的激情中了。
2、幕布投影设置，那一面墙可以投射出台上的俯视视角，于是，埃德加引着他被挖双目的父亲攀登海边悬崖时，两人在台上匍匐而行，投射出来的影像。恰是他们笔直地攀登向上，葛罗斯特作势从崖上一跃而下砸在地面上的场景也触目惊心，而埃德加欺骗父亲未死是神明庇佑时，投影里，两人头颅相抵相依，太温情太动人，虽然葛罗斯特并不知道守在身边的真是他心存悔愧并思念着的儿子，但埃德加内心的景象恰是如此，至此，父子已然和解；
3、开场时，所有人着黑衣，一一对着那空王座致礼，而后，四位侍者肩抬王座向前，如抬灵柩，配合着结尾处不宣布每个人的结局，省去了最后的战争与决斗，只有李尔醒来与考狄利娅的和解，然后所有人躺下，围成圈状，灯光渐暗，无声的一句台词在屏幕显现：请忘记并原谅我这糊涂的老家伙吧。不禁悲从中来。
在看戏过程中，有多次，我想到古典戏曲。毕竟，原本肢体剧与戏曲在精简舞台和用身体动作传达情节方面就有颇多相通之处，虽然，现代戏剧的肢体表达比之传统戏曲的动作程式要更为开放也更趋于内心化。另外，它和传统戏曲一样，不着眼于剧情本身，如戏曲的折子戏，只截取一段精华，观众反复观看那几折，情节烂熟于心；波兰版的李尔王似乎也先验地预设观众对剧情本身已有一定的熟悉和掌握，而且，也只有观众熟知莎翁原作究竟如何，才能真正感受到导演的各种编排其用意何在。因此，必须感谢朋友提醒我观演前要先复习剧本，此次所获良多。这一出《李尔王》实在是我看过的最纯粹的李尔王。
见殊
11.05 于戏散场后的归途
参照朋友意见的补充——
1、“李尔王前后那个中文歌讲座完了之后问一下翻译，刚好这个问题昨天他们私下也有聊到，翻译的解释是说，导演不是说到中国来，然后才用那个中文歌，而是因为他之前在排这个戏的时候，然后突然听到这个歌，觉得给这歌里面的那种宗教的仪式感还有一些韵味儿，他虽然听不懂，但是觉得歌放那地方挺合适的，就用的这个版本的歌。”（from 黑檀）所以，听不听得懂歌词并不重要，即使它是中文的，感受氛围即可。
2、“对于两个大女儿为什么是男性角色，另外为什么剧中会出现那么多天主教的元素，在你的剧评的基础上再补充一点。导演是天主教徒，在波兰也有很多人是信天主教的。对于古代的国王，比如李尔王，他的权力是天授的，不是像现代国家那样是民众投票选举出来的。对于现代世界上所有的国家，除了梵蒂冈之外，他的国王或者说他的教主是天授的。但是，对于这样一个天授的权利，对于教皇或者是国王来说，他会在这样的一个高尚的外表下面，做很多肮脏的事情。在这样一个神权国家里面，所有有权力的人物都是男性。所以说导演在设计这一版李尔王服装、氛围的时候，用到了很多梵蒂冈天主教的一些宗教元素。”（from 黑檀）
3、“结尾那一段（所有人围成圈形躺倒，投影显示出上帝视角）我想到汉尼拔里面那段人体调色盘，汉尼拔这个似乎是一个宗教隐喻，是一个瞳孔 ，上帝在看着世人那种意思。但是这个解释在这版李尔王也是说得通的，李尔王里也出现了大量关于眼睛的比喻。尤其是对葛罗斯特那个瞎子，还有最开始大女儿还是二女儿也说爱李尔就像爱眼睛…”（from 围巾）
最后，我发现这部戏豆瓣上很多人打三星甚至一星两星，说实在的，难看和难懂是两回事，打低分的表示的都是难懂的意思。然而，1、如果完全不熟悉莎翁原剧本，看不明白、跟不上节奏，太正常了。看经典剧本的外国戏，无论是希腊剧，还是莎剧，观演前温习或预习剧本是基本功课，但凡对原剧情、台词较为熟悉又稍加思索，不会看不懂；2、波兰人就是这样，他们出了很多艺术家，他们根本不考虑什么通俗易懂，那正是他们的魅力所在；3、何况这还谈不上多先锋呢，这是当代戏剧的惯常表演方式（最先锋之处在于不在场的李尔王，太厉害了），我曾看德国法兰克福剧团的《美狄亚》，也是极简+肢体+部分投影元素，他们连服装都穿现代日常衣服，直接演出。回复赞 
Lv5lalalalaLv52017-08-16
波兰克拉科夫老剧院版《李尔王》 导演：扬·克拉塔
——“当我们生下地来的时候，禁不住放声大哭，因为来到了这个全是傻瓜的伟大的舞台。”（莎士比亚，李尔王）
这恐怕会是我印象最深刻的一版李尔王了。导演极为大胆且富有创造力。我迄今为止头一次看这么短的戏，没有中场休息，一个半小时就结束，若以莎翁原作，光念台词就要三个钟头，可见戏份精简到何种程度。但这样的处理堪称极妙——导演可以说抛开了人物的一切身份、性别、乃至生死，只关注他们作为纯粹的人的存在，探究并展现他们的情感与心理层次。
莎剧原本的剧情或许诸位早已熟知，李尔王为安享天年将国土一分为三，大女儿、二女儿因巧言表达爱意而得厚馈，小女儿考狄利娅因真诚且不愿阿谀却遭厌弃，一无所获被断绝父女关系，去国离乡。其后，大女儿二女儿为彻底摆脱老王对他一再怠慢嘲讽，竟致他自逐荒野在暴风雨中疯狂，身边只有乔装的忠臣肯特、一愚人和二三十名武士相随，考狄利娅得知后伤心欲绝，亲率法军回国救父，却被俘身亡，其后李尔王追随女儿而去。此外，戏里还有一条副线，葛罗斯特伯爵的私生子爱德蒙诬告嫡兄埃德加谋害亲父，致父子失和兄长逃亡，而后又向李尔王的大女儿及女婿告密，使得他那对李尔王忠心耿耿的父亲被挖去双目后流放，窃得荣华的爱德蒙同获李尔王的大女儿、二女儿欢心，姐妹二人因此相残而亡，而他自己最后也死于同兄长埃德加的决斗。
而在这波兰版《李尔王》中，剧情仿佛被提纯一般——它几乎比我描述的梗概还精简，台词也只保留了与核心剧情相关的以及最深邃隽永的那部分（基本上，从李尔王在暴风雨中发狂呼喊过后，整个戏就仿佛拉了进度条）。原本在莎翁的笔下，李尔王是个具有“巨人”人格同时也有着刚愎自用的明显缺陷的老王，但不管李尔王的人格如何，他与他的拥趸都绝对占据正义一方的，而这其实是所谓伦理纲常规定的，但在这场戏里，一切评判与道德说教都不存在了，只有夸张的肢体动作作为内心状态的外放，或急促到近乎神叨叨窃窃私语的念白或放声疾呼的激烈台词配合着音效传达情感与氛围，于是，整个戏剧都成为纯体验式的，你只要将身心浸入其中即可，就如那首在开头、结尾放得中文歌里所唱的那句“何必分出谁错谁对”。
剧中对关键人物的大胆精简与改动，其用意亦在于此。李尔的饰演者，波兰国宝级艺术家耶日·格拉雷克于今年二月去世，享年70岁，导演出于对他的爱重与纪念，不换演员，径自让他以影像的方式在舞台两侧屏幕中出现。实则，我觉得，那影像也只是为了便于观众理解罢了，去掉也无妨，李尔王以声音出场，他不在场，却又仿佛无所不在，这种跨越生死界限的表现令人震撼，同时又发人深思。在莎剧中，遭女儿背弃后曾有这样一段对白。李尔问：“这儿有谁认识我吗？这不是李尔。是李尔在走路吗？在说话吗？他的眼睛呢？他的知觉迷乱了吗？他的神智麻木了吗？嘿！他醒着吗？没有的事。谁能告诉我我是谁？”愚人答道：“李尔的影子。”权柄在握的他在戏台上是一个空空如也的王座，遭到背弃的他是一张空空如也的病床，当考狄利娅回来帮助他后，他又回归为一个空荡荡的王座。他的血肉之躯呢？好像从没有存在过，有人真正关注作为一具血肉之躯的李尔王吗？
此外，李尔的三位女婿被省去了，那两位公爵阁下和本来也就是跑个龙套的法兰西王从未出场。而他的大女儿与二女儿竟由两个中年男人饰演，于是她俩为了爱德加争风吃醋的戏码也不复存在——这意味着，戏中不再充斥着两个蛇蝎妇人的阴毒计较的“庸俗戏码”，可谓是对原作的一种凝练升华，而这种反串似乎也暗示着她们的内心真实映射，作为那个时代的女性，她们要牢牢控制权柄让自己置身男性化的地位，行使所有男人可以行使的权力，为此不惜抛弃作为女人、作为女儿的天性；爱德蒙的饰演者则有种雌雄难辨的气质，出场时的独舞从内敛到狂放与他的黑衣是那么不协调，好像他在急于挣脱什么束缚——那是他与生俱来的作为私生子的身份——他为此不择手段，但你不得不承认，当他被授勋换上红衣的那一幕，非常美，好像这身装扮才合乎他的天性，纵使那身红衣饱蘸着父兄的鲜血，并且，由于李尔的某种意义上的不在场，原本就作为戏中另一条主线的焦点的爱德蒙仿佛实际上成了这出戏的主角，魅力四射。还有考狄利娅，她是三个女儿中唯一由女性饰演的，也即，她是唯一保存着自身本真的天性的，同时，这位女演员又分饰了始终追随着李尔的愚人，这愚人，却戴着教宗的高帽，既深陷其中又仿佛超脱其外，尤其在那场荒野外的暴风雨中，她狂放的肢体表现仿佛也是替李尔王呈现出那癫狂的情感，同时又烘托出一个不存在的李尔王的存在，她充分展现着情感波动的同时，也一次次口吐着箴言般的歌辞。
最令我惊艳的三处设置——
1、李尔在暴风雨中陷入疯狂后，一个玻璃罩子将他笼罩住，他明明置身广袤荒野，可是，好像却只置身那个与世隔绝的透明罩子里，外界的一切都进不来，那可不就是他的精神状态——之外的所有风雨、他人，都与他再无干系，他沉浸在内心的巨大痛苦与癫狂的激情中了。
2、幕布投影设置，那一面墙可以投射出台上的俯视视角，于是，埃德加引着他被挖双目的父亲攀登海边悬崖时，两人在台上匍匐而行，投射出来的影像。恰是他们笔直地攀登向上，葛罗斯特作势从崖上一跃而下砸在地面上的场景也触目惊心，而埃德加欺骗父亲未死是神明庇佑时，投影里，两人头颅相抵相依，太温情太动人，虽然葛罗斯特并不知道守在身边的真是他心存悔愧并思念着的儿子，但埃德加内心的景象恰是如此，至此，父子已然和解；
3、开场时，所有人着黑衣，一一对着那空王座致礼，而后，四位侍者肩抬王座向前，如抬灵柩，配合着结尾处不宣布每个人的结局，省去了最后的战争与决斗，只有李尔醒来与考狄利娅的和解，然后所有人躺下，围成圈状，灯光渐暗，无声的一句台词在屏幕显现：请忘记并原谅我这糊涂的老家伙吧。不禁悲从中来。
在看戏过程中，有多次，我想到古典戏曲。毕竟，原本肢体剧与戏曲在精简舞台和用身体动作传达情节方面就有颇多相通之处，虽然，现代戏剧的肢体表达比之传统戏曲的动作程式要更为开放也更趋于内心化。另外，它和传统戏曲一样，不着眼于剧情本身，如戏曲的折子戏，只截取一段精华，观众反复观看那几折，情节烂熟于心；波兰版的李尔王似乎也先验地预设观众对剧情本身已有一定的熟悉和掌握，而且，也只有观众熟知莎翁原作究竟如何，才能真正感受到导演的各种编排其用意何在。因此，必须感谢朋友提醒我观演前要先复习剧本，此次所获良多。这一出《李尔王》实在是我看过的最纯粹的李尔王。
见殊
11.05 于戏散场后的归途
参照朋友意见的补充——
1、“李尔王前后那个中文歌讲座完了之后问一下翻译，刚好这个问题昨天他们私下也有聊到，翻译的解释是说，导演不是说到中国来，然后才用那个中文歌，而是因为他之前在排这个戏的时候，然后突然听到这个歌，觉得给这歌里面的那种宗教的仪式感还有一些韵味儿，他虽然听不懂，但是觉得歌放那地方挺合适的，就用的这个版本的歌。”（from 黑檀）所以，听不听得懂歌词并不重要，即使它是中文的，感受氛围即可。
2、“对于两个大女儿为什么是男性角色，另外为什么剧中会出现那么多天主教的元素，在你的剧评的基础上再补充一点。导演是天主教徒，在波兰也有很多人是信天主教的。对于古代的国王，比如李尔王，他的权力是天授的，不是像现代国家那样是民众投票选举出来的。对于现代世界上所有的国家，除了梵蒂冈之外，他的国王或者说他的教主是天授的。但是，对于这样一个天授的权利，对于教皇或者是国王来说，他会在这样的一个高尚的外表下面，做很多肮脏的事情。在这样一个神权国家里面，所有有权力的人物都是男性。所以说导演在设计这一版李尔王服装、氛围的时候，用到了很多梵蒂冈天主教的一些宗教元素。”（from 黑檀）
3、“结尾那一段（所有人围成圈形躺倒，投影显示出上帝视角）我想到汉尼拔里面那段人体调色盘，汉尼拔这个似乎是一个宗教隐喻，是一个瞳孔 ，上帝在看着世人那种意思。但是这个解释在这版李尔王也是说得通的，李尔王里也出现了大量关于眼睛的比喻。尤其是对葛罗斯特那个瞎子，还有最开始大女儿还是二女儿也说爱李尔就像爱眼睛…”（from 围巾）
最后，我发现这部戏豆瓣上很多人打三星甚至一星两星，说实在的，难看和难懂是两回事，打低分的表示的都是难懂的意思。然而，1、如果完全不熟悉莎翁原剧本，看不明白、跟不上节奏，太正常了。看经典剧本的外国戏，无论是希腊剧，还是莎剧，观演前温习或预习剧本是基本功课，但凡对原剧情、台词较为熟悉又稍加思索，不会看不懂；2、波兰人就是这样，他们出了很多艺术家，他们根本不考虑什么通俗易懂，那正是他们的魅力所在；3、何况这还谈不上多先锋呢，这是当代戏剧的惯常表演方式（最先锋之处在于不在场的李尔王，太厉害了），我曾看德国法兰克福剧团的《美狄亚》，也是极简+肢体+部分投影元素，他们连服装都穿现代日常衣服，直接演出。回复4赞
认证什么是好戏？飞来即兴资讯认证2023-05-13
《圆桌派》人艺那期里，老演员李光复援引曹禺先生的话：“不是剧场里面观众的热烈的掌声，也不是他们的叹息，或和你一起流泪。而是走出剧场的时候，带着思索。思索社会，思索人生。”
9月，在杨浦Young剧场看了话剧九人的《春逝》。几天后，台风过境的秋夜里，我再次想起这部剧。
春逝，讲了一个怎样的故事？
简单的说，这是一个女性成长的故事。
35岁的物理教授顾静薇遇见23岁的助理研究员瞿健雄，从脾气不合的职场搭档，逐渐变成彼此欣赏的师生友人。
年轻的瞿健雄，心里有一个学术的梦，为了真正的物理研究，愿意等待十年再十年，可是却越不过世俗的成见。看起来不务正业的顾静薇，是物理所里唯一的女教授，她是走过许多难路的新女性，把乐观的火种点在了健雄的心中。
春逝春又来，春草渐无穷。一年的故事，几幕的短剧，看完之后，觉得说了很多很多。
这部剧好在哪里？
故事并不复杂，冲突也不激烈。一整场，就是一段构想的民国研究所里的知识分子生活往事。
但，每一个观众都能在里面看到自己生活的折射。年轻刚进入社会的人，可以在瞿健雄身上看到成为自己是多么艰难。中年社畜996打工人，可以在顾静薇身上看到不结婚要遭受多少白眼，在丁西林身上看到经营真正的事业要承担多少不堪。
真正让人动情的是，这三个人，纵使各有各的难过，却绝无半点沉沦。没有钱，便卖了留声机。没有结婚，也不必接受异样的定义。拿不到留学资格，大不了再考一年。杰出的心灵，坦荡的道义，尘埃不掩灼灼其华。
我相信，许多人的泪点，发生在顾静薇劝阻瞿健雄不要选择研究基础粒子的那场戏。作为一个前辈，一个长辈，一个在真实社会摸爬滚打过来的女人，顾静薇太知道瞿健雄会面对什么样的苦难，她不希望这个为学术热忱的女孩子要吃那么大的苦，踏上一场或许没有尽头的追逐。可是瞿健雄用顾老师祖母的相对论说服了她，十年对于一个人很长，对于人类的追求，学科的发展，很短。更重要的是，“物理学是要解决问题，不是逃避问题！“
这场戏，真实，纯粹。它是我们失去的理想，是弥足珍贵的勇气。
瞿健雄没有因为困难，放弃研究真正的，属于她的物理问题。可是我们，或许早已放弃了诗，放弃了音乐，放弃了学术，放弃了成为一个咖啡师的念头，放弃了舞蹈，放弃了浩瀚星空里的召唤。
我们太聪明，不用走进深水，便想得到湍流寒冷，沙砾坚硬，于是我们换了一条好走的道路。可是，越走越远，越走越看不到心中真正的彼岸。
选择真实，也选择美与乐
这部剧，也是面对生活不必失去的优雅，是重压之下的美，是热爱生活的幽默。比如幕间的一丛花枝，疏影横斜。比如丁所长一手研究论文，一手经营账本，还有一点闲情，写写剧本。
比如拜伦的诗：
If I should meet thee
After long years，
How should I greet thee？
-With joy and tears
演后谈的微信群里，话剧九人的工作人员说，拜伦原诗最后一句本来是with silence and tears， silence被替换成了joy。
这是一个多么好的替换啊。生活无以凭赖，我们需要一点欢乐的期待。
有一年，在牛津的阿什莫林博物馆看到一个16世纪的瓷瓶。瓶身青花，瓶口沿镶了一圈金边，很少见，却很协调。旁边的导览牌里解释说，当年瓶口有个裂缝，制作者或者瓶主人因此拿金属补上了一圈。后面的一句话我觉得说的尤其有意思：
Throughout history, people have made the best of a bad job.
我们折服于民国知识分子的风度，真正的风度正是在艰难下才体现出来的。
最后，稍微多提一嘴。一周之后，我又去看了《对称性破缺》，其中一部分就是去到瞿健雄去到美国之后余生的故事。两相对照，更觉在她二十多岁的时候，在物理所与静薇亦师亦友亦姐妹的那段时日是多么美丽。
这是一个人最好的年纪，被关照，被教育，被鼓励。恰如春日，春风度人。又如春雨，春草渐生。可是春天就是这么短暂，当春华逝去，你独自面对人生的夏秋冬，从此如人饮水，冷暖自知。这时，多么想念曾经的顾老师。
明日隔山岳，世事两茫茫。
人生不相见，动如参与商。回复赞
上海
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