Lv58月16日下班后我一个人去上戏看开心麻花的舞台剧《莎士比亚别生气》，是之前开心麻花群里提前报名当的这次志愿者，完成志愿者任务后当天就可以免费看演出了。出发前在米源饮料机参加半价活动2块钱买了瓶冰乌龙茶路上喝，回家路上经过麦当劳用墨迹天气游戏免费兑换了一杯中杯雪碧。一般连续签到满30天以上从没参加过志愿者的人可以报名，群是看开心麻花音乐剧《Mini Lover小矮人》2.0版时加入的。志愿者还要出30块钱一次性购买开心麻花的护照，将来如果有机会再做志愿者要携带出示，看过的开心麻花的演出可以盖章。那天赶到上戏后我做志愿者的任务是在取票机处协助指导观众取票，来看这部戏的观众不少。在帮助过取票的观众后，他们都很客气致谢。以前我在兰馨小剧场当过话剧志愿者，协助检票和宣传介绍，所以做起来很淡定。做完志愿者后我免费进场到2楼8排正好当中有个空位视角还可以。演出开始前照例主持人找现场观众表演游戏后抽奖。言归正传讲剧目。好习惯Lv52017-09-26
故事讲的是话剧《罗密欧与朱丽叶》公演当日，导演突然接到威胁电话，被告知心爱的孙女遭绑架。匪夷所思的是，绑匪并未索要高额赎金，而是对当晚的演出提出了一系列要求。一直实践严肃艺术的导演为救孙女，只得委曲求全。眼看一场经典话剧就要被改得面目全非，剧团其他成员极力反对，但幕布已经拉开，台上暗潮涌动，台下屏息以待，悲剧变作喜剧，演出将如何继续？
这部剧目是以戏中戏的手法表现了一个剧组突然遭遇演出事故后，将错就错临场发挥的搞笑故事。剧中主角老导演是一位对于艺术方面十分严苛的老前辈，每次他训话大家都如临大敌。印象当中老一辈的艺术家大多确实做事一丝不苟，比起现在娱乐圈的乌烟瘴气完全不是一个风格。倒也不是说一定是高风亮节，但至少责任心匠心专业度方面要比现在的一些明星强。现在已经没几个明星能配得上德艺双馨这个词了，看看现在的娱乐新闻你也知道是什么风气了。从老导演说：谁要是毁了我的戏，我打折你的狗腿！看得出退休之前老导演希望有个完美的演出对得起自己和观众。但是老导演的孙女担心他的健康希望他能放下工作住院治疗，情急之下她伪装自己被绑匪绑架要挟把这部莎翁名著改得面目全非，让演出搞砸好让爷爷无法正常工作退休回家。老导演担心孙女心切，就配合满足了绑匪要求把剧情胡编乱造。一开始其实他是拒绝的，按导演自己说法：让我这么改戏，这跟开心麻花那帮神经病有什么区别！ 我很欣赏开心麻花这么自黑，可能是行业内确实同行曾经有对他们有这方面的偏见。为了孙女安全老导演急中生智找了音效师配合，加上自己在现场改戏并表演导致一部著名的悲剧变成了闹剧，全程鸡飞狗跳意外频出，包袱笑点也是因此产生。
剧中的演员面对此事各有各的想法，朱丽叶是请来的大腕，戏被改了不太愿意配合演下去。演提尔波特的演员觉得自己赚点钱不容易，不能开场死的早没机会露脸。求了凯普莱特伯爵的演员想办法救场，而演奶妈的演员本来没什么台词趁机抢戏给自己加戏，其他演员也只能随大流配合把这场闹剧演完。他们的矛盾冲突也产生了不少笑料。
整部戏我看下来还是很搞笑的，结局也很圆满，音效师也是喜剧中的一个环节很少见。开心麻花擅长荒诞喜剧套路，附带讽刺有点污的风格，属于一本正经的做喜剧。演员们很辛苦表现非常棒，高温下穿着厚厚的戏服，声音嘹亮不算还有舞蹈部分很费体力。小矮人里的大法师施哲明又是非常搞笑亮眼的表演，台词中还有时冒出几句上海话拉进和观众的距离，而且他跳舞时也很嗨很放得开。演老导演的演员有大段的台词加肢体动作，非常考验记忆力。开心麻花的群戏一直很热闹，这个戏让人感觉身临其境，演员们插科打诨互相拆台的地方让人捧腹。虽然说孙女冒充绑架让爷爷改戏的设定不太现实，不过剧情发展还是很有意思的。包袱笑点还算比较流畅，戏中映射了很多问题。比如训话台词那段讽刺了现在很多年轻演员基本功不扎实，有些人连台词都背不出拍摄时数数阿拉伯数字，全靠后期配音加上，完全没有基本素养和工作态度。戏中演员们想办法抢镜头甚至加台词的桥段，讽刺了当下很多人不专研本职工作为了红耍小聪明，给自己塑造光辉人设投机取巧的心态。导演配合改戏的部分讽刺了目前很多电影以及舞台剧，为了满足猎奇心态或者投资方的威逼利诱下，把原本很好的IP或者剧本改成了不伦不类的作品只顾圈钱没有职业道德的现象。中国电影和话剧等形式作品质量参差不齐就是由诸多因素导致的。
我感觉这部戏还是蛮好看的，故事说明了剧本不好再好的演员也救不了场。剧中最后老导演提到悲剧给人力量，喜剧给人希望。
我觉得这也是开心麻花所追求带给观众的效果，而这部戏也代表了开心麻花对大师的敬畏和对伟大作品的致敬。一些小瑕疵只能说明开心麻花的编剧企图心太强，希望戏的每个部分都能搞笑，导致包袱塞的太满有些地方显得不够自然。这样反而影响了剧情的部分衔接。感谢开心麻花提供的志愿者机会与福利，满分5分制我至少打3.5分。下一次讲电影《鲛珠传》，敬请期待！
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Lv3候门府邸，庭院重重。各用青，红帷幔层层遮掩，以彰显世家风范。第一章的“入府”，当然指黛玉入府，她的入府，独有竹影轻幔，作为触发整个故事的基本。如果和之后剧情安排结合，“入府”则有多重：黛玉，宝钗，湘云……十二钗或者降生于贾府如三春巧姐，或者嫁入如李纨熙凤。具是入府之人。七七吃你家大米了吗Lv32023-05-17
“幻境”是第一个高潮，十二钗在幻境中皆着素衣，俨然纯真状态。剧场顶部悬垂的白布上逐个显现十二钗的判词，这倒让我想起了古阿拉伯的悬诗。到最终宝玉在中，钗黛各一边。十二钗的两个首册站在“玉带林中挂，金钗雪里埋”。判词就在头顶，高挂着的就是宿命。因为红楼判词写的太好太妙，因此即便是完全的舞剧，也一定要有所表现。这一段其实很切合原著，又有独特设计，宝玉看着十二钗的曼妙身影，但是隔云隔雾，本就不是一境，他的身份更像是虽然无时无刻不再亲近，也无时无刻不在观望。不过我的一点失望是没有把“千红一哭，万艳同悲”呈现出来。
“含酸”正式进入宝黛爱情线，如果单纯是传达黛玉拈酸的情节不免单一。因此舞台上的帐幔一青一红，黛玉，宝玉，宝钗你来我往，或吃酒，或交谈，不时情绪变动，一人跑到帐后，一人急切追去。这个章节是“全遮”，既然含酸的内容偏向单一，就用一些留白让观众丰富它。
“省亲”一段是我看到第一个震撼我的设计，元春在大小官员侍者中从后走出，贾府众人却先向观众行李叩拜。贵妃一身明黄宽衣大袖，当她脱下那件大衣裳，我发现了设计所在。那件大袍可以完全立柱，人在期后如同无头。接着，贾府众人向贵妃孤零零的衣服叩拜行李，贵妃在一旁无语凝噎。她身边皇宫走出的官员的衣服和她形式类似，也是前方有一架子。这明艳的大袍，愣愣地支撑着的是皇权，是帝命。愣愣地彻底锁住元春，除却片刻在家人身边的依偎，她只能有贵妃这一个名字。
“游园”是刘姥姥的章节，舞剧的所有舞蹈都在极雅的氛围里，为了在无台词的境地里凸现刘姥姥的憨态。舞者动作极其夸张，加入一些杂技的元素，在妆容上形似丑角。而“游园”或许在舞台屏幕上的展览之外，还可以设计些别的因素，让刘姥姥在荣府里的故事更丰富。
“葬花”包含读西厢和葬花两个部分。这是全剧最摄人心魄的舞蹈之一，下垂的舞幕如纱，映着树影婆娑，落红阵阵。宝玉和黛玉在这无二的花林中起舞，旋转。然而葬花依然是黛玉独自一人的事，当她走向花林深处，一束花瓣顺着光散下。这一章，把潇湘妃子的悲情美感推向了高峰。
“元宵”开始，隐性的悲剧感渐渐明显清晰，先是一段极宏重辉煌的群舞，映照着贾府的余晖。这段舞蹈规律性最强，我还是要说一点私货，王熙凤的昭君服实在把她真推成了“神妃仙子”。导演保留了原著里“爆竹”的物象，在夜幕上点点火光，盛宴将散。
“丢玉”没有示幕，和“冲喜”联系很近。从元宵开始的无声之悲到丢玉的“乱”悲，再到冲喜，把这种情感一点点放大。“冲喜”内容较多，我个人理解包括宝钗成婚，元妃薨逝两个部分。在成婚之前，宝玉进入了迷局，导演设计里，一个接亲的轿子，其中有时是黛玉，有时是宝钗，或者说从一开始那个入府的小轿子里，事情都已经“前定”了。在太虚境中，宝玉是一片琉璃世界里的一点红。在冲喜的婚宴上，黛玉是绣房红帐里的一点白。在宝黛爱情收尾的处理上，舞剧选择了程高本的叙述，黛玉在后，孤卧于病榻。宝玉宝钗在前，佯演着看似你情我愿的伪剧。构建一种近乎于平行蒙太奇的处理。此外，婚为喜，薨为悲，四面的群舞，一身正红，但是长袖都是纯白色的，舞蹈也全谈不上是祝贺新婚的喜庆。上摆天空，下击地面。竟然有对爱情无果，家道衰颓的无力回天之感。
宝玉来找黛玉，这时她依然油尽灯枯。舞台上只有她在一张孤榻上，见她诗稿零落，头顶一缕大白纱落下，花落人亡。因为长久的情绪积攒，白纱落下时，似有万斤，轰然落下，就像大厦倾。绛珠仙草的悲情美，在这里达到了顶峰。宝玉的独舞可谓悲之切他独自不断的捶地拗胸，无一处可以吸收他的悲恸。在原著的续书里，这一段对应“苦降珠魂归离恨天，病神瑛泪洒相思地。”这个充满动作感和画面感的章回，在舞蹈中释放了更大的张力。
“花葬”是整个舞剧绝对的高光时刻，也是最值得称道的匠心独运。这是十二钗的花葬。十二钗去掉脂粉华服，散发立在十二个墓碑上。满地残花，但是这一段的舞蹈不是柔性的悲，反而异常悲壮。她们转头挥舞着长发，间或抛弃满地花枝，痛彻心扉地责问自己一切被动的不幸，俨然是一种无惧且决绝的天问。
在这之后，十二钗渐渐离开，茫茫雪白的厚地高天，宝玉再出现时，已然归彼大荒。这和87红楼最后的处理颇为相似。
配乐能感受到许多韵律上对王立平先生所作的红楼梦电视剧乐曲上旋律的契合，也延续了那种音乐情感。首先是空幻，琵琶遮面，断断续续，游丝薄雾。再来就是悲壮，这在最后的花葬和归彼大荒章节尤其明显。因为红楼的悲，绝不是轻描淡写，委婉转肠的悲。是一种彻底的，无保留的，不作秀的，纯自然的悲。在这种宏壮的悲情中，交响式的配乐将之推到崇高的地位。
此外，舞剧保持了小说原有的氛围。在繁华盛大中，处处弥漫着悲凉雾气。这其中还有很强的鬼魅气质，那无头的大衣，烟霭里的影影绰绰，底光里的十二钗群像……但也正是极多元丰富的，悲喜交杂的，才给人一种一点窥全貌的感觉。
舞美设计是舞剧更绝妙的一处，至于如何，依然不是我的薄笔浅文能说的了。
并且，观众需要建立在对文本熟知的基础上才能不至于在迷糊的状态里全身心沉浸。
至于不足，是舞剧本身特质的不足，因为舞剧注定是一种完全形象性的，通过视觉传达出效果和情感的形式。用“极其深刻”“发人深省”这些文本评论化的言语评论本身就背离了这种舞蹈为核心的艺术形式的特点。当然，这也完全不阻碍它的光辉。能从不同的角度欣赏红楼的美，才是无二的享受。
真实是美的，传神的。人不喜欢假的，空幻的，但唯有红楼的空幻，让人日思夜想，化成心相上的一缕烟，融成生命的一部分，凝神暗想，一舞难忘。
回廊复道亘长春，幅幅红楼梦里人。
徙倚雕阑凝睇想，真真幻幻两传神。回复赞
Lv5lalalalaLv52017-07-25
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1975年伊始，经历过数次外遇的四十四岁剧作家哈罗德·品特与他的一生挚爱，女作家安东尼娅·弗拉瑟（Antonia Fraser），坠入爱河，3月下旬，他向身为演员的妻子薇薇安·莫珊特（Vivian Merchant）摊牌：“我遇到了一个人。”4月28日，他搬出自己家，开始长达五六年的婚外爱情长跑，五天前，《无人之境》首演。
我想，摊牌那天，品特一定经历了自己在戏剧中多次描摹的房间里的对峙，后来的作品《背叛》无疑是这类婚姻痛苦尴尬时刻的虚构化呈现，有兴趣的人可以去看它由杰瑞米·艾恩斯、本·金斯利等人主演的提名奥斯卡最佳改编剧本的同名电影版。品特是个从不考虑观众的戏剧家，他只为自己写作，常常把自己生活里真实的记忆和苦乐，他的一部分自我，放进这些凝结于房间的时间之中，这不是自传，而是透过个人体验触摸人类共通的命运。进入一个房间，看到几个人，他们便萦绕在他脑间，化成一部戏。某种程度上，这也是诗歌的逻辑，“我的大多数剧本都是由一句话、一个词，或者一个意象引出来的。特定的词语经常有一个意象紧跟而来。”他在诺贝尔文学奖受奖词里说。这样的戏剧故事，需要观众放弃先入为主的情节预期，跟着人物探索那些真假模糊的现在与过去，为身怀秘密的角色着迷。
2016年圣诞夜上映的《无人之境》亦如此。这部戏预热了英国国家剧院现场（National Theatre Live）2017年1月的《女王召见》、《科利奥兰纳斯》、《哈姆雷特》等一系列大屏幕高清戏剧现场放映，而非去年的收官之作。在这部首次上映的品特戏剧里，他本人的影子时隐时现，却不干扰每个人物的意志，不会给任何难题答案，也没有最终一幕的冲突解决。当赫斯特说起斯普纳——极有可能不是斯普纳本人——年轻时对运动的热爱，寥寥数语就塑造出一位热衷于运动成绩带来的满足和成就感而忽略身边爱人的青年形象，品特对板球运动的长期痴迷是出了名的。本剧有三个诗人，品特自己也是诗人。品特本人对学生时代友情的珍视，也确实达到了赫斯特那种视之为最神圣宝贵记忆的程度。至于窃取他人爱侣或被他人窃取爱侣的事，前文已述……
这个故事里只有一个房间和来来去去喝酒聊天的四个人，起初我们以为这是个来访之客斯普纳从精神上突袭安逸主人赫斯特的过程，令人想起品特早年的“威胁戏剧”，然而开场似乎不到半小时，赫斯特就败下阵来，颓然爬进卧室。这只是四人交锋的开始，交锋的武器，很大程度上是靠不住的“记忆”。这记忆或许被篡改到模糊，酗酒的赫斯特说出的记忆有多少是准确无误的？
或许，这记忆蕴含精神层面的真实，比如赫斯特和斯普纳，年轻时确实干过勾引朋友的女友或妻子的事，斯普纳把自己套入另一个人的身份，也并无不妥。他故意套赫斯特的话，冷酷到近乎手舞足蹈地抛出幸灾乐祸的推断“你已经失去了你那位褐色眼睛的妻子，你已经失去了她，无论你做什么，她都不会再回到你身边……”，赫斯特马上崩溃了。
或许，斯普纳与赫斯特年轻时是否相识并不重要，如斯普纳的扮演者伊恩·麦克莱恩所言，在这个能够逃脱的牢笼房间里赖着不走并非难事，“因为有免费的酒喝”，为了从富有文豪赫斯特的世界里分羹，迎合他的兴致，扮演被他戴过绿帽子的老友也无妨。这部品特70年代“记忆戏剧”中的名作，靠着“记忆”纺的丝线，将四个人禁锢在一个房间从夜晚到白天的时间。
我无从知晓创作《无人之境》时的品特经历了什么，但我知道他害怕成为什么人。无论是赫斯特那样，功成名就，坐在自己早年的成绩上，甘心被疑似一对同性恋人的男仆和秘书陪伴或操纵，抱着酒瓶混吃等死，还是斯普纳那样，穷困潦倒，衣着寒酸，仅靠对年轻人的作品指手画脚、举办无聊的诗歌诵读赏析会（京沪两地文艺青年对此类活动无比熟悉）来建立微弱自尊，仿佛一只眼红他人所持资源的好斗公鸡，都是一位四十四岁文艺中年男人害怕的六十岁文人老境，都是无人之境，“那儿永远不会运动，永远不会改变，永远不会变老，但将永远存在，冰冷，寂静。”这两个人，由帕特里克·斯图尔特和伊恩分别演绎得惟妙惟肖，要知道，对时尚了如指掌的伊恩爷爷，可是抛弃自身的风雅，甘心做得形容猥琐。
剧本中有大量“停顿”、“静场”，这是留给导演和演员的想象空间，需要他们以强大的肢体语言和表情来塑造他们所理解的人物形象，面对本场无字幕生肉戏剧，表演成为辅助观众了解剧情的重要渠道。我想，留这么大空间，也许跟品特长期做演员有关，他知道自己不只要写出方便演员发挥的台词，还要给导演和演员再创造的可能，戏在无声处。
比如说，被赫斯特带回家的斯普纳，进屋后一旦有机会握住酒瓶，就始终抱着它和自己的脏外套，贪恋、自卑、随时准备溜走等各种心态蕴含在这个动作里，伊恩又加入丑角的幽默感，引得观众发笑。此刻的他并不知道自己将被赫斯特的男仆布里格斯和秘书兼管家福斯特锁门“囚禁”在房间里，能肆无忌惮地继续喝下去，还会有机会点香槟喝，直到他得寸进尺地冒犯。上述二人，尤其是布里格斯那种依据主人话语见风使舵的态度，也得靠自身表演展现。
赫斯特屡次从志得意满到被斯普纳击溃的微妙表情，因为大屏幕的特写效果，我们看得非常清楚，帕特里克诠释到位，他大部分时间是坐在椅子上，与伊恩坐立不安的丰富肢体语言反差很大。赫斯特酒醒后第二次出现，他表现出完全不认识斯普纳的样子，或许是醉酒断片儿，或许是强装能重新洗牌的心态，在滔滔不绝描述刚刚做过的孤独溺水噩梦之后，他因为斯普纳冷不丁的一句“在你梦里淹死的人是我”再次倒地，这种被外来者一针见血戳到灵魂深处又很难被观众理解的沮丧，需要帕特里克进入某种“催眠”状态，并将观众“催眠”，激发共情。
本就对斯普纳满心戒备的福斯特，以年轻人的嚣张气焰对付他——演员戴米恩·莫隆尼贡献出精力、自恋皆备的气质——他夸张炫耀他的异性缘以掩饰他的同性恋身份，看到主人溃败离场，他又厉声警告这位“新来的家伙”，“我们保护着这位绅士不受坏人影响，不受坏人欺骗，不受坏人伤害……”当他说出可以杀死斯普纳，沉默的伊恩以肢体和眼神的微动表现出明显的惧怕。福斯特说他们是出于爱才照顾这位绅士，我们心生怀疑。但他对斯普纳的藐视是确凿的，藐视以第一幕的结束时的突然关灯抵达顶峰：“听着。当你在一个有灯亮着的房间里，然后灯突然熄灭了，你知道这是怎么回事儿吗？我让你看看。就是这样。”斯普纳被抛弃在空无一人的黑暗里，直到天明。
布里格斯对斯普纳的态度更多变的，当主人和管家在场，他的眼睛和嘴角写满了嫌弃——演员欧文·蒂尔赋予这种嫌弃些许滑稽，尤其从主人身上拎起斯普纳献媚披上的脏外套的时候。当他们不在场，主人又表示认识斯普纳并希望他照料其早餐，布里格斯便亲昵地坐下来谈论他与福斯特的“友情”，并希望他能指点福斯特这位年轻诗人，既然主人这位著名诗人已不愿提拔自己的秘书。这就是人，会对外来者陈述自己对另一个人的亲密。
随着斯普纳一步步靠近赫斯特，布里格斯和福斯特越来越警惕，演员用暧昧的肢体语言暗示他们之间的超友谊关系，布里格斯推荐过福斯特做秘书，可以当众亲昵地喊这个年轻人“笨蛋”以暗示对他的支配（恋爱过的人懂得这种称谓的微妙），赫斯特会对这位男仆说“如果我叫你走，你就得走。”最后，当斯普纳要求取代福斯特做赫斯特的秘书，未遂，福斯特马上以一串绕口令般的“话题已永远被换掉”和布里格斯的帮衬，控制言论大局，永久驱逐了斯普纳的进攻。他们三个人，是闭合的权力制约关系，难怪赫斯特会说“我们三个，永远不要忘记，是最好的朋友。”入侵的斯普纳必败。
即便三人关系是一场精神牢狱，也无人想离开，斯普纳有种恶意或自私的精神攻击感。人的每一场喋喋不休都在掩藏那些没有说出的话。斯普纳侵犯福斯特的自尊，说“对于你的能力来说，秘书的职位不怎么公平。一位年轻的诗人应该到处去旅行。旅行，体验痛苦……”福斯特有些慌了，声称服务这位知识分子是他的光荣他有意义的事业，同时也向男仆表忠心。我们终于明白，他当初对斯普纳的藐视掩藏着不安。“无人之境”里的三个人，不想要任何改变，无论是否想逃离，都只会留下。这亦是陷入类似困局的众生面对虚无生命的一贯态度。
赫斯特说过，“我真正的朋友都在我的相册里望着我。我有我自己的世界。……我们正在谈的是我的青年时代，它永远不会离我而去。”当他看到颓败老文青斯普纳，想起当年友人意气风发的样子，无论他是否故人本身，赫斯特心中的丧感都是真实的。尽管另外两人阻止他拿出相册，但赫斯特未必真愿意拿出相册，直面生命的变迁，相册代表任何人不可闯入的心中圣地。
最后，回到当时正经历生命困局的品特。最终与弗拉瑟成婚时，他已年满五十岁，而当初受到伤害不肯放手的莫珊特，离婚后用了不到三年时间，酗酒而亡，他们的儿子也终生与父亲疏离。围绕酒精度日的剧中之人，仿佛真实人生的噩兆。品特的戏剧是苦涩的。
_________________________回复5赞- Lv5《原告证人》由英国编剧阿加莎·克里斯蒂执笔，中文版由上海话剧艺术中心优秀青年导演林奕执导。本轮演出由（按出场顺序）王珏、许承先、李建华、杨溢、吕凉、王维帅、宋忆宁、王肖兵、张羴、王华、吕游、吕贝妮主演，倪昊、曾斌、赵震、刘闯、张文杰、朱海峰、彭塞、冯嘉烨、罗茜、祖永宸、王萧、马京胤联合出演。（演出时间：8月8日-12日）好习惯Lv52018-08-15
导演林奕1982年1月出生于上海，2000年考入上海戏剧学院导演系。并于2004年毕业获得学士学位，同年进入上海话剧艺术中心工作。2007-2009年执导《捕鼠器》，2007-至今执导《无人生还》，2009-2011年执导《侦查》，2009-2012年执导《意外来客》，2010-2013年执导《空幻之屋》，2011-2012年执导《命案回首》，2011-2012年执导《死亡陷阱》，2011-至今执导《原告证人》，2011-2013年执导《蛛网》，2013-2014年执导《Rule Of Three》。
编剧阿加莎·克里斯蒂是一个被誉为“举世公认的侦探小说女王”的英国小说家与剧作家。英国皇家文学会会员，英国女王钦点为“侦探女王”；“不列颠帝国勋章”获得者；埃克赛特大学名誉文学博士；“不列颠帝国女爵士勋章”获得者。因侦探小说成名，一生所获殊荣远远超过其他侦探小说家。她的作品被译成103种文字,在157个国家出版。总印量仅次于《圣经》，并与《圣经》、《莎士比亚戏剧集》同列世界畅销书前三名。她创造出了一个叫“波洛”的小人物式侦探，并凭借这个小人物使侦探小说正式步入正统文学的殿堂。在阿加莎数以万计的仰慕者中不乏显赫的人物，其中包括了英国伊丽莎白女王和法国戴高乐总统。《尼罗河上的惨案》、《东方快车谋杀案》、《阳光下的罪恶》、《捕鼠器》等作品在中国读者和观众脑海中都留下极为深刻的印象，很多作品被改编成了影视剧。
看这部话剧主要是因为有上话的老戏骨们在，所以想看一下他们演绎的经典阿加莎的话剧如何。目前此剧演了7年豆瓣评分8.6分，言归正传讲剧目。（观后感涉及部分剧情，请谨慎阅读！）
故事讲的是1953年的伦敦，老小姐埃米莉·弗伦奇被谋杀。就在前不久她刚刚修改了自己的遗嘱，将巨额财产全部留给了富有魅力的年轻人伦纳德·沃尔。于是，伦纳德理所当然地成了这起谋杀的头号嫌疑人。尽管他一再表明自己的无辜，但事情仍然对他非常不利。唯一能够证明他无罪的证人就是他的妻子，而令他崩溃的是在法庭上他的妻子尽然以原告证人的身份出庭指认他确实犯有谋杀罪。伦纳德几乎陷入了绝境直到一个神秘女人突然出现，向伦纳德的辩护律师皇室法律顾问威尔弗里德爵士出示了一个令人意想不到的证据。处在疑惑中心的威尔弗里德爵士能否解开这不断复杂的谜团？
主要人物：
威尔弗里德·罗巴茨爵士是伦纳德·沃尔的出庭辩护律师，他的辩护水平非常高但却为此案费尽脑筋。
伦纳德·沃尔是杀人嫌疑犯，他坚称自己是清白的但悬疑很大。
罗曼是伦纳德的妻子，她在德国实际并没有真正离婚就跟沃尔以夫妻名义来到了英国定居。
本剧是阿加莎小说改编的剧，历史上曾翻拍成影视剧。1957年比利·怀德版的《控方证人》在豆瓣评分达到9.6分，堪称经典电影。这次和《无人生还》一样舞台剧版和小说版的结局稍有不同，感觉舞台版似乎更加符合普世价值的结局。
吕凉老师称阿加莎的戏逻辑非常严谨，它的人物有着鲜明的个性。同时它的行为有着非常充足的逻辑理由，他觉得最重要的是把这部戏剧中许多逻辑的顺序理清楚。而除了对逻辑的梳理之外，重要的还有对台词的梳理。要准确地表达人物的行为逻辑和人物关系，他觉得这些都是他们事先必须做好充分准备的一些事情。
宋忆宁称六年前他是带着一种不太有安全感的感觉接受了这个角色的，这个戏给她的感觉是它的节奏感非常强。法庭上的戏，你来我往、你一句我一句、如果谁落下一句话，整个戏剧节奏就会拖沓、不严谨或者就不好看了。所以要非常熟悉自己的台词同时要非常熟悉对方的台词，在这方面排练过程中是要做一定功课的。
杨溢称排戏看似好像是大家在那里互相去逗乐，但这只是表象中被看到的东西。其实在深刻当中，你要去理解那些东西。然后把它表现出来，这是一个自己要去和自己抗争的艰难过程。因为不是每一个角色身上的特质都和你本人相似的，这样的合作它不是一个简单的形式化的排练。相反是演员和演员心灵之间的沟通，甚至是让人受益匪浅的一个工作。
这部阿加莎名剧改编的中文版由话剧艺术中心和捕鼠器工作室联合制作出品，演员们配合默契、演技精湛、把人物演的惟妙惟肖。这部戏我的票在二楼11排没有上次看《无人生还》近，所以演出中演员的神态表情没有办法完全看清楚。不过还好上话的几位老戏骨演技一流，音色洪亮有特色辨识度高。而且这次是吕凉和宋忆宁夫妇共同出演，观看他们同台的机会可是不多的。
这部戏大段时间主要在法庭辩论攻防战上，控方律师和辩护律师互不相让。老法官高高在上像是调解适时发表看法的老娘舅，而陪审团们像吃瓜群众看着证人们和律师的发言思考真伪。戏中出庭的几位证人非常有喜感，充分展示了各自的性格特点。
剧中伦纳德·沃尔生活拮据，但是非常讨女人喜欢。无论是律师所的秘书还是已经死去的老小姐埃米莉·弗伦奇都对他印象颇好。他向律师叙述失业原因是雇主对他和其女儿的亲密关系非常不满导致，以上信息把嫌疑人女人缘非常好的特点表达了出来。
凶案的关键线索在于杀人时间、杀人动机、杀人条件三个方面，伦纳德·沃尔在两位律师眼中间接证据非常不利。无论是案发时间、手上的伤和血迹、还有死者的女仆听到伦纳德·沃尔和死者在被杀前有说有笑的声音。以上三点虽然伦纳德·沃尔极力否认，但是没有客观证据证明其说法的真实性。况且只有他妻子罗曼一个人能证明九点二十五分他已经回家，作为妻子有偏袒丈夫的嫌疑很难取信于陪审团。也就是说伦纳德·沃尔嫌疑是最大的，因为他还是死者修改遗嘱后的最大受益人。
反观伦纳德·沃尔的妻子这个从战败德国被带回的女人，对于丈夫被定为杀人嫌疑犯这件事非常淡定。律师称她是不同凡响的女人，她称很清楚丈夫的处境以及知道丈夫做了什么该如何应对。
庭审中控辩双方律师开始围绕证人证词和证物表明凶杀的可能性，难度在于法庭上只能借助客观证据分析而不能主观假设推断。双方间你来我往的辩论非常精彩，当然其中也有些感觉像是通过经验和历史案例的强辩。罗曼的临场倒戈使辩护律师猝不及防，正常人特别是妻子不会冒着作伪证被判刑的风险去信口雌黄说对丈夫不利的话。
下半场的反转和最后的结局出人意料又在情理之中，答案在结尾揭晓且用了不止一次反转。这部戏的重点我觉得是在法庭上的互动，以及推理证据链的过程上。剧中通过人物之口把吃软饭、歧视外国人和女性、昂贵的医疗保险、传统的妻子美德等社会问题都有提及，而且阿加莎又是故意在剧中想混淆观众思路再转折。虽然突然出现的新证据使我已经猜出大概情况，但是多重反转的结局让我感叹阿加莎的逻辑悬疑布局真是高超。
本剧主要得益于演员们的优秀发挥，人物生动有代入感让戏非常逼真。演员有特色的声线感觉像小时候译制片中那些优秀配音演员的声音，整体看完之后觉得是部非常值得观赏的戏。“花红易衰似郎意，水流无限似侬愁。”女性确实会为了感情而智商为零受到蒙蔽，而渣男变心通常都很快甚至根本就没动过情。
剧中很多地方也和《无人生还》等剧一样幽默风趣，同时通过故事对于人性的探讨也非常深刻。相比传统说教的故事，这种峰回路转的悬疑故事更加吸引人且发人深省。满分10分制我打8.5分，下一次讲电影《巨齿鲨》。（欢迎关注我的个人公众号：好习惯吐槽的观后感）7回复12赞 - Lv5由上海话剧艺术中心、天首立文化传播有限公司和上海捕鼠器戏剧工作室联合制作出品的英国经典闹剧《糊涂戏班》，于2018年8月30日至2018年9月9日在美琪大戏院爆笑开演。好习惯Lv52018-09-09
该剧由英国编剧迈克·弗雷恩创作，中文版由上海话剧艺术中心优秀导演贺飓执导。本轮演出由刘婉玲、丁美婷、周纪萌、刘晓靓、贺飓、周子单、虞亮、吕游、王海鹰、刘春峰、郭林、冷野、杨佳薇联合主演。
导演、演员：贺飓，1999年毕业于上海戏剧学院导演系。导演的舞台剧作品有《女人四十》、《难忘的岁月》、《青春情怀》；担任《商鞅》、《正红旗下》、《狗魅Sylvia》、《肮脏的手》、《日出》、《股票的缘分》、《幸福的日子》、《霓虹灯下的哨兵》等剧副导演；担任“第四届中国京剧节开幕式”、“第二十届教师节文艺演出”执行导演。话剧表演作品有《幸福的日子》、《商鞅》、《好爹好娘》、《正红旗下》、《肮脏的手》、《糊涂戏班》、《李尔王》、《乱套了》等。
编剧：迈克·弗雷恩，生于1933年，英国著名小说家、戏剧家。著作甚丰，小说有《锡匠》、《俄文翻译》、《直到早晨过去》、《隐秘至极的私生活》、《登日》、《勇往直前》、《间谍》;剧作有《我俩》、《字母顺序》、《云》、《驴的岁月》、《立与破》、《幕后的喧闹》、《施主》、《哥本哈根》、《民主》;以及哲学著作《人类之手:宇宙造物中我们的角色》。
他著名的剧作有喜剧《傻瓜年代》、《噪音远去》，戏剧《哥本哈根》和《民主》。他的小说代表作则有《一往无前》和《间谍》，他惯于将哲学思考与深刻思想用淡淡的幽默笔调表达出来。其作品将时代背景，情节发展和主人公的心理变化巧妙的融合。使得他的作品受到文学界的好评，获得过很多文学奖。并且多成为畅销书，受到民众欢迎。
他最为人知的剧作，也是很多人认为是他最好的剧作是在1998年上演的《哥本哈根》。除了创作舞台剧剧本之外，弗莱恩还从事剧本的翻译工作。他翻译了安东·契诃夫的四部主要剧作《海鸥》、《万尼亚舅舅》、《三姐妹》和《樱桃园》，以及列夫·托尔斯泰的《启蒙的果实》。他还写了电影剧本《顺时针》以及电视连续剧《做鬼脸》，1990年他写的电影剧本《最早与最终》获得国际艾美奖。
看这部话剧主要是因为是经典名剧，所以去看一下是否精彩。目前该剧豆瓣历史评分8.8分，言归正传讲剧目。（观后感涉及部分剧情，请谨慎阅读！）
剧情简介：
故事讲的是一个糊涂剧团排演《一丝不挂》的故事：第一幕时剧团在为巡回演出前作最后的彩排，场面一片混乱；第二幕是演出的后台，演员大闹意见。台后意外不断发生，造成演出无法正常进行；在最后一幕，演出中乱子层出不穷。眼见演出瞬即崩溃，演员纷纷试图挽救演出。
剧中人物：
朵缇用自己的积蓄投资了本戏，戏中她扮演管家克拉克太太时老是忘词或者忘拿道具。
贝琳达在戏中扮演的是布兰特太太弗拉维娅，虽然演技精湛但是特别喜欢八卦别人的私生活。
盖瑞在戏中扮演的是房产中介罗杰，他平时喜欢话说一半让大家去理解还想法特别多。
塞尔斯在戏中扮演的是小偷，他是一名爱酗酒的老演员且有点耳背。
布鲁克在戏中扮演的是税务局工作人员薇姬，同时又是罗杰的女友。她以前是模特所以表演时老是喜欢凹造型，而且她的隐形眼镜老是容易出状况。
弗莱德在戏中扮演的是逃税的布兰特先生即菲利普，同时还要演阿拉伯酋长的角色。生活中他的老婆和人跑了导致很没有安全感，他还害怕暴力的场景。
罗伊德是这部戏的导演，面临各种状况焦头烂额到吃药的地步。虽然戏很难排，但是他勉为其难协调大家把戏排完。
珀皮是舞台监督负责题词等幕后工作，她是导演的女朋友且感情脆弱。
提姆是助理舞台监督，他负责修门等幕后工作还要兼顾替补演员。
这出经典的三幕闹剧于1982 年首演，一经推出便名声大噪。该剧曾荣获“托尼奖最佳剧本”、“英国戏剧奥利弗奖最佳复排剧本奖”、“英国戏剧奥利弗奖最佳喜剧”等多个奖项，并成为伦敦西区复排次数最多的闹剧。
这次我的票是和以前《无人生还》和《原告证人》同时买的，很幸运这次的座位是一楼一排的当中位置。
就我个人来讲平时业余时间主要是看电影，有时会抽空看舞台剧、音乐会和舞剧。所以能这么近距离看表演非常开心，很多看过的人说很搞笑。这个剧其实就是个戏中戏，把一个剧组的台前幕后发生的故事呈现给观众。
戏中戏《一丝不挂》讲的是布兰特夫妇偷税漏税逃到西班牙，他们偷偷溜回国内的家准备小住。而房产中介工作的罗杰带着税务局工作的女友薇姬到他们家里准备交欢。
两对男女都不知道对方来，女管家克拉克太太被布兰特夫妇要求对他们回国的事守口如瓶。之后还来了一个不知道家里有人的小偷，小偷又和薇姬是父女关系。最后还要来一个和布莱特先生长得很像的阿拉伯酋长来看房子，结尾众人碰面讲出人生哲理带上老咸鱼牌沙丁鱼罐头。
不过这部戏搭舞台用了2天时间，只有一个晚上彩排时间非常紧。而演员们并没有马上进入状态，大家匆忙排完后正式演出时一波未平一波又起。
第一幕很多看过的朋友觉得没有后两幕好笑，甚至显得有点冗余。我觉得第一幕重点是为了反映所有人物的性格特点和关系，同时将戏中戏的剧情交代清楚。排戏时要多次用到沙丁鱼罐头作为道具，由于朵缇老是忘记导致她男友盖瑞对此有情绪。
我们生活中一般看电影时也很讨厌赤裸裸的植入式广告，特别是那种非常突兀表现在剧情中显得关联又不大的广告让人特别反感。不过一些国外的广告其实拍得特别好，比如泰国拍的一些广告。其戏剧性效果很强、感人不生硬，甚至好于我们一些国产片的剧情。
第二幕布景房子180度大反转让观众可以看到后台的故事，快开场前主演朵缇和盖瑞闹矛盾，因为她私下幽会了弗莱德。而导演和布鲁克、珀皮的三角关系又加剧了，加上一些其它误会把后台搞乱套了。这让人想起了找演员潜规则这类事，娱乐圈一直被人诟病比较乱就是因为类似的丑闻太多。
这一幕搞笑的地方在于演出时演员会分心把情绪带上舞台，并导致道具和走台都偏离原来剧本的设计。而且情况是此起彼伏，人物间的互动非常的热闹。引发的一连串舞台事故就像蝴蝶效应，表达了一部戏要做好需要通力配合且不能有任何一个环节掉链子。
第三幕舞台又正面对着观众，演员们之间的矛盾和丑事都已经浮出了水面。这一幕搞笑的地方在于出现意外时如何补台救场，演出中发生的意外很考验演员的随机应变能力。特别在一些综艺节目中主持人会面临到这种困境，比如汪涵和何炅都碰到过类似的局面依靠智慧圆场成功。演员黄渤在电影节上主持回答时的优秀表现也被人称赞高情商，这种快速应变确实很体现个人能力。
整部戏看下来我感觉没有想象当中好看，不过现场基本座无虚席笑声频繁。之前我在看《无人生还》和《原告证人》时的笑是发自肺腑的，而这部戏中很多笑点有点尴。
其实这部戏笑点设计上主要是靠演员来发挥效果，而且更多的是在肢体语言和语气语调上。由于不是靠台词的巧妙来逗笑观众的，所以对于我这种习惯以台词为笑点的观众来说不是很吸引。而且不知道剧本今年是否有所修改，又或者换其他演员来表演效果是否会更好。
剧中人物的走位要借助布景房间的八扇门，进进出出使人物和道具产生交错的喜剧感。本来戏中戏《一丝不挂》剧本设计的很普通，而且演员的台词有点矫揉造作。但是由于演员私人之间的关系以及一些意外导致状况频出，反而无心插柳柳成荫造成了荒诞的闹剧效果。
我在网上看过这部戏的电影版《大人别出声》，片中国外演员的表现非常自然。而本剧为了要让模特出身的布鲁克显得不专业有点蠢，特别给她设计了过多拿腔拿调的台词和搔首弄姿的动作显得太过刻意（盖瑞有时也有这样的问题）。
这部三幕剧当中搞笑的部分主要是由演员关系、演员性格、意外情况而产生的笑料，我个人认为演员的表演要比故事本身更精彩一些。
在这么长的演出时间内大量台词和走位要默契配合很考验演员功力，大量的肢体动作特点让我想起了小时候看过的动画片《猫和老鼠》以及法国明星路易·德·菲奈斯的喜剧电影。
本剧主要是通过互相快速配合故意创造的漏洞来体现故事，比较适合那些喜欢看演员肢体搞笑的观众。
我觉得本剧还是值得一看的，让观众感受到“不怕神一样的对手，就怕猪一样的队友！”而一部优秀的戏剧里剧本、演员、导演、其他幕后工作人员都需要认真对待努力配合，才能让观众看到一部好剧。满分10分制我打8.5分，下一次讲电影《碟中谍6：全面瓦解》。（喜欢看电影和舞台剧的小伙伴可以关注我的个人公众号：好习惯吐槽的观后感）回复3赞 - Lv5《无人生还》由阿加莎·克里斯蒂[英]编剧、中文版由上海话剧艺术中心优秀青年导演林奕执导，上海话剧艺术中心和上海捕鼠器戏剧工作室制作出品。演出由贺坪、付雅雯、李建华、佘晨光/许承先、徐幸、童歆、吕游、王肖兵、王华/王珏、张羴、祖永宸联合主演。舞台结尾版：2018年7月12日-7月13日19:30，7月19日-7月25日19:30，7月28日-7月29日19:30（周一无演出）小说结尾版：7月14日14:00， 7月14日-7月18日19:30、7月26日-7月27日19:30（周一无演出）。好习惯Lv52018-07-23
导演林奕1982年1月出生于上海，2000年考入上海戏剧学院导演系。并于2004年毕业获得学士学位，同年进入上海话剧艺术中心工作。2007-2009年执导《捕鼠器》，2007-至今执导《无人生还》，2009-2011年执导《侦查》，2009-2012年执导《意外来客》，2010-2013年执导《空幻之屋》，2011-2012年执导《命案回首》，2011-2012年执导《死亡陷阱》，2011-至今执导《原告证人》，2011-2013年执导《蛛网》，2013-2014年执导《Rule Of Three》。
编剧阿加莎·克里斯蒂是一个被誉为“举世公认的侦探小说女王”的英国小说家与剧作家。英国皇家文学会会员，英国女王钦点为“侦探女王”；“不列颠帝国勋章”获得者；埃克赛特大学名誉文学博士；“不列颠帝国女爵士勋章”获得者。因侦探小说成名，一生所获殊荣远远超过其他侦探小说家。她的作品被译成103种文字,在157个国家出版。总印量仅次于《圣经》，并与《圣经》、《莎士比亚戏剧集》同列世界畅销书前三名。创造出了一个叫“波洛”的小人物式侦探，并凭借这个小人物使侦探小说正式步入正统文学的殿堂。在阿加莎数以万计的仰慕者中不乏显赫的人物，其中包括了英国女王伊丽莎白女王和法国戴高乐总统。《尼罗河上的惨案》、《东方快车谋杀案》、《阳光下的罪恶》、《捕鼠器》等作品在中国读者和观众脑海中都留下极为深刻的印象，很多作品被改编成了影视剧。
看这部话剧是因为阿加莎的话剧看过几部都觉得不错，这次是上话&捕鼠器工作室联合出品所以去看一下。该剧目前豆瓣评分8.6分，言归正传讲剧目。（观后感涉及部分剧情，请谨慎阅读！）
故事讲的是十个互不相识的人，被富有的欧文先生邀请到了印第安岛上的私人别墅里。晚餐后一个神秘的声音揭开了人们心中所各自隐藏着的可怕秘密，当天晚上年轻的马斯顿先生离奇死去。古老的童谣就像诅咒一样笼罩着所有人，似乎有一双神秘的眼睛在时刻窥视着这场死亡游戏。到访者就像消失的印地安小瓷人一样一个又一个的走向死神密闭的大剧场，孤岛的悬崖别墅被迷雾笼罩。随着剧中人物接二连三地突然死亡，悬念和恐惧向人频频发难将故事和推理慢慢带向高潮。
主要人物：
隆巴德上尉在南非曾参军，在部队遭到围困时自己侥幸逃出让土著手下被敌人所杀。
维拉曾当过家庭教师，当时为了想获得遗产的男友而使男友的小侄子被淹死而没阻止。
瓦格雷夫法官为了利用自身权威对一名有争议的犯人判处死刑，他在别墅里判断谁是凶杀时非常从容不迫。
富家子弟马斯顿平时喜欢飙车，他曾经超速行驶撞死过一对兄妹。
麦肯锡将军因年龄差距大的老婆与手下有私情，利用职务之便派手下去战场送死。
化名戴维斯的前探长布洛尔为了升官发财与匪徒勾结，在法庭上作伪证诬陷别人导致对方在狱中死亡。
神经科医生阿姆斯特朗滴酒不沾，实际上他当年因喝酒导致医疗事故病人死亡才转的科。
老妇人布伦特因循守旧，当年她的年轻女佣与人珠胎暗结后被逼自杀与她有关。
管家罗杰斯和女佣是一对夫妇，他们早年在看护主人时没有及时送医导致东家致死而获得遗产。
《无人生还》这部小说是阿加莎•克里斯蒂本人最钟爱的一部作品，而话剧《无人生还》也是由她本人亲自改写的剧本。自2007年在上海轰动首演后，在全国范围内掀起一股“悬疑热”号称“史上非常恐怖的”的悬疑话剧。在中国上演了300余场，先后在北京、南京、杭州、宁波、苏州、长沙等11个城市进行过巡演。
这部话剧我很早就订了票，位置在第一排偏当中视角还行。演出从19:30演到差不多22:40左右结束，幸好地铁末班车时间还能赶上。作为阿加莎名剧来看的人很多，基本座无虚席。开场时映入眼帘的布景非常逼真，别墅分为客厅、门廊、卧室、厨房、小岛。另外还有酒柜、壁炉、吊灯、落地窗、沙发等一应俱全，看上去非常考究。
故事刚开始时由罗杰斯夫妇交代会有很多客人来到别墅小住，紧接着客人们陆续到来。每个人物出场举手投足和说话间都透露出各自的性格，其中隆巴德和维拉关系很密切。
来的人都是收到了欧文先生各种理由的邀请，实际上根本没有欧文夫妇。开始大家只是觉得主人不来有点不地道，之后唱片机里有人控诉来访的每个人的罪行。从这里开始透露了请大家来到别墅动机不单纯，而富二代马斯顿意外身亡后表明并不是恶作剧而是早已布局的阴谋。
在马斯顿死亡时伴随着一个印第安小瓷人的损毁，而墙上的十个印第安小男孩的童谣预示着所有人死亡的形式。所有人对于曝光自己的黑历史都矢口否认或者有自己正当的理由，其实马斯顿被杀后大家心中还是很忐忑的。但是无法确定谁是罪犯，所以大家互相猜忌。
瓦格雷夫法官牵头帮助大家抽丝剥茧分析罪犯，首先询问大家收到的邀请函的内容。通过内容发现凶手对于大家比较熟悉，可是大家对于凶手没有丝毫印象。之后在几个主人公之间的谈话中慢慢揭示了彼此的黑历史，所有人都直接或间接背负人命。
这里我有个疑问，凶杀不认识当事人是从何渠道获知这些人的罪行的？还有证据是否确凿呢？如果证据不充分这种谋杀就不能算是替天行道了。事实上很多影视剧和小说里都提到过有些人虽然犯了罪，但是没有证据抓他们而让他们逍遥法外。美国电影里很多主角对付坏人基本都是受害后报仇，或有确切渠道了解罪犯详细的罪行后出手。而此剧中幕后黑手我估计他搜集的信息有限，像隆巴德上尉、维拉小姐等间接致人死亡的罪行很难取证只有当事人自己清楚。所以说法律虽然有其局限性，但依靠证据判案总好过靠猜测在法外处理要好。
在一个个当事人接连神秘遇害后大家陆续交代了自己的罪过，有忏悔也有死不悔改的。这并非都是良心发现，而是面临死亡产生的恐惧而做的辩解。这些辩解只是想表明自己罪不至死，或者只是一时疏忽。凶手并没有因此发善心戛然而止，而是继续按照童谣上的次序一个个除掉每个人。通过每个人罪行可以看出其实很多人没有亲自动手杀害别人，比如借刀杀人或者玩忽职守等形式。这些人的罪行如果按法律判即使证据确凿很多确实罪不至死，幕后凶杀有点量刑过重了。话说回来，如果是正常人确实不会以密室凶杀的模式来彰显为民除害。
在最后部分所剩人数不多的情况下，大家互相盯得更紧而凶手的机会更小。如何在确定凶手就在大家当中的情况下动手成为了一大悬疑，这里容易肚子饿的布洛尔出了不少笑料。而房间断电后点了蜡烛增加了恐怖的气氛和惊悚的味道，观众们都在屏气凝神的观察台上的进展。
我们常说：“害人之心不可有，防人之心不可无！”人与人之间的信任在陌生人间有时很脆弱，比如那些碰瓷的老人多了很多人见到老人摔倒都不敢扶。这里除了坏人变老了的问题外也说明法制上对于此种问题还需完善，避免人心惶惶谁都不敢做好事。电影《心理罪之城市之光》中的反派江亚就以暴制暴，其中有个小女孩做好事反而被讹就是体现了这种问题。
最后部分只剩两人时这种互相猜忌更加严重，当然也是凶手希望看到的。至于最后谁是凶手就不剧透了（瓦格雷夫法官谢幕时提醒我们不能说），我看的舞台结尾版结局和小说结尾版不同。
阿加莎的剧我觉得好看的地方就是在这种悬疑和惊悚气氛相结合的地方，她提供了一定的线索给观众去揣测人物的动机和下一步行动。而且就算是你知道剧情的情况下，演员们的表现互动依旧感觉很出彩。加上《无人生还》有两个版本，阿加莎自己编两个版本的结局不同效果也不同。
我个人感觉这部话剧非常好看，虽然我坐在第一排但是真没发现凶手是何时动手的。其他观众可能和我一样好奇每个人的死法如何与童谣相符，以及凶手到底是谁。本剧的布景、音效、灯光都设计的不错，把恐怖的气氛以及不同的天气和时间逼真地还原。
演员们演技都发挥不错，使人物有血有肉十分饱满。每个演员的肢体语言和音色神态都惟妙惟肖，把人物的恐惧和互相猜疑体现得淋漓尽致。喜剧效果的部分主要由阿姆斯特朗医生、探长布罗尔、上尉隆巴德包办，恐怖效果部分由前家庭教师维拉负责。
这部反映人性的密室凶杀悬疑剧常演不衰主要就是依靠这些优秀演员精湛地演技吸引观众的，我个人强烈推荐大家有机会去看一下。满分10分制我打9分，下一次讲电影《兄弟班》。12回复20赞 
Lv4爱情故事大抵有这么三类：情投意合型，天上人间共缠绵；争执不休型，谁爱谁多一点；暗恋单恋型，我在你面前而你不知道我爱你。沧海遗珠Lv42017-08-28
第三种就是歌德早在十九世纪提出的 “我爱你，与你无关”。徐静蕾拿这种维特式的爱情观大作文章，拍了部电影。这句话让很多半吊子文青中了毒。
半吊子文青是指那种热爱艺术，热爱读书，却又不怎么懂艺术，也没读过多少书的人。但很不幸他们看了《一个陌生女人的来信》。然而如今，孟京辉才是得了茨威格的真意：“我爱你，但与你无关 ” ？——少来，爱一个人不就是想和ta有点儿关系么。
就文本来说，回来跟豆瓣上浏览完所有的短评，发现很多观众拿这个戏和原著对比， “完全不是原著中淡然饱含深情的印象”、“茨威格笔下的女人是沉默和隐忍的，即使至死心中也只有爱而毫无怨言，不求回报 ” “原著的克制呢？孟京辉真是放纵，对不住茨威格” ……这些人大概就是我开头说的 “半吊子文青” ，只看过徐静蕾的电影受了误导，徐版是叙事冷淡抽离来着，不过原著里的女人，还就真是个不折不扣的怨妇，毕竟沉默不代表隐忍（我嘴上叨逼叨逼叨说我不求回报才是真心求回报的典型，各位！请去谈恋爱！谈完回来感受一下！），相反，我觉得孟京辉的剧本刚好道出了女主歇斯底里的本质。
书中，女主反复强调自己爱得有多么无私纯洁，她在信中反复说什么 “我永远也不会责怪你，不会的，我只会永远感谢你，我不责怪你，我爱你就是爱你这个样子”、“我不是责怪你，我亲爱的，我不责怪你 ”、“可是我并不抱怨” 、“我不怪你，我向你发誓，我从来也没有对你生过气、发过火 ”……似乎是这厢无论如何都在爱着那个作家，并不要求他有所回报，但另一方面，信中随处充斥着怨艾的情绪，女主始终在等待着她被作家认出来，等这份真爱被作家认识接受。
这么强烈的爱情，其实是一种 “饮鸩止渴” 的心理：我要付出，默默付出，无止境付出，总有一天，也许你会发现我的爱。哦，你还没发现吗？你还没有回头看我吗？那我加倍地、加倍地爱你，思念你吧。也许我再努力一点，你就会回头。
好吧，这固然与她偏执的性格和 “得不到的越想要” 的心理有关，但从心理学的角度来说, 也与她从小就缺失父爱有关。心理学上，按照弗洛伊德的观点，人在童年时期，父爱或母爱的缺失会使他在以后的生活中不停地寻找父亲或母亲的替代品，形成某种恋父或恋母情结，而这种依恋的对象一旦找到，他们对所依恋的对象就会有严重的依赖心理：一方面他们非常脆弱，另一方面又会非常偏执，甚至有自虐的倾向（如独白：【一离开你，我就不愿意高高兴兴地活】，又如：【我的继父对我很好，我的母亲对我很好，所有人都对我很好，我也过得很好，但是没有你的世界里，我不愿让自己过得好。】）
对照茨威格的这个故事背景呢，女主人公的父爱的确是缺位的。直到十三岁她遇到作家（原著是R先生，话剧改成W先生，也是，总不能一口一个 “二先生” 、“爱先生”的 XD）。这个形象恰好又符合了青春期少女心目中男性的特点。她对作家的爱情，实际上又包含了一个十三岁的小女孩对于父爱的渴求。
所以不难解释，为什么对作家的风流她不是一概地予以否定。 “我爱的就是这样的你” ，这可不是正常的情人应有的吃醋和不满，反倒更像一个十三岁的女孩对一个风流潇洒的父亲的欣赏。她信中流露出时而怨恨时而自制的情绪，在不停的哀怨倾诉，又时时说 “我不怨你” ，其实是因为对于一个处于弱势地位的孩子来说，一个强大的父亲的形象是不能怨恨的，她只能等着父亲来爱她。
至于有的人觉得女主太过极端，或者话剧太激越......我不习惯评判爱的对错愚蠢与否，这方面我态度一直算是温柔，女主有女主的道理，茨威格有茨威格的道理，孟京辉也有孟京辉的道理，艺术品有其自己的一套艺术生态，存在即合理，犯不上事事都得立flag。
值得一提的是，十五年后，最后一次，作家跟身为少妇的她上床也没能认出她，反而是事后临走，作家的老仆人认出来了。 “他（老仆人）哆嗦着，惊慌失措地抬眼看我——他在这一秒钟里对我的了解比你一辈子对我的了解还多” 。是哦，整个世界都看到了，为什么我深爱着的你没有呢。其中苦楚酸涩，是说不出来的，然而只有说不出来的苦楚酸涩才为之苦楚，为之酸涩。反正，世上多的是无可奈何。
就演出来说，是极佳的感官体验。
第十次蜂巢剧场 ，第一次看独角戏。可能是我预期值太低，也可能是《犀牛》里黄湘丽的角色太不讨喜，对于这部戏，我甚至做好了一切吐槽的准备，把它看作只是簋街一顿夜宵的普通前奏，或是沉闷生活的一场沉闷演出。可是整场下来，叫人禁不住拍案。
听觉方面，黄湘丽自编自弹自唱，虽然孟导的演员咬起台词都差不多一个味儿，拧巴拧巴可以出汁水的矫情，但是这次的惊喜是叫床，娇喘细细，勾人心魄，在场每根汗毛都竖起来，精神也随之高度紧张，女主的高潮可谓也是观众的高潮；
嗅觉方面，是酸涩柠檬、十三分熟的牛排香（真没想到过居然真的会把厨房带进剧场，真是大胆夸张，用红酒表现自杀的鲜血什么的，说真的红酒应该挺便宜）；
视觉方面，动作肢体准确到位，几乎没有破绽，恰当的走位是很重要的，因为会投影表现出来影子，光影交错。又及，我身边的摩羯男说他数了，其间脱内裤脱了七条，扔枕头二十来次。体力活真的很辛苦。
于是回想起进场前，娴姐姐看到《两只狗》的宣传明信片，问我这部戏怎么样，我想了一下，只好说了这么一句：“反正挺好的，就是后现代的那种风格。” ——是，对于蜂巢剧场所有的戏，都可以用“ 后现代 ”来概括。后现代，癫狂的，先锋，实验，表现形式多样，声光电色香味。而且这部是独角戏，说到这个我想起刘晓晔老师出演的《希特勒》，他当时是一人占了九成的戏份，让人折腰，跟《陌生女人》这里，黄湘丽却是实实在在的一人独挑大梁，真正的独角，怎么能不感慨于演员的才华呢。
看完话剧走在东直门的夜里，风一吹冷得刺骨，就跟半年前，一年前，两年前一模一样。
反正世上多的是无可奈何。1回复15赞- Lv4也许是因为白天睡多了晚上睡不着，天将破晓，人仍然清醒不想睡去，所以来写点东西。沧海遗珠Lv42017-08-25
这个长假说真的没干什么事情，基本就是在家睡觉和收拾东西，而且还未见成果。唯一感到高兴的是没有错过《罗密欧与茱丽叶》这出音乐剧。早就看到了，但是一直没有买，理由也很奇怪：因为封面上的演员太年轻了，不符合我的期待。而且一开始我以为这是一出美国的音乐剧，而未曾料到是法国的。
这不涉及偏见，法国的音乐剧绝对要好于美国的。尽管美国有韦伯在撑腰，和百老汇那么长的演出传统。但是法国有他自己的戏剧优势，从舞台到编剧到演唱到舞蹈到整体氛围，我觉得都比美国的音乐局具备更大的气魄，以及更具有戏剧感。看JCS 2K的时候我佩服韦伯的构思，看歌剧魅影的时候我觉得歌曲真的很好听，但是在看巴黎圣母院的时候我才会觉得心碎，在听到《世界之王》的时候我才会感到热血沸腾脚跟发痒。
来做个流水账式的记录。
上半场
1、Ouverture／序曲
很优美的开头，在红色的波动中字幕错落有致地渐入渐出。介绍序幕的是一个很沉着有磁性的声音，正投我所好。不管齐威的翻译正确与否，至少韵律很美。就好象莎士比亚会用十四行诗去揭示一个故事的开头。
2、Verona／维洛那
我记得罗密欧与茱丽叶的故事是发生在锡耶那，这一上来就改了个地方，但是并未引起任何不快。这是一首为开场气氛定调的歌，也是在看视频前听到CD时，一上来就抓住我的曲子。演唱者是维洛那的统治者，王子。声音很有威严，而且极度理智。他说欢迎我想你见多识广，不管出于什么原因也好，我欢迎你来到维洛那。这里和其他的城市一样，不好也不坏。我们的花园繁花似锦，我们的女子貌美如花，但是这里没有爱情，只有两大阵营互相仇恨。
开场的打光，是两束强光打在代表蒙太古和卡布莱特两大家族的年轻舞者身上，前者靛蓝，后者赤红。但是在这一场里最吸引我注意的是两个没有开口唱歌的人物，一个是站在高台上阴冷地看着全场的白衣舞者，看她的所在马上就理解到这是死神。死神的衣服是半透明的白纱，从胳膊上长长地垂下来。镜头一放慢，就显得身影飘渺恍如幽灵。另一个是卡布莱特家族的哑女，她是唯一不开口只用舞蹈表达情绪的一个，神色一直显得很悲哀。在生气勃勃而舞蹈强劲的众人中，显得尤为珍贵。
这段歌唱完之后，王子转身离去的时候，有一场一舞蹈表现的乱斗。死神幸灾乐祸地看着人群，直至王子发怒道禁止乱斗才悻悻收手。
这首歌曲在画面安排上做得更好的是MTV，等于是用时装版的方式把整个剧情凝缩在5分钟不到的时间里。而贯穿整体的命运感用王子与白发苍苍的死神的对弈来表现。几乎整场都可以看到两大家族相互怒视的凝固场面，只有罗密欧与茱丽叶这一对在人群的中心眉来眼去的互吐衷情，画面感是非常漂亮的。
3、La haine／恨
这一首是两位夫人大放光彩的时候。蒙太古夫人和卡布莱特夫人站在高台上，唱着我们这里只有仇恨，我恨这样。你们把互相仇恨当作了唯一的乐趣，连欢娱都忘记了，为何不听听女人们的意见。而台下是两家的年轻人的恶斗，动作幅度非常大，几乎有可以看到把人的脑袋往地上敲的动作。
两位夫人的衣服都做出了宽大的袍袖，一抬手存在感是很强的。卡布莱特夫人的外型相当时尚，声音比较强势。而蒙太古夫人的声音偏沙哑，从歌词表现上来说她更加憎恶争斗，因此显得比较弱势。
最后到两为夫人合唱的那时候，舞台上打出了棋盘格一般的灯光，舞者各就其位，形态各异颇有种万花筒般的世界的感觉。
4、Un Jour／有一天
最可爱的人物：班伏里奥出场！
这家伙实在是太可爱了，一开始被蒙太古夫人问罗密欧在哪里，转个身就碎碎念：班伏里奥做这个班伏里奥做那个，我怎么知道罗密欧在哪里，我又不是他妈……orz，笑倒。
闲话少提，这首歌是描述两位主角对爱情的期待。整个场景在一层纱后。罗密欧在城内徘徊，茱丽叶在高台上自己的闺房内抱着枕头幻想，很抒情的曲子。
演出音乐剧的两个演员都非常小啊。罗密欧在演出的时候才19岁（可能还不到），声音很干净，以至于我看到后来花絮里提到他是在替补巴黎圣母院里的腓比斯一角的时候，我都怀疑他这种干净的声音怎么去唱那种强势的角色。而茱丽叶更小，演出的时候应该不到17岁！声音只可以用纯净来形容……素质非常好。巴黎圣母院里的百合就已经让我冷汗过一次，那么小的演员把那种嫉妒愤恨的感觉表达得绘形绘色，看到这位就只有叹服了。声音皮肤和表情都明净亮丽，好想啃一啃……
5、La Demande en Marige／求婚
然后是帕里斯伯爵登场……穿得金光闪闪地带着花来求婚。这位伯爵的声音有那种花花公子的素质，长相却让我觉得一直晕晕忽忽地没睡醒。不过他做事倒是满清醒的，上来就是对卡布莱特夫人大献殷勤，还信誓旦旦地说我有王子国王撑腰，你们有债我来还，什么都不用担心。这个……貌似卡布莱特家并不缺钱吧……
这场里几个人的表演都很有看头，卡布莱特夫人对帕里斯非常欢迎，立刻就要人把花拿去给女儿；卡布莱特伯爵的恋女本性立刻表现，满口都是我女儿还太小太温柔，别急别急，现在我不能答应你。笑。最有看头的是提尔伯特，这场按理说应该说没他的份，但是帕里斯一来就慌了神，到处抓人问这是谁，非常不满的样子。而关键人物茱丽叶还在抱枕头幻想，她的表姐们把她拖去偷看求婚者的时候立刻变了脸色退开了。
帕里斯自报年龄30，而原剧本里茱丽叶只有14岁。所以看到这里的时候我不由得想：这边的求婚都被认为正常到不能再正常，而理智与情感里那位还要计算35岁和19岁的差异……果然是国情不同啊～～～
6、Tu Dois te Marier／你该结婚
最喜欢的场景之一。而且是我和朋友都最喜欢的场景之一。
主题是劝茱丽叶开始考虑结婚了，结果卡布莱特夫人上来就说“你爸已经不爱我了”orz，她的说辞是反正男人都这样，你也就别幻想了吧。我们的茱丽叶小姐自然被教导得不耐烦，偷偷地看阳台下的提尔伯特在做什么。紧跟着上来的奶妈说辞又换了个调，说是男人多脆弱多好。看卡布莱特夫人和奶妈意见针锋相对还一起劝茱丽叶结婚真是有趣。茱丽叶夹在两个人中间，一副乖乖女听从教诲的样子，趁着奶妈不注意却偷偷撩开她的袖子跟表姐们打手势，可爱到不行。
哑女在这场里看出是站在茱丽叶这边的了，非常不失时机地把舞会礼服送上来，立刻就把卡布莱特夫人的注意力给吸引走了。这边茱丽叶说自己要爱情也要婚姻，把奶妈气得骂她说你这任性的小孩啊～～～
这场就是弦乐鼓点配合出来的女士们的主场，活泼又幽默，让人想不发笑都难。
7、Les Rois du Monde／世界之王
主题曲！
错……不是主题曲（汗一个）。但是这首曲子非常振奋人心，所以我们喜爱它远远超过主题曲。
我接触罗密欧与茱丽叶这出音乐剧的第一个视频就是世界之王的MTV，然后才想起来要看这部片子的。这首歌受欢迎的程度也可以从观众反应窥得一斑，前奏出现的时候那个叫满场掌声啊，观众都集体合着拍子鼓掌。
这个曲子开场是说蒙太古家的人到处在找罗密欧、墨古修、班伏里奥这三个年轻人，却怎么也找不到他们。正在四处寻问的时候，三个年轻人踩着鼓点意气风发地出场了。
三个歌者也好，这首歌本身也好，给人的印象可以用一个词来形容“年轻无敌”。当真就是年轻无敌了，三个小鬼完全无视权力者，自信满满地说：我们才是世界之王。你那位于高处的人有什么好，我们才是活着。看他们打斗玩耍，自如地游走在女人之中，十足青春逼人，让人连嫉妒的心都有了 -___-b
8、J'ai Peur／我怕
罗密欧的内心独白。说是这个年轻人害怕死去更害怕活着。这大概是所有作品加深主人公深度的方法。
看完这一场之后，这个罗密欧给我一种玻璃塔内天真脆弱的小孩的印象。甚至整场死神缠绕着他的舞蹈，都让我怀疑是不是因为他自己对于死亡和生命抱有怀疑才招致死神如影相随。
9、Le Bal 1／舞会1
这是我个人最喜欢的场景之二。基本上没有歌词，可谓是群像表演。在这场里编舞者的功力就看出来了，细节方面实在让人叹服。
首先是墨古修和班伏里奥上来拍罗密欧说你别那么忧伤了，跟我们去参加舞会吧。班伏里奥跳着碎步示意的样子太可爱了……随后他们喊人给罗密欧也拿来了舞会的衣服，然后是个人的定妆。这一场里蒙太古的人穿的都是紫色或者七彩的衣服，但是保留了蓝色的裤子或裙里，是服装设计上的用心之处。
定妆的镜头里，给罗密欧披上衣服的是死神。而其后当所有人都绕过前台的道具进入舞会的时候，只有死神是大大方方走到舞台中央拂开道具显现出整个舞台，光明正大走进去的。
舞会场景很大，要我来说女性的主场太强了，汗一个。
茱丽叶是被卡布莱特夫人和提尔伯特牵上场的，马上就被她母亲牵给了帕里斯。茱丽叶开始很困惑的样子，但是后来还是跳得很高兴。而后交换舞伴的时候，我就怀疑提尔伯特是故意的了……他换过去就是和茱丽叶跳，而且跳的时间还很长。帕里斯这时候也没闲着，被卡布莱特家女人诱去跳舞，后来才发现这人大概是提尔伯特的情人。
再后来卡布莱特夫人又把茱丽叶牵去给帕里斯一次，这时茱丽叶明显就是不快了。但是马上有杂技表演冲开了两人，茱丽叶跑去和她的表姐说话。她跟哑女打手势说到半截被提尔伯特拖去跳舞，又被卡布莱特夫人抓出去教训……感觉这是场让她目不暇接的舞会。只有她没有带面具，一身白衣如月光，天真地高兴，努力地找自己认识的人。
卡布莱特夫人显然是玩得最High的一个，完全是女王待遇……
墨古修起先站在一边发了一会儿呆，被死神吹了一脖子风打了个冷战才回过神来，考虑到后面他是最先死的一个，这里应该是说他对于死亡的预感吧。
然后那场舞蹈让我非常汗……女士们把男士们当马骑……茱丽叶在骑马的时候死神一直在旁边照拂，而提尔伯特也没跟人去跳舞，一直在跟茱丽叶说话以及玩她的头发。
罗密欧一直不合群，在场中跌跌撞撞，以至于还惹怒了他的舞伴，一个蒙太古家的女孩。在茱丽叶某次被拖去跳舞的时候，他和茱丽叶有一个照面，然后马上舞场边去问这女孩是谁。在那场骑马的舞蹈时就一直坐在一边的台阶上看着她。
老实说这场舞会我至少看了四遍才看出这些细节……然后不得不叹服编舞的精巧。他们营造了一个狂欢式的舞会，然后还顾及了每个人的立场和身份，太强悍了。
10、L'Amour Heureux／欢娱之爱
这首是讲述罗米欧和茱丽叶的一见钟情。罗密欧摘了面具，全场灯光转暗，两束强光追在两个主人公身上。
听热闹的舞会听到半路突然刹住来这样一首抒情曲，感觉好象是热血澎湃时突然看到一眼清泉，那种落差非常奇妙……从茱丽叶不自觉地退走到两个人在人群见渐渐接近到走在一起……
前场的舞蹈歌者们是一起跳的，舞蹈非常激烈，我还在想这让人怎么唱啊……结果果然是没跳的罗密欧先开了口。
另外，这首歌的背景里卡布莱特夫人对她丈夫不依不舍的舞蹈也很有看头。
11、Le Bal 2／舞会2
舞会的继续。卡布莱特夫人看到女儿和不认识的男人吻在一起，马上推开了他们两个，然后认出了罗密欧。可怜的班伏里奥跑上去劝架，被罗密欧一把掀了面具。他这头还在对卡布莱特夫人赔着笑脸，转头马上就不爽地骂开了……要我说他还真是很惨……
到这里的时候所有人都把面具取掉了。卡布莱特夫人还不忘记把女儿带去给帕里斯伯爵认识一下。而提尔伯特显然有开打的架势。
随即就是甩着流星坠的年轻人上场，一副要开打的架势。舞蹈还在继续，看得我一身冷汗，觉得危险无比。
茱丽叶满场找人问那男孩的身份，她母亲不回答她，找到奶妈才知道那是她家世仇的儿子。然后舞会音乐以茱丽叶的一声“不”的尖叫嘎然而止，全场凝固，灯光暗淡，只有两束追光打在伸出手去想抓住什么的茱丽叶和被死神照拂的罗密欧身上。
12、C'est Pas ma Faute／非我之错
我对于这里为什么会加入提尔伯特的独唱觉得奇怪，虽然这是了解他这个人物的切入点。要说起来的话，可能是为了布置场景以及让其他演员得到休息才安排了这么一场吧。不过对于提尔伯特来说就太苛刻了。
提尔伯特暴力自私，所有男人都不放心让女人接近她。他说自己孤单，又对别人施以暴力，也知道是家庭之错。
提尔伯特的这个歌者，我觉得他说话鼻音太重，但是唱起歌来却很清晰，而且嗓音也属于比较干净高亢的那种。有一两个的舞者始终在他身边，抚慰他又被他伤害。
13、Le Poete ／诗人
基本上是重看的时候会被我跳过的一段……
说是卡布莱特家有个不被理解的诗人，在发牢骚的时候茱丽叶向他询问爱情的感觉。算是个过场。
茱丽叶居然能说出天主啊原谅我，我背叛了父亲，但即使他动怒也不怕的时候，我在想这丫头真强悍啊。
14、Le Balcon／阳台
著名的阳台一场，笑，连实物都还在呢。
起头是罗密欧花园里晃悠，突然听到茱丽叶的声音，就躲到人家阳台底下去偷听了。Orz这不厚道的。
这场的茱丽叶可爱到爆，倾吐完衷情之后支着下巴眼神梦幻地趴在阳台上yy，听到罗密欧的声音后突然清醒过来扒着阳台四处张望的样子实在是太可爱了！而相比之下罗密欧唱了两句之后才坏笑地从阳台底下走出来，这简直就是更高一层的不厚道啊……
不过茱丽叶也是，前一分钟还想人家想到死，转头人家爬上来求婚了，马上就问：“你以前还对多少人这样说过？”
——这个这个，也是看到要拍桌的情节。
15、Par Amour／以爱之名
这场是我第一次看的时候几乎略了过去，但是越看越在意的一场。
一开始是提尔伯特上来大发脾气，别人问他怎么了，只有跟在他身边的女人说：你别想得到茱丽叶的心，放弃吧。结果被他抓住蒙太古家的女人殴打泄愤。
前台闹成这样，慢慢展现出来的后台是罗密欧好象小狗一样缠着劳伦修士说我爱她我爱她。修士估计也是见多吧，一边忙活一边随口应着说好吧好吧你这次又爱谁爱成这样。
但是当罗密欧说出爱的是卡布莱特家女儿的时候，气氛就变了。劳伦修士放下手里的事专心对着罗密欧，“以爱之名”的主题静静扬起。修士不赞成他们的爱情，罗密欧和背景高台上茱丽叶的合唱则一直在劝说他。说到后来罗密欧恼火地说你爱的是天主怎么能理解我们，他跪下来求修士说你要付出什么代价都行，求你给我们主持婚礼。你可以看到我们顺从地跪在你面前，你看我们如落单在狼群中的羊。
这一段从单纯的钢琴音色，渐渐切换到鼓点、号和弦乐的复杂和音。到劳伦修士也无话可说，跪到圣像前划十字的时候，我突然起了一阵战栗，几乎可以看到这个人物的挣扎和悲剧的展开。一方面是罗密欧和茱丽叶纯净到美好，一方面是劳伦修士几乎沉重的犹豫。我以前一直很看轻莎士比亚的这出戏剧，从这里一场开始不能不改变我十数年来的观点。
16、Les Beaux，Les Laids／美与丑
这场是说茱丽叶等不及了要奶妈去打探消息。奶妈派了哑女去找罗密欧，却遭到蒙太古家人的戏弄。奶妈上去斥责他们，结果被墨古修和班伏里奥好一顿嘲弄。
奶妈是以那种胖胖的大妈形象出场的，看墨古修和班伏里奥背后嘲笑算计她那一场觉得非常真实……因为知道年轻人看待年长者的眼光有时候是非常残酷的。歌曲的主题是无论美丑所具备的心是一样的，看这一场的时候觉得奶妈真是很有勇气，由此可见她是非常爱自己养大的女孩的。
哑女被欺负得好惨，叹气。
罗密欧和奶妈悄悄话的时候墨古修和班伏里奥凑上去偷听……也是巨有现实感的场景orz
17、Et Voila Qu'Elle Aime／她正沉醉爱河
奶妈让哑女回去报信，自己的一段独白。
这里显示出奶妈的好唱工，果然嗓子和体积是有关系的么 = =b
慈祥的母亲大概就是这样的吧，年轻的女孩说自己恋爱了，猛然发现她已经不是小孩子了。她唱道夫人说茱丽叶是“我的女儿”时，她想说这是“我们的女儿啊”。她责问女人为何只想着讨自己丈夫欢心而忘记自己的孩子已经成年，茱丽叶并不在意她，但只有她为她担心，愿意一生陪在她身边。
奶妈在原剧中的角色感非常淡薄。如果没有这一场，她几乎要沦为一个笑角。但是这是让人看着心酸又欣慰的一场。应该说，这是导演强迫观众去思考的一个方面，但也是非常好的一个方面。
18、Aimer／爱
婚礼。
这首歌才是主题曲，一直贯穿到剧终的曲子。可惜的是我从来对抒情的东西感冒不多，所以虽然承认这是一首好歌，但并不能说是太喜欢。
布景是在教堂，罗密欧白衣翩翩，一露面的时候简直让人心动。这个演员在我眼里完全不帅，但是他那种天然呆又调皮的神情给我一种相当性感的印象，以至于我完全认同了这个角色。
茱丽叶出场的时候是一件浅红的外套，走上婚坛的时候脱去外套，是一件淡金色的纱裙。这两个孩子在一场里完全脱离了家族纷争。要说是足够庄严也足够柔情的一场……如果没有死神相伴的话。1回复17赞 - Lv4好看，美爆，安利，如果来不及去看现场，那也可以找出官摄来看一看，真的精彩。汤老湿在路上👾Lv42019-05-12
舞美
不像法扎一样浮华绚烂，但是我却觉得美于法扎。
整部格局从头到尾设计都非常简单，没有大布置，大部分道具都融入了演绎本身，由角色自行带入场中，但又不突兀，反而能更灵活运用为角色表演的一部分。道具和服装从头到尾都有一种俄罗斯的浪漫主义美感，质朴，抽象，苍白，唯美，配上神仙构图，竟然将普希金原诗中那种抽象却令人心碎的感觉完美还原了。less is more，意境上取胜了。
很多幕都可以单独拿出来夸。
比如最经典那幕少女们穿着雪白的裙子坐上秋千，缓缓在舞台上升起，风吹动她们雪白的裙摆，白雪飘飘，感觉她们神圣得仿佛歌唱爱情的天使，但她们每个人脸上那种悲哀的神情，又仿佛哭诉着爱情悲剧的幽灵。配合着舞台最后面神奇的镜子幕布，倒影与现实，有种浮生若梦的感觉。
再比如我个人非常喜欢的连司机连斯基死去的那一幕。
我非常喜欢这版连斯基，不只演员极其帅，而且实在是太可爱太鲜活了[说到底只是个被爱情冲昏头脑的傻白甜青年啊，到底做错了什么要被渣男射并不]
而当炽热的灵魂凋落，他背对着我们半裸着坐在大雪中死去，他的腰微微的弯着，曲线柔软宛如沉寂的希腊雕塑。枪鸣，死寂，随着音乐的爆开，雪落下来了，覆盖了他的头发，落满了他的身体。他是那么纯白，那么孤独。而舞台的中间，中年连斯基沉默的看着另一个死去的自己，而右侧，是崩溃的爱人奥尔加[构图绝了]。
不只是我，现场观众全场最喜欢的除了塔季扬娜，就是这对傻白甜情侣了，所以谢幕的时候他们的呼声最大。连斯基刚到村子就将代表着他的爱情的手风琴交给了这个可爱的跳脱的姑娘，他们唱着“银白色的月光下”，在每一个场景里亲密地挨在一起。他的心就好像那架开开合合的手风琴，永远鼓动着生命的节拍。直到他去世，年轻的爱人被迫带上头纱，被挽起手臂，被夺下唯一留下的手风琴，被一步一步拖走。
悲哀，但是好美。果然人类的美学都是建立在别人痛苦的压榨上。
还有很多场景的小细节部分也可圈可点。
比如塔季扬娜的信被撕碎后，老年奥涅金小心地用玻璃框将它复原，那忧郁又温柔的神情，暴露了他对少女深藏心底的眷恋，而轻骑兵和老年连斯基也凑过了看碎掉的信的时候，那一瞬间的寂静，三个老大叔的手足无措，很可爱。
再比如，连斯基跟奥涅金对决的时候，枪原本在老年奥涅金手中，在说完诸多未来的懊悔之后，年轻的奥涅金一把抢过枪，对准连斯基毫不犹豫地开枪，了解故事结局的老年奥涅金的沉痛与深陷故事当局者迷的年轻奥涅金的冷酷形成对比，始终不愿将枪口对准奥涅金的连斯基与从始至终用枪指着连斯基的奥涅金也形成对比，最后再由奥涅金说出失魂落魄和“悲伤使旅行和自由都失去颜色”。
再比如，连斯基跟奥涅金对决前，连斯基遭受背叛痛苦无比，又不敢相信，在奥涅金台词的部分，自己一个人默默去墙角塔季扬娜的信前抵着头站着，可爱爆了。
还有塔季扬娜偷吃果酱之前，先轻轻吹掉了盖子上的雪，这样小的一个细节，也十分可爱。
当然，除了上面这些，我最喜欢的场景，无出其右，必定还要是塔季扬娜那幕“床戏”。
初见奥涅金之后，芳心暗许又懵懂悸动的塔季扬娜彻夜难眠，她在床上疯狂地翻滚喊叫，身体折成痛苦的直角，带着巨大的惶恐和愤怒地砸枕头，下一秒却又狂喜地跑跳，恨不得呼号奔告。爱情的力量使她力大无穷，她拖着床到处奔跑，抱着奶妈求她讲年轻的爱情，却又一句也听不进去，原因只是一句来自少女灵魂最深处的呼喊——“我恋爱了！”
这一幕真的经典，明明是幸福的，是饱含快乐的糖果，甚至带着点滑稽的小可爱，但是不只是我，在场很多人看到这幕都落泪了。那一瞬间，所有人都被这样一个理想化的人格感动了，为纯粹的爱情潸然泪下。那一瞬间我也彻底明白了为什么很多人说塔季扬娜是全俄罗斯最可爱的理想，是俄罗斯式乃至全人类美好爱情最纯真的写真。一个少女的人性独白，一个少女的文化侧写。
当然也不是没有缺点。
缺点就是奥涅金作为主角的魅力有点不够。
作为文学界三大渣男[奥涅金、于连、贾宝玉]的代表，奥涅金是残酷而复杂的，但是在剧中，这点突出的不够，原因就是塔季扬娜的篇幅跟奥涅金的篇幅简直不可同日而语，第二幕开头非常冗长一段跟奥涅金没有半毛钱关系，所以如果这部戏改成《塔季扬娜》我觉得更贴切，奥涅金早已沦为配角了。
但是也不好说，毕竟奥涅金本来就是“多余人”。多余人真的好多，我印象比较深刻的、也是比较称职在做“多余人”的几个角色，一个是托尔斯泰的皮埃尔，一个是人间失格的边缘人，再就是奥涅金了。其实我觉得这三个，边缘得各有千秋，人间失格的“我”因为第一人称，着重于研究边缘人的内心，重视“人”自我的感觉和内心的探索，跟皮埃尔和奥涅金不太一样，姑且不放在一起讨论。
皮埃尔与奥涅金，作为多余人形象出现在文学作品中，有着相同的角色意义，那就是推动剧情发展以及反映社会深层问题。但是相对来说，我觉得皮埃尔非常不边缘，全程存在感极强，动不动出来跟安德烈讨论下哲学思想，而社会前进显然是有思想上的推进作用的[而且还抢了我可爱的娜塔莎岂可修]。相比之下，奥涅金可是非常多余了，啥也没干，而且确实挺可鄙的，非常符合可恨又可怜的多余人形象，如果照这个理论来说，普希金一开始的动机也许就是讴歌塔季扬娜的爱情，并没有我们后世解读那么多的阶级意义。我们受到的教育太过于喜欢把一切都局限在时代和意识形态的框架里进行解读，感情还要分主义，逮着一切“过去”的东西就说是“封建”“老派”，然后大加批判一拨，挺没劲的。
音乐
全剧音乐主要就是一首主题曲，但是却能吹整场，因为这首曲子就是柴可夫斯基的 “古老的法兰西民谣"。神仙作品，美得像仙境，就不多吹了。
但是值得一提的是我原本以为会用柴可夫斯基的奥涅金歌剧，但是反而没有，可是老柴的作品真的是硬啊，也是俄罗斯文化的写照了，不论怎么用都很贴合角色和情景。
另外还有一首奥尔加唱了非常很多遍的“叮铃铃”的歌。演员们演技唱功都没得说。
这里想单独把法扎拎出来做个比较。这么说不是为了踩一捧一，只是我在看的时候总是会想起法扎。法扎的优点非常多，舞台，服装，音乐，和男演员的颜值演技，都是登峰造极的，但是看完之后我感觉眼花缭乱，却没有澎湃的感觉，反而是简单朴素到近乎苍白的塔季扬娜让我泪如雨下，我不禁去思索个中原因。
我想第一就是因为普希金的故事构架是完美的，并且是有层次的，被编剧导演一改编，感觉赋活了。
其次，普希金的台词漏洞太少，两者的剧本不是一个层次上的，普希金的台词太他妈简练了，又太他妈深刻了，这种菊苣就是个bug，后来者难望其项背，所以经典还是有经典的原因的。
既然如此，下面就聊聊剧本。
剧本
衡量影视作品的标准从来不应该是单一的镜头表达和社会含义，而是剧作内容本身。
所以先从剧本谈起。
《叶甫盖尼·奥涅金》，作为普希金的经典作品，可以说是俄罗斯超级大IP，柴可夫斯基为它写了一部伟大的格局，又由芭蕾大师约翰·克兰科将其改编为芭蕾舞剧，可以说剧中的塔季扬娜已经升华成整个俄罗斯的可爱的理想，而奥涅金式的爱情悲剧也成为了全人类爱情悲剧的写照。
所以这样的珠玉在前，导演选择了“忠于原著，忠于原著中角色的自然反应，且忠于原著所处的时代印记”。也是，你有多大本事，敢动普希金菊苣的原作。
整部格局台词全部出自普希金的原文，一个字没改。因为原作是诗体小说，不同于剧本或传统小说，它的台词相对意象化，也相对更简练，因此也就给了导演和编剧更多的设置上的创作空间。
所以重点表扬导演在角色的设置上的改编，除了原本的角色设置外，导演在第一幕就让老年奥涅金跟青年奥涅金直接对话，我们都知道。奥涅金的角色设定一直是冰冷无情、沉默寡言和高傲乖张的，这样的设定在诗歌里面没有问题，但是变成剧就会缺乏张力，所以鬼才导演就选择了将奥涅金一分为二，青年奥涅金负责演，老年奥涅金负责说，“说”的人又更无限接近于“想”，这样就避免了角色崩盘[求罗素好好学一学]，又完美表现了奥涅金格格不入于世俗的角色特点。
而另一点睛之笔就是连司机连斯基——这个年轻殒命的可怜孩子，也是以青年老年这样分裂的形式来表达的，年轻的连斯基自不必说[炒鸡帅]，老年的连斯基是作为奥涅金的幻想出现的，是奥涅金对过去的懊悔和自我摧残后的空虚的文学写照。这个设定简直可以让人高呼一声bravo。
为什么呢？
因为就这么一个小小的改动，就打通了原本在普希金长诗了看似完全不相关的两个角色——连斯基&奥涅金这对双生花。
其实很多人原本看完叶甫盖尼·奥涅金这部作品，始终都无法理解奥涅金与连斯基之间复杂的感情。起初二人互相耳闻互相轻蔑，到一见如故成为知交，这么看奥涅金就只是个死傲娇，而连斯基作为奥涅金唯一的朋友——“我们把其他人看作零，只把自己看作一”[全场都了然地笑了哈哈]，代表了所有可爱美好热情柔软的东西。而且连斯基爱的是奥尔加，而奥涅金爱的是自己，两者本身没有冲突，何来奥涅金对奥尔加的调戏？那么何来反目这出戏？看上去这一切都是毫无逻辑的，其实这恰恰是普希金想要表达的——连斯基与奥涅金本就是一体，“诗歌和散文，冰雪和火焰，彼此的差别也不如他们明显。”奥涅金代表的是自己性格中软弱、冷酷、理性而黑暗的一面，而连斯基代表的就是“哥廷根的魂灵，康德的信徒，热爱自由、天性热烈、充满诗情”的奥涅金的另一面。
这样就解释得通了。
全戏从奥涅金的视角看过去，其实就是一场自我人格的搏斗和谋杀，天真烂漫的一面被生活摧折，变得千疮百孔自我否定的过程。这也就解释了为何奥涅金在面对塔季扬娜纯真的告白时为何如此的悲观，因为他自身就是否定，否定自我，也否定世间所有可堪称之为美好的事物。而作为自己性格中美好的部分的连斯基，自然也被当做不必要的东西，甚至是耻辱的东西[奥涅金不允许自己沉溺在爱情当中，而连斯基却狂热的陷在轻薄女奥尔加的臂弯当中，这是奥涅金痛恨的一点]。
这种double式的人格解读是普希金原作里非常隐晦的部分，但却也并不是没有提示，最明显的一处，莫过于奥涅金在杀掉连斯基时那段对白，里面充满着懊悔和悲伤，这也是奥涅金离开这个小镇的直接导火索。倘若二人之间只是勾引所引发的背叛，那断断不会有失去后的不舍和绝望的情绪，更不会如此强烈。
编剧跟导演极好地抓住了这一点，进行了巧妙地再创造，让奥涅金这个角色看上去更立体，也更富有人情味。而这种double的应用在整部歌剧中都能看到，比如一开始的那一堆邻家少女，其实都是塔季扬娜内心复杂情绪的写照，而结尾女舞蹈老师的死亡象征了塔季扬娜爱情的死亡等等。
其他剧情就不详解了，对于这部戏的评论和夸赞，就像普希金的诗歌一样，是千言万语都无法说完的。这也许就是传奇作品与普通作品之间的区别，经典的寿命是无限绵长的，即使作者的声音已经苍老，但它自身的语言却是永远年青的，是万万年的。
其实说到底只是一个爱情故事，但是从另外一个角度说，说到底人类的题材就那么少，故事都是一样的，区分高下的是作者本身的伟大，是那些台词，是那些隽永智慧的语言。而在爱情的解读上，或者爱情诗上，我墙都不扶就扶普希金。这样简单的一个故事，因为普希金的语言，而变得如此充盈，这是普希金的胜利，也是文学的胜利。
“生活过、思索过，难免对人类产生蔑视。”
说实话，作为普希金脑残粉，第一句台词出来的时候我就已经跪了。
更何况亚历山大·我就是要决斗·谢尔盖耶维奇·情书圣手·普希金大大还在这本书里贡献了教科书般的情书写作教程。
写到这里，突然发现可以用我最喜欢的一篇普希金的诗结尾，虽然它并非出自奥涅金，却意外地贴合：
“我爱过你；爱情，或许还没有
在我的心底完全熄灭
但我已不愿再让它打扰你，
不愿再引起你丝毫悲切。
我曾默默地、无望地爱过你，
折磨我的，
时而是嫉妒，时而是羞怯。
我是那么真诚，那么温柔地爱过你，
愿上帝赐你别的人，也似我这般坚贞似铁。”
p.s 看了官摄的人也建议一定要去现场看一下，那种磅礴的悲剧美，以及满分的构图和表演，都是在现场才能体会到的。但不建议坐得太靠前，因为它的构图要坐得稍稍远一点才能看到。
p.s 这个故事很像汤姆和简奥斯汀有木有。
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Lv3我们似乎处于一个喜剧空前繁荣的时代。虽然晚会小品的辉煌岁月已经远去，但舞台上“开心麻花”式的演出和各类电视喜剧大赛层出不穷。这些作品大多基于几个无伤大雅的误会，小丑似的人物在台上左支右绌。观众哈哈一笑，再次证实自己比剧中人更为高明，获得精神上的快感。可若仅将现今充斥着荧屏和舞台的“笑剧”当成喜剧，把机械性地引人发笑作为喜剧的唯一功用，未免大大贬低了这一在黑格尔看来足以超越悲剧的戏剧类型。月牙小淑女啊Lv32023-05-14
至少陈佩斯与毓钺就坚信喜剧同样能承载并不轻松的话题。二人首次搭档创作的《戏台》便展现了强权与艺术之间的冲突，以笑声嘲讽权力的庸俗。《戏台》一票难求，既叫好又叫座，可见观众的确期待看到一出真正严肃的喜剧。《惊梦》作为陈佩斯“戏台三部曲”的第二部，从宣发之初便深受关注。而陈佩斯与毓钺也再次超越了观众的期待，《惊梦》毋庸置疑是当今中国舞台上一部不可多得的佳作。
一、民间逻辑与战争逻辑
《惊梦》延续《戏台》，依旧讲述了一个戏班在民国乱世中挣扎求存的故事。历史悠久的昆曲大班和春社应富少常少坤的邀约，来到平州小城准备演出。怎料刚进平州，一场国共间的拉锯战便在此打响，将戏班困于其间。共产党野战军希望戏班能为战士演出《白毛女》以鼓舞士气，国民党也想用演出来提振涣散的军心。班主童孝璋为了众人的衣食，也为了和春社的金字招牌，只得艰难支撑。
编剧在《惊梦》中展现出超越前作的野心，正面碰触了喜剧较少涉及的一个话题——战争。《戏台》中也有战争。它赋予了军阀洪大帅至高的权力，使他可以随意改戏，决定众人的生死；也最终剥夺了这种权力，在一个必死的境地下解救了全戏班的性命。但《戏台》中的战争是隐形的，无论城头如何变幻大王旗，戏院里照样三天戏票全部售空，名角儿还有余裕为情伤神。战争自身的残酷性被回避了，转而表现强权如何侵入这座仿佛遗世独立的艺术殿堂。《惊梦》则完全相反，童孝璋与和春社才是外来的闯入者，一头撞进战争的中心，常少坤修建的古戏台没有为他们提供一丝庇护。他们困在枪林弹雨中无处可逃，成为这场拉锯战的受害者，战争叙事便从《戏台》里的隐在转为了显在。
《戏台》将喜剧中较为常见的由误认造成的角色错位作为核心手法。一个荒腔走板的包子铺伙计被没见过世面的洪大帅当成台上的名角儿，众人只能各出奇招来蒙混过关。《惊梦》中也有两次误认，穿着国民党军服外出找粮食的笛师邵武被共产党野战军的战士们当成残余敌军，拿着野战军司令给的通行证要逃出城的小生何凤岐又被军统当作共产党潜伏在城内的间谍，戏班两次被军队围捕。《戏台》中，观众实质上是以笑声对庸俗的洪大帅进行惩罚。但《惊梦》里，观众的笑声却不针对任何一方。穿着敌军军服、拿着通行证的自然可能是敌军，这是再正常不过的战争逻辑。而套上军服免受乱军所害、拿着军方证明以便逃生同样是民间朴素的生存“智慧”。我们可以笑战士们过于神经紧绷，竟把戏班的刀枪把子当成真正的武器；也可以笑戏班众人在政治上太过天真幼稚，但两种行事逻辑都是合理的。
《惊梦》的喜感正是基于民间逻辑与战争逻辑在根本性上的冲突，所以即便误认几乎立刻被解开，故事也依然可以讲下去。陈佩斯饰演的童孝璋遵奉“应了的戏就得唱”这条祖宗定下的规矩，但细究之下，这条决定了童孝璋所有自发行动的规矩其实称不上是戏班的行事准则。当野战军请和春社演出对昆曲演员而言“哪儿都不是哪儿”的《白毛女》时，戏班的文丑坚持“师父没教过的戏不唱”，拒绝出演；当宣传科长提出用时装代替传统行头时，小云玲颤抖着以“宁穿破不穿错”质问童孝璋。这才是戏班的规矩，是艺人对艺术的强烈自尊。相较之下，童孝璋坚持的规矩更接近于买卖人走江湖时讲求的“信义”，允诺了主顾就必须提供相应的商品，如此生意才能细水长流地做下去。他为贯彻这种质朴的民间逻辑甚至不惜破坏戏班的规矩，让众人最终做出艺术上的让步。这位主持着六十年大昆班的班主，实际首先是民间逻辑的化身，其次才是一名艺人。
只有这种最普世的，如同潜流一般在时代的风云变幻中缓缓流淌的民间逻辑受到威胁时，它才有充足的力量去彻底松动战争的敌我逻辑。《惊梦》借由民间逻辑的视角，将战争中的双方从无限小的聚合体还原为无限大的个体，对每一个生命的境遇发出沉重的喟叹，完成了对战争的反思。所以观众无法再找到一个洪大帅般截然的反派，无法通过对某一个人物的嘲笑来缓解危机。因为造成一切危机的正是战争本身，人物不过是裹挟在其中，而观众正是通过笑声发现他们的无力。
二、“喜剧”的忧郁
《惊梦》中有一处耐人寻味的处理。和春社稀里糊涂却出色地为野战军演成了《白毛女》，大大鼓舞了士气。于是，当再度占领平州的国民党军官要求演一场能提振军心的戏时，政治上极度天真的艺人们便重演了一场《白毛女》，险些招来杀生之祸。在情报处长下令开枪的千钧一发之际，短暂阻挡死亡的竟是《牡丹亭》里的一支《山桃红》。和春社青梅竹马的小生小旦在生死之际解开误会，无视包围着他们的枪口，自顾自地演唱起这支于他们而言戏里戏外皆是定情的曲子。士兵们也当真被他们的表演吸引，将长官的命令抛诸脑后，放下了手中的枪。
艺术之美竟能战胜暴力，这是一种梦幻式的理想主义。但喜剧的妙处在于，观众只有在一定程度上冷静抽离时才会发笑。虽然此时观众笑的是因无法掌控士兵而抓耳挠腮的情报处长，但我们也清晰地意识到其中的违和。我们一边紧张地等待那声必至的枪响惊碎这虚幻的梦，一边徒劳地期望这场美梦能够延续下去。原剧本中，枪响没有来临，艺术之美获得了一次微小却完全的胜利。但演出时，虽然创作者们终究没有舍得将子弹直接射向身在梦中的情人，只是让情报处长朝天放了一枪，可那震耳的响声无疑揭露了艺术之美的脆弱。
《戏台》相信艺术之美是一种坚固的存在。强权即使能用武力短暂侵入它，也必然会沦落为观众的笑柄。但在《惊梦》里，创作者已然发现了艺术之美的脆弱，所以处处展现出一种犹疑与忧郁。编剧笔下的和春社有着与契诃夫的樱桃园类似的象征意味。班主童孝璋、“小云玲”童佩云和小生何凤岐都是理想化的艺人形象，爱戏爱得不问世事。我们也毋需考虑当时早已濒临消亡的昆曲是否可能存在一个名震大江南北的大班社，或者说编剧有意识地选择了更为曲高和寡的昆曲作为至高至纯却脱离时代的艺术之美的化身。
而与这种艺术之美对立的是时势。童孝璋自豪地拿出厚厚一本戏单，但一句“战士们看不懂”便彻底打消了他与戏班众人的艺术自信。他们怎么也想不明白为什么一出在艺术上“哪儿都不是哪儿”的、夹生的《白毛女》竟然这么叫座。艺人们用考究的穿扮、声腔、文辞筑成的美的高塔在时代大潮面前轰然坍塌，突然就成了不合时宜。和春社在此面临的困惑是永恒且无解的，既是民国末年一个昆曲戏班的困惑，也是传统戏曲在当代的困惑，更是所有艺术在某一时刻必将面临的困惑。当然，编剧仍创作出两位立场不同但真正懂戏爱戏的将领，创作出连昆曲是什么都不知道却不自觉地被“小云玲”的表演吸引的野战军女战士，以保留一丝希望，希望艺术之美即使一时被抛弃也终能拥有超越时势的力量。《惊梦》的结尾极富诗意，漫天大雪中，古戏台独自矗立在战争遗留的废墟之上，和春社为所有逝去的生命正正经经地演了一场戏，演了一折在他们看来真正称得上“戏”的《牡丹亭·惊梦》。这的确是相当美的一幕，可当童孝璋直接面向观众恳切陈情时，创作者们实际上背离了喜剧，开始呼唤观众完全的共情。他们盼望观众同剧中人一起认同、相信艺术之美能凌驾于一切
但我注意到，原剧本中发了疯的常少坤在最后那场为亡灵的演出前是念着《牡丹亭·惊梦》里花神的台词上场，而实际演出时改成了睡魔神的“睡魔睡魔纷纷馥郁，一梦悠悠何曾睡熟”。在我看来，这一改动堪称神来之笔，完全提升了作品的格调。花神以落花惊醒柳梦梅，睡魔神则是引柳梦梅入梦者。一句台词的改动，实则完全颠倒了剧中究竟何者是梦，何者是现实。如果沿用花神的台词，那么和春社此前遭遇的不合时宜不过是战争这一特殊情境造成的噩梦。战争结束，人们终于从噩梦中醒来，艺术之美还能继续散发它恒常的光辉。而改以睡梦神的台词，则尽管童寿璋还在向着观众竭力呼喊，创作者们仍是犹疑地承认了此前的不合时宜才是避无可避的现实，这场超越战争、超越时势以至超越生死的演出不过是一场徒劳的幻梦罢了。
《戏台》或许因其结尾而没能成为一部最优秀的喜剧。不知情的演员没有改戏，仍照着老本子演出。戏班班主看得热泪盈眶，自我感动之余又再次确认了其艺术信仰的崇高性，没能跳脱出来反观自身。《惊梦》却凭着一句台词的改动，以相似的结尾完成了半步的超越。虽然我们仍未能在《惊梦》中找到莎士比亚笔下福斯塔夫那样颠覆一切、真正超脱的喜剧人物，但至少创作者们已经展现出了这个趋向。讽刺的是，创作者在剧中一面自我安慰式地希冀昆曲作为一种美的象征能拥有超越时势的可能，一面又不自知地在最后这场本应充分展现其光辉的演出中让柳梦梅和杜丽娘穿上了渐变色行头。这种完全不符合戏曲基本服化审美的新式行头，恰恰是戏曲焦虑于自身衰落，强行追赶潮流的产物。《惊梦》的创作者们却将其当作昆曲美学固有的一部分来接受与展示，岂不是已经自证艺术之美在时势变化面前的确是无力的吗？回复赞
Lv4梅梅123Lv42017-08-16
几年前在纽约一刷sleep no more的时候简直太惊艳！很长一段时间里都是我对纽约最深刻的回忆之一。知道SNM要搬来上海之后赶紧定了早鸟票，找个周末飞来连看两次。三刷一共九周目，趁现在记忆还清晰对主线和上海版支线的情节做一下梳理，再分享几个一对一表演内容，希望和SNM迷们一起讨论补充细节！o(*////▽////*)q
首先是一点小贴士：
1、到场：虽然门票分好几档时间，但现场完全是谁排在前面谁先进，而且由于分流需要放人很慢。除非是买了VIP票可以直接往里走，其他人要想看完整的三小时，周末晚场至少要提前一小时排队，工作日下午场人最少，提前四十分钟足够了。
2、入场：排到尽头进了酒店后需要寄存衣服和包，由于里面温度非常高，建议着装轻便，穿方便跑步和上下楼梯的鞋。接着工作人员会一个一个放人，需要顺着完全没有灯光的走廊摸索前进，几个曲折后来到一个酒吧，按顺序领一张扑克牌，边听爵士乐演奏边等叫到自己号码。这里可以喝点东西去下洗手间，毕竟进去后再找洗手间就比较麻烦了。
3、观剧：进门后手机会被封印到一个小口袋里，建议把票根和扑克牌都放进去，免得一会儿跑一跑就丢了（如果不收藏这些的话就无所谓啦）。戴上大白面具后就变成了幽灵观众进到一个电梯里，在两个支线楼层工作人员会选一个人推下去，其余大部分人被放到主线剧情所在楼层。如果你和伙伴手拉手，那有大概率在这里会被分开。其实我觉得整场剧是一个人的体验，每个人感受都会不同，两人全程一起看的话会减少这种融入感和探索的乐趣，而且遇到1on1彩蛋的概率也会大幅降低。
4、卡司：一进门在换票处有个写着“麦金侬酒店住客”的牌子，上面是本场卡司的名字，每场的卡司表差别不会太大。一般来说周末晚场主线里A角比较多，工作日下午场支线里A角比较多，毕竟主线里激烈的戏很多，对体力消耗很大，连续演出演员也吃不消。
5、顺序：虽说每条线在三个小时里会循环三次，但实际上是两次半。第一时间入场的话主线剧情是从舞会开始的，支线剧情从伊乐园的爵士演唱开始，再之前的戏整场只会循环两次。第一次观剧的观众如果想尽快理解剧情的话建议紧跟麦克白，这大概是唯一可以在一周目之内看明白主线故事的方式（当然也是人最多最拥挤的观剧路线）。
【以下是认麦克白的tips，涉及一点剧透：】
麦克白是主线里唯一戴婚戒的男性，遇到了就bingo！舞会里麦克白会藏在后面栏杆处，如果没找到的话可以紧跟和白衣中年男性（国王）调情的穿露背晚礼服的女人（麦克白夫人），舞会散场不久后就会重遇麦克白。如果还是懵逼的话，后期看到白衬衫一身血的男人就是麦克白（注意只有头部流血但身上没有沾很多的角色是班柯）。如果一直懵逼到一周目结尾，最后全部主线角色会聚集在一楼开始最后的晚餐，坐在最左边主位的男人是麦克白，二周目好好跟着他就是了。走完就会对主线剧情有大概的了解，然后再去展开看其他演员的部分就比较容易懂。
下面按我理解的时间顺序大致理一下主线和支线剧情，也有我遇到的一些彩蛋和一对一剧情的描述。
再强调一下哈，准备第一次刷剧的豆友建议不要看下去了，真的很多情节自己发现的时候太爽快太过瘾，如果事先知道了就会少很多惊喜感，影响你独一无二的观剧体验，毕竟在这部剧里体验比情节更重要。在这里写评论是希望能和看过剧的豆友们一起拼拼图，把剧情拼凑得更完整 ( •̀ᄇ• ́)ﻭ✧
——————————以下剧情梳理涉及大量剧透，还没有观剧的不要看——————————
——————————以下剧情梳理涉及大量剧透，还没有观剧的不要看——————————
——————————以下剧情梳理涉及大量剧透，还没有观剧的不要看——————————
一、主线剧情
主线剧情相对比较清晰，看过莎剧麦克白做的话也很好懂。不过按时间并联几条人物线的进程有点难度，如果有因为记忆暧昧讲错的地方请豆友告诉我！
开场麦克白和班柯在一个堆着箱子的杂物室洗去脸上的血渍，换上干净的衬衫，两人亲近地交谈握手，这是他出征归来的场景。和班柯分别后麦克白来到酒吧，遇到了三个巫师。一段共舞中巫师们诱惑着他，给了他一张写着King的扑克牌，预言麦克白会成为未来的国王。麦克白心事重重地离开了酒吧。
同一时刻，麦克白夫人在顶楼浴室中出浴，换好衣服下楼回到卧室。王子和国王有一场很intense的戏，国王归来后王子像个侍从一样恭敬地为他更衣、洗脸、擦皮鞋，然后拿出剃须泡和刀为他刮净胡须。多疑的国王一直紧盯着王子的剃须刀，在刮净脖颈后长出一口气笑着放松下来，开始享受王子的服务，两人这才有了比较亲近的互动，换上了象征王室的白色西装外套。和麦克白分别后的班柯以及麦克道夫来到这里和他们汇合，几个人说说笑笑地准备去参加舞会。
麦克白回到自己家中，和麦克白夫人有一场非常精彩的激情舞蹈。从两人亲密共舞，在床上的热烈纠缠，然后麦克白告诉了夫人在森林中听到的女巫预言，两人开始争吵，麦克白夫人在争执中不断诱惑麦克白，最后占了上风。她脱下睡裙，换上晚会的礼服（这一段纽约版是直接当着观众换衣服的，上海版里麦克白夫人钻进一个小屋子，透过玻璃留给观众一个裸露的背影）麦克白帮她穿上高跟鞋并亲吻她优美的腿和脚，代表了对她的服从。然后夫人离开了房间，麦克白又经过了一段内心的纠葛也出发去了舞会。
麦克白夫人离开房间后到了二楼昏暗的小酒吧，和女仆密谋在国王的酒里下药。女仆几次试图阻止她但麦克白夫人非常坚决，两人争执后女仆妥协了，麦克白夫人下楼去参加舞会。
舞会这场戏是整个剧情中唯二的所有主线人物都聚集在一起的群戏，不论跟着哪个主线角色都会被引到一层的舞厅，这里也是最早一批进场的观众观剧的起点。在这里八个角色在音乐和灯光中两两起舞，sexy witch和麦克道夫跳得暧昧，boy witch和王子也是火花四射，国王和麦克白夫人在调情，而麦克白隐藏在暗处的栏杆后面，嫉妒地盯着国王和夫人。国王送给麦克白夫人一条项链并为她戴上，两人拉着手提前退场。
在二楼的酒吧中，国王和麦克白夫人亲密地低声私语，麦克白夫人一边调情一边诱惑国王喝下一杯酒，国王随即昏睡过去，麦克白夫人和女佣把国王扶到床上。
回到家后，麦克白夫人遇到了愤怒的麦克白，两人又是一段激烈的舞蹈过后，麦克白离开了房间，留下麦克白夫人焦虑地独舞。麦克白下楼来到二层，看到倒在床上昏睡的国王，用枕头闷死了他。等到国王不再挣扎四肢僵硬地垂下的时候，麦克白惊慌了起来，跑回了自己家中。这段双人舞中麦克白显得脆弱不安，麦克白夫人像拥抱一个孩子一样安慰着他，帮他洗净身体（这段在纽约版里也是直接的裸身进浴缸，在上海版中麦克白穿了一件薄薄的肉色短裤，不过湿着贴着身体也是非常的…(¯﹃¯)
与此同时，王子、班柯、麦克道夫从舞会中出来，惊慌地看到国王死在了床上，三人悲痛地把国王抬了起来走进墓地，在悲伤的亲吻告别后，三人用白布裹住了国王为他下葬。之后三人来到四层台球房坐下来抽牌喝酒，紧张的动作和眼神中暗示着互相的猜忌。在分出胜负时他们把扑克牌用钉子钉在象征墙壁的纸箱上，然后班柯留在台球房，王子和麦克道夫离开了。
在墓地葬礼的同时，麦克白洗净身体从家里离开，恍然中来到四层的酒吧伊乐园。在这里三个巫师早已等候着他，有一段非常精彩的献祭舞蹈。从黑暗中sexy witch撕裂般地一声尖叫开始，突然加重的紧密鼓点和跟着节奏闪烁的灯光，让观众们被动接受着一幅幅过于饱和的黑白影像。boy witch带着牛头跳到桌上，sexy witch从盆中抱出一个死婴，巫师们激烈地舞着，像地狱一般的祭祀图，象征着麦克白成为了国王。
麦克白离开家后，麦克白夫人独自在家中舞蹈，神经质一般地清洗着手上并不存在的血迹，暗示她精神的崩溃。
麦克白在巫师祭祀过后来到了台球房，这里他和班柯有一场精彩的打斗戏，两人在狭窄的台上互相摔打，激烈又精准的动作展现着力与美的融合。最后麦克白把班柯推倒在吧台里，用砖头猛烈地砸他的头，班柯终于倒下不动了，麦克白浑身是血地站了起来。
与此同时，离开台球房的王子与麦克道夫也有一场质询戏。要看这场戏必须紧跟两人，在他们进入一个狭小的只有一盏灯的昏暗屋子后，最多再进七八个观众工作人员就会把门关住不让进了。这场戏中虽然不像麦克白和班柯那样有激烈的摔打，但是用一盏灯在狭小的屋子中塑造紧张的气氛，两人用灯直照对方表现猜疑，将灯甩起后在躲避它的摆动中缠斗，近距离看得真是非常过瘾！
主角四个男人的两场争斗戏之后就是最后的晚餐了。这时死去的班柯会出现在支线场景中拉住一个观众1on1，抱住他的头轻声说麦克白才是凶手。其他的主线主角人物会下到一楼来到长桌上坐下，麦克白和夫人最后才到，落座在长桌两端的主位。这一段是全剧的高潮，每个观众都至少看过一两遍，我就不再赘述了。这里急促的音乐和闪烁的灯光还有所有人展现演技的慢动作，真是眉眼中皆有戏。当众人喝下麦克白的毒酒象征故事中被麦克白背叛后，染血的班柯才入场坐下，全剧在这个极其震撼的场景中进入尾声。这一幕在3小时中会重复三次，最后一次麦克白会被王子和麦克道夫吊死，悬挂到所有观众离场为止。这时每个演员会挑选一名观众拉起手引到角落里1on1，大家可以凑得离喜欢的演员近一些碰碰运气。我被麦克道夫拉着跑上四楼，摘下我的面具摸着我的脸颊，OMG我的少女心！！最后麦克道夫拉着我回到一楼大堂，我拉起裙子行了个屈膝礼和他道别了，听说有人1on1碰到壁咚哎！羡慕！！
从最后的晚餐接着往下说，如果是一周目二周目，之后还会有后续剧情的。麦克白跟着怀孕的麦克道夫夫人来到了二楼，有一场带些情色意味的暴力戏，最后麦克白抓着麦克道夫夫人的肚子往墙上撞，麦克道夫夫人流产而死。麦克白来到了二楼，突然像什么也没发生一样地擦洗起了身子，和整个故事的开头衔接上。
与此同时，麦克白夫人被带上了五层的精神病院（btw精神病院是支线剧情的发生地），她在麦克白杀死国王后一直非常神经质，护士给她打了镇静剂后安抚她躺在床上然后离开了，麦克白夫人起来擦洗身上的血迹，最后穿着睡裙将自己沉到浴缸里自杀了。从浴缸再出来的时候麦克白夫人已经神情正常地开始换衣服，和故事开头她在梳洗中等待麦克白归来衔接上。
全剧的终点并非故事的终点，情节自此首尾相接形成完整的圆环，舞会将会再一次召开，亲密的朋友将再一次变成仇敌，时钟的指针再一次转动。回复2赞
Lv4“为了曾经的失去，呼唤永久的珍惜。”转角遇到抢劫的Lv42023-05-16
——题记
【前言】
时间的步履优缓却永不停息，将或轻或重的足迹印刻在世间，引领着世事万物走向未知的结局。时间的永不返顾，让人类认识到逝去的可怕与悲伤，也因为结局的未知，而给了后人以希望。
在时间这条单向无限延伸的线上，曾有多少闪光已经湮灭于荒茫过往，又有多少璀璨正在闪烁？惟愿凝聚起浩渺世间的光亮，能为人类照亮黑暗迷雾中的前路。
已经逝去的永难挽回，再多叹息也于事无补。即使力量薄弱，即使收效甚微，那些许的看似无用的努力，也是必要的，是值得人们付出的，因为一种执着的信念，终有一天能换来多数人的觉醒。
【背景】
历时四年构思，由佟睿睿编导，朱洁静、王佳俊领衔，上海歌舞团演出的舞剧《朱鹮》于2014年首演。经过国内巡演，日本巡演，舞剧《朱鹮》再次飞临国内各城市，将一段凄美壮丽的传奇、一段发人深省的历史展现在世人面前。
2016年11月16日晚，我与家人好友一同前往湖南大剧院观看了这部舞剧。家人问及朱鹮是否具有迁徙的特性，查证之后发现，朱鹮是留鸟，在其生活世代中并没有进行迁移，所以朱鹮一生中基本上只生活在一个地方。
朱鹮其鸟，被誉为“东方宝石”，曾一度濒临灭绝。
一种历史渊源久远的生物，在经历了漫长的时光变迁之后，却险些在人类发展的进程中灭绝，虽说物尽天择、适者生存，但是这只适用于自然界的正常发展。人类科技于近代的爆发，以一种极不寻常的姿态强势介入到自然当中，这种变化太过剧烈，势必对自然界中的其它生物造成极大的影响。尤其是对于朱鹮这种不进行迁徙的鸟类而言，由于其适应性较弱，一旦长期居留的环境遭到破坏，就将遭遇灭顶之灾。
我们已经经历了太多失去，所幸，朱鹮失而复得给予了人类希望，当然更多的是思考，人类不是地球上仅有的生物，也不是唯一的主宰，究竟怎样的发展才能保护好共同的环境与其它生物呢？
【梗概】
相较于其它舞剧的段落设计，舞剧《朱鹮》简单地分为一、二幕，但是依然完美地呈现出了故事发展所需的起承转合四部。
短短的序幕，隐藏在纱幕之后，一片羽毛从天而降，落在一个人手中，更深的背景之后，是纤长曼妙的朱鹮的背影。深沉的弦乐与粗犷的尺八奏响的是来自远古的灵性之音，在遥不可及的古老时光里，所有生物皆源于天赐的祝福。
ACT - I
随后，轻柔的打击乐伴随弦乐的起伏，尺八不时点缀其中，舞者和着轻快的节点用拙朴的舞姿表现着古代人们劳作生活的场景，简单自足又怡然自乐，山清水秀间，一幅轻灵祥和的画卷慢慢呈现在我们的眼前。
夜幕低垂，当劳作了一天的人们回到各自家中，世间迎来了浅粉色的精灵，六位舞者身着纱裙，轻柔地舒展着翅膀，盘旋来到。
鹮仙，舞剧如是设定。
而最美的鹮仙，也随着轻柔的黑管、清脆的竖琴、空灵的女声款款降临。
七位舞者时而振翅，时而比肩，像是在低空盘桓寻觅着一片栖息之地。而当她们褪下羽衣——朱鹮现世。轻轻立着的脚尖如同在水面点出一串涟漪，修长的手臂柔若无骨，灵动的身体在每一次舒展与拧倾间定格成朱鹮秀丽的身影。不经意间头颈的摆动，一个个轻捷的跳跃，舞者的每一个舞姿每一段动律都透着生命的鲜活与造物的壮丽。
三拍子的交响乐适时地承接起鹮仙轻灵柔美的舞姿，每一个身姿的闪转与细微的颤动也随着旋律翩翩摇曳，恍如幻梦。
年轻的樵夫拾起鹮仙的羽衣，四目相对，一次相望宛若千年厮守。鹮仙的眼中透露着好奇与友善，而樵夫的眼里更是满满的惊喜与赞叹。仿佛是没有任何隔阂与阻碍的交流，蕴藏在樵夫与鹮仙每一次眼神交汇与依依恋恋当中的，是人与自然之间最纯粹也是最崇高的尊重与爱恋。
舞剧的主旋律由琵琶和尺八引入，又在黑管和弦乐的延伸中溢满柔情。当鹮仙漫步时，樵夫紧紧追随，当鹮仙作势飞起，樵夫又承载着那仿若无骨的纤柔。每一次脚步跟随，每一次闪转腾飞，每一次紧紧相拥，每一次若即若离，都闪耀着纯洁的光辉，象征着人与自然千年和谐的美丽希冀。
黑管响起在静谧的空间，一串又一串如水晶般晶莹剔透的电子合成音伴着女声的吟咏，一列朱鹮来到了轻雾弥漫的湖畔，无论是临水的梳理，还是三五成群的聚合，又或者是此起彼伏的嬉戏，无不在空间中荡漾开清浅的浪漫。舞者们身姿挺拔、脚步稳健，却在每一个摆头和扬臂中透出让人怜爱的娇弱之感。
此时樵夫见到这一群朱鹮，更是欣喜，浅粉色的精灵从他眼前掠过，让他目不暇接，仿佛全身心都沉醉在这群造物精灵的美丽梦幻中一般。弦乐与竹笛交相辉映，在清脆连串的电子合成器和钢琴高音中，几只朱鹮飞了出来，在愈加欢乐的乐段中灵巧地跳跃着、盘旋着，其中还有一只小朱鹮，更是充满让人怜爱的天真，那是生于自然，又与自然融为一体的随性与无畏。
随着主旋律再度响起，一队樵夫每人托着一只朱鹮再现了之前的双人舞段落，在山明水秀间，像是人与自然永久和谐的希冀历经时光依然熠熠发光。二胡引领着弦乐盘桓而上，竹笛在打击乐的陪伴下震撼人心，朴实的人类与纤柔的精灵在遥远的过去里相遇，在漫长的时间里相伴，如此自然地相随相依。
是啊，生命本无贵贱，自然素来如此！
最后，樵夫在树下沉沉睡去，鹮仙披上羽衣将一片羽毛留在樵夫怀中，在尺八的呜咽声中不舍地飞旋着离开。樵夫梦着了什么，梦醒后是什么在等待，谁也无从知晓，也许是云雾深处翩飞依旧的粉色惊情，也许已是一千年后，物是人非……
ACT - II
冷冽的钢琴的单音持续响起，昏暗的空间中显现出模糊的建筑物轮廓，世间仿佛失去了色彩，只剩下黑白灰。人们快节奏地跑跳，冷漠地穿行，不时环抱双臂遮住口鼻。
在深沉的弦乐与凝重的铜管乐中，呈现出梦醒后的千年，世界成了一个没有任何温情的石头森林，人们禁锢在黑白灰线条的局促空间里，远离了自然。
蓦地，从天空中飘来了一片羽毛，在一束孤独的灯光中闪耀，却仿佛随时都会被周围的浑浊黑暗吞噬掉一般。人们围上去，轻轻地把它托起来，像是要托起一个遥远的梦，但是那梦也沾染了世间的沉重，每一次短暂的托起，也改变不了最终触地破灭的命运。
这时，一位年轻的记者出现了，看着目光所及处的晦暗与衰颓，满满都是痛心，他用手中的照相机拍下眼前的一幕幕，直到他看到了那片羽毛，像是看到了来自时空彼端的呼唤，又像是一份等待盼望了千年的牵系。可是这呼唤太模糊，牵系太微弱，谁也不知道那片羽毛背后蕴含着什么生灵最后的呐喊与悲鸣。
记者又追随着什么去了另一个地方，黑色的人们伫立在舞台上，沉重的打击乐和弦乐绵延铺展。随着竖琴轻轻地响起，一只朱鹮出现了，是最美的鹮仙，但那又不是记忆中的朱鹮，她浅粉色的羽衣上沾染了阴翳，修长的肢体变得不再舒展，每一个脚步都变得怯怯，每一次呼吸都无比痛苦，曾经山水间轻盈活泼的精灵，在这石头森林中也被晦暗的迷雾禁锢了双翼。
鹮仙仿佛再也承受不住这世界的阴霾，跌落在地。那位年轻的记者见状，赶忙上前扶起鹮仙，但是那曾经友善而无畏的精灵却在记者的手中瑟缩无比，却又像被他身上的什么力量吸引着一般，直到记者掏出那片洁白的羽毛，那是传承了千年的和谐希冀，也是绵延了千年的情意信物。
黑色的力量再度涌起，像是要彻底摧毁掉鹮仙一般，记者奋力保护着那柔弱的身躯，要带着她回到故乡，回到那个遥远记忆中的梦幻之境。然而随着路途的延伸，目所及处只剩下荒芜与衰败，阴云笼罩着毫无生机的大地，仿佛鹮仙每一次前进都距离绝望更近一些。压抑的铜管乐与空灵的女声合奏着仿若末路一般的乐章。仍是由琵琶引领的主旋律变奏，却在层进式的弦乐中更显悲壮，那是大地的悲歌，那是生灵的哀叹，是自然走到绝处的最后的呐喊。
在遥远的约定之地，阴冷的黑暗中，最后一群朱鹮跳起了终末的舞。曾经翠绿的山峦早已蒙上了烟尘，清明的湖水也流干了最后一滴眼泪，葱茏的树木空留虬曲的枝干刺向晦暗的天空。朱鹮们茫然地奔走，无助地挣扎，无论怎样扇动翅膀，无论怎样跳跃奔跑，却依然无法逃离这片黑暗的绝望，重重的定音鼓敲出末路一般的阶梯，弦乐与竖琴的震颤，管乐与女声的尖啸，最终也都归于寂静……
回到了约定之地的鹮仙与记者只见到破败的故乡和遍野毫无生气的身影，这时一只小朱鹮颤抖着走向他们，每一步都耗尽心力般，在生命逝去的最后一刻倒在了记者怀中。那逝去的身形轻盈得像一片雪花，却如同一个世界在面前崩塌。鹮仙扑上去，发出无声却是尖利悲恸得叫人心碎的呐喊……
沉郁的大提琴宛如泣诉，弓弦的拉扯带来的钝痛仿佛永远也无法消解。冷月孤光中，黑色的树影张开不祥的枝干，像是要攫取世间所有的美好与活力，鹮仙沐在这凄冷的光下，环顾着再无生气的故乡，似乎看到了生命的终点，再轻盈的脚步也踏不出清波中的涟漪，再温和的飞旋也扬不起微风中的花粉，她颤抖的翅膀无力地扇动着，柔弱的身躯反复地折叠着。大提琴的悲歌随着弦乐与打击乐的上扬，终于迎来最痛彻人心的急停，而鹮仙也在不断的旋转中骤然倒地……
黑暗中响起大提琴沉重的单音，伴着打击乐稳定的节奏，像是时间与历史的审判，曾经鲜活灵动的朱鹮，已然成为了玻璃柜里冰冷的标本展示——这不是对朱鹮的审判，而是对人类的审判！
流畅的钢琴如时间的流一般，带来了新生的气息，却永远也带不走刻骨铭心的悲伤。一群学生在博物馆里参观朱鹮的标本，却只能凭解说与想象来还原彼时的蓝天与瑞鸟。一位老人也来到了博物馆，他手中拿着一片洁白的羽毛，像看望亲人一般地拂过每一个朱鹮的玻璃柜，直到看到展馆中央挺拔秀丽的纤长身影。
老人颤抖着凑上前去细细端详，将手中的羽毛放在身影之上，一瞬间光怪陆离，一瞬间亦幻亦真，从时空的彼端传来尺八的灵性之音，唤醒了沉睡千年的记忆，也唤醒了浅粉色的精灵。
老人与鹮仙如初遇般对视，凝望中又似已相守千年，那双眼眸在长久的时光里刻下了太多陌生的伤痕，却依然熟悉得叫人恨不能融化其中。鹮仙怯怯地迈开步子，老人紧紧相随，鹮仙作势飞起，老人又承载着那脆弱莹洁的肌骨，每一次脚步跟随，每一次闪转腾飞，每一次紧紧相拥，每一次若即若离，都铭刻着遥远却鲜活的记忆，那记忆要多柔情有多柔情，要多深刻有多深刻，要多曲折又有多曲折。
琵琶与尺八引领的主旋律再度唤回了曾经的美好，青空之下，浅粉色的精灵纷飞跳跃。在恢弘的交响乐中，一队现代人每人托着一只朱鹮重现了千年之前的双人舞段落，在山明水秀间，人与自然永久和谐的希冀依然不曾湮灭。
二胡引领着弦乐盘桓而上，竹笛在打击乐的陪伴下震撼人心，鹮仙将羽毛还给老人，也失却了生机，再次成为一尊挺拔的标本。也许眼前的一切都是梦境吧！但是现代人与朱鹮的再次相遇却不是梦境，人们与这失而复得的精灵在渐复清明的天空下相伴，希望能在未来更长远的时间里相随相依！
老人手捧着羽毛，如是希望着……
那也一定是人类、生灵与自然共同的希望！
【舞剧】
除了好的情节和主题，一部舞剧的成功也离不开舞蹈的编创。
在现场观看的时候，我就与朋友提及，朱鹮群舞的部分里有很多汉唐古典舞的动作，比如一些动作动律的发力点在胯部，还有担山、踏歌、并翅、长虹等手形，没有任何精细、匠气的舞姿，却显得大巧若拙。
总编导佟睿睿融合身韵派与汉唐派的风格、动作进行剧目编创，从《绿带当风》、《水月洛神》等作品的成功中，可见其功力。而作为编舞的何滔也是曾跟随孙颖老师进行过汉唐古典舞研究的。
在朱鹮舞蹈的编排中，如何建立在既有舞蹈体系的基础上进行加工和再创造，又要保留朱鹮本身的体态来进行相关拟态的表现，这该是舞剧的最大难点。以鸟类生物为主题的舞剧作品，《朱鹮》不是第一部，也不会是最后一部，但是如何做到脱离“人造朱鹮”舞姿，编创出独具特色也是最自然而然朱鹮特征的动作，这正是舞剧筹划四年、多次采风、历经编导演员反复推敲的结果。另外我个人觉得中国舞剧对外国舞剧的一大优势在于，除了开绷直立，中国舞还讲究拧倾圆曲。在这部舞剧中，许多舞姿都体现了舞者身体极强的可塑性。
主演朱洁静曾在采访中说，很多舞段的动作不断地编出来，不断地学习试跳，再不断地被推翻，最终确定朱鹮的肢体语言应该是小幅度的、体现关节灵活性的动作。这就是舞剧中每一个朱鹮演员从头颈、肩肘腕指尖、躯干各处直到脚背半脚尖都需要细心关注的部分。
也有朋友问我这部舞剧是算古典舞剧还是其它类型的舞剧，我觉得不能简单地一言以蔽之，舞剧当中融合了古典舞的表达手法，也有现代舞的编舞技法，有针对朱鹮进行拟态的形体展示，有些舞蹈段落层次的设计以及一些队形的变换又有着古典芭蕾场面的变体，可以说这是一部囊括了多种舞蹈风格却在审美基调达到惊人统一的舞剧，要下定义着实困难。
也许我会称之为中国舞剧吧！
东方的文化讲究留白与想象，舞剧《朱鹮》的场景设计亦然。
纵观全剧的舞台设计，除了朱鹮栖息的树的模型，几乎没有任何具象性的舞台道具，无论是远古时期通过纱幕营造的混沌之感，农耕时期云雾山水带来的超然之感，还是现代社会渲染污染与楼宇的极具印象派风格的背景，几乎把舞台设计做到了极简的地步。
但是极简也不是一味地简陋，而是建立在具体场景基础上的删改以及简化，忽略一切细节，直到留下最根本的主体，寥寥数笔，引人回味。
而朱鹮的服装，看似简单的浅粉色纱裙，实际上在前后裙摆的长度上做了文章，蓬松轻软的纱配合舞者塌腰挺胸的体态，恰恰就是朱鹮娴静地站在水边的景象。衣服上缀嵌的珠花，毫不张扬，却能让观众看来，具有光暗变幻的效果。舞者脚下的舞鞋，只有前半截是红色，更是真实的取材，还原了朱鹮本体的形态特征。
到了第二幕，为了表现现代环境中为污染所害的朱鹮，服装又由浅粉色改为了深浅灰色渐变，舞者的头饰上也增添了灰白，从各个细节凸显了朱鹮的受害状。
说到音乐，则不得不提到与佟导合作多次的作曲家郭思达。
网上能找到的郭思达的资料和作品不多，但是从履历介绍中可以看到是科班出身并且担任过很多大型表演作曲的年轻作曲家。一曲《点绛唇》已经令我倾倒，而在《朱鹮》当中的配乐更是让我难忘。
看完舞剧之后，我找了网上的剪辑段落来回味舞蹈和音乐，无论是引言和朱鹮之死时给人以表示警示的大提琴段落，朱鹮群舞时轻灵浪漫的三拍子旋律，表达环境破坏时以悲壮的交响乐演绎的主旋律变奏，还是溢满柔情的双人舞主旋律，从配器的丰富，段落的起伏，层次的分明乃至旋律的优美各方面来说，音乐都是舞剧成功不可或缺的一大部分。
从听感上来说，作曲家在舞剧中展现了多风格、多乐器的完美交融，并不拘泥于单一的元素，而是依照舞剧的整体基调和走向，灵活地将尺八、竹笛、琵琶、二胡等东方乐器与西方的交响乐结合起来，同时还适时地加入电子合成器来作为点缀。
作为双人舞段落的主旋律，在舞剧中多次响起，每每琵琶柔婉的音符蹦出来，总有尺八大气相随，几经辗转终于在宏大的交响乐中迎来了催泪的高潮。
记得依稀听过这么一种论点：如果想让旋律倾向于低迷与忧伤，只要每个乐句或者乐段向高音发展之后，再落回原点甚至更低的音符就可以了。细细一想,《朱鹮》主旋律乐段的乐句也恰好符合这样的发展，以高音开始的乐句，略加回旋，然后落到低音处，每一次喷薄而出的情感最终都随着旋律的起伏盘绕落到低处，也让听众的心绪不由得跟着一次次地上扬、低落、再上扬、再低落。
其实有时候对音乐的感受并不能完全从客观物质的角度来进行分析，毕竟人的主观意识的运作原理至今是个谜，但是人对于美好的向往与追求，对于失去的惋惜与失落，这些情感都是共通的。
当编导把心中的感动编成舞，作曲家把心中的感动谱成曲，舞者们把心中的感动用肢体表现出来，而这一切的一切藉由方寸舞台展现出来，恰好被观众们感知，而且观众们也为之感动，那散落在不同时间、不同空间里来自不同人的心念，就在演出的这一刻、这个地点汇聚了起来，铭刻成了所有人共同的美好回忆！
【感受】
仅看了一遍舞剧后，只能凭借记忆和视频片段来复原对全剧的完整印象，写到这儿已经感觉身体被掏空了，但是还有些很细碎的东西想要交待一下。
在观看舞剧的前后都和不少朋友进行过交流，其实我对《朱鹮》的最初印象是略带负面的，原因在于有个朋友看了北京首演之后说太安静太平淡，看起来有点无聊。这也就导致2015年首次全国巡演时我压根就没有关注这部舞剧。
后来身边又有不少朋友看了，加上网络媒体的大肆宣传，以及日本行的大获成功，才让我决定摒弃过往印象重新审视这部舞剧。
有个朋友说《朱鹮》是佟睿睿为朱洁静量身打造的舞剧，我觉得这话也不为过，从身体条件、基本功、表现力等各个方面来说，个子高挑纤瘦的朱洁静的确是鹮仙的不二人选。
朱洁静可以说是《朱鹮》票房强大的号召力，以至于观剧时我不由得产生了这样一个念头：我知道朱洁静一定会出现，那么她没出现的一切表演所进行的铺垫和等待都是值得的。当朱洁静出现之后，舞台上的其他光芒都变得黯淡了，只有她身上闪着让人移不开眼睛的美！但是你又不能说其它段落不美，或者让人不想看，甚至会让人因为期待，更加愿意看其它的段落。
在基本功和技术相差不悬殊的情况下，舞者对自己身体的认知、把握，对舞蹈动作细节的处理，一些极细微的地方，就能成为观众瞩目点的决定性因素。很多时候我在反复看视频的时候，就不由自主地被朱洁静绷到极致的脚背和肩肘腕指尖的小细节所吸引，而且每次看到都禁不住地赞叹。
而说到这出舞剧的整体构思和编排，其实也是挺有心机的吧，朋友说佟睿睿就是知道怎么表现美，怎么去撩动人心中最易感的那根弦。甚至于双人舞段落和主旋律的反复出现，都是在不断加深人们对舞剧的印象，最后谢幕更是让所有观众大饱耳福，将舞剧最美的乐段听个够本。
这部舞剧表面上是立足于现实，反映环境污染导致朱鹮险些灭绝的题材，但是却采用了传奇的方式来进行演绎，用最通俗的方式来描述故事梗概就是——
朱鹮仙女爱上了樵夫，但不能在一起，于是以一片羽毛作为转世的信物。千年后朱鹮遭遇灭顶之灾，樵夫转世为记者，因为羽毛再度遇见鹮仙，但是却迎来了朱鹮灭绝、鹮仙死去的悲惨结局。几十年后，已成老人的记者来到博物馆，看到变成标本的鹮仙，将羽毛还给鹮仙，换来了短暂的重逢——这一段也可能只是老人的臆想和梦境，最后鹮仙退还羽毛变回标本，但是人类与朱鹮再度和谐地共舞在同一片蓝天下。
这其实是古代传说里最常见的神女思凡的桥段，也是穿越了千年时光依然不能在一起的悲剧，但是因为模糊了梦境、传说与现实的界线，使得人们也能够忽略掉一切具象性的特征，而是单纯地由抽象性的角度来感受舞剧带来的一切体认。所以在最后一幕的时候，观众会觉得人鹮共舞、世界清明，太美好了，但是为什么还是会不住地流泪呢？因为千年之后的老人最终还是失去了他的鹮仙啊！
有时候我们并不需要特别具体的情节描述和特定的人物形象，一个意象所代表的角度或者清晰与否也是因人而异。有的人以世间大爱的角度来看这部舞剧，那么结局就是圆满的；有的人以老人和鹮仙的爱情故事来看这部舞剧，那么结局就是一个让人永远都不能释怀的悲剧。
【后记】
看完舞剧之后特别想二刷，无奈找不到合适的时间地点场次，只能等待再次巡演或发售DVD，我也特别希望全剧配乐能出专辑。
从看完舞剧到舞评完成，过去整整一个月，有拖延症因素，也受仅看一遍印象不够完善的影响。当时在准备写之前，标题构思了很久，最终定为——
千山万径唤朱颜。
我希望传达的是一种宏大的苍凉之感，一种在苍茫中闪现的极细弱的美好，仿佛随时会被吞噬掉一般。那一抹朱色就藏在某处，可是需要我们踏遍千山去寻觅，去守护，但是无论如何，我们都不能停止追寻的脚步。
也许一失却，就是千年的错过，或者永远的失去……回复赞
上海
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