- 认证【回忆结晶学】黑泽明:从艺术到电影杜若云章认证2018-08-08
To create something, it must be based on memories...
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黑泽明,日本最有影响力的电影导演之一,执导了家喻户晓的《七武士》、《罗生门》、《乱》,外号天皇——最早梦想着成为一位画家。
如果您有心留意,或者热爱电影,可能已经意会到接下来要探讨的问题的妙处:这是一个经久不衰的话题,有关电影和艺术之间的联系。
黑泽明曾经说:“离开原来的行当的时候,我烧毁了我所有的画作,因为我决心永远忘记绘画,就像一句有名的谚语说的那样,‘二兎を追う者は一兎をも得ず’(追着两只兔子跑的人只会一只都追不到)。也正是因为这样的想法,刚开始进入影视圈的时候,我没有进行任何绘画创作。直到我成为了导演,一个需要不断向不同的人传达我的想法的工作,我发现画一些简单的分镜草图会更容易让工作人员我的意图。”
不管是草间弥生1957年在离家赴美之前在河堤烧掉了上千张作品决心和过去一刀两断,还是德国作曲家Karl Hartmann早期在绘画和音乐两个领域之间被割裂、踌躇不定,任何能完成黑泽式的回归的艺术家都是非常幸运的:
黑泽曾经提到过非常有趣同时也是非常重要的一点:当他在试图创作出“好”的作品的时候,往往只能创作出一些平庸之作;而当他集中精力勾勒他对新电影的构思的时候,他无意之中创作的作品却恰恰会让旁人觉得有趣。
黑泽大约是在无意之间撞破了电影传情的承载力,又或许他早已天才般地无师自通了情感之于任何一种影像形式的重要性。虽然我们仍旧需要探讨这种情感究竟应该是像好莱坞一样以观众为本,还是应当像许多艺术电影一样以角色为本,但是单从黑泽描述的他自己经历过的绘画经历来看,黑泽对于绘画和电影之间的关联的体察,构成了他艺术直觉的重要部分。
黑泽笔下的分镜头是可遇不可求的偶然性和对情绪的表现欲两相叠加之下的产物。他的分镜头(绘画作品)从一方面来看是极度功能性的存在,是为了电影服务而诞生的“沟通形式”;然而从另一方面来看,黑泽聪明地利用了电影去呈现包裹在他的分镜绘画之下的社会众生像,这也使得电影从讲故事升华而为传情。从后者这个角度来看,真正指导着情绪和电影的恰恰是他的灵光乍现而画下的分镜手稿,黑泽的电影有许多这些极短的、巧合之下捕捉到的情绪。Samuel Fuller 在戈达尔的《狂人皮埃罗》中说过:“电影就是战场,爱恨情仇生与死,如果只能用一个词,就是情感”。
黑泽式的回归,就是从绘画到电影,再从电影回归到艺术本身。
除了黑泽天才般的艺术直觉以外,另外一个值得探讨的问题,是时代语境。不管是作为画家还是导演,黑泽都在贯彻他的个人风格:不仅受到了强烈的来自传统日本绘画的影响,同时吸收了欧洲印象派和表现主义的特点。能够同时对东方和西方思潮作出回应,对于1940年代初露头角的日本导演来说是一件不可多得幸事。
1951年在《罗生门》在黑泽毫不知情的情况下获得威尼斯电影节大奖之前,日本电影、甚至是亚洲电影在西方世界的知名度几乎为零,而伴随着黑泽打入国际市场,在西方(终于)涌现出了一些以导演为核心的亚洲电影。而黑泽裹挟在这股浪潮之中,并非单纯的“遇西则东、遇东则西”。《乱》改编自莎士比亚的《李尔王》,却设定在了架空的日本战国时代。《七武士》则带有很多西部片的特点。拿一个不甚恰当的比喻,在上个世纪战后年间的一滩浑水中,黑泽“宛在水中央”。
战后,日本独立美术协会取得了日本具象绘画的主导权,其中心人物在关东的是林武,而他深受马蒂斯的影响,野兽派也紧跟着后印象派在日本洋画派中站住了脚跟。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩,往往用直接从颜料管中挤出的颜料,以直率、粗放的笔法,创造强烈的画面效果,充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。神林恒道曾经评价野兽派与东方传统的水墨有相通的味道。
如果我们尝试以看待日本洋画派自成一派、别有风韵的角度去重新评价黑泽,再结合当时的时代语境(东西方文化正处于一次强烈的冲撞之中),或许会更理解黑泽和他的艺术。因为不论是谁,想要传达的都是充沛的感情,以任何方式。回复9赞 - 认证很不错的一次观剧体验(除了无法避免的要总是在眼镜和望远镜之间来回切换,实在有点费眼睛),邓家佳演得超赞,台词清晰,表演也很有感染力,总之代入感很强(感动得在场很多观众,一把鼻涕一把泪的,全场时不时就有吸溜鼻子的声音)。由于之前大一的时候看过电影,大致记得一些情节,我受到的情感冲击稍微被削弱了一点,但是现场再看到松子的遭遇,中途还是忍不住一直叹气,心里难过得紧。身边一个姐妹一直忍不住吐槽松子恋爱脑,一副恨铁不成钢的样子,我其实完全能理解,因为第一次看电影的时候我也是哀其不幸,怒其不争。但奇怪的是,这次看完舞台剧版,心里只剩下哀了,或许是表演形式的不同?因为电影版其实是悲剧喜拍,一些地方拍得有点点喜剧的感觉,而舞台剧虽然也不乏搞笑的地方(尤其是前期现在进行时的阿笙线,以及回忆中的监狱部分),但涉及女主角的戏份基本上都是偏严肃的演,悲的情节就是悲着演(其实舞台剧的话我个人觉得这样演挺好的,不会有割裂感),加上邓家佳的哭戏实在是好,有几幕充满破碎的美感,再结合过程中不断重复强调松子对爸爸的情感,她总在几个人生转折点忍不住喊“爸爸”,并不住回想起跟爸爸和久美在一起的时光,我就不断被“提醒”,松子如今的状况正是童年时缺少父爱(父亲总偏爱体弱多病的妹妹)导致的,她一直极度缺乏安全感,怕没有人爱自己,所以任何一个男人只要稍微对她露出一点善意,哪怕是虚情假意,她也会用自己全部的爱来回报他们,一想到这些我就更“哀”了,实在“怒”不起来。另一个跟之前看电影不同的感受是,我之前的影评里提到真正爱松子的只有那个一直会对她说“お帰り”的妹妹久美,但这次我发现其实并不是,松子的朋友们,尤其是惠子,也是真心爱她对她好的“贵人”,在看着挚友一步步堕落时试图拉她一把的“贵人”(不得不说,有些时候男人真的不如姐妹靠谱),松子抓住了惠子伸出的援手,她想要振作了,她并不是没有把握住机会,只是命运不给她这个机会。。。到这里,只剩下心疼了,这么凄惨一个人,只是渴望获得别人真心的爱却始终不得的一个人,让人怎么舍得责怪她,怎么舍得仅仅用轻飘飘的一个“恋爱脑”就来谴责她,来概括她的一生呢?乐合喜剧认证2023-05-15
除去表演,舞台设计也值得夸一夸。那个群演拼起来的火车,还有结尾松子落入江中,水中那些代表松子每一个人生阶段,每一段感情的重要物品在她身边“漂浮”的那段,都设计得挺好的。(以及,松子在水底,身躯先是刚落水时手和腿抬起的姿势,后来随着“水”浮动,慢慢躺平下来那边,也表演的好好,那姿势我看着都觉得腹部酸的很,暗暗赞叹小姨妈核心力量很可以hhh)
总之,真的很感谢演员们带来如此精彩的演出,非常满足!回复赞 - Lv4#上海海昌海洋公园游玩攻略#happy-sirLv42019-09-16
上海海昌海洋公园位于滴水湖畔,有6个大型动物展示馆,分别是南极企鹅馆、海兽探秘馆、冰山北极馆、海底世界馆、火山鲸鲨馆、珊瑚水母馆。三个剧场:虎鲸剧场、海象剧场、海豚剧场。游乐设施:火山漂流、海豚过山车、时空缆车,天幕影院、超感4D影院等。
明星剧目:《虎鲸科普秀》《海豚奇缘》《白鲸之恋》《海象嘻戏记》《人鱼童话》等。
交通:地铁16号线到临港大道站换1135路。自驾,公园旁有多层停车场1600个车位,按次收费50元/次。
餐饮:海洋公园可以带水和食物。
预计到会大客流,我们在8点左右到达公园。当天打卡了6个大型动物展示馆、3个剧场、看了5个明星剧目,完了2个游乐设施,看了一场4D影院。基本主要的都玩到了。
6个动物展示馆都不用排队(不限流的话),其中冰山北极馆、火山鲸鲨馆、珊瑚水母馆这三个馆还是不错的,可以看到不少东西。其它三个南极企鹅馆、海兽探秘馆、海底世界馆比较鸡肋,基本没啥东西,逛一下就出来了。其中冰山北极馆,可以看到北极狼、北极熊、白鲸,白鲸定时有《白鲸之恋》演出;火山鲸鲨馆可以看到各种鲨鱼,定时有《人鱼童话》演出,外国美人鱼在水中展示各种姿态,表演非常的不错。
三个剧场的剧,最好的肯定是《虎鲸科普秀》,在国内虎鲸很难看到,表演也很精彩,需要早点去抢座位,前排要防止被水溅到。其次是海豚馆的表演《海豚奇缘》,海豚跳的很高,游的很快,落水彩色幕也很漂亮。最后是海象馆的《海象嘻戏记》,海狮很活络,海象很笨重,还有客串的鹦鹉。这三场演出需要合理安排好时间去看。
游乐设施的话,如果你玩过迪士尼或者其他的过山车、漂流,其实都差不多,而且需要排队。时空缆车连接冰山北极馆和火山鲸鲨馆,可以看到园区的全貌,还是需要去坐一坐的。水上飞人也挺精彩的,路过看到一点。超感4D电影也还可以,两只企鹅的奇幻旅程。
游玩路线,进园建议先去排海豚过山车,75秒玩好直接去火山鲸鲨馆,看完人鱼表演表演,排队坐“时空缆车”到冰山北极馆。根据时间选择去虎鲸剧场看《虎鲸科普秀》或者游览冰山北极馆(含看白鲸之恋),我们是先看了《虎鲸科普秀》。之后,可以选择参观企鹅馆和海兽探秘馆,在企鹅馆里的企鹅餐厅吃晚饭,饭也吃了馆也逛了。之后,选择看海象剧场看《海象嘻戏记》,参观冰山北极馆。之后,去海底世界馆、珊瑚水母馆,根据时间去海豚馆看演出。傍晚我们又去了超感4D影院。漂流实在排队人太多就放弃了。
总体,路程有点远,建议自驾,停车收费50一次合理,吃饭可以自带解决。园区也不是很大,公众号(建议提前关注)可以查场馆、排队时间、演出时间很实用。合理安排,一天基本都可以玩到。希望对大家有帮助。
happysir1回复5赞 - Lv4今日起,对王传君路转粉🌹静の呼吸Lv42018-04-24
我没怎么看过《爱情公寓》,但我还是“认得”关谷神奇的,可是现在的王传君看起来跟关谷完全没有任何关系。
度娘说,爱情公寓结束后,他从观众面前慢慢淡去,期间因故传闻“被封杀”,直到《罗曼蒂克消亡史》他再次出现在观众面前。(😂我这就回去补完电影🎬)然后他说,他以后只会演电影和话剧。
2016年8月,在1933微剧场,一个剧本朗读会,两个来自台湾的剧本,第一个就是王出演的《水中之屋》,还记得当时王就已经留着长发胡渣,一袭黑衣,颠覆以往的形象…那时候,只是对于曾风光无限的电视剧明星,退居话剧舞台,存在疑惑和好奇🤔
这次的《抄写员巴特比》,演后谈有位女观众是哽咽着提问的,王在舞台上的演绎,每个观众接受传达到的东西都是不一样的,她被打动了,而且非常抵心...对这部戏本身我并没有像她那样激烈的触动,但反而是“哽咽”这一点让我有会心的感动。看到一部好戏,真好。
2018年4月,我重新“认识”王传君,在舞台上的表现,有错词的时候,竟然还会吐舌头像无事发生般说回正确的;观众走动或发出声响,他还会结合台词顺着下去,化解剧场观剧气氛的尴尬;他不时冒出句上海话,有点突兀但又完全贴切台词意义表达!也是全场迭起的笑点所在!整部剧并不欢乐,王饰演的律师对于巴特比毫无办法,甚至对自己也是... “我倾向于不...”这句魔性的咒语,贯穿始终。I would prefer not to...这个的翻译,之前看过文章,果然剧组是有研究斟酌过的!两个人的“独角戏”,第一次看到这种形式的,觉得特别巧妙精彩,苏力德老师的配合很好的推动剧情,也能让观众更容易理解故事到底是怎样的,都发生了些什么?
看过一个人的独角戏,惊叹演员的台词功底之余,难免还是觉得有点累。《抄》全剧1.5小时多点,两万多字的台词,王真的就像是在自己家跟我们讲故事,不时与观众互动,与苏力德老师的交错,这样的“独角戏”就十分有意思。我盯着一个人,但又不是一个人;看起来是两个人,其实是好几个人;真的只有两个人吗?巴特比每次回答“我倾向于不”的时候,面色平和,态度平静,孤独又寂寞...
王在演后谈回答一男观众关于本剧的“核”在哪里的问题,他抢答到:“你看到的是什么核,那就是什么?每个人看到的都是不一样的。我不能告诉你我的认为,因为我没有必要把我自己认为的强加于人,所以这个无法回答。”
《抄写员巴特比》4/19首演于黄浦剧院,会演至4/29
——记于20180420回复13赞 - Lv4看《宝岛一村》之前,怀抱着很大的期待。因为王伟忠,因为冯翊纲、屈中恒、宋少卿,因为我喜欢的“大时代下小人物的悲欢”题材,当然,最重要的,因为赖声川。我是被第一版的《暗恋桃花源》带进舞台剧的世界的。这一次对我来说,背景、演员、题材,再加上导演,万事俱备,只欠观众在台下感动而已。阿里里Lv42023-05-11
近三个小时的演出结束后,在献给演员们的经久的掌声中,我坐在保利剧院二楼的座位上,看着楼下舞台上脸庞不那么清晰的王伟忠和赖声川,默默许诺自己,明年,如果宝岛一村还来北京,还在保利剧院,一定要给自己买一张前三排的票。
这是一部超出了我预期太多的作品,即使我已经保持着极大的期许。
《宝岛一村》是一部很直白很实诚的作品。无论是故事本身,还是讲故事的手法,人物形象的塑造,甚至情感的表达和宣泄都非常的直接干脆。大陆老兵们对故乡的眷恋,对党国的忠诚,对新生活的不安、绝望与希望;第二代眷村子弟的成长、逃离;军眷们的人生起落、甘苦自咀。从头至尾,几乎没有任何观众会难以理解的对白、桥段或是其他元素(除了那个贯穿首尾的极具象征意义的陆奶奶)。《宝岛一村》是一部完全不炫技的作品。重剑无锋,大巧不工。赖声川把时代、民族、个体汇成一把玄铁重剑,一挥之下,情感溃堤。中国人通常认为,一件事做到极致,反而会看上去走向了反方面。大工便是不工,大巧便是大拙。《宝岛一村》电视剧般的通俗易懂之下,是赖声川绝对大师级的控制力。笑和泪,喜剧和正剧,王伟忠和赖声川,这之间的转换与融合,精准无比,浑然天成。
《宝岛一村》是一部煽情的时代大剧,是三代人的历史。这种戏本就是催泪大杀器,又赶上导演选择了最通俗易懂的手法来讲述故事,从第一幕开始,一直到最后那漫长的献给演员的掌声结束,我一直听到身边压抑却清晰无比的啜泣声。当然,我自己也是众多在黑暗中拼命压抑自己的死要面子的观众之一。从剧中升旗时,老赵拿出那面破碎不堪的旗,然后在老婆追问之下,告诉他那个背着这面旗死在了抗日战场上的自己的好友,就是真正的“老赵”;到众人在眷村度过的第一个除夕夜里,老兵们合唱《松花江上》;再到老赵请小黄师傅为自己的岳母打一口十元钱的棺材。初到宝岛一村的这第一部分,我已经双眼泛红,苦苦压制着自己心中迅速汇聚起来的人类世界中永恒存在着的一种情感。
这种情感叫乡愁。
李安当年在观看《暗恋桃花源》之后,哭得泪流满面,他说他在这部戏里看到了“无尽的乡愁”。李安、赖声川、王伟忠那一代的台湾人,从小在台湾长大,但是他们的父母,却是地地道道的外省人,他们操着各省的方言,只吃得惯家乡的食物,听不懂闽南话,吃不惯面线。他们来到台湾,很多人一辈子就再没回到过家乡,他们的故事,他们的乡愁,被他们的孩子听到、看到,然后这些孩子,从嘉义去了台北,从屏东去了美国,这些孩子,他们有两个故乡,大陆上,父辈的故乡,以及太平洋上,那座被称为亚细亚的孤儿的宝岛。对李安们来说,乡愁在他们既来自于他们的血液,也来自于他们自身的生活。
《宝岛一村》也里满是这样的乡愁。三代人,四种乡愁。
老赵岳母,北平知名酒肆的老板娘,那个教会朱妈妈包天津包子的老人家,她的乡愁,简单而悲伤。大限将至,却被迫逃难远离故土,然后客死他乡。她的乡愁,是《宝岛一村》里的第一种乡愁。
老赵、老朱、老周、赵妈妈、周妈妈们对海峡那边故土和故人的怀恋,是第二种乡愁,一种大时代胁迫下,个体毫无抗争之力的悲剧式的乡愁。这是动荡年代最常见的乡愁,也是我眼中最畸形的乡愁,像是一棵树被连根拔起移植去了别的地方,它的根须具在,却失去了原有的土地。它还是原来那棵树么?这些1949年迁移去了台湾的大陆老兵,伴随他们的一生的对故土的怀念,在第二代眷村人出生后,却又渐渐混杂进了,对这个孕育出他们下一代新生命的宝岛上的小小眷村的乡情。就像老赵说的,“宝岛一村就是家”。他们生活的地方变了,他们的妻子儿女变了,他们的人生变了,他们的故乡呢?似乎也在改变着,由一个,慢慢变成了两个。 于是,当后来宝岛一村拆迁,他们的乡愁也终于由一个变成了两个。
宝岛一村的第一代原住民,大毛、大牛、二毛、大车、小毛、周胖,他们也有自己的乡愁,而且是两份乡愁,同他们的父辈很像,却又不同。他们一方面继承了父辈的乡愁,像继承了基因一般。大陆上的那个故乡,是父辈们在茶余饭后,在逢年过节,在酒后,在深夜,在有意与无意间强行印刻在他们脑袋里的。而另一方面,这座见证着他们出生长大,承载着他们青春叛逆的眷村,才是属于他们自己的故乡,而离开这座故乡,造就了他们自己的乡愁。大牛、大毛、二毛、小毛们的离开家乡,其实再正常不过,子女离开父母,建立自己的新世界,这是自古有之的事情,而到了工业时代,人的流动更是变成了社会的常态,于是背井离乡的乡愁自然也成为了这个时代再正常不过的一种情感。大牛踏上去往美国的轮船,直到最后宝岛一村被拆除时才回来,大毛和他差不多。周胖去了美国读博士,便彻底抛弃了那个令他青春期无比痛苦的继父的家庭。小毛和二毛倒是经常回到宝岛一村,可是,也不过是吃个饭住一晚而已。父辈们因为时代,因为战争,因为政治而无法归家。如今小毛们不再被战争和政治所左右,可是背井离乡仍然成了绝大多数孩子的命运。于是,对于小毛们来说,那座将要被拆除的宝岛一村,和海峡那一边,他们父辈的故乡,终于慢慢重合,成为他们只留在他们记忆中的故乡。这份由二化一的乡愁,是第三种乡愁。
最后一幕,当死去的老赵,在宝岛一村拆迁的前一夜,在老邻居们欢聚一堂的那一夜,突然出现,对小毛念出了那封被他遗忘在老房子里的那封写在小毛满月之日的信时,我终于也在黑暗中成为了默默流下眼泪的观众之一。家就是宝岛一村,宝岛一村就是家。离开家,就有乡愁,有乡愁,就意味着我们拥有着一个家,拥有着一方故土。赵妈妈拆下“宝岛一村99号”的门牌,因为担心老赵将来找不到新家。这一刻,老赵的故乡,变成了那个生活着他的妻子儿女的家,他的乡愁,就是那一方小小坟墓,他在里头,家在外头。全剧落幕前,我看到了第四种乡愁,横在生死之间的无尽的乡愁。
乡愁不仅无尽,而且永存。套用徐克的话“有人的地方就有乡愁”。就像最初的人类从非洲大陆走向世界各地;像五胡入华;像宋人南迁;像五月花号抵达新大陆;像王伟忠离开嘉义,来到台北;像赖声川从美国回到台湾;像我们因为学业工作或者任何理由而来到一座新的城市;像我们离开这个世界,再也回不去我们生活过的那间客厅,那间卧室。我们离开过去,我们创造现在,然后看着新的生命离开他们的过去,创造他们的现在,看着生命延续,看着未来一直在我们眼前。
乡愁不仅是艺术作品永恒的主题,也是生命的永恒主题。
几句题外话:
小毛们的乡愁我最熟悉。我也是一个一直离开故乡的人,而我的爷爷与外公,他们那代人,则像老赵们,是拥有第二种乡愁的一代人。我的爷爷是河南许昌人,年轻的时候为了生计,被迫离开家乡,带着我奶奶来到郑州,然后生下了我的父亲。爷爷几乎没怎么回过他生长的故乡,至少在我有记忆以后,一次也没有回去过。我的外公是湖北松滋人,年轻时候赶上抗日战争的末端,一边躲日本人一边一个人跑到武汉求学,然后上了军校,跟着部队来到河南,遇到了我外婆,生下了我母亲,从此在开封落叶生根,再也没有回过松滋。2000年左右,我们陪着外公去了趟武汉,见了几个旧友,外公想回松滋看看,但是最终没能成行。从此,直到外公去年去世,老人家一生再也没有回到过故土。外公常跟我讲他小时候的事情,讲松滋的山和水,讲他小时候如何过新年,如何下河抓螃蟹,如何在夜晚捉黄鳝。我的爷爷与外公,他们是有根的一代人,他们对我来说就像是真正从家乡的土壤里生长出来的农作物一般。而我不是,我填写各种资料时,籍贯是许昌,出生地是郑州,我中学在开封我母亲的故乡,大学跑去了广州,如今又在北京生活。也许几年后我又会更换一座新的城市。我离开的故乡的岁数未必比我的爷爷与外公们小,然而故乡和我之间的羁绊,却远远弱于老人家们。我一直觉得像我在城市生长大的孩子,在楼房中长大的孩子,在钢筋水泥中长大的孩子,就像是如今城市中人们最爱的绿萝,是得不到土壤的植物。我们寻着自己的根,也未必便能找到故土。《宝岛一村》像《暗恋桃花源》一样,给我心头来了一记闷拳,不仅写作,生活也要找到根,无论是黄土地里麦子高粱和根须,还是玻璃花瓶的水中,同样拼命生长的绿萝的根须。回复赞 - Lv5由大船文化引进的澳大利亚国宝级踢踏舞剧TAP DOGS《踢踏狗》于12月13日至16日在ET聚场(上海共舞台)上演,之后将陆续到其它城市巡演。导演/设计师:奈杰而·特里菲特,编舞:迪恩·佩瑞,作曲:安德鲁·维基,演员:ANTHONY RUSSO、CHAISE ROSEILL、JUSTIN MYLES、NATHANIAL HANCOCK、REID PERRY、SAM MARKS、Nathan Beech、Richie Miller、NORIKO TERADA、CATARINA PERCINIO。好习惯Lv52018-12-19
导演:奈杰而·特里菲特被公认为澳大利亚和国际视觉影效领域的领导者,在30年的职业生涯中拥有令人印象深刻的记录。可以说他最成功的项目是Tap Dogs,Tap Dogs已成为澳大利亚最大的出口产品之一(已在全球250多个城市巡回演出)。
编舞:迪恩·佩瑞已经在娱乐行业工作了三十多年,他创造了真正的演艺界商业现象TAP DOGS。1991年迪恩组成了踢踏兄弟(TAP Brother),即是现今红遍半边天的踢踏狗前身。1995年伦敦西区特别邀请这个极具新意的踢踏舞团队制作了一部全新踢踏舞剧—《Hot Shoe Shuffle》一举成名,迪恩成为了最年轻也是第一个荣获英国奥利佛奖的澳洲人。1995年1月,掀起美式踢踏新风格的TAP DOGS《踢踏狗》正式和舞迷见面。
看这部舞剧是因为有活动免费观赏,所以想看一下这部剧和上一次看的《破铜烂铁》有何不同。本剧豆瓣历史评分7.7分,言归正传讲剧目。(观后感涉及部分剧情,请谨慎阅读!)
演出简介:这是一个只有6个演员而且是纯男团“脚斗士”,为你带来强劲的阳刚美感和炙热的双腿辣舞秀。《踢踏狗》既有充沛的男人气概,也有“逗你玩”的乐趣。
主要演员:
ANTHONY RUSSO 15岁时在密苏里州圣路易斯的一个剧院参加了Anything Goes的试镜,并成功参与演出。他也曾仅凭在纸上绘画微笑脸脱颖,获得了太阳马戏团的演出机会。参加了第六届Tap Dogs全国巡演,他为此甚至放弃了自己的高中学业。
CHAISE ROSEILL 5岁时便开始学习跳舞和唱歌,10岁便开始上台表演。他和Jamelia、Barry Humphries、Delta Goodrem、黑眼豆豆、Jessica Mauboy等知名艺术家都曾有过合作。2007年他加入了享誉国际的Tap Dogs,自此开启了他超过10年的巡演历程。他不仅热爱表演,还热爱制作、指导和编舞。他会制作剧目并且参与演出,并且一直在不断的创新。
JUSTIN MYLES从3岁开始跳舞打鼓,主修芭蕾舞和爵士乐。他还是匹兹堡剧场舞蹈团的公司成员,为派拉蒙、布希花园和迪斯尼游轮公司担任主唱、舞蹈演员和舞蹈队长。在百老汇演出期间,在北美和南美参演STOMP《破铜烂铁》。此次跟随TAP DOGS《踢踏狗》来到中国,他已经迫不及待想向中国的观众朋友们展示他的舞台活力与热情。
NATHANIAL HANCOCK接受过世界上最优秀的训练,在Jason Samuels Smith、Savion Glover、Dein Perry等人的指导下学习过。他是Street Feet 娱乐公司和澳大利亚Tap公司的创始成员,也是Tap Dogs巡演的重要成员。过去的7年里,他跟着Tap Dogs去过欧洲、亚洲、巴林、阿联酋、澳大利亚和南非等国家。
REID PERRY在他的父亲Dein Perry影响下童年时便开始了“Tap Pups”的舞蹈训练,在2016年Reid首次亮相Tap Dogs。他目前正在悉尼国际学校学习表演艺术,他与来自A Chorus Line剧团的Zach,以及Marcia Hines等澳大利亚名人一起合作演出过。这次来到中国,是他第一次参加Tap Dogs的世界巡演。
Sam Marks参演过《雨中歌唱》、《悲惨世界》、《绿野仙踪》,之后开启了他的职业生涯。他参演过许多音乐剧,如《猫》、《女巫前传》、《南太平洋》,《雨中歌唱》、《你好,多利》和《蓬岛仙舞》,表演功底深厚,舞蹈能力非常出众。在2010年Sam加入《踢踏狗》,在伦敦、法国、意大利、巴林岛、迪拜、中国台湾、新加坡和悉尼都参与了巡演。
这部剧曾经作为悉尼奥运会开幕秀,在世界巡演过370个城市。据说是当代踢踏舞的鼻祖,被澳大利亚政府定为国粹。
本剧一共6位男团成员负责舞蹈表演,两位妹子负责打鼓等伴奏。演出当中有水中踢踏舞环节,所以坐在第一和第二排的观众建议穿上剧场提供的临时雨衣防止被水花溅到身上。关于这部剧的辉煌历史和口碑在票务等宣传媒体上都有,我就不再多做赘述了。
这次我拿到的票是在第三排的左侧区域,由于演出当天左侧区域靠当中的位置没人坐所以我挪到了当中改善了视角。这次演出由于又是国际化团队的知名演出,所以到场观众中不乏外籍人士。
和上一次看《破铜烂铁》一样,演出过程中有烟的时候主要飘散区域往前排当中开始发散,所以坐边上可以少吃点烟。做一排的观众果然穿好了雨披,演出过程中水花其实溅的还好。
表演风格上该剧有点类似我以前免费看过的舞剧《破铜烂铁》,在诙谐风趣的气氛下利用各种道具、布景来跳不同节奏组合的舞步。
区别上《破铜烂铁》利用各种道具发出声音伴奏形成韵律节拍,而《踢踏狗》本身有伴奏,无伴奏情况下利用舞步打出的拍子与阿卡贝拉有异曲同工之妙。
表现形式上还是很多样的,一些套路令人眼花缭乱。前台地板上的五组收音的麦以及其他收音麦,配合舞鞋脚尖和脚跟特别设计的材料把敲打撞击底板后发出的清脆有力的节奏声清晰的体现了出来。
摇滚乐配合演员丰富的表情和各种节奏的舞步达到了一种珠联璧合的震撼观赏效果,令观众欢呼雀跃。
此次灯光设计主要用来追光演员走位,以及配合场景切换明暗度。比如在电锯钢花飞舞那段表演就用了很暗的光,反衬出火花四溅的奇妙效果。
演员用手电筒灯光切换的表演段落就彻底关灯,利用手电筒光源演员的有规律切换表达效果。这和《破铜烂铁》中用打火机的火光切换表演是相同设计原理,明暗交替容易产生强烈的反差视觉感。
服装方面基本都是以体恤衫为主,不过SAM是光着上身的。我看的那场NATHANIAL一条腿上好像还绑了类似绷带一样的东西,不知道是否之前腿受过伤。
音乐方面摇滚乐配踢踏舞确实很有现代感,演员舞步节奏和音乐配合相得益彰。两位女生在后面专门设计的位置打鼓以及各种乐器伴奏,这两位和6位男演员一样也是资历不浅。
Noriko Terada在3岁开始弹钢琴,7岁开始接受古典芭蕾舞训练,12岁时爱上了打击乐,高中毕业后在东京音乐学院接受培训,2007年她获得了伯克利音乐学院的奖学金。她与许多知名艺术家合作过,包括Alan Silvestri(电影回归未来的作曲家),Don Was(滚石制作人),Angelique Kidjo(格莱美奖歌手),Nobuo Uematsu(最终幻想作曲家)等。
CATARINA PERCINIO的音乐生涯始于8岁,她会演奏的乐器数量多种多样,包括马林巴琴,木琴和定音鼓,以及铃鼓,钹和低音鼓等交响乐器,以及许多民族和节奏乐器。她在圣保罗最好的音乐学院之一的Universidade LivredeMúsica学习管弦乐打击乐,她在圣保罗州立大学(UNESP)获得打击乐奖学金。曾在众多专业乐团演奏,包括着名的Duo Labeque,并与Frank Shipway,John Neshling和Neil Thomson等指挥家合作演出。
布景道具方面设计我觉得很有想法,比如可以移动拉起固定的地板成了立体阶梯或斜坡,可以像键盘一样踩出各种声响效果的踏板非常滑稽有趣。
还有身体倒挂着悬在空中双脚在舞台上方的铁板上起舞,还有利用水面和篮球为道具跳舞。其实踢踏舞基本动作技巧都是一样的,如何创意编排组合才是出效果的关键。
整场表演中各种踢踏舞技巧以及搞笑的部分非常精彩,演员当中还要负责调整道具布景十分辛苦。表演当中大家切换休息,完成了80分钟的演出。
大胡子ANTHONY RUSSO好像是领舞,在表演中起到领头作用。我印象当中有段舞蹈桥段是他教REID PERRY舞步,不知道是不是代表着一种艺术传承的意思。整场表现比较调皮的是JUSTIN MYLES,舞步走位比较风骚的是CHAISE ROSEILLO(跳舞时特别喜欢扭来扭去)。
原来印象当中踢踏舞应该是比较仪式感的那种集体舞或者男女配合的舞蹈,而这种非常现代感形式的舞蹈第一次见到令我耳目一新。
历史上这部舞剧曾改编成电影,不过豆瓣分数并不高。究其原因估计是舞蹈不错,在剧情设计方面单薄生硬所致。所以说艺术创作这个东西还是有难度的,并非都触类旁通。
总体看下来我个人觉得演出还是很精彩的,在视觉和听觉上整体效果非常享受。80分钟连续演出非常考验演员们的体力,居然能够坚持下来并且保证整齐和表演效果可见基本功很强。像脚底快速动作对腿部肌肉消耗不小,没有练过的一般人估计吃不消。“台上一分钟,台下十年功。”这句话所以说一点都不假。
在闲暇之余能看到这样一场别开生面的演出还是非常开心的,希望以后有机会能多看一些质量高的演出。满分10分制我打9分(时间再长一点就好了),下一次讲电影《老爸102岁》。(想看图文并茂版的小伙伴可以关注我的微信个人公众号:好习惯吐槽的观后感)回复5赞