- Lv5新加坡原创古装摇滚华语音乐剧《聊斋》于2019.3.28-3.31日在上汽上海文化广场演出,导演:郭践红、编剧:吴熙、作词:小寒、作曲:黃韵仁、编舞:常惠旋、编曲:冯文甫、音乐总监与附加编曲:黄有杰。主演:梁允睿、董姿彦、潘嗣敬、叶贞芳、刘晋旭、刘晓义。好习惯Lv52019-05-03
导演:郭践红身为实践剧场艺术总监、获奖剧场导演、灯光与舞台设计与独立制片人,导演郭践红是一位全方位的艺术创作者。她将艺术理念体现在实践剧场的作品当中,涵盖的范围广泛,超越了主题、体裁和形式。
她是新加坡华语音乐剧的幕后功臣,制作了广受欢迎的音乐剧如《天冷就回来》、《老九》及《聊斋》。此外,她带领一组横跨世界各地的演员,完成了一部具有实验冒险精神的演出《六根不宁》,这也是华艺节首次委约新加坡本土剧团在滨海艺术中心剧院呈献的大制作。同时,她也积极地发展及推广青少年剧场,创作的《小问号》系列获得奖项肯定,并且主推了由三个项目组成的《儿歌新唱计划》。
编剧:吴熙是中国戏剧工作者,身兼戏剧导演、表演教师和编剧之职。目前是深圳大学表演系副教授。吴熙在戏剧创作及教育领域,工作已超过20年。他曾经在2002至2006年担任新加坡实践剧场的联合艺术总监,也曾同多个国内外艺术团体合作,包括广州话剧艺术中心、上海话剧艺术中心、日本黑帐篷剧团、澳门晓角话剧研进社等。他擅长执导原创类戏剧作品,参与编导演出40余部,这些作品在多个国家和地区进行演出。
近年主要编导作品包括:新加坡实践剧场《六根不宁》、《聊斋》、《铸剑》;广州话剧艺术中心《受害者》、《禁闭》;上海染空间的《三生三世十里桃花》和《脑蒸发》。
作词:小寒是七届新加坡金曲奖“最佳作词人”、两度台湾金曲奖入围者,曾为EXO、陈奕迅、蔡依林、方大同、林忆莲、蔡健雅、华晨宇和孙燕姿等一线歌手作词。
除了国庆歌曲,她也为《老九》、《聊斋》、《风画南洋》 等音乐剧作词。小寒也是一位作家,为《联合晚报》撰写专栏,发行过五本著作:《眼泪是胶囊》、《无指幸福》、《回不去的候车站》、《幸好我不是满分女生》和《优生学院》。
作曲:黄韵仁是亚洲流行乐坛举足轻重的音乐人之一,更是许多顶尖歌手争相合作的作曲人、制作人和编曲人。他曾为知名歌手打造多首经典歌曲,当中包括林忆莲的《纸飞机》、蔡健雅的《双栖动物》、张惠妹的《人质》,以及李玖哲荣获HITO年度K歌2018《Will you remember me》。
他的音乐才华更延伸至音乐剧如《老九》以及电影《拆弹专家》。他也是周华健巡回演唱会的长驻乐手,曾在北京和伦敦等地演出。
看这部音乐剧是因为很好奇摇滚和聊斋两个元素组成的音乐剧是何效果,所以去看一下这种混搭后的戏是否好看。该剧在豆瓣上目前评分6.4分,言归正传讲剧目。(观后感涉及部分剧情,请谨慎阅读!)
剧情简介:
故事讲的是风流书生桑晓爱上了狐妖婴宁,经过一番死缠烂打终于夺得芳心。不久后,他又恋上女鬼封三娘,被欺骗喝下毒药而成了替死鬼。对爱执著的婴宁,决定不顾一切到阴间救回情郎,才发现……
主要人物:
婴宁是个小狐妖,一次集会上偶遇书生桑晓。她被桑晓的追求打动,但是之后的爱情之路非常艰辛。
桑晓是一个有才华的书生,但在感情上非常糊涂。他既喜欢古灵精怪的婴宁,又痴迷对爱坚贞的封三娘。
成半仙是个正义感很强的道士,但是他的水平离得道还有很大距离。他认为妖精都是害人的,一次抓妖途中与书生桑晓成为挚友。
封三娘是个生世悲惨的水鬼,她必须在水塘边骗人喝下水莽草后找到替死鬼才能转世投胎。她其实不想害人,但为了与转世投胎的恋人相见而骗了桑晓。
这部出自新加坡实践剧场的古装音乐剧2010年开始首演到现在是经过不断精炼并再度审视的创作,当年扮演桑晓的演员现在扮演了阎罗王。该剧不仅是新加坡华语音乐剧发展史上重要的一大步,它也是新加坡艺术工作者的代表作。创作初衷是截取蒲松龄《聊斋志异》丰富的文学世界,与摇滚乐的原始粗旷的并列对比。新加坡《联合早报》评价其为“一篇关于爱、成长、付出与救赎的浪漫寓言”。
据说本剧以故事《莲香》为主框架,糅合了《水莽草》的游戏规则、《婴宁》的角色特征,又从《封三娘》《崂山道士》等百余个其他故事中吸取不同元素,创作出一个全新的爱情故事,讲述了天真烂漫的狐妖婴宁、风流倜傥的书生桑晓、一往情深的水鬼封三娘和嫉恶如仇的道士成半仙在阴阳两界错综复杂的命运纠葛。
这次我买到的打折票在比较靠前居中的位置,估计是知名度上座率的关系导致价格优惠。我看的那天音乐剧开始不久就出现电力设备故障导致演出中断,不过当时所有演员都井然有序停了下来非常从容。快速修复后剧情又倒前了一点继续演出,体现出演出团队的训练有素。
整个音乐剧虽然是古装扮相,但是故事中对于爱情的表达非常有现实意义。相比音乐剧《赛貂蝉》这部剧的曲调和歌词都非常现代化,曲风上除了摇滚外还有流行、说唱等多种风格。我个人觉得音乐的部分要好于本剧的故事,歌曲非常契合故事中人物要表达的情感和思想。
故事方面其实是一段四角恋,如果单纯从《水莽草》的故事角度人物应该叫寇三娘而不是封三娘。封三娘在聊斋原著故事里其实是个狐妖,而《莲香》中也是桑晓和狐妖以及女鬼的三角恋故事。本剧的设计来说我估计只是想用四角恋来增加故事的戏剧冲突,最终的结局反转和主旨还是回归到对爱情的忠贞和付出上。
故事中的几位人物设计个性鲜明,走位有点戏曲的步伐感觉。故事是由桑晓在地府讲述自己生前爱情经历开始的,地府里的小鬼看来平时无聊也喜欢八卦。我个人觉得故事里老狐狸婴无惑和阎罗王喜感最强,他们的声音也很有特点。桑晓喜新厌旧的表现感觉有点像许志安,反衬了婴宁和封三娘对于爱情的勇敢和专一。
本剧的布景道具设计大多比较写意,这样道具可以改成奈何桥也可以改成其它东西。成半仙被卡在树里就很有立体感,舞台还设计了一个去地狱的向下入口非常有意思。
服装方面衣服搭配和人物也很相符,比如婴宁作为狐妖的衣服上有白色绒毛,阎王的行头金光闪闪显得很尊贵、小鬼们的衣服以红黑两种颜色为主,与地府的环境气氛很配。
剧中地府并没有太阴森恐怖,只是一个安排对鬼分类处理的执行机构而已。小鬼们敬畏的阎罗王看遍了各种各样的人,喜欢喝时光酒也会为了主人公的遭遇而落泪非常有人情味。我觉得这样的设计处理非常人性化,他对两位男主的测试可以看作对人性的考验。
本剧故事的现实意义我觉得在于男女两性如何看待和理解爱情,婴宁作为情窦初开的少女对于爱情是非常看重的。她对爱情的渴望其实是对人类情感的好奇和对爱情的憧憬,因为狐狸只讲交配没爱情。因此对于才子桑晓的撩拨缺乏抵抗力,换言之她缺乏辨别渣男的能力。有时选对象不能光看外在如何,而是要了解清楚对方情况后再决定是否成为情侣比较安全。
反观桑晓这个人物明显是外貌党,难怪在地府他回答婴宁时很多观众都非常惊讶(骂他是渣男的观众估计不少)。始于颜值倒也不能算错,但是见异思迁就比较渣了。漂亮姑娘像一道光芒射进了他的心,但是爱人不在身边就经不起诱惑耐不住寂寞这不是渣是啥。我最反感这种上家还没拗断就找下家的人,况且他对于封三娘的爱更多是同情和倾佩占大比例。如果不是封三娘意志坚定要原配,那容易心猿意马的桑晓会如何选择恐怕就是未知数了。就算他真的并非是朝三暮四的男人,那至少说明对于爱情他的理解和处理很成问题。
演员的声线都很有辨识度,故事中表达的悲欢离合也令人动容。扮演婴宁的董姿彦属于爵士曲风的女歌手,所以轻柔的歌声正好适合这个外表柔弱、可爱但内心坚强令人心疼的角色。扮演桑晓的梁允睿带有鼻腔音的声线听上去也很舒服,他与其他演员表演上的互动体现了资深的专业水准。扮演封三娘的叶贞芳我觉得演唱方面表现最好,有丰富音乐剧表演经验同时又是创作型歌手的她在高音部分的驾驭能力非常好。一般唱得好的人听上去感觉就很轻松不费劲,反之会有点声嘶力竭的感觉。
整部剧看下来代入感还是很强的,歌曲也还是非常带感的。特别是一些慢歌和男女对唱的部分我听上去很顺耳,比如《抱紧》、《什么是爱》、《何去何从》都很喜欢。剧中有亲情、友情、爱情,而人妖鬼情感间的选择和碰撞组成了这个奇异又感人的故事。不过剧中的一些戏份其实并不适合小朋友观看,而且新加坡式的国语有点让人出戏。让我想起了小时候看过的新加坡电视剧,幸好看了一会儿就适应了这种口音。
本剧的歌曲虽然还算好听,不过就故事来说人物的感情进展缺乏足够的事件驱动导致可信度不够。所以对于人物的种种选择缺乏说服力,不过故事还是幽默与感人兼具的。满分10分制我打7.5分,下一次讲电影《流浪地球》。(喜欢图文并茂版的小伙伴可以关注我的微信个人公众号:好习惯吐槽的观后感)回复4赞 - Lv2首先想说,这几天单曲循环的,都是这首歌,抚慰心灵,涤荡灵魂。歌词大意“怀有敬畏的想象”,就好像对照呼应着《12个人》故事想要告诉我们的,“保持合理的怀疑”......站内采购Lv22023-05-13
上话舞台版《十二个人》,带给观众的冲击力、带给观众的自省思考,是我看一遍就爱上且决定n刷的不二理由!上话版《十二个人》其严密的逻辑性,完全符合我所喜欢的1957年美国版黑白电影《十二怒汉》。剧场版相较于电影版本,最大的优势,就是演员更能直观饱满地呈现“怒”的成分,作为观众更能近距离沉浸式地体会、接收到“陪审员”“怒”的成分!尤其是严丝合缝、卡点精准的舞台走位,掷地有声、句句扣击心海灵魂、字字敲醒内心公正与勇气与生命尊严的台词设计与节奏!
很荣幸,这场近2小时唇枪舌剑、鏖战群雄、酣畅淋漓的激辩,不仅于法律理念输出上引人深思,在层层递进、扣人心弦地抛出关于人性与社会等严肃而沉重的话题上,更是“不留情面”,发人深省。
舞台上,十二个“陪审员”
舞台下,无数个“旁听者”
我们跨时空于平行世界里
扪心自问,又彼此聆听拷问
......
P.S.此repo可能涉及细节或剧透
【先说见面会】
下午一个半小时的主创见面会,是我参加为数不多的与观众互动性、观众参与感最强的以及我作为观众能从导演及演员的陈述与分享中收获最多的一次体验。尤其是两位很是专业见地的观众围绕“主创是否需要听取观众反馈”辩题开展的长时间的各抒己见与唇枪舌剑,贺坪老师特意调整座位到舞台前方更能听清观众所讲的内容,甚至还蹲下来俯身倾听,很是耿直可爱~从这里开始到接下来最后的提问环节,导演和三位陪审员都给到了很多很多自己的想法、感受与建议。认真营业,极其恳切~
其中有位观众还是2011年看过《12个人》的老观众,令我有敬佩有羡慕!希望我这些年看的戏,未来的十年,二十年,三十年,甚至更长的时间里,还能再会遇见~
主创见面会一开始还有个环节挺有意思,在三位演员们介绍自己饰演角色后再补充说下自己现实生活中性格特征等各方面最贴近剧中的哪位陪审团成员?5号陪审员“周纪萌”觉得自己生活中更像12号,对任何东西都抱有想象力和想法,冷静做出最后判断;6号陪审员郭林觉得自己更像11号,儒雅内敛不张扬;8号陪审员贺坪觉得自己更介于4、11号陪审员之间,理性将究逻辑;原来此次复排导演徐紫东以前也是饰演2号陪审员的,不太会表达和梳理自己想要表达的内容,有点羞怯和社交恐惧症(果然是摩羯座,嘻嘻~)
而问到四位老师最喜欢美版电影、俄罗斯版电影、英国舞台剧、日本版、上话版等等哪个版本时,贺老师毫不犹豫地说眼前这版~哈哈哈哈,每次演都是最好的呢~ 嗯,贺ls说得很对,看话剧,认准“上海话剧艺术中心”!上话YYDS~
【首刷前后】
12个人,1个密闭空间;没有一个人是坏人,反复说着同一个案件,随着怀疑与争论焦点的轮番夹攻,观众毫无厌倦逆反心理,皆是“越听越要听,越听越着迷”。“戏剧,不是一个答案,是一把钥匙”(下午分享会接近尾声时主持人说到的一句话,出自哪位老师已不记得,原话大意如此)——每个观众从每个陪审员身上get并解读出不同的人性感悟与自我反思,大概是这部原著不断被翻新演练和这出戏剧上演十余年经久不衰、历久弥新的密钥所在吧~
看过好几遍具有超越时代意义的、被称为“伟大的辩证推理片”的1957年版黑白《十二怒汉》,对亨利·方达印象深刻;国内翻拍《十二公民》也在上映不久后刷过一遍,对何冰与韩童生老师的表演最是喜欢。u1s1,这是第一次看舞台改编版,所以大多精力都关注在了演员台词和走位、剧情延展和推进相较电影版有何相似或区别之处了,故而不能面面俱到细致入微地观察到瞥见每一位或在聚光灯下或在墙角落里的陪审员的微表情和肢体形态!而恰恰,面目情态、肢体动态,是上话演员们最扎实的功底与手法之一,也是《12个人》这出戏剧一览无余全程高压暴露在观众视野里最精妙绝伦之处!果然,《12个人》亦是一出值得n刷的戏剧!!!
【舞美】
极简的舞台风格,便于观众沉浸于案件本身。灰色转头砌垒的三面墙,肃冷阴森,舞台正前方刻进墙里的排风扇(复排导演说,舞美这里的风扇位置比之前降低了一些),两边12把椅子,头顶6盏吊灯,似乎也在静静等候陪审团的裁决。
P.S.唯一的遗憾,就是“陪审员坐席”离舞台前沿还有一段,以致于我为了看清演员们的面部表情和具体到手部动作被情绪所带动的细微之处,必须拿起手中的望远镜...... 而且,陪审员讨论刚开始讨论时,是十二人围坐一圈,故而7、8、9号陪审员是完全背对着观众的,而且从每个视角看过去,演员之间又都是相互有遮挡;另一方面,上话演员台词功底扎实稳健,声音洪亮、字正腔圆,舞台上都是不戴麦直接靠原声力量传达到观众耳朵里的,但是此时这样的座位,从视觉与听觉上似乎于观众“不太友好”
【灯光】
灯光好像只变换过两次,一次,12陪审员开席后光线从尚显昏暗微弱到完全高光敞亮,直到最后一位“自视甚高”的陪审员终于投出了“无罪”一票、12陪审员依次拿上随身物品离开“囚禁”他们几小时许久的混沌空间,灯光又逐渐调案,至首席陪审员最后一个,关灯,消逝与观众视线......
【道具】
除了凳子和风扇,还有凶器弹簧刀,小男孩和那位目击者证人老爷爷的家所在楼房的房屋平面图,7号陪审员自带的喊加油喇叭,给陪审团成员准备的水,陪审员自带的口香糖和润喉糖
P.S.一个略显空旷的“讨论室”舞台,只容纳了十二把木质椅子,倒是很符合“一个巨大的、散发木质香味的法庭”的原始素材
【声音】
开篇法官交代这出戏剧背景案件情况的画外音,陪审团开始讨论后门被从外面锁上的锁链画外音,贯穿全场的惊雷轰鸣声,以及后半段局势明显开始倒戈“无罪”后窗外突降急雨声(9号脱去西装外套后开始下雨)......
P.S.再次夸赞一下上话演员的台词功底与舞台表现力!无论是几近歇斯底里的怒吼和叫嚣,还是嗔怪牢骚的私语,清晰咬字的声音都是直接送达到耳朵里的,清晰线索的争辩是有理有据有节的,从陪审员端输出到观众端口的输入,显有信息主观能动“过滤”而造成的意外“损耗”
【动作】
当12陪审员先后紧凑地从后台走上来,隔着一定距离的观众是很难看清他们的脸,更不用说透过长相来区分每一号陪审员了(后续倒是可以从发色、马甲等等区分)。于是,透过台词语气与表情动作,12个人各自的职业与性格等等,立即鲜活分明起来!有了动作的加持支撑,演员的情绪&人物形象更立体、更外显,观众也能读懂12个陪审员为何会有当下如此的既定判断、思维方式与言语出入;再由此观赏其中11人如何一点点扭转自己的成见与偏见
e.g.“假设他有罪呢?”——在一开始只有8号持有“无罪”的合理怀疑时,6号对8号警醒说到,这对8号是始料未及的......下午贺坪老师提到他最喜欢这句台词时有说他在这儿特地做了点动作上的变化已表示情绪的突变,于是晚上我很小心留意——贺老师有个手拽小马甲的猝不及防紧张的肢体语言动作和不知所措震慑的面部表情,但马上又恢复理性勇敢的镇定
e.g.8号利用激将法“挑逗”2号于义愤填膺之下脱口而出“我要杀了你”,这段几乎是3号与8号之间第一番1v1对手戏,在拿刀手势的带动下,情绪爆发与收缩的节奏感,极棒~
【剧本】
关于原始剧本故事Twelve Angry Men,是根据编剧雷基纳德•罗斯(Reginald Rose)的亲身经历改编而成,探讨"合理怀疑"、"疑罪从无"等法律理念。正如贺坪老师在主创见面分享会上说的:虽是国外的原剧本,但我们国内观众在理解上不会有丝毫障碍,因为情感是相通的,无非是语言顺序和俚语等的调整与寻找。复排导演徐紫东也提到,每个人都是一件乐器,他们在舞台上就是一曲交响乐,关键是演员在舞台上的动作以及对谁说话的对象;找到台词的节奏和韵律,当然也会有现场创作。
其实整出戏看下来,轮番提出“合理的怀疑”的着落点与借力打力点,果真和我看过的黑白电影版所差无二,甚至可以说还原度极高!e.g.“打巴掌”与“揍”用词上的区别,凶器折叠刀的诸多疑点,“我要杀了你”这句常见的情绪宣泄语究竟在此案中有何意义,跛脚老头下床走到门口的时间与证词真伪,对街老妇人近视眼与穿着打扮习惯对证词可信度的影响,以及小孩在高度紧张施压情况下遗忘不在场证明的可能性,等等
在细节本土化方面,加入了:陪审员的女儿得了腮腺炎脸肿的像个胖头鱼;同时,剧本也保留了许多原剧作梗:爆米花广告词,热天气感冒,7号催着大家达成一致为了自己能去看球赛,回忆球队比赛那天突遭暴雨......
P.S.只是结尾,“执拗”了整场的3号,就被8号一句“这不是你的孩子”如此简单的陈述句,瞬间扭转观点看法而转投“无罪”?内心的释怀波动、思想的最后挣扎,有点简略、仓促了
【空间走位】
①“12陪审员”一上台先自动按照讨论室里左右两边凳子的摆位分成两列就坐,然后在首席陪审员的指挥下大家拿着凳子围城圆圈坐下;
②再到“有罪”vs“无罪”剑拔弩张硝烟四起之后,之前的“圆”逐渐破圈、慢慢无意有意间被彻底打破;
③到了8号陪审员测算出老头目击证词的纰漏、实验从床上起来开门再走到楼梯口大门的预计耗费时间时,凳子的摆位基本沿着舞台前沿而横向平行着;
④再往后,“无罪”反超领先“有罪”,这时陪审员的空间站位已经肉眼可见的左右各自划分为营;
⑤当无罪与有罪有票比例达成9:3时,舞台不自觉地已经形成左右两侧与投票体量相对等的三角形分区站位——左侧,投“有罪”的三人,狭小的一个三角形;右侧,投“无罪”的十一人,庞大的一个近似等边三角形,与左侧三角形的顶点对立,又随时准备将其倾吞的架势
⑥最后,只剩3号在左侧区域内坐定挣扎,等待着被8号说服......
【时间把控】
近两个小时,演员几乎不停歇地表演,中间也没有黑灯换景转场,这对演员体力该是不小的考验吧~ 演员之间相互默契配合,对音调音量和频率节奏的把握与调配,是我觉得很舒服的,尤其这般高强度脑力轮转的情况下(对第一次看这个故事的观众来说,更加烧脑),能一直紧紧跟着陪审团成员的辩证法和逻辑思维走,不迷糊,不掉队、不觉累!
即便在“陪审员”没有台词的情况下,缩在墙边的椅子上或背对观众,或杵在“房间里”最远离观众视野的不起眼角落,也有各自在平复情绪、酝酿言语、理清思路或通过身体语言传递着什么
【陪审员席】
「Death is on their minds,
Life is in their hands.」
本案中已有一人身亡
另一个人的生死掌握在另外十二个
素未谋面、平凡普通、生活不同、阅历不一
的“陪审员”手里,看似已成定局的“判决”
还有何可讨论之处呢?
就因为1/12的异议?
他们凭什么决断一个人的生死呢?
是谁又凭什么赋予他们身杀大权?
「讲理」的过程就这么开始了——
1号陪审员 程子铭 饰演
职业:高中体育老师。从他例举球队比赛经历不难揣测,他似乎“惧怕”支持“无罪”者反败为胜
2号陪审员 司琨 饰演
没有自己想法,不太会表达和梳理自己想要表达的内容,有点羞怯和社交恐惧症
3号陪审员 王衡 饰演
暴躁的光头,其实本性不坏,也很清楚自己作为陪审团成员肩负的职责。但是就因为有个叛逆的儿子,为他付出一切,却得不到理应有的回报,恨铁不成钢的父亲,便有把气撒在案件中这个孩子身上的嫌疑。最后,是8号的一句“这不是你的孩子”,让他瞬间清醒
4号陪审员 王也农 饰演
职业:股票分析师。十二人中唯一戴眼镜的。条理清晰,逻辑性强;讲究证据,能理性分析双方证词
5号陪审员 周纪萌 饰演
职业:医生。和案件里的小男孩一样,从小在贫民窟长大。他看似文弱书生,彬彬有礼,是精神上的贵族,经常帮助别人,却在讨论过程中数次左右摇摆。撸起袖子耍刀确实蛮帅~
6号陪审员 郭林 饰演
蓝领工人,粉刷匠,为人老老实实,勤勤恳恳。他的一句反诘“假设他有罪呢?”敲打了8号,却没有动摇8号对合理怀疑的坚持,反之愈发勇敢、公正地求真
7号陪审员 吕游 饰演
吕游老师我真的也很爱了!目前看过《无人生还》《12个人》,“小红毛”吕游老师都是沉重凝固氛围里不经意间的色彩调节器,活泼而夸张,无理亦搞笑。不过这次七号后面的表现确实有点墙头草了,转投“无罪”并非出于真心
8号陪审员 贺坪 饰演
职业:建筑师。又高又瘦又帅~ 身上具有最难能可贵的、于生命中不可或缺、必不可少的“质疑精神”。一直忍受着其他人的冷嘲热讽,不解讥笑;在其他人眼里是“像传教士一样的家伙”,擅长软式推销。开始有点拘谨,后面完全放开了,会使计谋、做实验,等等。其实他只是永远站在最客观公正冷静且不偏不倚的角度,从孩子当事人的角度,从生命至高无上不可轻易剥夺的角度,去辩证推理与思考!即使巧合,那也是有可能的
说实话,舞台上戏剧张力与表现力,我是更喜欢贺坪老师饰演的8号的~电影里的8号或许还有些自我迟疑、片刻空白,但舞台上的8号自始至终展示给我的就是一股基于公平公正、理性合理怀疑基础上的“勇往直前”的冲劲儿!尽管他也有沉默、停顿,但我能透过他背对观众时背影的挺立或抽动,能感受到他绞尽脑汁、永不放弃的源源不断的力量
9号陪审员 杨宝龙 饰演
老绅士,第一个改认为男孩“无罪”的陪审员
10号陪审员 刘春峰 饰演
对出身于贫民窟的人,偏见、成见、歧视与恶意最多
11号陪审员 赵胜胜 饰演
职业:钟表匠。儒雅,内敛,不张扬
12号陪审员 何吉米 饰演
对任何东西都抱有想象力和想法,冷静做出最后判断
P.S.以上人物画像凭借记忆与部分演员阐述。因第一次看剧,不少情节碎片和人脸对不上号,所以无法详尽填充
【喜欢的台词】
别忘了我们到这里来是肩负着一个沉重的责任的
——3号陪审员
假设他有罪呢?
——6号陪审员对8号陪审员说
送孩子上电椅的证词必须非常准确
无论走到哪里,偏见总是掩盖真相
没有什么东西是肯定的,有的时候在你面前发光的事实它是错的
——8号陪审员
我不必效忠于任何一边,我只是提出了我的疑问
他是哪种孩子和事实真相无关
——11号陪审员
【旁听后的感悟】
《十二个人》的主旨内核,就是“打破偏见”,保持“合理的怀疑”!他们有意见分歧,只是他们身为“普通人”原本有较大差异性的成长经历、人生阅历与生活轨迹和境遇所造成的;即便他们曾经一口认定小男孩“有罪”,也并不等同于他们就是“虐待狂”或“公众复仇者”......民主社会建设,合理的怀疑在司法制度内是最宝贵的!但我们基于刻板印象与偏见成见匆忙盖棺定论,亦不能掺杂自己的私人恩怨或以泄私愤为目的......
生命不是儿戏,不能任由某一群体或有失偏颇的社会大众,肆意玩弄、践踏;当我们存有疑虑,必须勇敢站出来,抽丝剥茧,无惧过程坎坷惊险,直至人性、公平、正义之真相!而不是沦为缄默不言、见风使舵、随波逐流之“路人”、“看客”、“帮凶”......
那么,问题就来了——
我们如何打破自身信息壁垒、冲破自我身份局限、跳出自我偏见桎梏,挣脱自我认知牢笼,做到不遗忘良知的「理性」「客观」「公正」,即使需要站在利益对立面......
我们如何无视世人嗤之以鼻、无畏沿途孤立无援、屏蔽众人冷嘲热讽、淡定周遭落井下石,不弃任何可能性的「坚定」「信仰」「勇气」,纵使凭一己之力换回真相......
倘若我们人人、时时
保持对生命最基本的尊重与敬畏
保持对自己最谦卑的谨慎与修行
结尾,一致“无罪”达成,
可这并不是摇旗呐喊的呼号胜利
或许,只是新一轮战役的开端......
和谐共存,必须「讲理」!
人无完人,与君「共勉」!回复赞 - Lv5独脚戏《石库门的笑声》于2019.08.15 - 2020.01.29 在中国大戏院上演,由毛猛达和沈荣海联袂演出,编剧:梁定东,主持人:张民权。好习惯Lv52019-12-01
编剧:梁定东,上海人,现任上海曲艺家协会会员;上海电视艺术家协会会员;曾任人民滑稽剧团编剧;艺术科长;现任上海电视台文艺中心高级编导。
梁定东才思敏捷,勤于笔耕,擅长喜剧创作,其代表作小品《征婚》。作品诙谐幽默、风格脱俗隽永。思维属奔腾型,素有"高产作家"和"快笔手"之称。先后独体及和他人合作创作了滑稽戏《好红娘》、《哎哟妈妈》、《其乐无穷》、《看看准足》、《甜比酸好》、《财神老爷》、《阿要难为情》、《猪八戒东游记》、《天外有天》、《错上加错》、《千姿一态》、《73家房客》(获上海戏剧节优秀成果奖)、《悬崖上的爱情》(并改编成电视剧"旅游浪漫曲"由杭州电视台拍摄)、《红房子风波》(并改编成电视剧《一女四婿》由福建电视台拍摄)、《十三封情书》(并改编成电视剧《阿里爸爸罗曼史》,由上影厂影视部拍摄)等 剧作。
主持人:张民权,上海东方广播有限公司党委书记,国家一级播音员,上海市政协委员,上海音乐家协会理事,上海电视艺术家协会理事,上海市慈善基金会荣誉理事。
张民权曾先后荣获全国主持人"金话筒"奖银奖、全国百优电视节目主持人、上海广电系统优秀共产党员、上海市宣传系统优秀共产党员、上海市职工职业道德先进个人、上海文化广播影视管理局首届职业道德"十佳标兵"、SMG双十佳主持人等荣誉称号,是SMG高级主任播音员。长期活跃在华语媒体第一线,在业界享有很高声誉。
毛猛达,男,1956年出生于上海市,是海派笑星、国家一级演员。其主要作品有《球迷》、《新名词》、《上海的度》、《好上加好》等。
毛猛达自幼酷爱滑稽艺术,学生时代即不断登台演出。师承"麒派滑稽"表演艺术家杨笑峰。他说 、学、做、唱技艺全面。被誉为实力派滑稽笑星。擅长自弹自唱各类流行歌曲,运用多种方言,吐字清楚;举手足间充满滑稽细胞。善于在生活中捕捉笑料,因此他的表演充满了生活气息,使人感觉噱而不俗。
沈荣海,出生地上海市,浙江省宁波市人,国家一级演员,剧团艺术委员会副主任。中国曲艺家协会会员,上海曲艺家协会会员。
沈荣海早年活跃在群众文艺舞台上,自编自演曲艺小品,均获好评。1980年加入剧团,他刻苦钻研业务,加上天赋聪明,很快在小字辈中脱颖而出。他的表演逼真细腻,台风潇洒俊逸,语言以机智巧妙见长,善于刻划人物性格,塑造各种年龄和不同层次的角色,富于创新,追求高品质笑料。上世纪90年代左右和毛猛达搭档,演出了《球迷》、《方言杂谈》等经典独角戏段子。在大型滑稽戏《两厢情愿》担任主演,受到原团中央书记陈昊苏同志的高度赞扬,在《复兴之光》中一人多角,能做到人各有貌。他还活跃于荧屏,除在电台主播《滑稽王小毛》,电视台参加各类文艺晚会外,还在电视剧《走过冬天的女人》(和潘虹合作),《阿拉乡下人》(和王馥荔合作),《大康系列小品》中担任主角。他还勤于笔耕,参加编写的曲艺小品多次获奖。出版音像制品十多盒。
看这部戏主要是因为小时候就很喜欢看滑稽戏独角戏,加上小时候也看过两位老师珠联璧合的表演。所以这次看一下是否风采依旧,我这次票在一楼第10排视角还可以。
《石库门的笑声》的创意编排是个集体创作的过程,以上海标志石库门为背景、独脚戏传统的双档形式进行演出。内容涉及上海文化、上海制造、上海服务、上海购物这上海的"四大品牌",关心人民衣食住行方方面面,以接地气的语言、切肤的笑料打造能触动人们心弦的独脚戏大集锦。由七个原创独脚戏《万宝全"四"》、《千变万化》、《三喜临门》、《一体世界》、《我爱文化》、《难与不难》、《上海未来》浓缩上海改革开放40年,讲述40年来大上海从硬件到软件、从金融贸易到文化生活三百六十度全方位的变化。
我看的这场表演基本上是座无虚席,要知道自从独角戏落寞后其实很少有舞台上表演。成为非物质文化遗产大家都清楚它的生存估计是岌岌可危,本来这个曲种感觉有点青黄不接后继无人。虽然也有优秀的年轻演员,但就像两位老师在演出时所讲基本为了赚钱都在做一些和自己业务无关的事。加上缺乏好的作品,所以即使有老一辈作为领军人物也有点独木难支的味道。本来独角戏就是方言艺术,所覆盖的受众群就很有限,发扬光大最终还是需要靠年轻人,希望能像昆曲有张军那种年轻人一样有人来为这个艺术形式重现昔日的辉煌。
演出分为上下半场共两个半小时左右,中场休息有串场嘉宾助兴。整个演出中两位老师的插科打诨、说学做唱显得宝刀未老,两人一起搭档了35年配合默契依旧。无论是石库门生活的历史、小朋友发音洋泾浜的上海话、还有特朗普、香港等时事的穿插都和独角戏的搞笑非常好的穿插在了一起,模仿人物也是惟妙惟肖让人乐不可支。整场演出台下笑声不断,没有字幕对听得懂上海话的观众来说没有什么理解上的难度。一些俚语和谐音梗确实挑观众,不像北方的相声受众群范围那么广。
表演中基本没有什么低俗的东西,你要说完全高雅也不尽然。毕竟是个接地气的品种,搞笑中调侃加上即兴发挥难免雅俗共赏,有人认为不好我只能说仁者见仁智者见智。我觉得如果能多出一些类似这场比较接近普罗大众生活的作品让优秀的演员呈现,或许独角戏又能重燃生机。当年老一辈艺术家为了这个艺术的改良和下一代的传承费劲了心血,希望独角戏也能像德云社一样至少能一直发展下去让喜欢的观众有机会能观赏到精彩的演出。
(欢迎大家关注我的微信个人公众号:好习惯吐槽的观后感,最近更新的比较慢敬请见谅!这个评论我就不同步到公众号了,希望大家继续支持我的公众号,谢谢)回复4赞 - Lv5国家艺术基金资助项目,上海话剧艺术中心2018年原创演出季话剧《风萧萧》根据徐訏同名小说改编。导演:徐紫东,编剧:徐訏/王安忆,主演:袁野/马青利/陈山/刘琦/王梓/麦朵/朱晔/杨景然/王维帅。2018.04.27-2018.05.06在光影车间·静剧场演出。好习惯Lv52018-04-30
导演:徐紫东2008年毕业于上海戏剧学院导演系,同年进入上海话剧艺术中心任演员后升任导演。导演作品:2007年曹道云事迹报告会(导演助理)、《中国式婚礼》(导演助理),2008年《借我一个Vitas》(导演助理)、《商鞅》青年版(导演助理),2010年《SPIN诽闻绯闻》(导演助理)、《天堂隔壁是疯人院》副导演,2011年《杀戮之神》导演、《步步惊心》副导演,2012年《十二个人》复排导演,2013年《武林外传》复排导演、《罗密欧与祝英台》复排导演、《21克拉》复排导演、《撒娇女王》复排导演、《驯悍记》复排导演,2014年《一幅毕加索》导演、《偷心》复排导演,2015年《头条女王》导演、《雾都孤儿》复排导演、《万尼亚舅舅》复排导演、《杀戮之神》复排导演,2016年《生存法则》复排导演,17年《行心》导演。
编剧王安忆,中国当代文学女作家,现任中国作家协会副主席、复旦大学中文系教授。被视为文化大革命结束之后,自1980年代中期起盛行于中国文坛的“知青文学”、“寻根文学”等文学创作类型的代表性作家。
小说作者徐訏浙江慈溪人。一位曾被称为“鬼才”的教授作家, 以写作传奇小说且高产而著称。抗日战争后期,中国曾经出过几个当时风头甚健,在以后相当长时间却沉寂无闻的作家,钱锺书是一个,张爱玲是一个,徐訏也是一个——而徐訏成名比张爱玲还要早,不过直到电影《人约黄昏》的出现,世人才重新知道了电影原著小说《鬼恋》的作者徐訏。
看这部剧是因为对民国时代的剧比较感兴趣,加之又是有爱情和谍战元素所以去看一下。
这部戏的原著小说在豆瓣上评分高达8.3分,发表当年也是风靡一时。不过这部戏的改编难度很大,言归正传讲剧目。(观后感涉及部分剧情,请谨慎阅读!)
故事讲的是1941年太平洋战争爆发前,日本海军梅武将军携机密文件突然抵达上海引起各方关注。他为何而来?又为何偏偏在此时大张旗鼓地举办化装舞会?为探明究竟爱国人士纷纷出动,于是一个在“孤岛”上海发生的故事拉开了帷幕。
主要人物:
小徐是个马来西亚的爱国华侨青年,他是个独身主义者。来到上海后认识了白苹、史蒂芬和梅瀛子,而后两者准备考察发展他成为谍报工作人员。
梅瀛子和史蒂芬是谍报机构的搭档,虽然史蒂芬自称也是独身主义者但实际和梅瀛子互有爱意。两人考察小徐准备发展成谍报工作人员,不过小徐认识的白苹身份有点神秘。
本剧是王安忆根据徐訏同名小说改编的剧本,故事中人物众多个性鲜明属于浪漫主义谍战戏。
这次我看的是静剧场的首演,感谢小伙伴送的票位置视角不错。上话的剧目一般都很有深度,特别是改编自经典名著的戏。这部戏按照导演的意思此剧其实是个谍战的外壳爱情的内核,只不过主人公是个独身主义者。剧中对于这种距离产生美,喜欢但不近距离接触的复杂想法剧中主人公曾举例:“我情感往往停顿在美感的距离上,当我喜欢一只橘子的色彩时,我不想吃它这是我的情感。”
我个人感觉男主确实不是那种来者不拒的花花公子或者到处留情的渣男,他欣赏女性却没有拥有的意思并非多情。可能年轻时确实受过情伤,加上祖国沦陷在战争中主要心思在如何报国。在他和白苹同住没有越雷池半步,和同海伦对于戒指抵押时的争论可以看出感情观。从男主同本佐次郎争论中国的时局遭遇,和同有田大佐争论歌曲《送别》是否原创看出男主的爱国之情。
此次编剧对人物关系做了改动,这样就从小徐同三个女人的故事变成了至少三组男女感情关系有情感瓜葛:史蒂芬和梅瀛子、小徐和白苹以及海伦、有田大佐和米可。
剧目优点:剧中演员演技和颜值都不错,舞美设计也不错。
演员除了大段哲理化式台词要说还有舞蹈要表现。裁缝店部分貌似还用了哑剧的表演形式。剧中人物对白涉及了男女情感和国家文化的区别以及对战争的控诉,台词的哲理性也耐人寻味。
有田大佐的上海话是本剧的笑点,两个朝鲜杀手的搞笑相对较弱。
最后男主穿插回忆和现在两个时空和白苹梅瀛子分别对话的桥段非常有意境。
缺点:剧中白苹死的太早,小徐和海伦的情感互动蜻蜓点水没有后续发展。两个朝鲜杀手显得有点多余,他们对于剧情推动没有看出什么作用。而最后的舞会衔接结尾也有点交代不清,使得故事有种戛然而止很仓促的感觉。
整部戏可以看出编剧野心很大,演员表现很卖力。导演自己也觉得改编难度很大,很多内容需要反复琢磨才能体会其中深意。目前看的剧情已经是和编剧商讨稀释过后的内容,方便观众能看懂剧情发展和人物关系。
就我看来此剧乍看爱情和谍战都有点浮于表面,因为台词像是思想的交流而不是主要对于剧情的推动。所以看下来最后我感觉有点意犹未尽,似乎故事没讲全比如最后梅武将军和梅瀛子的关系。虽然故事是以吸纳小徐为谍报人员为结尾,不过我个人感觉剧情完全可以把重心时间放在小徐和女性情感方面的互动。
故事中史蒂芬和梅瀛子的感情线令我唏嘘不已,可惜在战争年代做间谍这种危险的工作谈感情确实很奢侈。故事讴歌了反法西斯战士为了抗击侵略者放弃爱情不畏生死的精神,这让我想起裴多菲著名的诗句:“生命诚可贵,爱情价更高,若为自由故,两者皆可抛。”
满分10分制我打7.5分,下一次讲电影《狂暴巨兽》。2回复9赞 - Lv5我去东方艺术中心看这部音乐剧是因为别人有事去不了,所以通过闲鱼低价转让给我的。晚上寒风凛冽冻的手冰凉,难怪网上说:冻死你个王八犊子用英文叫:welcome to shanghai!好习惯Lv52017-12-11
说起上海故事背景的音乐剧让我想起以前看过的《上海滩》,该剧的演员唱功灯光布景都感觉蛮喜欢的。这次《繁花尽落的青春》听剧名很有诗意,看介绍的主创阵容还是十分强大的。作为上海人当然希望能看到原创讲上海的故事能是优秀的作品,就如电视剧《孽债》《夺子战争》《长恨歌》一样经典。言归正传讲剧目(观后感涉及部分剧情,如对剧透反感请谨慎阅读)。
故事讲的是1999年12月31日迎接千禧年晚上安睿之带着女友陈希来到了请帖邀请的国际饭店顶楼和小伙伴相会,后来遇到了原来叫曾子轩后来改名叫张一保的老同学。但是请帖并不是他发的,后来又碰到了归国的老同学林思雨,她也是收到相同的请帖前来赴约。到底是谁邀请的大家呢?三位老同学陷入了十年前的青春记忆。。。
主要人物:
张一保成绩优秀,心地善良和女同学林思雨是学生时期的恋人。他父亲在一次事故中身亡后和母亲相依为命,靠父亲朋友曾沪生资助上学生活。
曾子轩是曾沪生的儿子,成绩相对其他人较差。由于父亲答应母亲守在小镇香油坊不肯回上海落户,导致他高考成绩分数无法去上海念大学而愤愤不平。
安睿之父母早亡,靠曾沪生夫妻养大。有个比自己小十岁左右的女友,一直想找机会向她求婚。
林思雨和其他人都在一所学校读书,本来和张一保是对情侣。后来张一保没有去上海念大学,和曾子轩日久生情有过一段时间情侣关系,后来出国几年最后又上海了。
故事本身涉及的是70后的人物经历,几个主人公原来都是在安徽淮南镇,本想一起考上大学去上海发展。穷人家孩子特别是贫穷乡村的孩子基本都是靠考大学到大城市作为跳龙门跨越阶级的一大捷径,因为有好文凭才有机会找好工作。上海这种一线城市物价飞涨,只有收入丰厚的工作才能长久栖身。
曾子轩分数太低加上其父意外暴毙打乱了大家的计划,因为曾沪生当年为了情义娶了当地家中开香油坊的唐文荞,并留在了当地没有回沪。看过《孽债》等相关影视剧的人都清楚,回到上海是大多数上海知青的愿望。大城市的生活水准医疗水平就业机会等都比插队的地方好很多,像曾沪生这种重情重义有机会也不回沪的人确实不多。
为了报恩曾沪生经济上一直接济张一保一家,还要经济上抚养亲戚的孩子安睿之。他死亡后香油坊这个经济支柱需要有人继承,于是张一保擅作主张留了下来并趁着领身份证照片时和曾子轩互换了身份。而后面发生的故事也是由他这个举动连锁影响发展的,这么做是对是错很难说得清楚。但是大家的命运确实因此发生改变。而张一保这种和别人互换身份的做法是不合法的,虽然本意出于好心报恩。
安睿之是70后女朋友是80后,这种年龄组合的情侣在观念上或多或少有点代沟。不过不同的成长环境背景有不一样的经历,有些人确实会有点互补的吸引力。这或许就是所谓的年龄不是问题,身高不是距离。
林思雨和张一保的爱情由于分隔两地时间一长冷却了下来,印证了初恋一般都不成功这个魔咒。虽说两情若是长久时又岂在朝朝暮暮,但是爱情需要保鲜。据说爱情是一种化学作用靠费洛蒙吸引对方,一旦离的远这种作用就失效了。
曾子轩被换了身份后整天要伪装别人的身份,总是有点惴惴不安。像是活在别人阴影中的一个行尸走肉,心里负担一直很重以至于后期虽然在上海工作落户,仍然感觉没有归属感和这个城市有层隔膜无法融入。上海作为一线城市海纳百川是很多年轻人梦想闯荡的地方之一,但是竞争压力大确实让很多人疲于奔命行色匆匆感觉生活不易。有些人没有出人头地只能回到家乡,有些人虽然留下来但是生活状况也不是最好。真正能够融入并且成功落地生根的人毕竟只是少数,不过还是有不少年轻人前仆后继向自己的命运发起挑战,因为机遇永远会眷顾有能力有准备肯拼搏的年轻人。
本剧演出加中场休息一共3小时,我的位置在二楼第一排差不多正当中,视角还可以。音乐剧中唱段基本囊括了大部分时间,剧中以上海和淮南镇两个地方作为空间配合记忆切换。其中上海各大地标成了唱段的主题,黄浦江苏州河国际饭店外滩南京路华亭路外白渡桥等。演员的唱功和表演我觉得都是不错的,道具很有立体感非常逼真,乐队也很卖力发挥。
故事中鲜衣怒马的少年和繁花尽落的青春的背景也是很有立意,但是歌曲编曲是一大败笔。对于歌词设计牵强如流水账的地方我能忍,可是曲调怪异转调突兀感觉尴尬症都犯了。这是什么路数的鬼畜编曲?以前看过的音乐剧听过的各种曲风的歌曲没有一个是这种腔调的。莫非这是什么先锋音乐还是什么后现代主义前卫风格?这诡异抽风的曲调风格非常不自然。特别是唐婶那段独唱配上那个神经兮兮的眼神,就感觉唐婶以前可能兼职过跳大神的(实际以前是电影院检票的)。一部好剧就此毁在上面了,可能我艺术欣赏能力有限无福消受。如有看过的人有独到见解劳烦帮我科普分析一下这个风格的编曲算什么套路?反正我觉得整部剧感觉变成了尴尬尽落的青春。
故事告诉我们无论时光如何流逝,我们都应该珍惜友情亲情爱情,努力奋斗不负自己的青春。满分10分制,我打5分。下一次讲电影《至暗时刻》。2回复10赞 - Lv4沧海遗珠Lv42017-08-16
承蒙友人赠票,遂在傍晚起身去了人民大舞台,是为话剧《再见徽因》。
我对今晚主角——林徽因,就像对其他民国才女名媛一样不甚了了。看看剧情梗概以为是要从林徽因另一重建筑家身份重新发现林徽因,结果可惜还是花很长时间来迎合世俗的口味,大谈林徽因的私生活。可能名人的感情更加云山雾罩,谁都可以谈谈,说得对不对最后圆满了起来就算完。没功夫不考虑恰当不恰当了。
话剧分成三幕:太太的客厅—流亡岁月—崭新的时代,时间跨度从1931年黄金时期(其时长女已两岁,徐志摩坠亡前夕),艰苦的抗战岁月到解放初期(林1955年去世躲过后面劫难)。话外音由沈从文弟子萧乾(1910-1999)担任。萧乾的《枣核》入选过课本。
第一幕借由一桩文案——冰心《我们太太的客厅》开场。1931年,梁林的总布胡同家庭沙龙,高朋满座——徐志摩,金岳霖,沈从文,张奚若,陈岱孙。除了沈从文其他都是海龟高知,政治学经济学建筑学哲学,诗人文人济济一堂。按说话题是非常广泛的。偏偏选的是徐金梁讨论冰心的小说。然而小说写于1933年…
我对民国文人看得多的还是周氏兄弟和胡适之,从郁达夫周作人回忆徐志摩和汪曾祺回忆沈从文以及金岳霖的文章里对太太客厅里的客人略有耳闻。早年徐志摩不用为稻粱谋,任由才学流光溢彩,一片天真烂漫;金岳霖我只认他做顶聪明逻辑学家。最大的认识短板却是客厅的男女主人梁思成和林徽因。一则当他们夫妇是名门望族之后,志趣相投的建筑史家,古文物保护专家,对北京城奈良城以及国内唐宋元的古建筑研究保护费尽心血而功不可没。二则也没有把他二人划入文人圈,身在清华园算作知识分子圈吧。
如果话剧不那么在意徐志摩和金岳霖对林徽因众星捧月般一厢情愿式的爱慕和热望而着重林徽因个人抱负和成就入手那一出再见徽因的好戏算是开幕大吉。
第一幕中除了送醋这样的琐碎,出彩的就算林徽因品评金岳霖的梁上君子和林下美人对联了。林徽因一番不认可作花瓶而要做大事,可谓亮相成功。
紧接着舞台一转过度到徐志摩坠机,编剧的天人对话戏份凄美,伦敦短暂相遇浪漫。然而林徽因的对白除了悲伤还有狗血的感觉,林并不亏欠徐志摩,富家子弟徐志摩有钱有才任性追求爱自由和美,从停妻到再娶,都是个性使然;归国后林徽因做出选择和梁公子出国念建筑学,不存在辜负徐志摩有愧徐志摩的地方。而1931年,林徽因已经结婚三年多;女儿都两岁了,徐志摩也和陆小曼自由结婚所以这一出戏把林徽因写小了。仿佛除了爱情男女就不能有第二种情谊了。
所以这出天人如怨如慕的爱情告白虽然美好却并不真实。动乱年代,安放不了那么多感情。何况林徽因明星更理性。虽然在徐志摩的鼓吹下有新诗有散文有小说但重心却和梁思成一样放在了古建筑上。
无疑,最感动我的是第二幕流亡岁月,夫妇野外考察古建筑,在那个兵荒马乱的时候艰难又危险的,然而回也不改其乐。在佛光寺思念孩子和亲人让人动容。在李庄夫妻都是带病身,梁思成腰腿有疾,林徽因肺病加重。三弟战死沙场,困难环境下坚守大后方有知识分子的担当。
这一幕中金岳霖的择林而居的和不分彼此的雪中送炭,演的真情流露。哲学家认识林徽因的时候,人家早有丈夫孩子,能一直保有柏拉图式的爱情,并且自身学富五车有养蛐蛐和斗鸡,心理很健康。
第三幕崭新的时代 内容围绕北京古建筑和古城墙保存和拆毁展开。林徽因和梁思成为北平奔走要给解放军同志送古建筑目录,专业素养感人;当然我心里默默感谢傅作义。不知是否故意,林徽因解放后的有个性的授课和奋起保护古城墙都和标题起了冲突,这种冲突表现为建筑是历史文化,可以服务帝王资本家自然也应该适应新社会,螳臂挡车无效后有对当政者发出预警:拆了真城墙,修起假古董,你们会成为民族的罪人,五十年后你们一定后悔。这些台词都很投现代人胃口。现在看来确实假古董太多,博物馆里的残砖碎瓦不成体系的展览意义有限。现实中前些年梁思成夫妇住的总布胡同故居也被开发商强拆了嘛。
最后一幕林徽因卧病却约见了张幼仪这个徐志摩前妻,然而一句话没有说,仿佛是亏欠。临死呼喊梁思成。感觉编剧想表达的太多。这时候又来徐志摩,真不知编剧怎么考虑的,可能看好徐林CP吧。
这些年出入图书馆里,关于林徽因的四月天一类文字数不胜数以致完全没有阅读欲望。
再见徽因的话剧虽然说要以史实为盾;当略感可惜的是对林徽因的感情还是关注太多而且有些对白“感人”;比较可惜。
我觉得林徽因是个理智更强的人,她会羡慕徐志摩金岳霖的才学,然而却选择和梁思成一起学建筑学。文人无行,演绎民国才女的感情生活,萧红丁玲张爱玲都比林徽因有料。
通过话剧再见一个人,真的是时长不够,还是多看书比较好。感谢演员的努力!2回复9赞 - Lv4。梅梅123Lv42017-08-17
改编自同名电影的音乐剧the producers,故事主线相当简单,一个娘炮(划掉)瘪三会计师在为一位落魄基佬(划掉)百老汇制作人处理账务时候,无意中想到了一条发wei家fa致luan富ji的康庄大道。一句话,制作一部失败的音乐剧来贪污投资人的血汗钱。
为能制作出首演即终演的音乐剧,这对基友也是蛮拼的,他们选择了前纳粹胖哥们写的yy剧本《希特勒也有春天》(希特勒的春天),同时雇佣了著名的同性恋导演以及他那个恨不得把柜子劈柴用的基佬助手,还找到一位身材火辣但不会说普通话的瑞士美人……这大概就是百老汇最迷人之处,就算一连串托尼获奖者叠加也不一定能制作出部热门剧,反而一大坨衰人很可能不鸣则已,一鸣嘎嘎嘎。
俩好基友万万没想到,观众和评论圈这两个折磨人的小妖精会对他们拉的一坨shi如此爱不释手,这俩人明明就是想海捞一票最后携款潜逃…现在可好,剧大红大紫,他俩诈骗一事也将曝光于天下。
整部戏里唯唯诺诺的小会计这时候展现出神奇的智慧,听从瑞士美女的大胸教诲,带着美人去巴西吹海风晒巨臀了,空留下制作人面对铁窗苦役。这要是穿越到Les Mis,就是一出24601的好戏啊,但请注意这是部三俗剧,三俗剧。
有多狗血呢,小会计在失去处男身之后,带着他的新任老婆,也就是瑞士女从巴西返回到纽约,主动出庭,并在一干织毛衣的大妈陪审团面前向制作人真情告白,那句只有你叫我的名字,只有你把我当个独立的人,只有你是我的朋友。卧槽,卧槽,卧槽!基佬们告白都这么深情款款吗?小言文集大成啊。
小会计也获刑入狱,终于,圆了他的梦,不求同年同月生,只求同年同月被爆菊……
以上为不算太夸张修饰过的剧情,接下来说细节,喂。
编剧大能耐,各种对百老汇批量生产歌舞剧的恶意嘲笑,利用过度歌舞形式营造出看似梦幻实则空虚无物的音乐剧制作业现状,对于刻板评论家们的刻画更是令人忍俊不禁。特别是关于《希特勒的春天》这部戏,简直是拿刀戳那些个抱着政治正确说不肯放手的死老头子们的心脏,不排除他们心脏里已放过支架啥的……要知道到现在为止,英村娱乐圈还有这种不成文的规则,所谓的开放与民主,言论的自由也不过限制在某种程度之内,将现实移植到戏中戏中进行嘲讽,既含蓄谴责了坐在台下看戏的圈内人,又不至于太过说教,想想编剧也是蛮拼的呢。
其中有几处台词写得太好,好到我以为在看卫报或者每日电讯。比如开场制作人拿着报纸痛苦地念着报纸上的评论:在话剧哈姆雷特的结尾,每个人物都死了,为什么不是我们这些观众呢(大意)。在希特勒一戏获得成功后,制作人查阅评论:这是一部令人作呕的,太不懂尊重人的,神经病的剧,但是我爱这部剧。噗哈哈哈哈,我几乎能脑补出来这种句式是哪位剧评人写的。
太多太多太多的搞基对白,完全不知从哪下嘴好。如果说摩门经主要是暴,那么制作人这部剧就是黄。
关于布景和灯光,也是从头到尾都走艳俗华丽的大场面,只有几个场面没有群舞,这种闪瞎人眼睛的设计让人不用多想也知道是百老汇风,饱和色几乎快撑爆舞台,亮片服装出现在各种画面内,就是迪斯尼都没这么拼的。
最让我惊喜地大概是演员们配合默契的表演,我对英村脱口秀界不太熟悉,两位男主Jason Manford和Phill Jupitus,前者我倒是有印象,他曾是Alfie Boe个唱里的热场主持,并且这位大哥曾出演过理发师陶德,就是球哥和Imelda那版,说起这个,这个脱口秀出身的大哥嗓音像级了球哥,清亮但底气十足的声音(身材也像,嗯),高音圆润而不破,唯独缺了点球哥独步江湖的颤音武器,也许是Jason还不够胖,再吃吃总能练出颤音的。虽然胖但对身体控制力超强,满场跳舞不在话下(神秘的胖子世界)。
另一位男主Phill我就完全不熟悉,只知道他演过发胶和spamalot(球哥也演过发胶,果然混谐星圈的人都是相似的)。说实话上半场我觉得他的表演中规中矩,很搞笑很疯癫但没有特别让人wow的一刻,直到第二幕监狱场面,他坐在马桶盖上,一束光打过来,他收到小会计从巴西寄来的明信片,顿时觉得被背叛遗弃了,这时他发起疯来(实义)。
五分钟,不会超过六分钟的时间(喂),他将从开场开始出现的每首歌都唱了两句,与此同时,他还一边唱一边表演当时唱这首歌的人的动作和表情,并且有一定程度的夸张再演绎,营造出快乐的流泪的小丑的即视感。几乎是每分钟二三十个动作变换着,令人,比如我,看得下巴差点掉在酒杯里。
独角戏能演成这个程度,简直成精。五分钟,将整个故事不同的情绪体验用五分钟浓缩呈献给观众,台上一分钟台下十年功,大爷你今年多大了?
深不可测!绝对意义上深不可测的演员大爷,这么张其貌不扬的脸,这么个五短身材,天空飘来五个字,这都不是个事儿!真正的演技,就是让你专注于这个角色,而不是他的发型啊眼睛颜色啊这些有的没有。是让你看着他的表演,心里默默想着卧槽,这个角色真特么有层次感,他内心这么苦逼他麻麻知道吗?好想抱抱他……最好的表演,是无法用语言形容的,那是种你可以感同身受他的遭遇他的情绪,那感觉如此强烈以至于你能想到的就只有一个字眼:卧槽……
Phill Jupitus绝对是身体控制和滑稽幽默的大师级别的人物!这是对比过David William和油炸叔之后的结论,后两位算是英村喜剧界的招牌了吧?(木看过憨豆蜀黍现场)
很少能有一部剧,让我笑成狗之后还能膜拜剧情或者演技,喜剧最大的问题在于深度的单薄,但这部剧打破了我对喜剧的墨守看法。因为喜爱,所以写成了乱七八糟的感想评,随意啦。1回复2赞 - Lv5改编自同名电影的音乐剧the producers,故事主线相当简单,一个娘炮(划掉)瘪三会计师在为一位落魄基佬(划掉)百老汇制作人处理账务时候,无意中想到了一条发wei家fa致luan富ji的康庄大道。一句话,制作一部失败的音乐剧来贪污投资人的血汗钱。lalalalaLv52017-07-26
为能制作出首演即终演的音乐剧,这对基友也是蛮拼的,他们选择了前纳粹胖哥们写的yy剧本《希特勒也有春天》(希特勒的春天),同时雇佣了著名的同性恋导演以及他那个恨不得把柜子劈柴用的基佬助手,还找到一位身材火辣但不会说普通话的瑞士美人……这大概就是百老汇最迷人之处,就算一连串托尼获奖者叠加也不一定能制作出部热门剧,反而一大坨衰人很可能不鸣则已,一鸣嘎嘎嘎。
俩好基友万万没想到,观众和评论圈这两个折磨人的小妖精会对他们拉的一坨shi如此爱不释手,这俩人明明就是想海捞一票最后携款潜逃…现在可好,剧大红大紫,他俩诈骗一事也将曝光于天下。
整部戏里唯唯诺诺的小会计这时候展现出神奇的智慧,听从瑞士美女的大胸教诲,带着美人去巴西吹海风晒巨臀了,空留下制作人面对铁窗苦役。这要是穿越到Les Mis,就是一出24601的好戏啊,但请注意这是部三俗剧,三俗剧。
有多狗血呢,小会计在失去处男身之后,带着他的新任老婆,也就是瑞士女从巴西返回到纽约,主动出庭,并在一干织毛衣的大妈陪审团面前向制作人真情告白,那句只有你叫我的名字,只有你把我当个独立的人,只有你是我的朋友。卧槽,卧槽,卧槽!基佬们告白都这么深情款款吗?小言文集大成啊。
小会计也获刑入狱,终于,圆了他的梦,不求同年同月生,只求同年同月被爆菊……
以上为不算太夸张修饰过的剧情,接下来说细节,喂。
编剧大能耐,各种对百老汇批量生产歌舞剧的恶意嘲笑,利用过度歌舞形式营造出看似梦幻实则空虚无物的音乐剧制作业现状,对于刻板评论家们的刻画更是令人忍俊不禁。特别是关于《希特勒的春天》这部戏,简直是拿刀戳那些个抱着政治正确说不肯放手的死老头子们的心脏,不排除他们心脏里已放过支架啥的……要知道到现在为止,英村娱乐圈还有这种不成文的规则,所谓的开放与民主,言论的自由也不过限制在某种程度之内,将现实移植到戏中戏中进行嘲讽,既含蓄谴责了坐在台下看戏的圈内人,又不至于太过说教,想想编剧也是蛮拼的呢。
其中有几处台词写得太好,好到我以为在看卫报或者每日电讯。比如开场制作人拿着报纸痛苦地念着报纸上的评论:在话剧哈姆雷特的结尾,每个人物都死了,为什么不是我们这些观众呢(大意)。在希特勒一戏获得成功后,制作人查阅评论:这是一部令人作呕的,太不懂尊重人的,神经病的剧,但是我爱这部剧。噗哈哈哈哈,我几乎能脑补出来这种句式是哪位剧评人写的。
太多太多太多的搞基对白,完全不知从哪下嘴好。如果说摩门经主要是暴,那么制作人这部剧就是黄。
关于布景和灯光,也是从头到尾都走艳俗华丽的大场面,只有几个场面没有群舞,这种闪瞎人眼睛的设计让人不用多想也知道是百老汇风,饱和色几乎快撑爆舞台,亮片服装出现在各种画面内,就是迪斯尼都没这么拼的。
最让我惊喜地大概是演员们配合默契的表演,我对英村脱口秀界不太熟悉,两位男主Jason Manford和Phill Jupitus,前者我倒是有印象,他曾是Alfie Boe个唱里的热场主持,并且这位大哥曾出演过理发师陶德,就是球哥和Imelda那版,说起这个,这个脱口秀出身的大哥嗓音像级了球哥,清亮但底气十足的声音(身材也像,嗯),高音圆润而不破,唯独缺了点球哥独步江湖的颤音武器,也许是Jason还不够胖,再吃吃总能练出颤音的。虽然胖但对身体控制力超强,满场跳舞不在话下(神秘的胖子世界)。
另一位男主Phill我就完全不熟悉,只知道他演过发胶和spamalot(球哥也演过发胶,果然混谐星圈的人都是相似的)。说实话上半场我觉得他的表演中规中矩,很搞笑很疯癫但没有特别让人wow的一刻,直到第二幕监狱场面,他坐在马桶盖上,一束光打过来,他收到小会计从巴西寄来的明信片,顿时觉得被背叛遗弃了,这时他发起疯来(实义)。
五分钟,不会超过六分钟的时间(喂),他将从开场开始出现的每首歌都唱了两句,与此同时,他还一边唱一边表演当时唱这首歌的人的动作和表情,并且有一定程度的夸张再演绎,营造出快乐的流泪的小丑的即视感。几乎是每分钟二三十个动作变换着,令人,比如我,看得下巴差点掉在酒杯里。
独角戏能演成这个程度,简直成精。五分钟,将整个故事不同的情绪体验用五分钟浓缩呈献给观众,台上一分钟台下十年功,大爷你今年多大了?
深不可测!绝对意义上深不可测的演员大爷,这么张其貌不扬的脸,这么个五短身材,天空飘来五个字,这都不是个事儿!真正的演技,就是让你专注于这个角色,而不是他的发型啊眼睛颜色啊这些有的没有。是让你看着他的表演,心里默默想着卧槽,这个角色真特么有层次感,他内心这么苦逼他麻麻知道吗?好想抱抱他……最好的表演,是无法用语言形容的,那是种你可以感同身受他的遭遇他的情绪,那感觉如此强烈以至于你能想到的就只有一个字眼:卧槽……
Phill Jupitus绝对是身体控制和滑稽幽默的大师级别的人物!这是对比过David William和油炸叔之后的结论,后两位算是英村喜剧界的招牌了吧?(木看过憨豆蜀黍现场)
很少能有一部剧,让我笑成狗之后还能膜拜剧情或者演技,喜剧最大的问题在于深度的单薄,但这部剧打破了我对喜剧的墨守看法。因为喜爱,所以写成了乱七八糟的感想评,随意啦。回复17赞 - Lv5日本独家授权音乐剧《深夜食堂》中文版于2018年10月9日-10月27日在兰心大戏院上演,之后会在其它城市巡演。好习惯Lv52018-10-14
音乐剧《深夜食堂》改编自原版安倍夜郎的漫画,由小学馆独家授权制作。聚橙音乐剧出品和制作,2018年中国首演。
韩方导演金东延、韩方联合导演朴智慧、中方导演高瑞嘉、音乐总监张玉玫、编舞张恩淑,由黄冠菘、倪晔、连江维、祝颂皓、张艺宝、赵田雪、赵嘉艳、管翎妍、杨琳、陈欢共同出演。
导演金东延毕业于韩国中央大学戏剧电影系导演专业,获得2017年第六届Yegreen Musical Awar导演奖和2018年第二届韩国音乐剧大赏导演奖。
他是韩国代表性的音乐剧和话剧导演,有二十年以上的导演经历。曾执导多部原创音乐剧和百老汇知名版权音乐剧作品,是韩国最具代表性的音乐剧导演之一。他指导的《深夜食堂》在韩国演出超过100场,并且今年日文版将在东京首演。
音乐剧作品:《与神同在》《小矮人》《Kinky boots》《深夜食堂》《寻找金钟旭》《May Be Happy Ending》《巴黎圣母院》等。
话剧作品:《蝴蝶君》《哈姆雷特 》等。
编剧安倍夜郎是日本知名漫画家,1963年出生于日本高知县中村市。毕业于早稻田大学,曾任广告导演。2003年以《山本掏耳店》获得“小学馆新人漫画奖”,此后成为专职漫画家。
代表作品有《深夜食堂》,2006年起连载的作品《深夜食堂》获得“第五十五回小学馆漫画奖”、“第三十九回漫画家协会大奖”。被多次改编为日剧、日影、全亚洲销量已突破千万册,在国内年轻人群体中享有较高知名度。
看这部音乐剧是因为小伙伴送票,所以特地看一下音乐剧版是否一样好看。目前该剧豆瓣上暂无评分,言归正传讲剧目。(观后感涉及部分剧情,请谨慎阅读!)
故事讲的是夜幕已重,在城市某街角的餐馆门口亮起了灯。没人知道它开了多久,但所有不曾被生活善待的人都愿意去那里暖胃“疗伤”。
餐馆营业时间是凌晨12点到早上7点,所以人们都把这间无名小店叫做深夜食堂。这里的菜单平淡无奇,只有猪肉味增汤定食。
但是老板可以根据客人的要求利用现有食材做出各式料理,在这家深夜食堂每个夜晚都有温情暖心的故事上演。
主要人物:
深夜食堂的老板会给客人定做可口的食物,并愿意倾听他们的故事。他也会把这些故事讲给其他客人听,他眼部有一道刀疤但原因不详。
小寿寿45岁左右,在新宿经营了28年的酒吧。他对阿龙一见倾心,让他想起了自己的初恋。
阿忠是45岁左右的老光棍,和母亲一起住。对周围人的遭遇感到好奇,也喜欢管闲事。他看了34年的脱衣舞表演,喜欢舞女玛丽琳。
剑崎龙外表冷酷实际上重情重义,看起来心里有一些苦涩的往事。
小健是剑崎龙的小弟,为人幽默风趣、伶牙俐齿。
玛丽琳是备受欢迎的新宿区头牌脱衣舞舞女,她性感火辣、性格率真。容易陷入爱情也很容易感到厌倦,是一个追求纯粹爱情的人。
茶泡饭三姐妹是怀揣少女心的单身三人帮,她们想拥有电影般浪漫的爱情。
千岛美幸原本是个没人气的歌手,后来歌曲大卖后走红。但后来身患绝症最终去世,象征着来到深夜食堂门口的弱小孤独的流浪猫。
对于音乐剧《深夜食堂》中文版韩方联合导演朴智慧说:“这版《深夜食堂》,没有进行过多的中国本土化。不管是道具还是剧中菜式都和漫画原版保持一致,为中国观众呈现的是最原汁原味的‘深夜食堂’。”
这次我拿到的票位置靠边角度不是正当中,不过视角影响不大。
《深夜食堂》我只看过日本电影版,印象当中这个系列的故事属于治愈系。电影版和音乐剧一样人物众多,每个人基本都有自己的一段故事。食堂里经常碰头的几个食客和老板一直推心置腹畅所欲言,因为老板对所有人都像朋友一样很真诚。
其实三更半夜他们吃来吃去点的基本都是老花样,吃东西主要是为了填补心灵的空虚。音乐剧版里也是如此,这几个人物的共同点我觉得就是城市中有些边缘的人物。
这说明作者在设计人物时立足点还是以生活中的小人物为主,通过他们身上发生的事来体现生活的不易和人与人之间互相温暖的重要性。电影版第二部里阿忠说的晚上吃什么不重要,重要的是和谁一起吃。换言之这些人来到餐厅吃饭不光是填饱肚子,主要还是社交谈心的作用。就像赵本山的小品《心病》一样,话疗等于看心理医生的作用。
此次中日韩三方合作的音乐剧版中故事依旧是日本的人物地点背景,没有刻意为了本土化做大的调整。剧中友情、亲情、爱情元素都有,搞笑和温情也都不缺。由于原本这个系列都是平凡小人物的故事,因此我感觉没有太大的戏剧冲突。不是非要有大哭大闹、大吼大叫那种矛盾冲突才叫好故事,有时润物细无声的小清新的故事也可以很好看。
剧中几位人物的故事都是通过剧中人物与老板聊天时,由老板的回忆穿插表现。整个舞台并没有改动什么布景,但是空间感还是十分立体的。除了舞台中央的食堂布景外还有食堂后、食堂外两侧三个位置空间。在演员表演时音响效果和灯光相得益彰,故事发生在冬季还会掉落雪花道具配合气氛。
剧中几个人物的故事里结合了关联的食物,我觉得阿忠的亲情和小寿寿的爱情这两段比较打动我。阿忠的母亲经常晚上会到老板的餐馆点酒和酒蒸蛤蜊,其实老太太并不喜欢吃。
之后阿忠接母亲最后一次时讲出了原因,阿忠小时候父亲抛妻弃子后她母亲一直傻等到绝望。阿忠曾点了很多酒蒸蛤蜊让母亲以为他很喜欢吃,所以当阿忠也离家出走后他母亲天天做这道菜等他回家。
阿忠的演唱使这段往事更加的感人,以声带情令我热泪盈眶。台湾歌手凌峰曾在媒体节目上提过当年他母亲得病后谁都认不出但能认出他,父母与子女这种血浓于水的骨肉亲情总是让人动容。
小寿寿的爱情故事如果在我们国家是比较敏感的,演员婉约的娇羞没有太刻意生硬。在肢体表现方面和歌曲中表达了他怦然心动和相思成灾的感情都十分到位,而阿龙鉴于自己那种生死难料的人生一开始对于这份感情没有接受。
至于玛丽琳兜兜转转最后找到真爱的故事也表达了真爱难觅,一生中能找到挚爱确实不容易。
整部剧对演员的要求还是不低的,除了唱歌还有舞蹈和男扮女装。演出期间反串的男演员和观众的互动非常搞笑,不过尺度不适合小朋友。演出当中还真的飘出了香味,据说因为演出时不能真的烹饪所以直接端出了真的食物导致飘出了香味。
在钢筋水泥的森林中到了夜晚可能很多人心灵需要慰籍,这时深夜食堂这种有美味又有朋友一样的人分享故事的地方显得格外温馨。我觉得演员们的表现都不错,一起连唱带跳非常放得开而且动作整齐。
我觉得故事剧情非常治愈,在餐馆里大家像是一家人互诉衷肠互相取暖。人生就像食物的味道甜酸苦辣可能都会遇到,因此需要相信一切都是缘分和考验。我们应该珍惜生命中身边值得爱的人,和他们一起去面对人生笑对生活。满分10分制我打8分,下一次讲英国打击乐舞台秀《破铜烂铁》。1回复12赞 - Lv4这不是一份纯粹客观的剧评,后文所写也与剧目内容有关甚少,因为我无法跳出从业人员的视角。但这些都是我最真实的经历和感受。MemoriesLv42023-05-14
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2022年10月27日,我在无锡大剧院观看了话剧《驚梦》。三天后我回到厦门,那时候,距离昆剧《牡丹亭》全本在厦门上演还有一个礼拜。
看完《驚梦》的当晚,我深深感慨于这部剧作的态度和表达,我和朋友评价说,这是一部站着的戏。又看到我喜欢的剧评人写下的短评,和她的想法不谋而合——《驚梦》到谢幕的时候,想站起来敬它一杯酒。《驚梦》是带有喜剧段落的,但它的嬉笑并不低俗和刻意;它是有针砭讽刺的,但是它的讽刺并不阴阳怪气,而是一种坦然和真诚(这一点真的非常难得);它把故事置于一个敏感的时期,但它不谄媚或丑化历史中的胜利者,也不谄媚或丑化历史中的失败者。从始至终,它没有宣泄不满、煽情苦难、高呼口号,它始终是不疾不缓地流淌。平静是最撼动人心的力量。好的艺术并非指向永恒,好的艺术必定是不停地流淌。
从我今年所写的那么多演出中,我已经发现有越来越多的舞台作品喜欢用“雪”作结。有的无疑是合适的,例如世说新语·访戴,至于有的,我认为就是在刻意而已。他们意识到结尾处洋洋洒洒下一场雪可以增加某种意境,可以给作品附加一种质感,但事实上空洞的作品内容根本支撑不起结尾的大雪。
《驚梦》的结尾也在雪中,我认为这是非常好的结尾,我会记它很深。它的好就在于,剧到此处,下雪了,而这场雪,不为任何人也不为任何事而下。为什么“何事长相别时圆”这句质问会让人感到心扉痛彻,就是因为月亮“不应有恨”。就是因为月亮没有感情,雪没有感情,所以在它们笼罩之下的人类和时代才会显得尤其可悲。雪从来不是在为你我而下,不为谁祭奠,不为谁悲痛,是这样的时节合该到了下雪的时候。天若有情天亦老,在永恒的物候变化之中,是人世的无常;不为任何人而下的雪永远不会伤心,可惜人有心脏和感情,人会老去,会为很多事情伤心,比如要和心仪的人分别,比如远大理想无法实现,比如信仰会被现实动摇,比如在战火纷飞之中我即将牺牲,突然想起还未曾听完那折昆曲。
我酝酿了很久,也始终没有写下一个字。以前如果我喜欢一部剧,看完以后绝对会立即就写下来,生怕过后就忘记。但是对于《驚梦》,我却有十足的把握,就是这是一部看完以后不会轻易忘记它给我带来何种感受的话剧,而且随着时间过去,反而会有更多新的想法。
此外,我迟迟不写的原因还有一个:我在等待《牡丹亭》的上演。
在话剧《驚梦》中,《牡丹亭》贯穿其中,也是最后的结尾。我在想,如果我看过了《牡丹亭》,是否会对《驚梦》的认知更完整一些呢?
11月4日开始,苏昆全本《牡丹亭》上演了。坐在剧场里,大幕拉开,情不知所起一往而深的故事就此开始。看着看着,我突然有一种很奇异的感受。在剧场两侧的字幕显示屏上,是中英双语的戏文字幕,舞台上,灯光布景无一不精致,背景还用了投屏,绘画场景极为用心。只有所演所唱以及乐池里现场演奏的旋律依然和过去一样。当时我在想,如果我是古代一个昆曲班里面唱杜丽娘的角儿穿越到了现在,穿越到了这个剧场,我会惊异和害怕吗?
我没有见过这么大的剧院和舞台,不知道那发光的是什么灯,更加不懂看戏的人都是什么奇装异服。但是——
但是如果我上台演出,我就不会迷茫也不会害怕。哦,原来,这个时候也仍然还在演昆曲,也还在唱着《牡丹亭》。不到园林怎知春色如许。我只要一开口,仍然会获得满场喝彩。
但如果我穿越到《驚梦》里的那个时间呢,我又该如何生存?看不懂何人在作战,看不懂为和戏台要拆,为何无人要听《牡丹亭》。
也就是在那个时候,我第一次感受到一种盛大的浪漫性,那就是,我们现在所做的一切,可以是为了,如果有一天,他们从那个遥远的时空穿越而来,发现海晏河清,仍有一个戏曲舞台。我们现在坚持的传承,可以是为了,如果有一天,汤显祖从那个遥远的时空穿越而来,会发现,四百年后的今天,中国人还在听昆曲,还有人会唱昆曲。
想到这里,我对我的工作有一点自豪,也多了一份认同。
但是如果只到这里。
2022年11月5至6日,是一个平常的周末,话剧《驚梦》在厦门连续上演两场,同一座城市的同一个时间,从11月4日开始,昆剧《牡丹亭》上、中、下全本在厦门另一家剧院连续上演三天。
话剧《驚梦》开票后因一票难求加开三楼,两天的演出现场座无虚席。全本《牡丹亭》票房惨淡,一本的观众比一本少。演至最后一天,只有前十排中间坐满了人,何其冷清。
游园惊梦,那花神的每件裙子花样各不相同,飘然台上,美得失真,令人屏息。在看完《驚梦》的当晚,我津津乐道的台词是王朝不会因伶人的一句台词就颠覆。但是当我坐在《牡丹亭》观众寥寥的现场,耳边回响的只有班主最后在大雪中沧桑寂寥的呼喊:和春社,大戏《牡丹亭》全本上演咯。
原来姹紫嫣红开遍,似这般都付与断井颓垣。牡丹亭的惊梦一折中最有名的戏文,在此时此刻用这样的方式和它的演出本身重合。
俞玖林老师从珠海赶来厦门,因在南方水土不服身体非常不适。我隔着十几排在下面看他的柳梦梅是风流倜傥,而现场高清的单反拍到他的满头大汗。据说,现在能够唱齐全本《牡丹亭》柳梦梅一角的,或许只有俞玖林。因此全本《牡丹亭》越来越难得。
现在是个好时候,没有硝烟,还有很多现代剧院,流光溢彩的舞台。我之前自鸣得意他们始终有一方属于自己的舞台,但是现在却又发现没有欣赏的观众了。说实话,即使是我,也是非常勉强地才凑出了三个晚上的时间完整看完了《牡丹亭》全本。如果不是因为恰好在剧院工作,我应该也不会去看的。每晚170分钟,加上对晦涩戏文的不熟悉,对着字幕理解,看下来很疲惫,周日下午的工作很不顺利,最后一个晚上已经没有了欣赏的心情,最后说服了自己,才去现场看完了最后的九折戏。
汤显祖所作《牡丹亭》原有五十五出,后白先勇改编青春版删减为二十七出,加入现代感的舞美,让年轻人演,让大学生看,即使这样,也只是将将救起了昆曲,三天的演出还是太长,又做了一个精华版,一个晚上就演完。而到了我们做宣传的时候,千篇一律的文案已经缩减为烂俗的“爱意东升西落,浪漫至死不渝,四百年旖旎之梦,中国古典最美戏曲”潦草带过,介绍汤显祖,说他是东方莎士比亚更能让人懂。
到最后,它的其中一出标题成为了一部最卖座话剧的名字,在和它同个时间同个城市上演的时候座无虚席。
我无法也不想改变任何观众的心意,更何况两部戏同样都是非常难得,只不过是每做出一种选择,自然另一个就会变得落寞。
希望中国古典戏曲不死,中国话剧也不死。
无论如何,去现场感受它们吧。不到园林,怎知春色如许。
不要荒芜,不要荒芜。回复2赞 - Lv4看《宝岛一村》之前,怀抱着很大的期待。因为王伟忠,因为冯翊纲、屈中恒、宋少卿,因为我喜欢的“大时代下小人物的悲欢”题材,当然,最重要的,因为赖声川。我是被第一版的《暗恋桃花源》带进舞台剧的世界的。这一次对我来说,背景、演员、题材,再加上导演,万事俱备,只欠观众在台下感动而已。阿里里Lv42023-05-11
近三个小时的演出结束后,在献给演员们的经久的掌声中,我坐在保利剧院二楼的座位上,看着楼下舞台上脸庞不那么清晰的王伟忠和赖声川,默默许诺自己,明年,如果宝岛一村还来北京,还在保利剧院,一定要给自己买一张前三排的票。
这是一部超出了我预期太多的作品,即使我已经保持着极大的期许。
《宝岛一村》是一部很直白很实诚的作品。无论是故事本身,还是讲故事的手法,人物形象的塑造,甚至情感的表达和宣泄都非常的直接干脆。大陆老兵们对故乡的眷恋,对党国的忠诚,对新生活的不安、绝望与希望;第二代眷村子弟的成长、逃离;军眷们的人生起落、甘苦自咀。从头至尾,几乎没有任何观众会难以理解的对白、桥段或是其他元素(除了那个贯穿首尾的极具象征意义的陆奶奶)。《宝岛一村》是一部完全不炫技的作品。重剑无锋,大巧不工。赖声川把时代、民族、个体汇成一把玄铁重剑,一挥之下,情感溃堤。中国人通常认为,一件事做到极致,反而会看上去走向了反方面。大工便是不工,大巧便是大拙。《宝岛一村》电视剧般的通俗易懂之下,是赖声川绝对大师级的控制力。笑和泪,喜剧和正剧,王伟忠和赖声川,这之间的转换与融合,精准无比,浑然天成。
《宝岛一村》是一部煽情的时代大剧,是三代人的历史。这种戏本就是催泪大杀器,又赶上导演选择了最通俗易懂的手法来讲述故事,从第一幕开始,一直到最后那漫长的献给演员的掌声结束,我一直听到身边压抑却清晰无比的啜泣声。当然,我自己也是众多在黑暗中拼命压抑自己的死要面子的观众之一。从剧中升旗时,老赵拿出那面破碎不堪的旗,然后在老婆追问之下,告诉他那个背着这面旗死在了抗日战场上的自己的好友,就是真正的“老赵”;到众人在眷村度过的第一个除夕夜里,老兵们合唱《松花江上》;再到老赵请小黄师傅为自己的岳母打一口十元钱的棺材。初到宝岛一村的这第一部分,我已经双眼泛红,苦苦压制着自己心中迅速汇聚起来的人类世界中永恒存在着的一种情感。
这种情感叫乡愁。
李安当年在观看《暗恋桃花源》之后,哭得泪流满面,他说他在这部戏里看到了“无尽的乡愁”。李安、赖声川、王伟忠那一代的台湾人,从小在台湾长大,但是他们的父母,却是地地道道的外省人,他们操着各省的方言,只吃得惯家乡的食物,听不懂闽南话,吃不惯面线。他们来到台湾,很多人一辈子就再没回到过家乡,他们的故事,他们的乡愁,被他们的孩子听到、看到,然后这些孩子,从嘉义去了台北,从屏东去了美国,这些孩子,他们有两个故乡,大陆上,父辈的故乡,以及太平洋上,那座被称为亚细亚的孤儿的宝岛。对李安们来说,乡愁在他们既来自于他们的血液,也来自于他们自身的生活。
《宝岛一村》也里满是这样的乡愁。三代人,四种乡愁。
老赵岳母,北平知名酒肆的老板娘,那个教会朱妈妈包天津包子的老人家,她的乡愁,简单而悲伤。大限将至,却被迫逃难远离故土,然后客死他乡。她的乡愁,是《宝岛一村》里的第一种乡愁。
老赵、老朱、老周、赵妈妈、周妈妈们对海峡那边故土和故人的怀恋,是第二种乡愁,一种大时代胁迫下,个体毫无抗争之力的悲剧式的乡愁。这是动荡年代最常见的乡愁,也是我眼中最畸形的乡愁,像是一棵树被连根拔起移植去了别的地方,它的根须具在,却失去了原有的土地。它还是原来那棵树么?这些1949年迁移去了台湾的大陆老兵,伴随他们的一生的对故土的怀念,在第二代眷村人出生后,却又渐渐混杂进了,对这个孕育出他们下一代新生命的宝岛上的小小眷村的乡情。就像老赵说的,“宝岛一村就是家”。他们生活的地方变了,他们的妻子儿女变了,他们的人生变了,他们的故乡呢?似乎也在改变着,由一个,慢慢变成了两个。 于是,当后来宝岛一村拆迁,他们的乡愁也终于由一个变成了两个。
宝岛一村的第一代原住民,大毛、大牛、二毛、大车、小毛、周胖,他们也有自己的乡愁,而且是两份乡愁,同他们的父辈很像,却又不同。他们一方面继承了父辈的乡愁,像继承了基因一般。大陆上的那个故乡,是父辈们在茶余饭后,在逢年过节,在酒后,在深夜,在有意与无意间强行印刻在他们脑袋里的。而另一方面,这座见证着他们出生长大,承载着他们青春叛逆的眷村,才是属于他们自己的故乡,而离开这座故乡,造就了他们自己的乡愁。大牛、大毛、二毛、小毛们的离开家乡,其实再正常不过,子女离开父母,建立自己的新世界,这是自古有之的事情,而到了工业时代,人的流动更是变成了社会的常态,于是背井离乡的乡愁自然也成为了这个时代再正常不过的一种情感。大牛踏上去往美国的轮船,直到最后宝岛一村被拆除时才回来,大毛和他差不多。周胖去了美国读博士,便彻底抛弃了那个令他青春期无比痛苦的继父的家庭。小毛和二毛倒是经常回到宝岛一村,可是,也不过是吃个饭住一晚而已。父辈们因为时代,因为战争,因为政治而无法归家。如今小毛们不再被战争和政治所左右,可是背井离乡仍然成了绝大多数孩子的命运。于是,对于小毛们来说,那座将要被拆除的宝岛一村,和海峡那一边,他们父辈的故乡,终于慢慢重合,成为他们只留在他们记忆中的故乡。这份由二化一的乡愁,是第三种乡愁。
最后一幕,当死去的老赵,在宝岛一村拆迁的前一夜,在老邻居们欢聚一堂的那一夜,突然出现,对小毛念出了那封被他遗忘在老房子里的那封写在小毛满月之日的信时,我终于也在黑暗中成为了默默流下眼泪的观众之一。家就是宝岛一村,宝岛一村就是家。离开家,就有乡愁,有乡愁,就意味着我们拥有着一个家,拥有着一方故土。赵妈妈拆下“宝岛一村99号”的门牌,因为担心老赵将来找不到新家。这一刻,老赵的故乡,变成了那个生活着他的妻子儿女的家,他的乡愁,就是那一方小小坟墓,他在里头,家在外头。全剧落幕前,我看到了第四种乡愁,横在生死之间的无尽的乡愁。
乡愁不仅无尽,而且永存。套用徐克的话“有人的地方就有乡愁”。就像最初的人类从非洲大陆走向世界各地;像五胡入华;像宋人南迁;像五月花号抵达新大陆;像王伟忠离开嘉义,来到台北;像赖声川从美国回到台湾;像我们因为学业工作或者任何理由而来到一座新的城市;像我们离开这个世界,再也回不去我们生活过的那间客厅,那间卧室。我们离开过去,我们创造现在,然后看着新的生命离开他们的过去,创造他们的现在,看着生命延续,看着未来一直在我们眼前。
乡愁不仅是艺术作品永恒的主题,也是生命的永恒主题。
几句题外话:
小毛们的乡愁我最熟悉。我也是一个一直离开故乡的人,而我的爷爷与外公,他们那代人,则像老赵们,是拥有第二种乡愁的一代人。我的爷爷是河南许昌人,年轻的时候为了生计,被迫离开家乡,带着我奶奶来到郑州,然后生下了我的父亲。爷爷几乎没怎么回过他生长的故乡,至少在我有记忆以后,一次也没有回去过。我的外公是湖北松滋人,年轻时候赶上抗日战争的末端,一边躲日本人一边一个人跑到武汉求学,然后上了军校,跟着部队来到河南,遇到了我外婆,生下了我母亲,从此在开封落叶生根,再也没有回过松滋。2000年左右,我们陪着外公去了趟武汉,见了几个旧友,外公想回松滋看看,但是最终没能成行。从此,直到外公去年去世,老人家一生再也没有回到过故土。外公常跟我讲他小时候的事情,讲松滋的山和水,讲他小时候如何过新年,如何下河抓螃蟹,如何在夜晚捉黄鳝。我的爷爷与外公,他们是有根的一代人,他们对我来说就像是真正从家乡的土壤里生长出来的农作物一般。而我不是,我填写各种资料时,籍贯是许昌,出生地是郑州,我中学在开封我母亲的故乡,大学跑去了广州,如今又在北京生活。也许几年后我又会更换一座新的城市。我离开的故乡的岁数未必比我的爷爷与外公们小,然而故乡和我之间的羁绊,却远远弱于老人家们。我一直觉得像我在城市生长大的孩子,在楼房中长大的孩子,在钢筋水泥中长大的孩子,就像是如今城市中人们最爱的绿萝,是得不到土壤的植物。我们寻着自己的根,也未必便能找到故土。《宝岛一村》像《暗恋桃花源》一样,给我心头来了一记闷拳,不仅写作,生活也要找到根,无论是黄土地里麦子高粱和根须,还是玻璃花瓶的水中,同样拼命生长的绿萝的根须。回复赞 - Lv5由大船文化引进的澳大利亚国宝级踢踏舞剧TAP DOGS《踢踏狗》于12月13日至16日在ET聚场(上海共舞台)上演,之后将陆续到其它城市巡演。导演/设计师:奈杰而·特里菲特,编舞:迪恩·佩瑞,作曲:安德鲁·维基,演员:ANTHONY RUSSO、CHAISE ROSEILL、JUSTIN MYLES、NATHANIAL HANCOCK、REID PERRY、SAM MARKS、Nathan Beech、Richie Miller、NORIKO TERADA、CATARINA PERCINIO。好习惯Lv52018-12-19
导演:奈杰而·特里菲特被公认为澳大利亚和国际视觉影效领域的领导者,在30年的职业生涯中拥有令人印象深刻的记录。可以说他最成功的项目是Tap Dogs,Tap Dogs已成为澳大利亚最大的出口产品之一(已在全球250多个城市巡回演出)。
编舞:迪恩·佩瑞已经在娱乐行业工作了三十多年,他创造了真正的演艺界商业现象TAP DOGS。1991年迪恩组成了踢踏兄弟(TAP Brother),即是现今红遍半边天的踢踏狗前身。1995年伦敦西区特别邀请这个极具新意的踢踏舞团队制作了一部全新踢踏舞剧—《Hot Shoe Shuffle》一举成名,迪恩成为了最年轻也是第一个荣获英国奥利佛奖的澳洲人。1995年1月,掀起美式踢踏新风格的TAP DOGS《踢踏狗》正式和舞迷见面。
看这部舞剧是因为有活动免费观赏,所以想看一下这部剧和上一次看的《破铜烂铁》有何不同。本剧豆瓣历史评分7.7分,言归正传讲剧目。(观后感涉及部分剧情,请谨慎阅读!)
演出简介:这是一个只有6个演员而且是纯男团“脚斗士”,为你带来强劲的阳刚美感和炙热的双腿辣舞秀。《踢踏狗》既有充沛的男人气概,也有“逗你玩”的乐趣。
主要演员:
ANTHONY RUSSO 15岁时在密苏里州圣路易斯的一个剧院参加了Anything Goes的试镜,并成功参与演出。他也曾仅凭在纸上绘画微笑脸脱颖,获得了太阳马戏团的演出机会。参加了第六届Tap Dogs全国巡演,他为此甚至放弃了自己的高中学业。
CHAISE ROSEILL 5岁时便开始学习跳舞和唱歌,10岁便开始上台表演。他和Jamelia、Barry Humphries、Delta Goodrem、黑眼豆豆、Jessica Mauboy等知名艺术家都曾有过合作。2007年他加入了享誉国际的Tap Dogs,自此开启了他超过10年的巡演历程。他不仅热爱表演,还热爱制作、指导和编舞。他会制作剧目并且参与演出,并且一直在不断的创新。
JUSTIN MYLES从3岁开始跳舞打鼓,主修芭蕾舞和爵士乐。他还是匹兹堡剧场舞蹈团的公司成员,为派拉蒙、布希花园和迪斯尼游轮公司担任主唱、舞蹈演员和舞蹈队长。在百老汇演出期间,在北美和南美参演STOMP《破铜烂铁》。此次跟随TAP DOGS《踢踏狗》来到中国,他已经迫不及待想向中国的观众朋友们展示他的舞台活力与热情。
NATHANIAL HANCOCK接受过世界上最优秀的训练,在Jason Samuels Smith、Savion Glover、Dein Perry等人的指导下学习过。他是Street Feet 娱乐公司和澳大利亚Tap公司的创始成员,也是Tap Dogs巡演的重要成员。过去的7年里,他跟着Tap Dogs去过欧洲、亚洲、巴林、阿联酋、澳大利亚和南非等国家。
REID PERRY在他的父亲Dein Perry影响下童年时便开始了“Tap Pups”的舞蹈训练,在2016年Reid首次亮相Tap Dogs。他目前正在悉尼国际学校学习表演艺术,他与来自A Chorus Line剧团的Zach,以及Marcia Hines等澳大利亚名人一起合作演出过。这次来到中国,是他第一次参加Tap Dogs的世界巡演。
Sam Marks参演过《雨中歌唱》、《悲惨世界》、《绿野仙踪》,之后开启了他的职业生涯。他参演过许多音乐剧,如《猫》、《女巫前传》、《南太平洋》,《雨中歌唱》、《你好,多利》和《蓬岛仙舞》,表演功底深厚,舞蹈能力非常出众。在2010年Sam加入《踢踏狗》,在伦敦、法国、意大利、巴林岛、迪拜、中国台湾、新加坡和悉尼都参与了巡演。
这部剧曾经作为悉尼奥运会开幕秀,在世界巡演过370个城市。据说是当代踢踏舞的鼻祖,被澳大利亚政府定为国粹。
本剧一共6位男团成员负责舞蹈表演,两位妹子负责打鼓等伴奏。演出当中有水中踢踏舞环节,所以坐在第一和第二排的观众建议穿上剧场提供的临时雨衣防止被水花溅到身上。关于这部剧的辉煌历史和口碑在票务等宣传媒体上都有,我就不再多做赘述了。
这次我拿到的票是在第三排的左侧区域,由于演出当天左侧区域靠当中的位置没人坐所以我挪到了当中改善了视角。这次演出由于又是国际化团队的知名演出,所以到场观众中不乏外籍人士。
和上一次看《破铜烂铁》一样,演出过程中有烟的时候主要飘散区域往前排当中开始发散,所以坐边上可以少吃点烟。做一排的观众果然穿好了雨披,演出过程中水花其实溅的还好。
表演风格上该剧有点类似我以前免费看过的舞剧《破铜烂铁》,在诙谐风趣的气氛下利用各种道具、布景来跳不同节奏组合的舞步。
区别上《破铜烂铁》利用各种道具发出声音伴奏形成韵律节拍,而《踢踏狗》本身有伴奏,无伴奏情况下利用舞步打出的拍子与阿卡贝拉有异曲同工之妙。
表现形式上还是很多样的,一些套路令人眼花缭乱。前台地板上的五组收音的麦以及其他收音麦,配合舞鞋脚尖和脚跟特别设计的材料把敲打撞击底板后发出的清脆有力的节奏声清晰的体现了出来。
摇滚乐配合演员丰富的表情和各种节奏的舞步达到了一种珠联璧合的震撼观赏效果,令观众欢呼雀跃。
此次灯光设计主要用来追光演员走位,以及配合场景切换明暗度。比如在电锯钢花飞舞那段表演就用了很暗的光,反衬出火花四溅的奇妙效果。
演员用手电筒灯光切换的表演段落就彻底关灯,利用手电筒光源演员的有规律切换表达效果。这和《破铜烂铁》中用打火机的火光切换表演是相同设计原理,明暗交替容易产生强烈的反差视觉感。
服装方面基本都是以体恤衫为主,不过SAM是光着上身的。我看的那场NATHANIAL一条腿上好像还绑了类似绷带一样的东西,不知道是否之前腿受过伤。
音乐方面摇滚乐配踢踏舞确实很有现代感,演员舞步节奏和音乐配合相得益彰。两位女生在后面专门设计的位置打鼓以及各种乐器伴奏,这两位和6位男演员一样也是资历不浅。
Noriko Terada在3岁开始弹钢琴,7岁开始接受古典芭蕾舞训练,12岁时爱上了打击乐,高中毕业后在东京音乐学院接受培训,2007年她获得了伯克利音乐学院的奖学金。她与许多知名艺术家合作过,包括Alan Silvestri(电影回归未来的作曲家),Don Was(滚石制作人),Angelique Kidjo(格莱美奖歌手),Nobuo Uematsu(最终幻想作曲家)等。
CATARINA PERCINIO的音乐生涯始于8岁,她会演奏的乐器数量多种多样,包括马林巴琴,木琴和定音鼓,以及铃鼓,钹和低音鼓等交响乐器,以及许多民族和节奏乐器。她在圣保罗最好的音乐学院之一的Universidade LivredeMúsica学习管弦乐打击乐,她在圣保罗州立大学(UNESP)获得打击乐奖学金。曾在众多专业乐团演奏,包括着名的Duo Labeque,并与Frank Shipway,John Neshling和Neil Thomson等指挥家合作演出。
布景道具方面设计我觉得很有想法,比如可以移动拉起固定的地板成了立体阶梯或斜坡,可以像键盘一样踩出各种声响效果的踏板非常滑稽有趣。
还有身体倒挂着悬在空中双脚在舞台上方的铁板上起舞,还有利用水面和篮球为道具跳舞。其实踢踏舞基本动作技巧都是一样的,如何创意编排组合才是出效果的关键。
整场表演中各种踢踏舞技巧以及搞笑的部分非常精彩,演员当中还要负责调整道具布景十分辛苦。表演当中大家切换休息,完成了80分钟的演出。
大胡子ANTHONY RUSSO好像是领舞,在表演中起到领头作用。我印象当中有段舞蹈桥段是他教REID PERRY舞步,不知道是不是代表着一种艺术传承的意思。整场表现比较调皮的是JUSTIN MYLES,舞步走位比较风骚的是CHAISE ROSEILLO(跳舞时特别喜欢扭来扭去)。
原来印象当中踢踏舞应该是比较仪式感的那种集体舞或者男女配合的舞蹈,而这种非常现代感形式的舞蹈第一次见到令我耳目一新。
历史上这部舞剧曾改编成电影,不过豆瓣分数并不高。究其原因估计是舞蹈不错,在剧情设计方面单薄生硬所致。所以说艺术创作这个东西还是有难度的,并非都触类旁通。
总体看下来我个人觉得演出还是很精彩的,在视觉和听觉上整体效果非常享受。80分钟连续演出非常考验演员们的体力,居然能够坚持下来并且保证整齐和表演效果可见基本功很强。像脚底快速动作对腿部肌肉消耗不小,没有练过的一般人估计吃不消。“台上一分钟,台下十年功。”这句话所以说一点都不假。
在闲暇之余能看到这样一场别开生面的演出还是非常开心的,希望以后有机会能多看一些质量高的演出。满分10分制我打9分(时间再长一点就好了),下一次讲电影《老爸102岁》。(想看图文并茂版的小伙伴可以关注我的微信个人公众号:好习惯吐槽的观后感)回复5赞 - Lv5《无人生还》由阿加莎·克里斯蒂[英]编剧、中文版由上海话剧艺术中心优秀青年导演林奕执导,上海话剧艺术中心和上海捕鼠器戏剧工作室制作出品。演出由贺坪、付雅雯、李建华、佘晨光/许承先、徐幸、童歆、吕游、王肖兵、王华/王珏、张羴、祖永宸联合主演。舞台结尾版:2018年7月12日-7月13日19:30,7月19日-7月25日19:30,7月28日-7月29日19:30(周一无演出)小说结尾版:7月14日14:00, 7月14日-7月18日19:30、7月26日-7月27日19:30(周一无演出)。好习惯Lv52018-07-23
导演林奕1982年1月出生于上海,2000年考入上海戏剧学院导演系。并于2004年毕业获得学士学位,同年进入上海话剧艺术中心工作。2007-2009年执导《捕鼠器》,2007-至今执导《无人生还》,2009-2011年执导《侦查》,2009-2012年执导《意外来客》,2010-2013年执导《空幻之屋》,2011-2012年执导《命案回首》,2011-2012年执导《死亡陷阱》,2011-至今执导《原告证人》,2011-2013年执导《蛛网》,2013-2014年执导《Rule Of Three》。
编剧阿加莎·克里斯蒂是一个被誉为“举世公认的侦探小说女王”的英国小说家与剧作家。英国皇家文学会会员,英国女王钦点为“侦探女王”;“不列颠帝国勋章”获得者;埃克赛特大学名誉文学博士;“不列颠帝国女爵士勋章”获得者。因侦探小说成名,一生所获殊荣远远超过其他侦探小说家。她的作品被译成103种文字,在157个国家出版。总印量仅次于《圣经》,并与《圣经》、《莎士比亚戏剧集》同列世界畅销书前三名。创造出了一个叫“波洛”的小人物式侦探,并凭借这个小人物使侦探小说正式步入正统文学的殿堂。在阿加莎数以万计的仰慕者中不乏显赫的人物,其中包括了英国女王伊丽莎白女王和法国戴高乐总统。《尼罗河上的惨案》、《东方快车谋杀案》、《阳光下的罪恶》、《捕鼠器》等作品在中国读者和观众脑海中都留下极为深刻的印象,很多作品被改编成了影视剧。
看这部话剧是因为阿加莎的话剧看过几部都觉得不错,这次是上话&捕鼠器工作室联合出品所以去看一下。该剧目前豆瓣评分8.6分,言归正传讲剧目。(观后感涉及部分剧情,请谨慎阅读!)
故事讲的是十个互不相识的人,被富有的欧文先生邀请到了印第安岛上的私人别墅里。晚餐后一个神秘的声音揭开了人们心中所各自隐藏着的可怕秘密,当天晚上年轻的马斯顿先生离奇死去。古老的童谣就像诅咒一样笼罩着所有人,似乎有一双神秘的眼睛在时刻窥视着这场死亡游戏。到访者就像消失的印地安小瓷人一样一个又一个的走向死神密闭的大剧场,孤岛的悬崖别墅被迷雾笼罩。随着剧中人物接二连三地突然死亡,悬念和恐惧向人频频发难将故事和推理慢慢带向高潮。
主要人物:
隆巴德上尉在南非曾参军,在部队遭到围困时自己侥幸逃出让土著手下被敌人所杀。
维拉曾当过家庭教师,当时为了想获得遗产的男友而使男友的小侄子被淹死而没阻止。
瓦格雷夫法官为了利用自身权威对一名有争议的犯人判处死刑,他在别墅里判断谁是凶杀时非常从容不迫。
富家子弟马斯顿平时喜欢飙车,他曾经超速行驶撞死过一对兄妹。
麦肯锡将军因年龄差距大的老婆与手下有私情,利用职务之便派手下去战场送死。
化名戴维斯的前探长布洛尔为了升官发财与匪徒勾结,在法庭上作伪证诬陷别人导致对方在狱中死亡。
神经科医生阿姆斯特朗滴酒不沾,实际上他当年因喝酒导致医疗事故病人死亡才转的科。
老妇人布伦特因循守旧,当年她的年轻女佣与人珠胎暗结后被逼自杀与她有关。
管家罗杰斯和女佣是一对夫妇,他们早年在看护主人时没有及时送医导致东家致死而获得遗产。
《无人生还》这部小说是阿加莎•克里斯蒂本人最钟爱的一部作品,而话剧《无人生还》也是由她本人亲自改写的剧本。自2007年在上海轰动首演后,在全国范围内掀起一股“悬疑热”号称“史上非常恐怖的”的悬疑话剧。在中国上演了300余场,先后在北京、南京、杭州、宁波、苏州、长沙等11个城市进行过巡演。
这部话剧我很早就订了票,位置在第一排偏当中视角还行。演出从19:30演到差不多22:40左右结束,幸好地铁末班车时间还能赶上。作为阿加莎名剧来看的人很多,基本座无虚席。开场时映入眼帘的布景非常逼真,别墅分为客厅、门廊、卧室、厨房、小岛。另外还有酒柜、壁炉、吊灯、落地窗、沙发等一应俱全,看上去非常考究。
故事刚开始时由罗杰斯夫妇交代会有很多客人来到别墅小住,紧接着客人们陆续到来。每个人物出场举手投足和说话间都透露出各自的性格,其中隆巴德和维拉关系很密切。
来的人都是收到了欧文先生各种理由的邀请,实际上根本没有欧文夫妇。开始大家只是觉得主人不来有点不地道,之后唱片机里有人控诉来访的每个人的罪行。从这里开始透露了请大家来到别墅动机不单纯,而富二代马斯顿意外身亡后表明并不是恶作剧而是早已布局的阴谋。
在马斯顿死亡时伴随着一个印第安小瓷人的损毁,而墙上的十个印第安小男孩的童谣预示着所有人死亡的形式。所有人对于曝光自己的黑历史都矢口否认或者有自己正当的理由,其实马斯顿被杀后大家心中还是很忐忑的。但是无法确定谁是罪犯,所以大家互相猜忌。
瓦格雷夫法官牵头帮助大家抽丝剥茧分析罪犯,首先询问大家收到的邀请函的内容。通过内容发现凶手对于大家比较熟悉,可是大家对于凶手没有丝毫印象。之后在几个主人公之间的谈话中慢慢揭示了彼此的黑历史,所有人都直接或间接背负人命。
这里我有个疑问,凶杀不认识当事人是从何渠道获知这些人的罪行的?还有证据是否确凿呢?如果证据不充分这种谋杀就不能算是替天行道了。事实上很多影视剧和小说里都提到过有些人虽然犯了罪,但是没有证据抓他们而让他们逍遥法外。美国电影里很多主角对付坏人基本都是受害后报仇,或有确切渠道了解罪犯详细的罪行后出手。而此剧中幕后黑手我估计他搜集的信息有限,像隆巴德上尉、维拉小姐等间接致人死亡的罪行很难取证只有当事人自己清楚。所以说法律虽然有其局限性,但依靠证据判案总好过靠猜测在法外处理要好。
在一个个当事人接连神秘遇害后大家陆续交代了自己的罪过,有忏悔也有死不悔改的。这并非都是良心发现,而是面临死亡产生的恐惧而做的辩解。这些辩解只是想表明自己罪不至死,或者只是一时疏忽。凶手并没有因此发善心戛然而止,而是继续按照童谣上的次序一个个除掉每个人。通过每个人罪行可以看出其实很多人没有亲自动手杀害别人,比如借刀杀人或者玩忽职守等形式。这些人的罪行如果按法律判即使证据确凿很多确实罪不至死,幕后凶杀有点量刑过重了。话说回来,如果是正常人确实不会以密室凶杀的模式来彰显为民除害。
在最后部分所剩人数不多的情况下,大家互相盯得更紧而凶手的机会更小。如何在确定凶手就在大家当中的情况下动手成为了一大悬疑,这里容易肚子饿的布洛尔出了不少笑料。而房间断电后点了蜡烛增加了恐怖的气氛和惊悚的味道,观众们都在屏气凝神的观察台上的进展。
我们常说:“害人之心不可有,防人之心不可无!”人与人之间的信任在陌生人间有时很脆弱,比如那些碰瓷的老人多了很多人见到老人摔倒都不敢扶。这里除了坏人变老了的问题外也说明法制上对于此种问题还需完善,避免人心惶惶谁都不敢做好事。电影《心理罪之城市之光》中的反派江亚就以暴制暴,其中有个小女孩做好事反而被讹就是体现了这种问题。
最后部分只剩两人时这种互相猜忌更加严重,当然也是凶手希望看到的。至于最后谁是凶手就不剧透了(瓦格雷夫法官谢幕时提醒我们不能说),我看的舞台结尾版结局和小说结尾版不同。
阿加莎的剧我觉得好看的地方就是在这种悬疑和惊悚气氛相结合的地方,她提供了一定的线索给观众去揣测人物的动机和下一步行动。而且就算是你知道剧情的情况下,演员们的表现互动依旧感觉很出彩。加上《无人生还》有两个版本,阿加莎自己编两个版本的结局不同效果也不同。
我个人感觉这部话剧非常好看,虽然我坐在第一排但是真没发现凶手是何时动手的。其他观众可能和我一样好奇每个人的死法如何与童谣相符,以及凶手到底是谁。本剧的布景、音效、灯光都设计的不错,把恐怖的气氛以及不同的天气和时间逼真地还原。
演员们演技都发挥不错,使人物有血有肉十分饱满。每个演员的肢体语言和音色神态都惟妙惟肖,把人物的恐惧和互相猜疑体现得淋漓尽致。喜剧效果的部分主要由阿姆斯特朗医生、探长布罗尔、上尉隆巴德包办,恐怖效果部分由前家庭教师维拉负责。
这部反映人性的密室凶杀悬疑剧常演不衰主要就是依靠这些优秀演员精湛地演技吸引观众的,我个人强烈推荐大家有机会去看一下。满分10分制我打9分,下一次讲电影《兄弟班》。12回复20赞 - Lv4其实看剧之前,心情是百无聊赖的。某一个周二的晚上,想到已有近一年时间未进剧场,突然就想看话剧,又查到单位附近上剧场在上演《宝岛一村》,便随手买了次日晚的票。没有提前多做了解,也并没有想到会遭受怎样的情感冲击。只是散场后地铁末班车已过,一边吃着散场发的包子等车,一边任由思绪在深秋的夜晚飘忽。TemptationLv42023-05-14
当时就有写评论的冲动,但情绪太过丰富,一时难以梳理,加之到家已凌晨,便搁置了下来。然而幕间音乐的旋律连同演出片段不断在脑海闪回,索性选择在上演的最后一日二刷。又拖了几日,才在零碎中成稿。
一、半个安娜:人物身份的偏离
讲述世事变迁中个体命运浮沉的作品不胜枚举,有正面切入宏大历史的《战争与和平》,有讲述大动荡下生存挣扎的《活着》,有于平静中见沧桑的《长恨歌》《繁花》,也有以魔幻现实主义著称的《百年孤独》。相比之下,《宝岛一村》的一大特色在于利用身份的错位和偏离来塑造人物及推动叙事,和对由此带来的命运飘零感的渲染。
从第一幕一开场分房子发门牌号开始,身份错位的种子就已种下。小杨冒充阵亡战友赵汉斌拿到99号房,一时间让妻子钱燕子吐槽“哎呀我到底嫁给谁了啊”;停飞飞行员周宁也为不认识的陌生人做担保,使得不是魏中的陌生人假借魏中的身份而有了住处。
新的身份开启了新的生活,第一次升旗也是一段故事的启幕。
1.
赵家先后生育三个儿女,在大跨度的时间和充实的情节推动下观众几乎已经忘了“小杨”的存在,直到第三幕探亲一场戏儿子小毛回到北京发现父亲一家都姓杨,观众这才回想起来“赵汉斌”的真实身份,而真的“赵汉斌”是谁,也早已在升旗一场戏中以不经意的方式点明。升起亡故战友在战场上披过的旗帜,却又通过假借其身份、占有其资源来维持生活,这算是对同袍的永久纪念呢,还是兵荒马乱中极为现实的残酷之体现呢?
也不知是不是因冒名顶替得利而产生的愧疚感,赵汉斌在宝岛一村是个热心肠。村里大事小事都由他出面,还善于做(和)调(稀)解(泥),在二毛被偷看洗澡一场戏中奉献出了可能是全剧最令人捧腹的台词“谁看我们家女儿洗澡,我们就看回去!”赵汉斌总是一副笑盈盈的表情,历经大风大浪后人淡如菊,就算是后来被误当特务抓去受审讯,被放出来后也只是对忧心忡忡的家人朋友轻描淡写。他已学会笑对生活中的一切,能够在平淡中感受生命便已是幸事。“愿你此生不像我们一样颠沛流离,愿你此生不知道什么叫战争,愿你此生一切平安。”这是一位历经风雨的父亲对满月儿子最真挚的祝福。
2.
与丈夫赵汉斌迥异,作为北平城德福轩大掌柜的女儿,出身高贵的赵嫂钱燕子初来眷村,还维持着上流心态和娇生惯养的生活状态,这在一开始分房时的不耐烦和初入驻时的嫌弃中便有体现。此后,虽然她渐渐融入眷村生活,但潜意识里依然是以德福轩大小姐的身份来确认自我存在的。见隔壁朱家买了电视荧幕滤镜,就对丈夫说也想要,因为在京城时以自家财力不存在买不到的东西;唱片机被宪兵查抄后敢于对宪兵撒泼吵架,因为自认身份高贵,从来就不是被欺负的那一个。
到了老年神智不清后,钱燕子“德福轩大小姐”这一身份体认在自我意识的弱化下更为外露。走出眷村的儿女二毛和小毛回家给母亲庆生,许久无言的钱燕子终于开口,说的第一句便是:“北海的冰化了。去年冬天才去溜过一次。”(后面不记得了)这段喃喃自语不知感动了多少人。这场戏被命名为“春天的记忆”,其实何止是钱燕子的春天记忆,这凝聚着眷村人民对大陆故乡的集体追忆;子康归来前的饭桌上,钱燕子一句“这是谁定的规矩啊”,一句“德福轩买单”,她还是心在京城德福轩啊。北京、青岛、上海,第一个年夜各自望向各自家乡的方向,这一场景其实从未消退。
3.
电线杆下搭房子的朱家夫妇是大陆移民和台湾原住民的组合,一开始语言不通,但经过一段时间的磨合,也能够顺利交流。虽然整个宝岛一村充斥着各地方言,大家来自五湖四海,却在渐渐相处中实现了思乡情绪让位于“宝岛一村共同体意识”——对宝岛一村村民身份的认同。朱家二儿子大车去台北参加《三朵花》节目,当他在节目中对着全岛观众说出宝岛一村的名字时,守在电视机前的村民们也都在自豪,“宝岛一村”,已然成了他们新的家乡。
从全剧来看,朱嫂陈秀娥的自我身份认知经历了两次转变。一次是从台湾普通原住民转变为眷村村民,同时也伴随着冒失女孩向村妇的转变。这一身份转变主要表现为语言从闽南话到台湾国语的变化。刚嫁给朱全,无家可归的两人在赵家和周家之间的空地搭了勉强能住的房子,两人相依为命,也在语言磨合间增进着感情。陈秀娥还在语言不通时就被隔壁钱老奶奶教做“天津包zhi”,虽然两人沟通困难,但终究是教学成功,陈秀娥传承了钱老奶奶的手艺。在钱老奶奶葬礼上,陈秀娥端上了自己做的天津包子、用已熟悉的国语告慰钱老奶奶在天之灵,也恰巧在葬礼上临产,此后便在村里卖包子养家糊口。钱老奶奶的葬礼可以看作是陈秀娥第一次身份认知转变的完成。第二次是朱家夫妇回山东老家探亲,观众这才知道朱全早已在山东成家,甚至已经有了孙子,当然,陈秀娥知道得并不比观众早。这对陈秀娥来说是对几十年来基础信念的撼动,她不得不在屋外消化消息、调整心态。但很快,陈秀娥便坦然接受了这一切,友好地和“正室”一家打招呼、发礼物。虽然这一情节对此后剧情并无影响,但陈秀娥随着剧情信息披露的完善而在无形之中又发生了一次身份错位。
4.
冷如云大概是剧中最为悲剧性的角色了。她本是空军飞行员李子康的妻子,初出场时落落大方、顾盼生姿,是典型的贵妇形象。然而“李子康投共”事件让她的处境急转直下。在大陆的历史叙事中,“两航起义”是新中国民航事业的开端;但在对岸,类似的行为却意味着家庭破碎、妻离子散。周宁作为李子康战友收留了如云,还在三个女邻居面前产生了一阵小尴尬。一年后如云生下周胖,周胖的身世便是个绕不开的话题。如云平常做吴将军家的帮佣,其心理落差可想而知,与村里其他人不同,如云的遗民感是双重的,依然穿旗袍精致打扮的坚持,也是她内心挣扎的外化。她不仅把对孩子的爱投注到吴将军儿子身上,还和吴将军互生情愫。在失手打了吴将军儿子被吴太太赶走后,回到家又面对周胖对自身身世的质疑。东家开除、儿子摊牌的双重打击叠加游离于周宁和吴将军之间的无所适从,以及长期以来的心理落差和压抑,混乱的思绪引导着她去火车站卧轨寻短。虽然这一安娜·卡列尼娜式的举动并没有完成,如云终究没有跳下站台,但这两个角色都企图以自杀来控诉家庭的不幸、命运的捉弄,如云没有变成安娜,至少也是半个安娜。这里要提一下扮演冷如云的演员金晶的精湛表演,把生死时刻的纠结矛盾演绎得丝丝入扣,富有层次感。从某种意义上来讲,剧中人物的身份转变或偏离都处于一种不彻底的“半个安娜”状态,转变中并未完全摆脱掉原始身份,并受困于两种身份之间。
命运对如云的捉弄并未结束。儿子周胖升教授的宴席上,周胖不在场,李子康却意外出现,原来他当初不是“投共”,只是飞机失事迫降对岸。子康设法到香港后没有去找妻子破镜重圆,而是选择了与吴将军通信、默默守望着如云,并再也没有结婚。也许他这样做是得知如云开始了新生活后不忍心再一次改变其人生轨迹,但如云原谅吗?早上二十多岁的小伙子出门,傍晚回来的却是七十多岁的老人,“你回来做什么,你回来吃晚饭?”此情此景,很难不让人动容。如果命运开了我们一个天大的承受不起的玩笑,那就一直骗下去吧,在最后才来坦白,是残忍的。
5.
几家男主人在村口大树下的攀谈也很有意思。无论哪个时期,话题都避不开“戴笠死没死”。在他们的观念里,戴笠是他们回归大陆的接应方,是实现救赎的一线希望。1975年蒋介石去世,剧中在第二幕末专门安排了一场戏来表现眷村村民的悲痛,因为蒋介石走了,也同时将带他们回家的承诺带走了,他们彻底失去了能够回家的信念。然而两岸开放探亲后,周宁还是坚称戴笠没死,这更多是出自一种遗民的偏执心态。巧的是,这次他把自己几十年来其实一直没有听懂纪怪讲话一事说穿了,纪怪很受打击,从此“退出政坛”。
二、Circle of life:嘉义桃花源的慢步调
几场树下时事辩论,相似的场景中时光飞逝。周宁从飞机飞过时起身敬礼到渐渐站不起来、抬不起手,只能目送;赵汉斌入土,四个人也慢慢变成了三个人。这样重复场景在不同时期的复现不难让人联想起电影《城南旧事》中的类似处理。时间不动声色地在每一个人身上留下痕迹,而村口的树、学校操场,超然于时间,见证着岁月流淌。
虽然剧情时间跨度长达半个多世纪之久,情节中贯穿诸多重大历史事件,但观赏过程中却未曾让人感到受历史进程推进而产生的快节奏和压迫感。探究下来,全剧着眼点只在于眷村的三个家庭,他们第一代不得已扎根于此,第二代在前两幕中还未长大、走向外面的世界,村民们与外界接触不多,日子也相对安稳,以至于宝岛一村在全剧大部分时间都犹如一个世外桃源般的存在,时间的流逝就更多体现为对生老病死的感知,而不是历史的宏大叙事。新一代的长成伴随老一辈的凋零,与孩子们长大相伴随的,是赵汉斌撒手人寰、钱燕子神志不清、陈秀娥不再做包子;但同时老一代的逝去也伴以新一代的降临,钱老奶奶葬礼上陈秀娥临产,死亡与新生相连,揭示一种生命的循环。
在无常中也总有不变的东西,比如天津包子的手艺传承,在这些人刚来眷村时,由钱老奶奶教会了还只会讲闽南话的陈秀娥如何做正宗天津包子,后来秀娥以此谋生养家,并将手艺教给了儿子大车,留守眷村的大车就继续卖着包子。“天津包子”这一元素贯穿全剧,并与人物、情节紧密相连,是一个很好的代表宝岛一村的信物。从这一角度讲,演出散场后给观众发的包子,不就是对宝岛一村乃至整个台湾眷村之存在的铭记吗?三个多小时的演出下来吃上一颗热腾腾的包子,不仅充饥,更能回味暖心。
正是这些在时过境迁中较为稳定、可知可感的存在,给观众一种着落感,能够从容对待外部环境的变化,以剧中鹿奶奶般缓慢而稳健的步调,体会眷村变迁的点点滴滴。
三、Those were the days:岁月如歌的怀旧感触
演出中场休息时播放的两首歌曲,《The End of the World》以及《Those Were the Days》,都极具怀旧感,这也契合着戏剧的主基调,即对某种旧时光的纪念。
剧中有两场年夜饭:第一幕中这群人来到台湾后吃的第一个年夜饭与第三幕结尾宝岛一村拆迁前大家重聚时吃的最后一个年夜饭,恰分别隐喻宝岛一村初建、村民共同体意识的逐渐形成和宝岛一村拆除、“村民”身份的解除。虽然村子拆迁了,村民记忆中的那些人和事,却并不会随之消隐,反而会内化于心。
大牛和大毛玩21点的情节也出现了两次,一次是小时青梅竹马两小无猜,一次是天各一方后中年时在拉斯维加斯的赌场偶遇咫尺天涯。他们之间的阻碍不仅仅是恰巧重合的她的下班时间和他的飞机起飞时间,更是大半生缺乏对方参与造成的心理疏离。然而,虽然小时的诺言在如今的叙旧中只当笑谈,但“或然率”还是成了他们之间心照不宣的密语:“小时候的快乐我还记得,虽然我们没能走到最后,但我依然珍视和感谢青涩岁月中有你的陪伴。”演出结束后的归途中,耳机里反复播放《Those Were the Days》,浮现的画面一直是重逢于拉斯维加斯的大毛和大牛。
这两组情节设置,由时间较近者产生意念上的闪回效果,引导观众对照不同时期的相似场面,并重新审视当初,在七零八落的现时对比下增强对美好单纯的旧时光的眷恋情绪。
伴随那一代眷村人(也许是那一代台湾人)长大的元素,被自然地融入在剧情当中。两岸对峙时期,防空洞还属于在人们生活中存在感较强的事物。剧中防空洞不仅是孩子们的探险乐园,更被赋予了一种私密空间的属性。大牛和大毛在防空洞里憧憬“比宝岛一村还大”的房子,吴将军和冷如云也把幽会地点安排在防空洞、还被不约而同到来的大车和二毛撞见。在构造逼仄紧凑的眷村,家长里短都能被周围耳闻目睹,隐秘的防空洞便成为了村民们隐私的载体,也提供了逃避社交压抑的空间。防空洞,以及伴随丧讯传出的哭声、电视节目《三朵花》、来自对岸的传单等,甚至小如荧幕滤镜、唱片机这样的物件,都是那一代眷村住民的集体记忆。
当然,一代人的集体记忆不只有美好的一面。戒严时期,政治高压笼罩在每个人头上,成为挥之不去的阴影。钱燕子1949年逃来台湾时随身带来的唱片机,用于家庭娱乐,却在六七十年代不巧被宪兵查抄,那时期,“从那边带来的东西”是不允许存在的。第二幕公厕标语疑云,连同之后的赵汉斌被捕,呈现出那一时期草木皆兵的心态,且这样的疑神疑鬼已成为集体无意识,融入人们日常生活中。既有美好一面,也有阴暗一面,这样的时代叙事,才是完整而让人信服的。
赖声川表示,“随着时间的脚步,《宝岛一村》的涵义也从对台湾眷村历史的描述,渐渐扩大属于对世界流离失所难民的生命记录。”我相信这出戏的体量是能够承载得起如此高意义的。感谢《宝岛一村》的主创和演员们,在呈现一种历史存在以外,也演绎着一段段让人感慨万千的人生故事。回复赞 - Lv3我们似乎处于一个喜剧空前繁荣的时代。虽然晚会小品的辉煌岁月已经远去,但舞台上“开心麻花”式的演出和各类电视喜剧大赛层出不穷。这些作品大多基于几个无伤大雅的误会,小丑似的人物在台上左支右绌。观众哈哈一笑,再次证实自己比剧中人更为高明,获得精神上的快感。可若仅将现今充斥着荧屏和舞台的“笑剧”当成喜剧,把机械性地引人发笑作为喜剧的唯一功用,未免大大贬低了这一在黑格尔看来足以超越悲剧的戏剧类型。月牙小淑女啊Lv32023-05-14
至少陈佩斯与毓钺就坚信喜剧同样能承载并不轻松的话题。二人首次搭档创作的《戏台》便展现了强权与艺术之间的冲突,以笑声嘲讽权力的庸俗。《戏台》一票难求,既叫好又叫座,可见观众的确期待看到一出真正严肃的喜剧。《惊梦》作为陈佩斯“戏台三部曲”的第二部,从宣发之初便深受关注。而陈佩斯与毓钺也再次超越了观众的期待,《惊梦》毋庸置疑是当今中国舞台上一部不可多得的佳作。
一、民间逻辑与战争逻辑
《惊梦》延续《戏台》,依旧讲述了一个戏班在民国乱世中挣扎求存的故事。历史悠久的昆曲大班和春社应富少常少坤的邀约,来到平州小城准备演出。怎料刚进平州,一场国共间的拉锯战便在此打响,将戏班困于其间。共产党野战军希望戏班能为战士演出《白毛女》以鼓舞士气,国民党也想用演出来提振涣散的军心。班主童孝璋为了众人的衣食,也为了和春社的金字招牌,只得艰难支撑。
编剧在《惊梦》中展现出超越前作的野心,正面碰触了喜剧较少涉及的一个话题——战争。《戏台》中也有战争。它赋予了军阀洪大帅至高的权力,使他可以随意改戏,决定众人的生死;也最终剥夺了这种权力,在一个必死的境地下解救了全戏班的性命。但《戏台》中的战争是隐形的,无论城头如何变幻大王旗,戏院里照样三天戏票全部售空,名角儿还有余裕为情伤神。战争自身的残酷性被回避了,转而表现强权如何侵入这座仿佛遗世独立的艺术殿堂。《惊梦》则完全相反,童孝璋与和春社才是外来的闯入者,一头撞进战争的中心,常少坤修建的古戏台没有为他们提供一丝庇护。他们困在枪林弹雨中无处可逃,成为这场拉锯战的受害者,战争叙事便从《戏台》里的隐在转为了显在。
《戏台》将喜剧中较为常见的由误认造成的角色错位作为核心手法。一个荒腔走板的包子铺伙计被没见过世面的洪大帅当成台上的名角儿,众人只能各出奇招来蒙混过关。《惊梦》中也有两次误认,穿着国民党军服外出找粮食的笛师邵武被共产党野战军的战士们当成残余敌军,拿着野战军司令给的通行证要逃出城的小生何凤岐又被军统当作共产党潜伏在城内的间谍,戏班两次被军队围捕。《戏台》中,观众实质上是以笑声对庸俗的洪大帅进行惩罚。但《惊梦》里,观众的笑声却不针对任何一方。穿着敌军军服、拿着通行证的自然可能是敌军,这是再正常不过的战争逻辑。而套上军服免受乱军所害、拿着军方证明以便逃生同样是民间朴素的生存“智慧”。我们可以笑战士们过于神经紧绷,竟把戏班的刀枪把子当成真正的武器;也可以笑戏班众人在政治上太过天真幼稚,但两种行事逻辑都是合理的。
《惊梦》的喜感正是基于民间逻辑与战争逻辑在根本性上的冲突,所以即便误认几乎立刻被解开,故事也依然可以讲下去。陈佩斯饰演的童孝璋遵奉“应了的戏就得唱”这条祖宗定下的规矩,但细究之下,这条决定了童孝璋所有自发行动的规矩其实称不上是戏班的行事准则。当野战军请和春社演出对昆曲演员而言“哪儿都不是哪儿”的《白毛女》时,戏班的文丑坚持“师父没教过的戏不唱”,拒绝出演;当宣传科长提出用时装代替传统行头时,小云玲颤抖着以“宁穿破不穿错”质问童孝璋。这才是戏班的规矩,是艺人对艺术的强烈自尊。相较之下,童孝璋坚持的规矩更接近于买卖人走江湖时讲求的“信义”,允诺了主顾就必须提供相应的商品,如此生意才能细水长流地做下去。他为贯彻这种质朴的民间逻辑甚至不惜破坏戏班的规矩,让众人最终做出艺术上的让步。这位主持着六十年大昆班的班主,实际首先是民间逻辑的化身,其次才是一名艺人。
只有这种最普世的,如同潜流一般在时代的风云变幻中缓缓流淌的民间逻辑受到威胁时,它才有充足的力量去彻底松动战争的敌我逻辑。《惊梦》借由民间逻辑的视角,将战争中的双方从无限小的聚合体还原为无限大的个体,对每一个生命的境遇发出沉重的喟叹,完成了对战争的反思。所以观众无法再找到一个洪大帅般截然的反派,无法通过对某一个人物的嘲笑来缓解危机。因为造成一切危机的正是战争本身,人物不过是裹挟在其中,而观众正是通过笑声发现他们的无力。
二、“喜剧”的忧郁
《惊梦》中有一处耐人寻味的处理。和春社稀里糊涂却出色地为野战军演成了《白毛女》,大大鼓舞了士气。于是,当再度占领平州的国民党军官要求演一场能提振军心的戏时,政治上极度天真的艺人们便重演了一场《白毛女》,险些招来杀生之祸。在情报处长下令开枪的千钧一发之际,短暂阻挡死亡的竟是《牡丹亭》里的一支《山桃红》。和春社青梅竹马的小生小旦在生死之际解开误会,无视包围着他们的枪口,自顾自地演唱起这支于他们而言戏里戏外皆是定情的曲子。士兵们也当真被他们的表演吸引,将长官的命令抛诸脑后,放下了手中的枪。
艺术之美竟能战胜暴力,这是一种梦幻式的理想主义。但喜剧的妙处在于,观众只有在一定程度上冷静抽离时才会发笑。虽然此时观众笑的是因无法掌控士兵而抓耳挠腮的情报处长,但我们也清晰地意识到其中的违和。我们一边紧张地等待那声必至的枪响惊碎这虚幻的梦,一边徒劳地期望这场美梦能够延续下去。原剧本中,枪响没有来临,艺术之美获得了一次微小却完全的胜利。但演出时,虽然创作者们终究没有舍得将子弹直接射向身在梦中的情人,只是让情报处长朝天放了一枪,可那震耳的响声无疑揭露了艺术之美的脆弱。
《戏台》相信艺术之美是一种坚固的存在。强权即使能用武力短暂侵入它,也必然会沦落为观众的笑柄。但在《惊梦》里,创作者已然发现了艺术之美的脆弱,所以处处展现出一种犹疑与忧郁。编剧笔下的和春社有着与契诃夫的樱桃园类似的象征意味。班主童孝璋、“小云玲”童佩云和小生何凤岐都是理想化的艺人形象,爱戏爱得不问世事。我们也毋需考虑当时早已濒临消亡的昆曲是否可能存在一个名震大江南北的大班社,或者说编剧有意识地选择了更为曲高和寡的昆曲作为至高至纯却脱离时代的艺术之美的化身。
而与这种艺术之美对立的是时势。童孝璋自豪地拿出厚厚一本戏单,但一句“战士们看不懂”便彻底打消了他与戏班众人的艺术自信。他们怎么也想不明白为什么一出在艺术上“哪儿都不是哪儿”的、夹生的《白毛女》竟然这么叫座。艺人们用考究的穿扮、声腔、文辞筑成的美的高塔在时代大潮面前轰然坍塌,突然就成了不合时宜。和春社在此面临的困惑是永恒且无解的,既是民国末年一个昆曲戏班的困惑,也是传统戏曲在当代的困惑,更是所有艺术在某一时刻必将面临的困惑。当然,编剧仍创作出两位立场不同但真正懂戏爱戏的将领,创作出连昆曲是什么都不知道却不自觉地被“小云玲”的表演吸引的野战军女战士,以保留一丝希望,希望艺术之美即使一时被抛弃也终能拥有超越时势的力量。《惊梦》的结尾极富诗意,漫天大雪中,古戏台独自矗立在战争遗留的废墟之上,和春社为所有逝去的生命正正经经地演了一场戏,演了一折在他们看来真正称得上“戏”的《牡丹亭·惊梦》。这的确是相当美的一幕,可当童孝璋直接面向观众恳切陈情时,创作者们实际上背离了喜剧,开始呼唤观众完全的共情。他们盼望观众同剧中人一起认同、相信艺术之美能凌驾于一切
但我注意到,原剧本中发了疯的常少坤在最后那场为亡灵的演出前是念着《牡丹亭·惊梦》里花神的台词上场,而实际演出时改成了睡魔神的“睡魔睡魔纷纷馥郁,一梦悠悠何曾睡熟”。在我看来,这一改动堪称神来之笔,完全提升了作品的格调。花神以落花惊醒柳梦梅,睡魔神则是引柳梦梅入梦者。一句台词的改动,实则完全颠倒了剧中究竟何者是梦,何者是现实。如果沿用花神的台词,那么和春社此前遭遇的不合时宜不过是战争这一特殊情境造成的噩梦。战争结束,人们终于从噩梦中醒来,艺术之美还能继续散发它恒常的光辉。而改以睡梦神的台词,则尽管童寿璋还在向着观众竭力呼喊,创作者们仍是犹疑地承认了此前的不合时宜才是避无可避的现实,这场超越战争、超越时势以至超越生死的演出不过是一场徒劳的幻梦罢了。
《戏台》或许因其结尾而没能成为一部最优秀的喜剧。不知情的演员没有改戏,仍照着老本子演出。戏班班主看得热泪盈眶,自我感动之余又再次确认了其艺术信仰的崇高性,没能跳脱出来反观自身。《惊梦》却凭着一句台词的改动,以相似的结尾完成了半步的超越。虽然我们仍未能在《惊梦》中找到莎士比亚笔下福斯塔夫那样颠覆一切、真正超脱的喜剧人物,但至少创作者们已经展现出了这个趋向。讽刺的是,创作者在剧中一面自我安慰式地希冀昆曲作为一种美的象征能拥有超越时势的可能,一面又不自知地在最后这场本应充分展现其光辉的演出中让柳梦梅和杜丽娘穿上了渐变色行头。这种完全不符合戏曲基本服化审美的新式行头,恰恰是戏曲焦虑于自身衰落,强行追赶潮流的产物。《惊梦》的创作者们却将其当作昆曲美学固有的一部分来接受与展示,岂不是已经自证艺术之美在时势变化面前的确是无力的吗?回复赞