- Lv4沧海遗珠Lv42017-08-27
波兰克拉科夫老剧院版《李尔王》 导演:扬·克拉塔
——“当我们生下地来的时候,禁不住放声大哭,因为来到了这个全是傻瓜的伟大的舞台。”(莎士比亚,李尔王)
这恐怕会是我印象最深刻的一版李尔王了。导演极为大胆且富有创造力。我迄今为止头一次看这么短的戏,没有中场休息,一个半小时就结束,若以莎翁原作,光念台词就要三个钟头,可见戏份精简到何种程度。但这样的处理堪称极妙——导演可以说抛开了人物的一切身份、性别、乃至生死,只关注他们作为纯粹的人的存在,探究并展现他们的情感与心理层次。
莎剧原本的剧情或许诸位早已熟知,李尔王为安享天年将国土一分为三,大女儿、二女儿因巧言表达爱意而得厚馈,小女儿考狄利娅因真诚且不愿阿谀却遭厌弃,一无所获被断绝父女关系,去国离乡。其后,大女儿二女儿为彻底摆脱老王对他一再怠慢嘲讽,竟致他自逐荒野在暴风雨中疯狂,身边只有乔装的忠臣肯特、一愚人和二三十名武士相随,考狄利娅得知后伤心欲绝,亲率法军回国救父,却被俘身亡,其后李尔王追随女儿而去。此外,戏里还有一条副线,葛罗斯特伯爵的私生子爱德蒙诬告嫡兄埃德加谋害亲父,致父子失和兄长逃亡,而后又向李尔王的大女儿及女婿告密,使得他那对李尔王忠心耿耿的父亲被挖去双目后流放,窃得荣华的爱德蒙同获李尔王的大女儿、二女儿欢心,姐妹二人因此相残而亡,而他自己最后也死于同兄长埃德加的决斗。
而在这波兰版《李尔王》中,剧情仿佛被提纯一般——它几乎比我描述的梗概还精简,台词也只保留了与核心剧情相关的以及最深邃隽永的那部分(基本上,从李尔王在暴风雨中发狂呼喊过后,整个戏就仿佛拉了进度条)。原本在莎翁的笔下,李尔王是个具有“巨人”人格同时也有着刚愎自用的明显缺陷的老王,但不管李尔王的人格如何,他与他的拥趸都绝对占据正义一方的,而这其实是所谓伦理纲常规定的,但在这场戏里,一切评判与道德说教都不存在了,只有夸张的肢体动作作为内心状态的外放,或急促到近乎神叨叨窃窃私语的念白或放声疾呼的激烈台词配合着音效传达情感与氛围,于是,整个戏剧都成为纯体验式的,你只要将身心浸入其中即可,就如那首在开头、结尾放得中文歌里所唱的那句“何必分出谁错谁对”。
剧中对关键人物的大胆精简与改动,其用意亦在于此。李尔的饰演者,波兰国宝级艺术家耶日·格拉雷克于今年二月去世,享年70岁,导演出于对他的爱重与纪念,不换演员,径自让他以影像的方式在舞台两侧屏幕中出现。实则,我觉得,那影像也只是为了便于观众理解罢了,去掉也无妨,李尔王以声音出场,他不在场,却又仿佛无所不在,这种跨越生死界限的表现令人震撼,同时又发人深思。在莎剧中,遭女儿背弃后曾有这样一段对白。李尔问:“这儿有谁认识我吗?这不是李尔。是李尔在走路吗?在说话吗?他的眼睛呢?他的知觉迷乱了吗?他的神智麻木了吗?嘿!他醒着吗?没有的事。谁能告诉我我是谁?”愚人答道:“李尔的影子。”权柄在握的他在戏台上是一个空空如也的王座,遭到背弃的他是一张空空如也的病床,当考狄利娅回来帮助他后,他又回归为一个空荡荡的王座。他的血肉之躯呢?好像从没有存在过,有人真正关注作为一具血肉之躯的李尔王吗?
此外,李尔的三位女婿被省去了,那两位公爵阁下和本来也就是跑个龙套的法兰西王从未出场。而他的大女儿与二女儿竟由两个中年男人饰演,于是她俩为了爱德加争风吃醋的戏码也不复存在——这意味着,戏中不再充斥着两个蛇蝎妇人的阴毒计较的“庸俗戏码”,可谓是对原作的一种凝练升华,而这种反串似乎也暗示着她们的内心真实映射,作为那个时代的女性,她们要牢牢控制权柄让自己置身男性化的地位,行使所有男人可以行使的权力,为此不惜抛弃作为女人、作为女儿的天性;爱德蒙的饰演者则有种雌雄难辨的气质,出场时的独舞从内敛到狂放与他的黑衣是那么不协调,好像他在急于挣脱什么束缚——那是他与生俱来的作为私生子的身份——他为此不择手段,但你不得不承认,当他被授勋换上红衣的那一幕,非常美,好像这身装扮才合乎他的天性,纵使那身红衣饱蘸着父兄的鲜血,并且,由于李尔的某种意义上的不在场,原本就作为戏中另一条主线的焦点的爱德蒙仿佛实际上成了这出戏的主角,魅力四射。还有考狄利娅,她是三个女儿中唯一由女性饰演的,也即,她是唯一保存着自身本真的天性的,同时,这位女演员又分饰了始终追随着李尔的愚人,这愚人,却戴着教宗的高帽,既深陷其中又仿佛超脱其外,尤其在那场荒野外的暴风雨中,她狂放的肢体表现仿佛也是替李尔王呈现出那癫狂的情感,同时又烘托出一个不存在的李尔王的存在,她充分展现着情感波动的同时,也一次次口吐着箴言般的歌辞。
最令我惊艳的三处设置——
1、李尔在暴风雨中陷入疯狂后,一个玻璃罩子将他笼罩住,他明明置身广袤荒野,可是,好像却只置身那个与世隔绝的透明罩子里,外界的一切都进不来,那可不就是他的精神状态——之外的所有风雨、他人,都与他再无干系,他沉浸在内心的巨大痛苦与癫狂的激情中了。
2、幕布投影设置,那一面墙可以投射出台上的俯视视角,于是,埃德加引着他被挖双目的父亲攀登海边悬崖时,两人在台上匍匐而行,投射出来的影像。恰是他们笔直地攀登向上,葛罗斯特作势从崖上一跃而下砸在地面上的场景也触目惊心,而埃德加欺骗父亲未死是神明庇佑时,投影里,两人头颅相抵相依,太温情太动人,虽然葛罗斯特并不知道守在身边的真是他心存悔愧并思念着的儿子,但埃德加内心的景象恰是如此,至此,父子已然和解;
3、开场时,所有人着黑衣,一一对着那空王座致礼,而后,四位侍者肩抬王座向前,如抬灵柩,配合着结尾处不宣布每个人的结局,省去了最后的战争与决斗,只有李尔醒来与考狄利娅的和解,然后所有人躺下,围成圈状,灯光渐暗,无声的一句台词在屏幕显现:请忘记并原谅我这糊涂的老家伙吧。不禁悲从中来。
在看戏过程中,有多次,我想到古典戏曲。毕竟,原本肢体剧与戏曲在精简舞台和用身体动作传达情节方面就有颇多相通之处,虽然,现代戏剧的肢体表达比之传统戏曲的动作程式要更为开放也更趋于内心化。另外,它和传统戏曲一样,不着眼于剧情本身,如戏曲的折子戏,只截取一段精华,观众反复观看那几折,情节烂熟于心;波兰版的李尔王似乎也先验地预设观众对剧情本身已有一定的熟悉和掌握,而且,也只有观众熟知莎翁原作究竟如何,才能真正感受到导演的各种编排其用意何在。因此,必须感谢朋友提醒我观演前要先复习剧本,此次所获良多。这一出《李尔王》实在是我看过的最纯粹的李尔王。
见殊
11.05 于戏散场后的归途
参照朋友意见的补充——
1、“李尔王前后那个中文歌讲座完了之后问一下翻译,刚好这个问题昨天他们私下也有聊到,翻译的解释是说,导演不是说到中国来,然后才用那个中文歌,而是因为他之前在排这个戏的时候,然后突然听到这个歌,觉得给这歌里面的那种宗教的仪式感还有一些韵味儿,他虽然听不懂,但是觉得歌放那地方挺合适的,就用的这个版本的歌。”(from 黑檀)所以,听不听得懂歌词并不重要,即使它是中文的,感受氛围即可。
2、“对于两个大女儿为什么是男性角色,另外为什么剧中会出现那么多天主教的元素,在你的剧评的基础上再补充一点。导演是天主教徒,在波兰也有很多人是信天主教的。对于古代的国王,比如李尔王,他的权力是天授的,不是像现代国家那样是民众投票选举出来的。对于现代世界上所有的国家,除了梵蒂冈之外,他的国王或者说他的教主是天授的。但是,对于这样一个天授的权利,对于教皇或者是国王来说,他会在这样的一个高尚的外表下面,做很多肮脏的事情。在这样一个神权国家里面,所有有权力的人物都是男性。所以说导演在设计这一版李尔王服装、氛围的时候,用到了很多梵蒂冈天主教的一些宗教元素。”(from 黑檀)
3、“结尾那一段(所有人围成圈形躺倒,投影显示出上帝视角)我想到汉尼拔里面那段人体调色盘,汉尼拔这个似乎是一个宗教隐喻,是一个瞳孔 ,上帝在看着世人那种意思。但是这个解释在这版李尔王也是说得通的,李尔王里也出现了大量关于眼睛的比喻。尤其是对葛罗斯特那个瞎子,还有最开始大女儿还是二女儿也说爱李尔就像爱眼睛…”(from 围巾)
最后,我发现这部戏豆瓣上很多人打三星甚至一星两星,说实在的,难看和难懂是两回事,打低分的表示的都是难懂的意思。然而,1、如果完全不熟悉莎翁原剧本,看不明白、跟不上节奏,太正常了。看经典剧本的外国戏,无论是希腊剧,还是莎剧,观演前温习或预习剧本是基本功课,但凡对原剧情、台词较为熟悉又稍加思索,不会看不懂;2、波兰人就是这样,他们出了很多艺术家,他们根本不考虑什么通俗易懂,那正是他们的魅力所在;3、何况这还谈不上多先锋呢,这是当代戏剧的惯常表演方式(最先锋之处在于不在场的李尔王,太厉害了),我曾看德国法兰克福剧团的《美狄亚》,也是极简+肢体+部分投影元素,他们连服装都穿现代日常衣服,直接演出。回复赞 - Lv5lalalalaLv52017-08-16
波兰克拉科夫老剧院版《李尔王》 导演:扬·克拉塔
——“当我们生下地来的时候,禁不住放声大哭,因为来到了这个全是傻瓜的伟大的舞台。”(莎士比亚,李尔王)
这恐怕会是我印象最深刻的一版李尔王了。导演极为大胆且富有创造力。我迄今为止头一次看这么短的戏,没有中场休息,一个半小时就结束,若以莎翁原作,光念台词就要三个钟头,可见戏份精简到何种程度。但这样的处理堪称极妙——导演可以说抛开了人物的一切身份、性别、乃至生死,只关注他们作为纯粹的人的存在,探究并展现他们的情感与心理层次。
莎剧原本的剧情或许诸位早已熟知,李尔王为安享天年将国土一分为三,大女儿、二女儿因巧言表达爱意而得厚馈,小女儿考狄利娅因真诚且不愿阿谀却遭厌弃,一无所获被断绝父女关系,去国离乡。其后,大女儿二女儿为彻底摆脱老王对他一再怠慢嘲讽,竟致他自逐荒野在暴风雨中疯狂,身边只有乔装的忠臣肯特、一愚人和二三十名武士相随,考狄利娅得知后伤心欲绝,亲率法军回国救父,却被俘身亡,其后李尔王追随女儿而去。此外,戏里还有一条副线,葛罗斯特伯爵的私生子爱德蒙诬告嫡兄埃德加谋害亲父,致父子失和兄长逃亡,而后又向李尔王的大女儿及女婿告密,使得他那对李尔王忠心耿耿的父亲被挖去双目后流放,窃得荣华的爱德蒙同获李尔王的大女儿、二女儿欢心,姐妹二人因此相残而亡,而他自己最后也死于同兄长埃德加的决斗。
而在这波兰版《李尔王》中,剧情仿佛被提纯一般——它几乎比我描述的梗概还精简,台词也只保留了与核心剧情相关的以及最深邃隽永的那部分(基本上,从李尔王在暴风雨中发狂呼喊过后,整个戏就仿佛拉了进度条)。原本在莎翁的笔下,李尔王是个具有“巨人”人格同时也有着刚愎自用的明显缺陷的老王,但不管李尔王的人格如何,他与他的拥趸都绝对占据正义一方的,而这其实是所谓伦理纲常规定的,但在这场戏里,一切评判与道德说教都不存在了,只有夸张的肢体动作作为内心状态的外放,或急促到近乎神叨叨窃窃私语的念白或放声疾呼的激烈台词配合着音效传达情感与氛围,于是,整个戏剧都成为纯体验式的,你只要将身心浸入其中即可,就如那首在开头、结尾放得中文歌里所唱的那句“何必分出谁错谁对”。
剧中对关键人物的大胆精简与改动,其用意亦在于此。李尔的饰演者,波兰国宝级艺术家耶日·格拉雷克于今年二月去世,享年70岁,导演出于对他的爱重与纪念,不换演员,径自让他以影像的方式在舞台两侧屏幕中出现。实则,我觉得,那影像也只是为了便于观众理解罢了,去掉也无妨,李尔王以声音出场,他不在场,却又仿佛无所不在,这种跨越生死界限的表现令人震撼,同时又发人深思。在莎剧中,遭女儿背弃后曾有这样一段对白。李尔问:“这儿有谁认识我吗?这不是李尔。是李尔在走路吗?在说话吗?他的眼睛呢?他的知觉迷乱了吗?他的神智麻木了吗?嘿!他醒着吗?没有的事。谁能告诉我我是谁?”愚人答道:“李尔的影子。”权柄在握的他在戏台上是一个空空如也的王座,遭到背弃的他是一张空空如也的病床,当考狄利娅回来帮助他后,他又回归为一个空荡荡的王座。他的血肉之躯呢?好像从没有存在过,有人真正关注作为一具血肉之躯的李尔王吗?
此外,李尔的三位女婿被省去了,那两位公爵阁下和本来也就是跑个龙套的法兰西王从未出场。而他的大女儿与二女儿竟由两个中年男人饰演,于是她俩为了爱德加争风吃醋的戏码也不复存在——这意味着,戏中不再充斥着两个蛇蝎妇人的阴毒计较的“庸俗戏码”,可谓是对原作的一种凝练升华,而这种反串似乎也暗示着她们的内心真实映射,作为那个时代的女性,她们要牢牢控制权柄让自己置身男性化的地位,行使所有男人可以行使的权力,为此不惜抛弃作为女人、作为女儿的天性;爱德蒙的饰演者则有种雌雄难辨的气质,出场时的独舞从内敛到狂放与他的黑衣是那么不协调,好像他在急于挣脱什么束缚——那是他与生俱来的作为私生子的身份——他为此不择手段,但你不得不承认,当他被授勋换上红衣的那一幕,非常美,好像这身装扮才合乎他的天性,纵使那身红衣饱蘸着父兄的鲜血,并且,由于李尔的某种意义上的不在场,原本就作为戏中另一条主线的焦点的爱德蒙仿佛实际上成了这出戏的主角,魅力四射。还有考狄利娅,她是三个女儿中唯一由女性饰演的,也即,她是唯一保存着自身本真的天性的,同时,这位女演员又分饰了始终追随着李尔的愚人,这愚人,却戴着教宗的高帽,既深陷其中又仿佛超脱其外,尤其在那场荒野外的暴风雨中,她狂放的肢体表现仿佛也是替李尔王呈现出那癫狂的情感,同时又烘托出一个不存在的李尔王的存在,她充分展现着情感波动的同时,也一次次口吐着箴言般的歌辞。
最令我惊艳的三处设置——
1、李尔在暴风雨中陷入疯狂后,一个玻璃罩子将他笼罩住,他明明置身广袤荒野,可是,好像却只置身那个与世隔绝的透明罩子里,外界的一切都进不来,那可不就是他的精神状态——之外的所有风雨、他人,都与他再无干系,他沉浸在内心的巨大痛苦与癫狂的激情中了。
2、幕布投影设置,那一面墙可以投射出台上的俯视视角,于是,埃德加引着他被挖双目的父亲攀登海边悬崖时,两人在台上匍匐而行,投射出来的影像。恰是他们笔直地攀登向上,葛罗斯特作势从崖上一跃而下砸在地面上的场景也触目惊心,而埃德加欺骗父亲未死是神明庇佑时,投影里,两人头颅相抵相依,太温情太动人,虽然葛罗斯特并不知道守在身边的真是他心存悔愧并思念着的儿子,但埃德加内心的景象恰是如此,至此,父子已然和解;
3、开场时,所有人着黑衣,一一对着那空王座致礼,而后,四位侍者肩抬王座向前,如抬灵柩,配合着结尾处不宣布每个人的结局,省去了最后的战争与决斗,只有李尔醒来与考狄利娅的和解,然后所有人躺下,围成圈状,灯光渐暗,无声的一句台词在屏幕显现:请忘记并原谅我这糊涂的老家伙吧。不禁悲从中来。
在看戏过程中,有多次,我想到古典戏曲。毕竟,原本肢体剧与戏曲在精简舞台和用身体动作传达情节方面就有颇多相通之处,虽然,现代戏剧的肢体表达比之传统戏曲的动作程式要更为开放也更趋于内心化。另外,它和传统戏曲一样,不着眼于剧情本身,如戏曲的折子戏,只截取一段精华,观众反复观看那几折,情节烂熟于心;波兰版的李尔王似乎也先验地预设观众对剧情本身已有一定的熟悉和掌握,而且,也只有观众熟知莎翁原作究竟如何,才能真正感受到导演的各种编排其用意何在。因此,必须感谢朋友提醒我观演前要先复习剧本,此次所获良多。这一出《李尔王》实在是我看过的最纯粹的李尔王。
见殊
11.05 于戏散场后的归途
参照朋友意见的补充——
1、“李尔王前后那个中文歌讲座完了之后问一下翻译,刚好这个问题昨天他们私下也有聊到,翻译的解释是说,导演不是说到中国来,然后才用那个中文歌,而是因为他之前在排这个戏的时候,然后突然听到这个歌,觉得给这歌里面的那种宗教的仪式感还有一些韵味儿,他虽然听不懂,但是觉得歌放那地方挺合适的,就用的这个版本的歌。”(from 黑檀)所以,听不听得懂歌词并不重要,即使它是中文的,感受氛围即可。
2、“对于两个大女儿为什么是男性角色,另外为什么剧中会出现那么多天主教的元素,在你的剧评的基础上再补充一点。导演是天主教徒,在波兰也有很多人是信天主教的。对于古代的国王,比如李尔王,他的权力是天授的,不是像现代国家那样是民众投票选举出来的。对于现代世界上所有的国家,除了梵蒂冈之外,他的国王或者说他的教主是天授的。但是,对于这样一个天授的权利,对于教皇或者是国王来说,他会在这样的一个高尚的外表下面,做很多肮脏的事情。在这样一个神权国家里面,所有有权力的人物都是男性。所以说导演在设计这一版李尔王服装、氛围的时候,用到了很多梵蒂冈天主教的一些宗教元素。”(from 黑檀)
3、“结尾那一段(所有人围成圈形躺倒,投影显示出上帝视角)我想到汉尼拔里面那段人体调色盘,汉尼拔这个似乎是一个宗教隐喻,是一个瞳孔 ,上帝在看着世人那种意思。但是这个解释在这版李尔王也是说得通的,李尔王里也出现了大量关于眼睛的比喻。尤其是对葛罗斯特那个瞎子,还有最开始大女儿还是二女儿也说爱李尔就像爱眼睛…”(from 围巾)
最后,我发现这部戏豆瓣上很多人打三星甚至一星两星,说实在的,难看和难懂是两回事,打低分的表示的都是难懂的意思。然而,1、如果完全不熟悉莎翁原剧本,看不明白、跟不上节奏,太正常了。看经典剧本的外国戏,无论是希腊剧,还是莎剧,观演前温习或预习剧本是基本功课,但凡对原剧情、台词较为熟悉又稍加思索,不会看不懂;2、波兰人就是这样,他们出了很多艺术家,他们根本不考虑什么通俗易懂,那正是他们的魅力所在;3、何况这还谈不上多先锋呢,这是当代戏剧的惯常表演方式(最先锋之处在于不在场的李尔王,太厉害了),我曾看德国法兰克福剧团的《美狄亚》,也是极简+肢体+部分投影元素,他们连服装都穿现代日常衣服,直接演出。回复4赞 - Lv4以下是我的观(流)后(水)感(账)暗弹相思泪Lv42023-07-05
我又又又又去看林俊杰了!
今年二巡我没有去看杭州首场,而是选择了第三场的苏州(可能是因为怕他又感冒233333)
其实我才不是为了看林俊杰的!我只是本着音乐爱好者的身份,去体验了一下体育场的氛围而已!→_→
好了,接下来说说体验
我本来以为音效会很差,但其实还好,(可能是因为我是780第二排还比较近的关系?)
我怎么可能离这么近
【关于歌单】
相比一巡,圣所2.0在歌单有了些微小的调整
开场曲由《一千年以后》变成了《曹操》,上一轮《曹操》整专全军覆没,这次终于拥有了姓名,还是跨年唱过的电音版,毕竟摇滚版已经唱了多次,换一下也可以接受(于是我直到结尾都没听到一千年以后......林俊杰好狠一男的)
这个版本你林在演唱上配合编曲略微克制,比如说主歌部分的“用阴谋阳谋明说暗夺取的摸”,并没有来一个长音往上扬
还有副歌结尾也是比较平的“oh oh oh”
这并不是我的位置,我并没有录
泪点歌曲《转动》替换了《西界》(转动我好久没听了)
《黑暗骑士》顶掉了《美人鱼》(黑色三部曲就没有同时出现过)
呼声最高的hit《学不会》《第几个一百天》也回归了,可喜可贺
感受一下这个舞美
冷门神曲《无法克制》则是意外之喜,后面会详细说说
《江南》《背对背拥抱》《可惜没如果》《那些你很冒险的梦》《她说》这些路人都能唱的热单自然是必须存在的
有了老歌,新歌自然也得有,《伟大的渺小》《黑夜问白天》《我继续》依旧占据席位~(正好这三首难度都不低,可以练练声)
有谁注意到《剪云者》的编曲换了?是去年他华人歌曲音乐盛典那个版本改编的哦
最后依旧是我最爱的《不为谁而作的歌》收尾!
完美!
歌单改的不多,服装倒是全改了
我跟甜瓜吐槽,老俊俊这次就像个葫芦娃,白-绿-红-灰-蓝-黑全试了了个遍
我之前答应了一位林粉姐姐要录《故事细腻》,结果换成了醉赤壁........(你和故事细腻有仇是吧)
虽然大合唱真的很爽,但是....
我!就!是!想!听!故!事!细!腻!啊!
【关于演唱】
林俊杰相比去年更加强大了
一些老歌很用心的加了即兴,比如说《转动》华彩部分直接唱到了C5
这是杭州的,反正差不多
《always online》则是用假音变调(而且是一场比一场好)
(薇薇小课堂:即兴不单单只是转几个音,林俊杰作为华语顶级的旋律天才,他最擅长旋律变调)
进步最明显的是《学不会》,这首歌的高难度让翻唱绝望,他13、15两次巡演都唱过,圣所1并没有,所以我非常期待以他现在的水准,再来演唱能到什么水平
结果并没有让我失望
唱学不会的时候我就老老实实闭嘴
当然,考虑到他歌曲的演唱难度,林俊杰也会很“聪明”的减少消耗,比如说这场的《黑武士》就被牺牲掉了
我在现场还是能听出来的,前半场很多高音都是点到即止,但他该发力的还是不会客气,所以《学不会》依旧爆炸
也是因为这种聪明,到了末尾,他并没有出现明显的疲惫(谁让你把歌写这么难的233333)
【关于编曲】
既然是新的巡演,那编曲自然也会有所调整
大家可以注意一下,乐手的水平越高,真的会对歌曲有很大的加成,他们并不是一板一眼的按照乐谱来的,更多的是即兴加花
几首新编曲,《江南》《第几个一百天》都是之前出现过的,前者是和林忆莲那个合唱,后者是金曲奖的
《剪云者》编的也很好,节奏更加突出,更加rock, 其实雏形去年的华人音乐盛典就有了
《黑暗骑士》也可以拿来一说,这首歌再次验证了我上面说的,乐手的水平高低,真的会对歌曲有很大的加成
上一个视频给大家感受一下,主要听感谢雷神的剪辑~ @雷可霈
仔细听鼓的差距
而全场最用心的,最值得大说特说的绝对是《无法克制》
原曲虽然有萨克斯,听起来比较爵士,但本质上还是抒情R&B,和爵士不沾边的
但这次直接把一个不伦不类的玩意改成了正儿八经的funk,严格意义上要纳入dance punk的类型,(谁敢再说林俊杰风格单一???)
大家都可以注意这首歌的节奏,是不是非常disco?
就是在《Billie Jean》和《Uptown funk》的基础上加花了,借鉴了其精髓部分
包括主歌部分的断句也进行了调整,更加贴合编曲:就让血红/那双唇,沸腾苍白/这个人,我们全都/像空城......
最厉害的地方还在于,他用弦乐和合成器做成了一个类似管乐的错觉(我当时在微博听了彩排还惊讶林俊杰竟然带了管乐组!结果到了现场发现并不是.......)
苏州无法克制官摄
【关于一些感动点】
唱完《第几个一百天》,580看台区齐声大喊:“林俊杰,我爱你”,这首歌被很多小情侣用作纪念日歌曲,但对林俊杰而言,这首歌记录了他失声的那一百天,非常重要
林俊杰也很能说→_→
唱《裂缝中的阳光》的时候,他说:“我就是你们的阳光”
他说:我依然是那个2003年出道非常感恩,非常珍惜每一位的林俊杰
他说:时代的变迁不会影响我对你们的爱
他说:现在环境可能和以前不一样,但我们还是一样的热爱音乐,我们一样透过音乐把所有真心情经历邪道歌里,唱到歌里
.......
我一直觉得林俊杰是一个普通人,我个人不喜欢把明星过度神话,他们也会有缺点
但坚持自己的爱好,并且作为事业,做的越来越好,业务能力一年比一年强
这真的很了不起
他不仅仅是我最喜欢的歌手,更是一个励志的正能量偶像,希望他出道十六周年继续进阶!
我会一直陪伴着他,继续见证!回复2赞 - Lv5大船文化出品的德国原版绘本启蒙交响音乐会《放屁大象吹低音号 之动物交响乐团》于2019.7.26-7.27日在ET聚场(上海共舞台)演出,之后陆续到全国其它城市巡演。原著作者:海蒂·雷能,原版授权:德国朔特音乐出版社。演出团体:西区爱乐小交响乐团,戏剧呈现支持:EASE DRAMA意思英语戏剧工作室、拾穗青田戏剧教育。好习惯Lv52019-07-29
作者:海蒂·雷能是一线经验丰富的音乐教育专家,在幼儿教育进修机构担任教师。在音乐教育领域颇有建树,2000年创立“流动音乐工作室”。为三至六岁儿童提供丰富多彩、轻松有趣的音乐教育,现在与丈夫和两个孩子居住在德国。
演出团队:西区爱乐小交响乐团是西区爱乐的旗舰乐团,一直致力于古典音乐的普及推广,精心用艺术滋养孩子们的心灵,以极富创意的节目及充满热情的演奏著称。乐团成员都是经过严格的考核甄选出来的青年演奏家,全部毕业于国内外各大著名高等音乐学府,其中有博士、硕士,并不乏国际比赛获奖者。这支年轻乐团演奏技艺精湛,演奏风格严谨但又不失激情,被业内盛赞为“古典新势力”!乐团曾应邀出访美国、欧洲、亚洲等多个国家,活跃于世界各地的舞台。2014年乐团与郎朗携手为姜文新片《一步之遥》录制的电影音乐大获成功,2015年为周星驰电影《美人鱼》录制音乐好评如潮。
看这个音乐会是因为活动赠票,所以去看一下这个给小朋友看的交响音乐会有何不同。该音乐会往年在其它城市曾经演出过,言归正传讲剧目。(观后感涉及部分剧情,请谨慎阅读!)
剧情简介:
故事讲的是一家动物园的管理员乐园长年事已高,因此她招募了一个管理员蒂默协助。一次意外园长受伤被送往医院,于是蒂默担负起管理整个动物园的职责。
为了让那些因园长受伤闷闷不乐的动物们开心,蒂默决定用音乐来解决。于是蒂默到了乐器商店找了老板朗先生买了一堆乐器,回到动物园后分配给动物们组成了一个动物交响乐团。最终动物们用演奏欢迎出院的园长,还举办了音乐会。
主要人物:
乐园长一个人管理着一家动物园,她很喜欢吹卡祖笛。一次意外她受伤住院,于是把动物园交给管理员蒂黙打理。
蒂黙是乐园长招募的管理员,因为乐园长即将退休。在乐园长受伤住院后她负责照料管理动物,她买了一堆乐器让动物们组成了交响乐队并为康复的乐园长表演了节目。
这个演出改编自德国作家海蒂·雷能所创作的同名音乐儿童启蒙绘本系列,涵盖四大类19种乐器和多种曲风。由富有童趣的故事和精彩的音乐组成,绘本系列的另两个故事也设计了音乐会。之所以叫放屁大象估计是因为园长比较喜欢会放屁的大象彭彭,故事里用动物元素比较能引起小朋友的喜欢。
我去看的那天出了地铁雨正好下的很大,到了剧场门口有工作人员安排一次性塑料伞套给来看演出的观众很贴心。而且分发资料的宣传人员也递了纸巾给我擦,这点上不得不说服务非常周到。演出现场带着孩子来看的观众非常多,看来很多家长对于孩子的启蒙教育还是很看重的。
音乐会主要是演奏乐曲,背景多媒体放的是该绘本故事画面配合剧情发展。两位演员分别扮演园长和蒂黙绘声绘色地和台下观众讲述着故事并做了很多互动,很好的让观众参与故事并巧妙的维持了剧场的秩序。现场表演时看演出的孩子们没有吵闹,这点上在电影院里难以做到。这既是演出吸引了小朋友的注意力,同时可能也是看交响乐的观众相对素质高一点的缘故。
我觉得小朋友好奇心重、理解能力有限,作为针对孩子的演出要吸引且不让他们吵闹设计上是要多用心的。作为启蒙作品自然是要靠童趣和深入浅出的内容来吸引他们,让他们有种近距离参与的感受。这样他们才会听话配合,因为他们自己融入成为演出主体的一部分自然会守护相应的环境。
演出过程中给观众普及了交响乐四类乐器是如何分类的,并挑选了几个典型乐器演奏了一些经典和流行的曲子。比如《哆啦A梦》、《梁祝》、《青春修炼手册》和一些外国名曲,这些曲子拉近了和观众的距离。我觉得好的演出都会引起观众的共鸣或共情,而且整个演出的完成度要高且流畅。这样观众才会给予好评,口碑才能发酵。通过演出可以看到交响乐器不仅可以演奏古典乐,表演流行乐也别有风味。
爱因斯坦说过:“兴趣是最好的老师。”对于孩子小时候的教育用填鸭式的方法肯定效果不好。应该用有趣的方式吸引孩子了解更多的知识,这样学到的知识记忆才会比较牢固。
交响乐历史悠久,最早可以追溯到古希腊。而交响乐团的形成是在近百年内,交响乐队形式和编制是在贝多芬的创作中达到最终完善的。后来在整个19世纪早期到晚期的浪漫主义音乐全过程中,交响乐队编制和组合形式又得到了进一步的完善。
交响乐难懂,除了它蕴含的深厚精神内涵比较难琢磨外,还有一个很重要的原因那就是交响乐团的乐器结构很复杂。按照一般惯例,交响乐团是根据乐器发出的声音和演奏的难度来进行排列的,由弓弦乐、木管、铜管、打击乐这四组乐器组成。其中,弓弦乐器身居高位,是整个交响乐团的灵魂,相当于一桌美食的主菜。木管乐器随后,铜管乐器其次,打击乐器则排在最后。
我们在很多电影和舞台剧表演中听到的配乐都来自交响乐,比如宫崎骏的动画和久石让的配乐就是珠联璧合。据说听古典乐会让人聪明,电影《天才枪手》里的男主就爱听。不管莫扎特效应是不是真的,听音乐对于刺激孩子的听力、记忆力、以及陶冶情操都是很好的选择。
我这次的座位偏当中靠前看得很清楚,整场演出非常欢快有序。演出差不多一个小时结束,而且还有后续系列故事音乐会即将推出。整个演出我觉得寓教于乐的效果非常好,乐手们配合演员也是十分到位。除了多媒体播放的故事里猴子打的是小锣和实际现场打鼓不符外,其它都是和现场演出相互呼应的。本演出时间较短,不适合没有孩子的成年观众。满分10分制我打8.5分,下一次讲电影《今夜在浪漫剧场》。(喜欢看图文并茂的小伙伴可以关注我的微信个人公众号:好习惯吐槽的观后感)回复7赞 - Lv4。梅梅123Lv42017-08-17
改编自同名电影的音乐剧the producers,故事主线相当简单,一个娘炮(划掉)瘪三会计师在为一位落魄基佬(划掉)百老汇制作人处理账务时候,无意中想到了一条发wei家fa致luan富ji的康庄大道。一句话,制作一部失败的音乐剧来贪污投资人的血汗钱。
为能制作出首演即终演的音乐剧,这对基友也是蛮拼的,他们选择了前纳粹胖哥们写的yy剧本《希特勒也有春天》(希特勒的春天),同时雇佣了著名的同性恋导演以及他那个恨不得把柜子劈柴用的基佬助手,还找到一位身材火辣但不会说普通话的瑞士美人……这大概就是百老汇最迷人之处,就算一连串托尼获奖者叠加也不一定能制作出部热门剧,反而一大坨衰人很可能不鸣则已,一鸣嘎嘎嘎。
俩好基友万万没想到,观众和评论圈这两个折磨人的小妖精会对他们拉的一坨shi如此爱不释手,这俩人明明就是想海捞一票最后携款潜逃…现在可好,剧大红大紫,他俩诈骗一事也将曝光于天下。
整部戏里唯唯诺诺的小会计这时候展现出神奇的智慧,听从瑞士美女的大胸教诲,带着美人去巴西吹海风晒巨臀了,空留下制作人面对铁窗苦役。这要是穿越到Les Mis,就是一出24601的好戏啊,但请注意这是部三俗剧,三俗剧。
有多狗血呢,小会计在失去处男身之后,带着他的新任老婆,也就是瑞士女从巴西返回到纽约,主动出庭,并在一干织毛衣的大妈陪审团面前向制作人真情告白,那句只有你叫我的名字,只有你把我当个独立的人,只有你是我的朋友。卧槽,卧槽,卧槽!基佬们告白都这么深情款款吗?小言文集大成啊。
小会计也获刑入狱,终于,圆了他的梦,不求同年同月生,只求同年同月被爆菊……
以上为不算太夸张修饰过的剧情,接下来说细节,喂。
编剧大能耐,各种对百老汇批量生产歌舞剧的恶意嘲笑,利用过度歌舞形式营造出看似梦幻实则空虚无物的音乐剧制作业现状,对于刻板评论家们的刻画更是令人忍俊不禁。特别是关于《希特勒的春天》这部戏,简直是拿刀戳那些个抱着政治正确说不肯放手的死老头子们的心脏,不排除他们心脏里已放过支架啥的……要知道到现在为止,英村娱乐圈还有这种不成文的规则,所谓的开放与民主,言论的自由也不过限制在某种程度之内,将现实移植到戏中戏中进行嘲讽,既含蓄谴责了坐在台下看戏的圈内人,又不至于太过说教,想想编剧也是蛮拼的呢。
其中有几处台词写得太好,好到我以为在看卫报或者每日电讯。比如开场制作人拿着报纸痛苦地念着报纸上的评论:在话剧哈姆雷特的结尾,每个人物都死了,为什么不是我们这些观众呢(大意)。在希特勒一戏获得成功后,制作人查阅评论:这是一部令人作呕的,太不懂尊重人的,神经病的剧,但是我爱这部剧。噗哈哈哈哈,我几乎能脑补出来这种句式是哪位剧评人写的。
太多太多太多的搞基对白,完全不知从哪下嘴好。如果说摩门经主要是暴,那么制作人这部剧就是黄。
关于布景和灯光,也是从头到尾都走艳俗华丽的大场面,只有几个场面没有群舞,这种闪瞎人眼睛的设计让人不用多想也知道是百老汇风,饱和色几乎快撑爆舞台,亮片服装出现在各种画面内,就是迪斯尼都没这么拼的。
最让我惊喜地大概是演员们配合默契的表演,我对英村脱口秀界不太熟悉,两位男主Jason Manford和Phill Jupitus,前者我倒是有印象,他曾是Alfie Boe个唱里的热场主持,并且这位大哥曾出演过理发师陶德,就是球哥和Imelda那版,说起这个,这个脱口秀出身的大哥嗓音像级了球哥,清亮但底气十足的声音(身材也像,嗯),高音圆润而不破,唯独缺了点球哥独步江湖的颤音武器,也许是Jason还不够胖,再吃吃总能练出颤音的。虽然胖但对身体控制力超强,满场跳舞不在话下(神秘的胖子世界)。
另一位男主Phill我就完全不熟悉,只知道他演过发胶和spamalot(球哥也演过发胶,果然混谐星圈的人都是相似的)。说实话上半场我觉得他的表演中规中矩,很搞笑很疯癫但没有特别让人wow的一刻,直到第二幕监狱场面,他坐在马桶盖上,一束光打过来,他收到小会计从巴西寄来的明信片,顿时觉得被背叛遗弃了,这时他发起疯来(实义)。
五分钟,不会超过六分钟的时间(喂),他将从开场开始出现的每首歌都唱了两句,与此同时,他还一边唱一边表演当时唱这首歌的人的动作和表情,并且有一定程度的夸张再演绎,营造出快乐的流泪的小丑的即视感。几乎是每分钟二三十个动作变换着,令人,比如我,看得下巴差点掉在酒杯里。
独角戏能演成这个程度,简直成精。五分钟,将整个故事不同的情绪体验用五分钟浓缩呈献给观众,台上一分钟台下十年功,大爷你今年多大了?
深不可测!绝对意义上深不可测的演员大爷,这么张其貌不扬的脸,这么个五短身材,天空飘来五个字,这都不是个事儿!真正的演技,就是让你专注于这个角色,而不是他的发型啊眼睛颜色啊这些有的没有。是让你看着他的表演,心里默默想着卧槽,这个角色真特么有层次感,他内心这么苦逼他麻麻知道吗?好想抱抱他……最好的表演,是无法用语言形容的,那是种你可以感同身受他的遭遇他的情绪,那感觉如此强烈以至于你能想到的就只有一个字眼:卧槽……
Phill Jupitus绝对是身体控制和滑稽幽默的大师级别的人物!这是对比过David William和油炸叔之后的结论,后两位算是英村喜剧界的招牌了吧?(木看过憨豆蜀黍现场)
很少能有一部剧,让我笑成狗之后还能膜拜剧情或者演技,喜剧最大的问题在于深度的单薄,但这部剧打破了我对喜剧的墨守看法。因为喜爱,所以写成了乱七八糟的感想评,随意啦。1回复2赞 - Lv5改编自同名电影的音乐剧the producers,故事主线相当简单,一个娘炮(划掉)瘪三会计师在为一位落魄基佬(划掉)百老汇制作人处理账务时候,无意中想到了一条发wei家fa致luan富ji的康庄大道。一句话,制作一部失败的音乐剧来贪污投资人的血汗钱。lalalalaLv52017-07-26
为能制作出首演即终演的音乐剧,这对基友也是蛮拼的,他们选择了前纳粹胖哥们写的yy剧本《希特勒也有春天》(希特勒的春天),同时雇佣了著名的同性恋导演以及他那个恨不得把柜子劈柴用的基佬助手,还找到一位身材火辣但不会说普通话的瑞士美人……这大概就是百老汇最迷人之处,就算一连串托尼获奖者叠加也不一定能制作出部热门剧,反而一大坨衰人很可能不鸣则已,一鸣嘎嘎嘎。
俩好基友万万没想到,观众和评论圈这两个折磨人的小妖精会对他们拉的一坨shi如此爱不释手,这俩人明明就是想海捞一票最后携款潜逃…现在可好,剧大红大紫,他俩诈骗一事也将曝光于天下。
整部戏里唯唯诺诺的小会计这时候展现出神奇的智慧,听从瑞士美女的大胸教诲,带着美人去巴西吹海风晒巨臀了,空留下制作人面对铁窗苦役。这要是穿越到Les Mis,就是一出24601的好戏啊,但请注意这是部三俗剧,三俗剧。
有多狗血呢,小会计在失去处男身之后,带着他的新任老婆,也就是瑞士女从巴西返回到纽约,主动出庭,并在一干织毛衣的大妈陪审团面前向制作人真情告白,那句只有你叫我的名字,只有你把我当个独立的人,只有你是我的朋友。卧槽,卧槽,卧槽!基佬们告白都这么深情款款吗?小言文集大成啊。
小会计也获刑入狱,终于,圆了他的梦,不求同年同月生,只求同年同月被爆菊……
以上为不算太夸张修饰过的剧情,接下来说细节,喂。
编剧大能耐,各种对百老汇批量生产歌舞剧的恶意嘲笑,利用过度歌舞形式营造出看似梦幻实则空虚无物的音乐剧制作业现状,对于刻板评论家们的刻画更是令人忍俊不禁。特别是关于《希特勒的春天》这部戏,简直是拿刀戳那些个抱着政治正确说不肯放手的死老头子们的心脏,不排除他们心脏里已放过支架啥的……要知道到现在为止,英村娱乐圈还有这种不成文的规则,所谓的开放与民主,言论的自由也不过限制在某种程度之内,将现实移植到戏中戏中进行嘲讽,既含蓄谴责了坐在台下看戏的圈内人,又不至于太过说教,想想编剧也是蛮拼的呢。
其中有几处台词写得太好,好到我以为在看卫报或者每日电讯。比如开场制作人拿着报纸痛苦地念着报纸上的评论:在话剧哈姆雷特的结尾,每个人物都死了,为什么不是我们这些观众呢(大意)。在希特勒一戏获得成功后,制作人查阅评论:这是一部令人作呕的,太不懂尊重人的,神经病的剧,但是我爱这部剧。噗哈哈哈哈,我几乎能脑补出来这种句式是哪位剧评人写的。
太多太多太多的搞基对白,完全不知从哪下嘴好。如果说摩门经主要是暴,那么制作人这部剧就是黄。
关于布景和灯光,也是从头到尾都走艳俗华丽的大场面,只有几个场面没有群舞,这种闪瞎人眼睛的设计让人不用多想也知道是百老汇风,饱和色几乎快撑爆舞台,亮片服装出现在各种画面内,就是迪斯尼都没这么拼的。
最让我惊喜地大概是演员们配合默契的表演,我对英村脱口秀界不太熟悉,两位男主Jason Manford和Phill Jupitus,前者我倒是有印象,他曾是Alfie Boe个唱里的热场主持,并且这位大哥曾出演过理发师陶德,就是球哥和Imelda那版,说起这个,这个脱口秀出身的大哥嗓音像级了球哥,清亮但底气十足的声音(身材也像,嗯),高音圆润而不破,唯独缺了点球哥独步江湖的颤音武器,也许是Jason还不够胖,再吃吃总能练出颤音的。虽然胖但对身体控制力超强,满场跳舞不在话下(神秘的胖子世界)。
另一位男主Phill我就完全不熟悉,只知道他演过发胶和spamalot(球哥也演过发胶,果然混谐星圈的人都是相似的)。说实话上半场我觉得他的表演中规中矩,很搞笑很疯癫但没有特别让人wow的一刻,直到第二幕监狱场面,他坐在马桶盖上,一束光打过来,他收到小会计从巴西寄来的明信片,顿时觉得被背叛遗弃了,这时他发起疯来(实义)。
五分钟,不会超过六分钟的时间(喂),他将从开场开始出现的每首歌都唱了两句,与此同时,他还一边唱一边表演当时唱这首歌的人的动作和表情,并且有一定程度的夸张再演绎,营造出快乐的流泪的小丑的即视感。几乎是每分钟二三十个动作变换着,令人,比如我,看得下巴差点掉在酒杯里。
独角戏能演成这个程度,简直成精。五分钟,将整个故事不同的情绪体验用五分钟浓缩呈献给观众,台上一分钟台下十年功,大爷你今年多大了?
深不可测!绝对意义上深不可测的演员大爷,这么张其貌不扬的脸,这么个五短身材,天空飘来五个字,这都不是个事儿!真正的演技,就是让你专注于这个角色,而不是他的发型啊眼睛颜色啊这些有的没有。是让你看着他的表演,心里默默想着卧槽,这个角色真特么有层次感,他内心这么苦逼他麻麻知道吗?好想抱抱他……最好的表演,是无法用语言形容的,那是种你可以感同身受他的遭遇他的情绪,那感觉如此强烈以至于你能想到的就只有一个字眼:卧槽……
Phill Jupitus绝对是身体控制和滑稽幽默的大师级别的人物!这是对比过David William和油炸叔之后的结论,后两位算是英村喜剧界的招牌了吧?(木看过憨豆蜀黍现场)
很少能有一部剧,让我笑成狗之后还能膜拜剧情或者演技,喜剧最大的问题在于深度的单薄,但这部剧打破了我对喜剧的墨守看法。因为喜爱,所以写成了乱七八糟的感想评,随意啦。回复17赞 - Lv4梅梅123Lv42017-08-16
几年前在纽约一刷sleep no more的时候简直太惊艳!很长一段时间里都是我对纽约最深刻的回忆之一。知道SNM要搬来上海之后赶紧定了早鸟票,找个周末飞来连看两次。三刷一共九周目,趁现在记忆还清晰对主线和上海版支线的情节做一下梳理,再分享几个一对一表演内容,希望和SNM迷们一起讨论补充细节!o(*////▽////*)q
首先是一点小贴士:
1、到场:虽然门票分好几档时间,但现场完全是谁排在前面谁先进,而且由于分流需要放人很慢。除非是买了VIP票可以直接往里走,其他人要想看完整的三小时,周末晚场至少要提前一小时排队,工作日下午场人最少,提前四十分钟足够了。
2、入场:排到尽头进了酒店后需要寄存衣服和包,由于里面温度非常高,建议着装轻便,穿方便跑步和上下楼梯的鞋。接着工作人员会一个一个放人,需要顺着完全没有灯光的走廊摸索前进,几个曲折后来到一个酒吧,按顺序领一张扑克牌,边听爵士乐演奏边等叫到自己号码。这里可以喝点东西去下洗手间,毕竟进去后再找洗手间就比较麻烦了。
3、观剧:进门后手机会被封印到一个小口袋里,建议把票根和扑克牌都放进去,免得一会儿跑一跑就丢了(如果不收藏这些的话就无所谓啦)。戴上大白面具后就变成了幽灵观众进到一个电梯里,在两个支线楼层工作人员会选一个人推下去,其余大部分人被放到主线剧情所在楼层。如果你和伙伴手拉手,那有大概率在这里会被分开。其实我觉得整场剧是一个人的体验,每个人感受都会不同,两人全程一起看的话会减少这种融入感和探索的乐趣,而且遇到1on1彩蛋的概率也会大幅降低。
4、卡司:一进门在换票处有个写着“麦金侬酒店住客”的牌子,上面是本场卡司的名字,每场的卡司表差别不会太大。一般来说周末晚场主线里A角比较多,工作日下午场支线里A角比较多,毕竟主线里激烈的戏很多,对体力消耗很大,连续演出演员也吃不消。
5、顺序:虽说每条线在三个小时里会循环三次,但实际上是两次半。第一时间入场的话主线剧情是从舞会开始的,支线剧情从伊乐园的爵士演唱开始,再之前的戏整场只会循环两次。第一次观剧的观众如果想尽快理解剧情的话建议紧跟麦克白,这大概是唯一可以在一周目之内看明白主线故事的方式(当然也是人最多最拥挤的观剧路线)。
【以下是认麦克白的tips,涉及一点剧透:】
麦克白是主线里唯一戴婚戒的男性,遇到了就bingo!舞会里麦克白会藏在后面栏杆处,如果没找到的话可以紧跟和白衣中年男性(国王)调情的穿露背晚礼服的女人(麦克白夫人),舞会散场不久后就会重遇麦克白。如果还是懵逼的话,后期看到白衬衫一身血的男人就是麦克白(注意只有头部流血但身上没有沾很多的角色是班柯)。如果一直懵逼到一周目结尾,最后全部主线角色会聚集在一楼开始最后的晚餐,坐在最左边主位的男人是麦克白,二周目好好跟着他就是了。走完就会对主线剧情有大概的了解,然后再去展开看其他演员的部分就比较容易懂。
下面按我理解的时间顺序大致理一下主线和支线剧情,也有我遇到的一些彩蛋和一对一剧情的描述。
再强调一下哈,准备第一次刷剧的豆友建议不要看下去了,真的很多情节自己发现的时候太爽快太过瘾,如果事先知道了就会少很多惊喜感,影响你独一无二的观剧体验,毕竟在这部剧里体验比情节更重要。在这里写评论是希望能和看过剧的豆友们一起拼拼图,把剧情拼凑得更完整 ( •̀ᄇ• ́)ﻭ✧
——————————以下剧情梳理涉及大量剧透,还没有观剧的不要看——————————
——————————以下剧情梳理涉及大量剧透,还没有观剧的不要看——————————
——————————以下剧情梳理涉及大量剧透,还没有观剧的不要看——————————
一、主线剧情
主线剧情相对比较清晰,看过莎剧麦克白做的话也很好懂。不过按时间并联几条人物线的进程有点难度,如果有因为记忆暧昧讲错的地方请豆友告诉我!
开场麦克白和班柯在一个堆着箱子的杂物室洗去脸上的血渍,换上干净的衬衫,两人亲近地交谈握手,这是他出征归来的场景。和班柯分别后麦克白来到酒吧,遇到了三个巫师。一段共舞中巫师们诱惑着他,给了他一张写着King的扑克牌,预言麦克白会成为未来的国王。麦克白心事重重地离开了酒吧。
同一时刻,麦克白夫人在顶楼浴室中出浴,换好衣服下楼回到卧室。王子和国王有一场很intense的戏,国王归来后王子像个侍从一样恭敬地为他更衣、洗脸、擦皮鞋,然后拿出剃须泡和刀为他刮净胡须。多疑的国王一直紧盯着王子的剃须刀,在刮净脖颈后长出一口气笑着放松下来,开始享受王子的服务,两人这才有了比较亲近的互动,换上了象征王室的白色西装外套。和麦克白分别后的班柯以及麦克道夫来到这里和他们汇合,几个人说说笑笑地准备去参加舞会。
麦克白回到自己家中,和麦克白夫人有一场非常精彩的激情舞蹈。从两人亲密共舞,在床上的热烈纠缠,然后麦克白告诉了夫人在森林中听到的女巫预言,两人开始争吵,麦克白夫人在争执中不断诱惑麦克白,最后占了上风。她脱下睡裙,换上晚会的礼服(这一段纽约版是直接当着观众换衣服的,上海版里麦克白夫人钻进一个小屋子,透过玻璃留给观众一个裸露的背影)麦克白帮她穿上高跟鞋并亲吻她优美的腿和脚,代表了对她的服从。然后夫人离开了房间,麦克白又经过了一段内心的纠葛也出发去了舞会。
麦克白夫人离开房间后到了二楼昏暗的小酒吧,和女仆密谋在国王的酒里下药。女仆几次试图阻止她但麦克白夫人非常坚决,两人争执后女仆妥协了,麦克白夫人下楼去参加舞会。
舞会这场戏是整个剧情中唯二的所有主线人物都聚集在一起的群戏,不论跟着哪个主线角色都会被引到一层的舞厅,这里也是最早一批进场的观众观剧的起点。在这里八个角色在音乐和灯光中两两起舞,sexy witch和麦克道夫跳得暧昧,boy witch和王子也是火花四射,国王和麦克白夫人在调情,而麦克白隐藏在暗处的栏杆后面,嫉妒地盯着国王和夫人。国王送给麦克白夫人一条项链并为她戴上,两人拉着手提前退场。
在二楼的酒吧中,国王和麦克白夫人亲密地低声私语,麦克白夫人一边调情一边诱惑国王喝下一杯酒,国王随即昏睡过去,麦克白夫人和女佣把国王扶到床上。
回到家后,麦克白夫人遇到了愤怒的麦克白,两人又是一段激烈的舞蹈过后,麦克白离开了房间,留下麦克白夫人焦虑地独舞。麦克白下楼来到二层,看到倒在床上昏睡的国王,用枕头闷死了他。等到国王不再挣扎四肢僵硬地垂下的时候,麦克白惊慌了起来,跑回了自己家中。这段双人舞中麦克白显得脆弱不安,麦克白夫人像拥抱一个孩子一样安慰着他,帮他洗净身体(这段在纽约版里也是直接的裸身进浴缸,在上海版中麦克白穿了一件薄薄的肉色短裤,不过湿着贴着身体也是非常的…(¯﹃¯)
与此同时,王子、班柯、麦克道夫从舞会中出来,惊慌地看到国王死在了床上,三人悲痛地把国王抬了起来走进墓地,在悲伤的亲吻告别后,三人用白布裹住了国王为他下葬。之后三人来到四层台球房坐下来抽牌喝酒,紧张的动作和眼神中暗示着互相的猜忌。在分出胜负时他们把扑克牌用钉子钉在象征墙壁的纸箱上,然后班柯留在台球房,王子和麦克道夫离开了。
在墓地葬礼的同时,麦克白洗净身体从家里离开,恍然中来到四层的酒吧伊乐园。在这里三个巫师早已等候着他,有一段非常精彩的献祭舞蹈。从黑暗中sexy witch撕裂般地一声尖叫开始,突然加重的紧密鼓点和跟着节奏闪烁的灯光,让观众们被动接受着一幅幅过于饱和的黑白影像。boy witch带着牛头跳到桌上,sexy witch从盆中抱出一个死婴,巫师们激烈地舞着,像地狱一般的祭祀图,象征着麦克白成为了国王。
麦克白离开家后,麦克白夫人独自在家中舞蹈,神经质一般地清洗着手上并不存在的血迹,暗示她精神的崩溃。
麦克白在巫师祭祀过后来到了台球房,这里他和班柯有一场精彩的打斗戏,两人在狭窄的台上互相摔打,激烈又精准的动作展现着力与美的融合。最后麦克白把班柯推倒在吧台里,用砖头猛烈地砸他的头,班柯终于倒下不动了,麦克白浑身是血地站了起来。
与此同时,离开台球房的王子与麦克道夫也有一场质询戏。要看这场戏必须紧跟两人,在他们进入一个狭小的只有一盏灯的昏暗屋子后,最多再进七八个观众工作人员就会把门关住不让进了。这场戏中虽然不像麦克白和班柯那样有激烈的摔打,但是用一盏灯在狭小的屋子中塑造紧张的气氛,两人用灯直照对方表现猜疑,将灯甩起后在躲避它的摆动中缠斗,近距离看得真是非常过瘾!
主角四个男人的两场争斗戏之后就是最后的晚餐了。这时死去的班柯会出现在支线场景中拉住一个观众1on1,抱住他的头轻声说麦克白才是凶手。其他的主线主角人物会下到一楼来到长桌上坐下,麦克白和夫人最后才到,落座在长桌两端的主位。这一段是全剧的高潮,每个观众都至少看过一两遍,我就不再赘述了。这里急促的音乐和闪烁的灯光还有所有人展现演技的慢动作,真是眉眼中皆有戏。当众人喝下麦克白的毒酒象征故事中被麦克白背叛后,染血的班柯才入场坐下,全剧在这个极其震撼的场景中进入尾声。这一幕在3小时中会重复三次,最后一次麦克白会被王子和麦克道夫吊死,悬挂到所有观众离场为止。这时每个演员会挑选一名观众拉起手引到角落里1on1,大家可以凑得离喜欢的演员近一些碰碰运气。我被麦克道夫拉着跑上四楼,摘下我的面具摸着我的脸颊,OMG我的少女心!!最后麦克道夫拉着我回到一楼大堂,我拉起裙子行了个屈膝礼和他道别了,听说有人1on1碰到壁咚哎!羡慕!!
从最后的晚餐接着往下说,如果是一周目二周目,之后还会有后续剧情的。麦克白跟着怀孕的麦克道夫夫人来到了二楼,有一场带些情色意味的暴力戏,最后麦克白抓着麦克道夫夫人的肚子往墙上撞,麦克道夫夫人流产而死。麦克白来到了二楼,突然像什么也没发生一样地擦洗起了身子,和整个故事的开头衔接上。
与此同时,麦克白夫人被带上了五层的精神病院(btw精神病院是支线剧情的发生地),她在麦克白杀死国王后一直非常神经质,护士给她打了镇静剂后安抚她躺在床上然后离开了,麦克白夫人起来擦洗身上的血迹,最后穿着睡裙将自己沉到浴缸里自杀了。从浴缸再出来的时候麦克白夫人已经神情正常地开始换衣服,和故事开头她在梳洗中等待麦克白归来衔接上。
全剧的终点并非故事的终点,情节自此首尾相接形成完整的圆环,舞会将会再一次召开,亲密的朋友将再一次变成仇敌,时钟的指针再一次转动。回复2赞 - Lv5上海文化广场 520/2022《我的遗愿清单》中文版官摄用户163****2634Lv52023-06-11
很简单的剧本。人类的文明里,讨论生死议题的巨作太多了。在“生死”这样肃穆庄严的议题面前,这里导演们选择从一个更灵动轻松的基调,来诠释两个少年在完全不同的原生家庭背景下,那属于很年轻阅历的、面对生命与生活时截然不同的姿态。这里就是以一个相对轻松、单纯、干净的方式,让我以喝杯午茶的心情,品一部很青春的、小而精致的美好,读一段带着青春明媚、却被迫在最盛开的时节要提前面对生死的少年忧伤。在泛着蓝眼泪的海洋岸边(给这个简单却绝美的舞台浪景点赞),就是看导演、创作团队、以及两位主演,如何将一个沉重的生死议题,重新以一个年轻的视角、年轻的阅历、去呈现属于年轻的思考与表达; 用属于年轻的 tone,和世界做一场他们想要的、天真、纯粹、漂亮而无憾(或有憾)的道别。
剧情确实浅。但是,整体的完成度很高。中文的台词很顺,剧本定位清晰。每一场景的衔接与转换流畅; 话剧似的对白与歌唱互相烘托、穿插得很圆滑; 两位主演都是极成熟的音乐剧演员,全场顺畅自如游刃有余的调度与演绎,让我随时都能莞尔一笑。工业风的舞台、介于现代与后现代之间的片场氛围、漾着蓝眼泪的海岸线,每个细节在镜头下都给了情节最好的衬托。舞台剧与音乐剧所需的所有元素,其水平在这里维持得很 balanced,平淡得刚刚好,喧闹得刚刚好,抒情得刚刚好,摇滚得刚刚好。所有的知觉刺激都落在我最舒适的感官区,就像春天的花开夏天的阵雨秋天的清风冬天的落阳,样样明媚得刚刚好、清爽得刚刚好、忧伤得刚刚好、温暖得刚刚好。整体而言,算得上是一个很成熟的制作。这样的小戏真的是一个很棒的起点。
整出剧在阿云嘎饰演的杨晓宇和张志饰演的刘宝一段前后互相呼应的对话中拉开序幕:“曾经我认为我的生活就是一场永无止境的噩梦。直到我遇见了刘宝这个傻小子,他把我从噩梦中救了出来。” “我要举办一场幸福的葬礼,让所有人都记住我的笑脸。” 他们的语调和声线,马上把我带到当年那个藤井树和藤井树之间最单纯美好青春烂漫的北国阳光里。然后我突然就好放心了。松弛下来的我安心地在每个满满生命力的音符中,跟随他们的台词、歌声、还有专属于很中二世代的肢体语言与微表情,调动我很遥远的青春记忆。
刘宝有年少生命里头所有的美好:乐观、憨实、敦厚、拥抱理想主义。刘宝的父亲在开场还有后续的几句对白中,以一个无法被忽视的方式存在在这个剧本里。是这样温暖而强大的父亲,才能引导出刘宝专属的天真、善良、还有他解读生命时的聪慧与包容。 (甚至,刘宝的父亲对杨晓宇而言,都是很特别的救赎)。
杨晓宇的青春很接地。不完美的原生家庭,有车有房,没爹没娘(说实话,阿云嘎讲出这句台词时,真的让我有一瞬间的揪心,呼吸都不顺畅了一下)。不好的学习成绩,愤世忌俗的叛逆,但在那个张牙舞爪又刚又烈的傻狠样背后,是一颗比谁都柔软的心。
两位演员对这两个角色的细节真的做了完美的拿捏。然后,杨晓宇带着我们所有人年少的叛逆,遇见了年少这个意象里所能代表的所有的美好,刘宝。刘宝在海边用 Espresso Doprio 敲开了杨晓宇的心房,从此,晓宇的心间有了阳光。在生命最迷惘迷失的时刻,他们一个在南极一个在北极的灵魂,意外地相知,成了彼此的救赎。刘宝的 Bucket List 变成了刘宝和晓宇共同的 Bucket List,他们一起走过黄昏,一起尝过苦到不行的咖啡,一起在沙滩上留下长长的脚印,一起在洒满月光的海面、仰望繁星、拥抱黑夜。在停不下来的倒数里,这些都是刘宝拼命想挽留的,人生里最美最浪漫的瞬间。
在相伴完成清单的旅途上,听完了有那么点摧我心肝的 Someday, 挺过了有那么点让我胆疼的 Why, 我终究还是在最后一次张志和阿云嘎、一个在天堂的窗框里、一个站在人间,对观众呐喊时:这里是我杨晓宇—— 我刘宝—— 充满曲折的演唱会现场—— 眼泪完全不受控地热腾腾地滚了下来。 It's time to say goodbye,my bucket list. 哎,我没挺过最后一首张志和阿云嘎合唱的遗愿清单(挺了整出剧最后还是完全破防)。
遇见你是我此生的幸运。是你,把我的余生谱成最美的旋律。想你能代替我,勇敢的走下去。刘宝:答应我要微笑活着; 杨晓宇:一定面带微笑地活着。
人间的孩子,与短暂来这世间旅游的精灵手拉手,走向荒野,涉过河流。这世界哭声跟笑声都太多,他们都太年轻,对于生命里太沉重的反思跟感怀,不见得懂。但他们各自在自己的道路上,陷入迷惘的时刻,有幸一起哭、一起笑、一起历险,成为彼此的光,一起在黑暗中找出口。
故事终于还是要来到一个段落。在段落的终点,那个过去人间的杨晓宇死了,他带着刘宝对生命的热情与渴望,重新找回了生命存在的意义; 从此,他带着刘宝的灵魂,在这个世界重生。
小精灵刘宝完成了他99%的清单,我相信他会抱着无憾或是那最后 1% 的遗憾,在另一个世界重生。
后记
(先说在前面。我相信,每一个版本每一对杨晓宇刘宝,都有他们独一无二的诠释、独一无二的精彩、独一无二的闪光点。每一对演员之间摩擦出的化学变化跟火花,都是独一无二的。而我接下来想说的,是针对上海文化广场 520/2022 直播《我的遗愿清单》中文版官摄的杨晓宇刘宝演员,说说我的观察跟感受。)
张志/张博俊饰演的刘宝,真的是无比出彩。这个刘宝的底色,无比明亮、温暖。贯穿全剧,这个版本的刘宝,让我感觉仿佛在阅读梵谷的向日葵跟麦田。那样鲜艳明亮的彩度跟亮度,在生命走向终点前,诉说的是对生命无比张扬的爱恋; 像是周期表上,锂钠钾跟镁那两族的元素燃烧起来时的炙热跟夺目,那火焰极其短促、却明亮热烈到让人眩目。会让你一直记得那片光和热很久很久、很深刻。
阿云嘎个人有一份很特殊的气质。他即使什么都不做,站在那里,就有强烈的故事性。说句夸张的,从眼底到发稍,都沉默地在向你叙述故事。因着他本身独特的气质,他饰演的杨晓宇,有一份文字很难描述的温暖,还有一份文字无法描绘的破碎感。这两种很不一样的质感,很难形容、一点都不冲突地完美地融合在他身上。像是哥德式教堂最精致的玻璃彩绘,意外被打碎后,宝石般的色调在阳光下,因着无数的棱角,折射出碎钻般的光。你把碎钻小心翼翼地捧在手掌心上,那片碎钻中,有梦、还有伤。阿云嘎的杨晓宇,就是莫名地更傻一点、更暖一点、更破碎一点、让俺的心更疼一点、胸口更堵一点、眼泪更热一点。 。 。
ps 废话一坨
阿云嘎让我完全无法维持我的理智、质感、让我无法坚持教育与年岁赋予我的智慧跟高雅。我在电脑面前,没间断地尖叫:阿云嘎你实在是太帅了。 MD, 真的是太帅了。帅到让我所有的语言跟文字都那么的苍白。
他在表演中每一个坏坏的微表情跟耍酷装b的动作,真的是复刻遥远的一个青春世代的记忆啊。当年,那些痞痞的、绝对在“乖”这个定义之外的学生,就是用这些招牌标帜,骗走了无数青春少女在无数夜晚小心翼翼万分虔诚地用五彩斑斓的色纸、折叠出的无数颗纯爱小星星。
pps
在考古过程中发现,韩版的遗忘清单,其实用一个低调的方式,纪念 2014年4月16日南韩世越号沉没事故。这起 2014年4月16日 的南韩船难,发生在世越号客轮自仁川港驶往济州岛途中。发生事故时载着476人,其中325人是安山市檀园高等学校参加修学旅行的高中学生。在这场事故中,超过300位高中生罹难。这些年轻人中,有的是校乐队主唱、想开一场演唱会,有的希望环游世界,有的希望和偶像结婚,有的希望一辈子花心花到死。 。 。他们怀揣着各种各样的属于青春的、异想天开的梦想,最后都沉在大海底。遗忘清单里面的愿望,是真实的这些罹难学生的曾经的梦想。
想做个记号。就觉得,这样的历史悲剧不该被遗忘。刻个记号,看能不能让这样的悲剧永远不被重复。回复赞 - Lv5小时候,邻居们围在一起聊天,会指着楼上一个阿姨跟我们小朋友说,“伊是上海人,不声不响的,不同我们乡下人讲话的”。哦,上海人的“不响”大概是看不起人吧,那时候的我这样想。鸟不拉屎大王Lv52023-05-15
有次在上海搬家,楼下邻居拉着我的房东说,“这个房子你们借得好的,小姑娘不响的,稳得住”。哦,上海人口中的“不响”可以是种正面评价,那时候的我这样想。
有一天看到了小说《繁花》,里面频繁地提及“不响”这个词。原来上海“不响”的场景、含义这么丰富且有意思。后来看到《繁花》舞台剧的演出信息,想着“不响”这个词要怎么展示呢?
三个小时,它没有把上海的全部都演给你看,甚至也没有展示完原著小说,但它给观众的留白就像小说给舞台剧创作者的留白一样,每个人都能填出不一样的东西。我仿佛看了三小时的家长里短,鸡零狗碎,却想起了经历过的有关上海的一切。
我看到了上海的“不响”。
1
小毛,工人阶级家庭出身,住在大自鸣钟那里的弄堂。
小时候,总是闲不住。邻居们总喜欢叫他帮忙做事,可能看起来老实又傻傻的吧。
张嘴就是《水浒》、《三国》,遇到朋友就想插香结义,这样就能做一辈子的兄弟姐妹,永不会变,比如排队买电影票认识的沪生,还有通过沪生认识的阿宝。
但认识姝华姐姐以后,也会偷偷抄《蝶恋花》的词牌,帮她去旧货店淘完全看不懂的书。
长大了的小毛,还是闲不住。楼上楼下的跑,常常去二楼银凤姐姐家里。
小毛被安排进钟表厂工作,面子十足,姆妈帮他相中了春香,想叫小毛结婚。
小毛说不要,最后还是不响。
后来,银凤姐姐的海员老公也回来了,姐姐说要跟小毛拗断,还能怎么办呢?
小毛不响。
可她还和沪生、阿宝说小毛要结婚的事情,小毛本来远远看着,不响。
但最后还是冲过去了,那索性就都拗断吧。
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60年代的小毛虽然读书不多,有着江湖气息的理想主义,但人总归是要长大的。那些弄堂里的朦胧记忆找不回来了。
2
阿宝,资本家家庭出身,住在皋兰路,旧名高乃衣路。房顶上能看到大半个卢湾区。
楼下的小妹妹蓓蒂喜欢弹钢琴,叮叮咚咚的,交关好听。
有一天,家里的房子、祖父的别墅都被接管了,蓓蒂和照顾她的绍兴阿婆也失踪了。
阿宝虽然从来都不信什么“永远”,也清楚地知道事情总是特别复杂,尤其不像小毛想的那样简单。
道理他都懂,阿宝只能不响。
远嫁吉林的姝华有天突然出现在上海,她好像见过失踪前的蓓蒂。可那时候的姝华疯疯癫癫,她说蓓蒂变成了金鱼,被野猫叼进了黄浦江。
阿宝在后面一言不发,弯着腰,失去了站直的力气。
阿宝习惯了不响。
一晃二十年,阿宝成了宝总。事业有成,春风得意,却总经常笑笑不说话,尽显成熟商人的风范。朋友有事,他不动声色地处理好,也从不宣扬自己的“功绩”。
宝总,真是一个难接近的人。但如果蓓蒂还在的话,谁知道呢?
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阿宝不太跟别人倾诉自己,听别人的倾诉,一般也会“不响”。大概这就是能从阿宝变成宝总的秘籍吧。
3
沪生,革命军人家庭出身,住在带电梯的拉德公寓。
他不像小毛那样跳脱,认准死理,他晓得很多事情的无奈。
比如他喜欢姝华,却劝姝华不要总看不合时宜的书,阻止她的理想主义发散。
又比如阿宝和蓓蒂家遭受冲击,作为朋友他努力过了。
除了劝阿宝和家庭划清界限,在找蓓蒂这件事上,他不响。
沪生也不像阿宝那样稳重,不大说话,他知道该表达的时候还是要表达。
最后他成了八面玲珑的大律师。
沪生前半生顺遂,他也很习惯这种顺遂,“在人间已是癫,何苦要上青天”。
他喜欢船模,尤其偏偏喜欢那些“战败了”的船模。
有一天,他的家庭也受到时代的冲击,从电梯房搬进了老破小。也在那一天,遇到了从吉林逃家的姝华。
往日女神风华不再,胡言乱语,令人心碎。
最后,沪生给自己套上了一层保护色,更好地把自己“隐藏”起来,又回到了平坦顺遂的日子。
沪生找到了自己的位置,开口,不争先;不响,也不影响他的重要性。
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相比小毛和阿宝,沪生更加模糊,没有棱角。但平凡,亦是不凡。他是一个普通人,一个人也是一群人。
4
银凤,小毛的二楼姐姐。小毛说她长得比照相馆橱窗里的任何照片都要好看。
丈夫海德是个海员,每次出海总能带回来一些东西。在一切凭票的年代,邻居们不要太羡慕哦。
可银凤还是开心不起来。
丈夫常年不回家,有时候说好要回来,买好了电影票却空欢喜一场。
一人独自撑起一个家,二楼爷叔不怀好意的目光无处不在。
银凤常常觉得自己忍不了了,但没人可说,也不好说。只能不响。
小毛是烦闷生活中的清风,憨憨傻傻的毛头小子,会夸人,会关心人,比远在天边的海德好多了。但终究是饮鸩止渴。
有一天,海德回来了。两人坐在饭桌前,相顾无言。也不知道二楼爷叔有没有说什么,海德不响。
海德拉着路过的小毛一起吃饭,三个人坐在那里,气氛尴尬。
银凤开始不响,后来追上跑掉的小毛,说要拗断。
却还是忍不住拿小毛结婚的话题试探他的好朋友。
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银凤和小毛,是因为爱吗?大概还是需要一份依赖吧。但二楼的邻居姐姐却成了小毛生命里难以磨灭的印记,直到死亡。谁让小毛就是个认死理的人呢。
5
姝华,美丽、善良、有才华,一切好的形容词都该属于她。
她喜欢看书,喜欢文字,喜欢思想。
她总是想很多。但也没人可讲,沪生总是叫她“不要讲了。”
姝华和沪生暗生情愫,虽然会有一些小摩擦,但心里总是欢喜的。
蓓蒂家里出事的时候,姝华坚持要找蓓蒂,更想帮她保下钢琴。
可是后来,只有姝华找到了蓓蒂和绍兴阿婆,没人知道发生了什么。
对于这件事,姝华总是不响。
姝华去了吉林,很快就结婚生子,一个接着一个。没人知道她的生活到底如何。
直到她突然蓬头垢面出现在上海。
她说她好饿,说被无锡火车站关了起来。
一会儿念着诗,一会儿说蓓蒂变成了金鱼。
大家都不响。
后来,姝华很快被老公带回了吉林。
阿宝安慰沪生,说没准姝华是因为太幸福了才离家出走的。
大家都不响。
姝华呢?谁也不知道她在想什么,就跟以前一样。
这次,问也问不到。
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姝华讲蓓蒂变成金鱼的故事,一下戳中泪点。姝华说,蓓蒂问她要不要一起来做金鱼,姝华说不要,她想做人。
6
李李,至真园的老板娘,北方人。来历成迷,不喜欢玫瑰花。
她聪明,漂亮,情商高,追她的男人应该能从上海排到江苏了吧。
她却独独钟情于阿宝。
李李的过去很伤,她谁也不讲。她开始想试探着讲给阿宝听,阿宝说,可以对着录音机讲。
李李不响。
常熟的徐总想追李李,李李带着一大帮朋友想要躲过去。没想到其中的汪小姐却深陷徐总的泥潭。而李李顺势跟阿宝告白了。
阿宝不响。
李李最后还是告诉了阿宝她的故事。带着恨的,带着永不会释怀的决绝,带着一辈子要把那些事刻在骨子里的痛苦。
李李不相信人,但她信阿宝。
李李和阿宝一样,知道什么时候该不响,但面对阿宝的不响,却次次主动。
阿宝最后说,我认真了。
李李不响。
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李李的经历,根本不可能再相信人,而阿宝的心里,也有放不下的过去。花花世界,往事烦忧,生活不响,还在继续。
最后的最后,所有的演员走上了舞台中间的圆台。旋转的圆台带着观众一个一个认识人物,《新鸳鸯蝴蝶梦》响起,灯光亮起,该散场了。
繁花中的点点,他们不响,他们不想。
而我们,明天还要上班呢,不是吗?回复赞 - Lv4贯穿全剧,帷帐都是极重要的意象。舞剧一开场,一道道帘帐倏忽次第垂下,将贾宝玉与观众分割开来,妄和真、虚和实、无和有,便也由此幻化出来。summer-d7be9Lv42023-05-17
帐者,障也。舞剧版《红楼梦》自始至终都在突出这一点。贾府、幻境、大观园、元宵节都是幻境,都是七情六欲丛生的业障。第一折《入府》,以黛玉视角展现贾府老中青三代,便有世相为之障目了。扮相上看,林黛玉娉娉婷婷、风姿绰约,薛宝钗端庄典雅、雍容大方,都符合读者对黛钗形象的传统认知,几近完美;黎星的贾宝玉英气有余,痴气略嫌不足,倒也无可厚非。唯一可惜的是王熙凤,天鹅颈、直角肩、气度娴雅,分明是名门闺阁出来的芭蕾舞者,哪有半分泼皮破落户凤辣子的风采?不过这是选角上的问题,与演员本身的素质无关。
第二折《幻境》,迎来全剧的第一个高潮,也是编导大胆想象、突破边界的一幕:白帐轻幔层层遮罩,贾宝玉支颐横卧,渐渐梦入幻境。蒸气氤氲,白帷幔上投射出警幻仙子的巨大影像,似嗔似笑,亦幻亦真,随即秦可卿缓步走出,跨过贾宝玉横卧的躯体,裙裾轻扬,轻纱拂过贾宝玉的脸庞,象征完成了宝玉的性启蒙。而欲念一生,忧怖随之,十二金钗纷纷登场,每一钗都一身缟素,头顶高悬判诗,那悲金悼玉的宿命感,那家亡血史的史诗感,便呼之欲出了。
第三折《含酸》是原创情节,改编自《半含酸》,聚焦宝黛钗三人关系。感觉编得不好,宝玉作为混世魔王,情感炽热浓烈倒也罢了,以钗黛的性情、身份、教养,却决不允许对宝玉做出太夸张的形体动作。三个人绕着桌子上蹿下跳举杯痛饮,反倒有那么点《武林外传》的无厘头感。
第四折《省亲》是全剧第二个高潮。开场小太监们快步急趋,鱼贯而入,随即司仪双手相击,贾府自贾母以下,屈膝跪地,左手按右手,拱手于地,缓缓叩首,行稽首大礼——这是《周礼》中臣子对君主的拜礼。在小太监们群舞着簇拥下,元妃从后走出,瘦弱的身躯罩着一身极不相称的明黄色大袍。小太监们也裹挟在灰色的宽大袖袍里,头耷拉着,仿佛提线木偶死气沉沉。一番盛大繁复的礼仪后,贾元春褪下宽袍,偎依在贾母怀中,温存片刻,随即离去。台上无一字表现封建、礼教、皇权,台下却无不深切感受到封建、礼教、皇权的存在。大概是舞蹈的仪式感与封建礼教的仪式性,有天然的契合吧。
第五折《游园》的戏眼是刘姥姥,演员的声台形表无不绝妙,引得观众笑声彩声连连。印象比较深刻的设计,是王熙凤在舞台的一端,刘姥姥在舞台的另一端,中间隔着重重叠叠的屏风,熙凤轻舒玉臂,仿佛马戏中的千手观音般,屏风遥远的另一头有臂膀跟着伸出,引得刘姥姥团团转。所谓“长袖善舞”,第一次有了具象化的表现。
第六折《葬花》是原著中家喻户晓的故事。大概是这个桥段太经典了,舞剧改编得相对审慎,只是用传统的双人舞来展现,男女主的舞技固然高超,但似乎没有太强烈的记忆点。唯一印象深刻的就是林黛玉演员的身段轻盈、风流窈窕,甚至能单臂停留在贾宝玉的肩膀上,直追赵飞燕掌上舞了。BGM方面,很明显借鉴了87版红楼梦的《葬花吟》,直接购买原曲版权岂不是更好?
第七折《元宵》,映衬出贾家鲜花着锦、烈火烹油,每个人哈着冷气暖着手,看天边火树琪花斑斓世界,殊不知这已是盛极中衰的征兆。田晓菲——宇文所安的夫人——曾对元宵节有精彩的论述:元宵节“是所有节日里最公众化、最繁华热闹,但也是最能象征好景不长的,因为放烟火、点灯,都是辉煌而不持久之物也。”
第八、九、十折《丢玉》《冲喜》《团圆》应看作一折。宝玉丢玉、调包计、黛玉焚诗都是高鹗续本的情节,后来戏曲改编的《红楼梦》,如昆曲版、越剧版,都沿用了高程本后四十回。抛去原著情节不论,舞剧改编的也别有巧思。贾宝玉和林黛玉在迎亲轿子一端,王熙凤和薛宝钗在迎亲轿子另一端,轿子兜兜转转,轮流展现每个人的心事。这种虚实相生的空间感,颇有点经典折子戏《武松打店》的味道。
《冲喜》一折是本剧的巅峰之笔。婚庆的唢呐声响起,扑面而来惨烈的血腥气。舞台上,一边是急咳不止、凄美悲怆的白衣黛玉,一边是激烈癫狂、水袖漫天的红衣婚队,红白事交相呼应,视觉冲击极其强烈。殷红的暗光打到每个人身上,仿佛死亡的镰刀收割,影影绰绰,森然可怖。林黛玉、贾宝玉、薛宝钗、王熙凤,以及群舞的婚队,如鬼魅、如傀儡、如虫豸,风光无限。张爱玲说,“生命是一袭华美的袍,爬满了蚤子”,此景得之。
十二钗在《团圆》走马灯似的过场之后,在《花葬》迎来壮怀悲烈的收束。到这一折,编导的个人表达终于冲决了原著经典的桎梏,如水银泻地般狂躁凌厉起来。诸钗盘踞在长椅上,既像是守着牌位,又像是缠入墓碑。珠钗没有了,华服没有了,贤良淑德温婉柔顺没有了,每个女人疯狂地跳起现代舞,长发凌乱,身躯扭动,似是在反抗,又似是在消解。舞剧版《红楼梦》始于用舞蹈对原著的重构,终于用舞蹈对原著的解构,渺渺茫茫,归彼大荒。
值得一提的是,近来网络上颇流行的癸酉本《红楼梦》,将前80回黛玉的葬花,衍变为后28回黛玉为贾府诸钗收尸,葬花一变而为花葬。不知舞剧版是有意借鉴癸酉本,还是两个版本冥冥之中暗合。
从《花葬》到《归彼大荒》,台上帷帐尽消,甚至裸露出舞台两侧的打光机。业障既去,真与幻交融为一体,再也无分彼此——假作真时真亦假,无为有处有还无。
不独台上十二金钗,台下的我们,又何尝不是困在层层业障之中,而不自知呢?豆瓣许多人对本剧提出了严厉的批评,主要攻讦之处在于与原著偏差太大,编导不懂原著云云。事实上,《红楼梦》本就是“真事隐去”“假语存焉”的空幻境界,本无一物,何来还原?苦苦纠结于王熙凤识不识字、抄检大观园有没有编排这些细枝末节,恐怕执着于形相,有违原著者的用意了。
诚然,舞台剧版《红楼梦》是一部碎片化、散文化的作品,它并不具备完整的戏剧结构,尤其从《元宵》到《丢玉》过渡太过突兀。但考虑到《红楼梦》本就是一部未完的书稿,能用舞蹈的形式捕捉到原著情绪的一鳞半爪,已殊不易,更何况又如此大胆创新、锐意进取呢?
感谢舞台剧版红楼梦,还阳了数百年前的经典,赋予宝黛钗以血肉,时而让我再入太虚幻境,甚至信以为真。回复赞 - Lv4《繁花》舞台剧请了青年编剧温方根据原著伊操刀改编。你可能不知道温方伊这个名字,但你一定听过她的另一部作品——《蒋公的面子》,或许很多人第一次接触话剧就是拜她所赐。《繁花》制作人提出由还在读博士的温方伊来改编作品时,后者自己也感到有些意外。个中原因,《蒋公的面子》大热当然是一方面,我个人感觉,温方伊这个年龄段的编剧,能更好地拿捏住剧中两个时代——少年与中年之间的情感痛点。况且,《繁花》这部女性角色戏份相当多的作品,编剧的女性身份或许也是一大加成,毕竟有那么多的男作家/编剧不懂得怎么写女人戏。如何如何又如何Lv42023-05-16
一部35万字的作品,要在短短3小时的时间呈现出来,换作是谁都会头痛,所以一定程度的改编和取舍是必要和必须的。
改编
温方伊采取了相当讨巧的方式对原著进行了取舍,六七十年代选取了沪生、小毛两条线,90年代突出的则是阿宝这条线。陶陶那条线去掉好理解,因为他是和其他三大主角(沪生、阿宝、小毛)关系最松散的,删掉了其他线的完整度都还在。而且,陶陶中年油腻男人,情节上不堪入目(涉黄啊)的太多,即使放进来也势必大改。
至于为什么少年时期删去了阿宝线,一方面是平衡各角色的戏份(中年的戏阿宝是主角),另一方面,我想无论是金宇澄还是温方伊都是有考量的,一流的作家,塑造人物不是靠多费笔墨,反倒是蜻蜓点水的呼应更使人叹服。所以,我们看到,舞台上身为律师的沪生稳重、不苟言笑的形象,是可以从少年时家庭的剧变、和姝华的感情挫折中找到答案的。同样的,“宝总”的身份和小时候资本家“克腊”(classy)的形象也是吻合的。事实上,整部剧,两个不同的年代形成的是一个稳定的三角结构(沪生—小毛—阿宝)。剧情上你中有我,我中有你,随处一处细节都在疯狂暗示这个人物的过去和将来。当然了,这样在长度上也更适合舞台上演出。
还有一个臆测就是,阿宝小时候的情节,比如资本家爷爷被抄家,爸爸地下情报人员的身份,演起来都会比较敏感。
那么喜欢阿宝的原著党们是不是只能无奈了呢,我觉得也不尽然,毕竟这次海报上写的是《繁花舞台剧·第一季》,我们大可以期待下第二季对原著的挖掘。
顺便也说说自己不太理解的改编
银凤请小毛吃绿豆汤那场戏,原著中老公海德是在场的。那一句“姐姐每一趟吃饭,就多摆一副碗筷”很明显是讲给海德听,这里变成对银凤说,倒像是小毛在撩银凤了。回来一看演员表,二楼爷叔和海德是同一人扮演的,难道是来不及换装吗才出此下策?
舞台呈现
看过原著的人,心里对舞台上的《繁花》是有一个预期的,就是整体风格是怎么样,人物的气质该怎么样。你看书的时候,文字通过眼睛转化成信息,在你脑中形成的印象,就是你对这本书的感知。我想说,这一出舞台剧,和我的感知,并没有什么违和。无论是舞美布景、道具、服装、方言,还是演员的选择,这些,不得不说,都太“繁花”了。
整个制作组在还原六七十年代生活画面方面费劲了心思,相比于90年代的戏,这个年代的表演更值得期待,对于年轻的观众来说,充满了好奇,对年长的观众来说,又有怀念的意味在。比如,那个年代国庆节时兴的是看礼花,看电影是要提前排队买票的,唱片机还是稀奇货,做饭是要生煤炉的。尤其是去沪生家过生日这场戏,上楼前先是坐电梯,拉拉链门、响铃、向上牵引、加速减速、响铃、拉铁栅门,电梯当然是不存在的,但在演员动作和声效的配合下,这一场景已经映入观众们脑中。
还是这场戏,一时间舞台上汇集了军人、知识分子、资本家、工人阶级多种身份,你能看到制作组在各人的服装上是做了严格区分的。沪生爸妈穿的是军衣军裤;小开阿宝头戴鸭舌帽,牛津纺白色上衣,英伦风十足;小毛蓝色线纹衫打底,粗布背带裤包身,符合他胡天野地的性格,弄脏了也不会心疼;姝华知性,温柔可人的短发套上白色发箍,浅蓝色长身连衣裙,毕竟是个读诗写诗的人。舞台的这种真实感,不仅使观众,也使演员自己迅速进入到角色当中,到忘我的境界。
切换场景,是每部舞台剧都要做的。以往我看过的话剧,切换无非是灯光熄灭,等新一幕的道具布置好,重新亮起灯来。《繁花》把舞台分成了前后两部分,前低后高;前面又分成左中右三块。演出时,可以做到这4块区域的彼此独立,即我这边演完了,就可以将这部分熄灯布置场景,与此同时其他亮灯的区域表演仍旧可以同步进行,丝毫不受影响。
舞台前方的区域是一个带舞台机械的大转盘。这个道具的妙处在于,除了作为常规的舞台使用,还作为时间和空间更替的象征。当其转动时,后面的屏幕也相应切换不同图片,暗示角色所处场景的变化。不仅如此,这个转盘还可以将演员动态下的状况模拟出来。比如,有一场戏小毛、沪生和姝华沿着转盘边走,渐渐小毛和其他两人拉开了差距,接着又是沪生和姝华慢慢拉开了差距。这种差距不仅仅是物理上的距离,还是姝华心理上因为对时代的失望,内心越来越孤寂的写照。
说起这个转盘,最后谢场的时候也算是一个彩蛋吧。所有演员围着转盘依次面朝外站定,正前方一束光线打下,转盘动,《新鸳鸯蝴蝶梦》谢场音乐起,后面屏幕实时显示演员名字,一一接受观众掌声,此时此刻,肾内腺素已至高点,除了感动,也感恩于主创们奉献了这么美好的表演,将《繁花》作品呈现在舞台上。
演员们谢场
苦命人小毛
《繁花》之所以受人喜爱,很大一方面在于故事的悲剧性。作者金宇澄毫不掩饰地掰碎人世间的温情,将悲情赤裸裸地展现给读者。剧中原本几段颇为温馨/暧昧的关系,都无一例外走到了尽头——这就是人生。
几段关系中,最让人心痛的,莫过于小毛与阿宝、沪生的绝交。打个不恰当的比方,这三人绝交,就好比《天龙八部》中的段誉与乔峰、虚竹绝交了,你能想象得到对读者的冲击有多大。
小毛的与沪生和阿宝绝交,有必然性。
小毛,工人阶级出身;沪生,空军干部子弟;阿宝,大资本家小开。与他们的身份相对应,小毛住的是工厂企业密集的普陀区小弄堂,沪生和阿宝的家则在富人和权贵们钟爱的静安区和卢湾区高级公寓。
三个人的家
小毛在和沪生、阿宝的结识的过程中,整体来说是被动的。在国泰电影院排队买票,刚好可以帮沪生多买两张,这才有了认识的机会。按照小毛的活动轨迹,是比较难打入沪生的社交圈的,这种友谊的开始,大抵可以诉诸“偶然”两字。常把“人们不禁要问”大字报话语挂在嘴边的沪生,除了认同小毛的为人,可能也会觉得,和工人阶级出身的小毛交往,是一件“政治正确”的事。
我不否认三人之间存在友谊,但是沪生和阿宝有没有在心底里认同过小毛呢?很难说。从刚开始见面小毛“结义金兰”的建议被无视,到沪生嘲讽中国武术为“骗术”,甚至于在背后调侃小毛在春香家过夜。小毛好像从来没有和他们两人对等相处过。于是呢,我们也就不难理解,为什么有了体己事,小毛选择和樊师傅、拳头师父商量,而不和沪生、阿宝说。
说到底,小毛的天花板,可能只是沪生、阿宝的地板而已。毕竟,阿宝有个吃定息的资本家爷爷,思南路奥斯汀汽车随便坐,平常的兴趣爱好是集邮;沪生家住配备电梯的英商公寓,爱好航模,对世界各大舰艇如数家珍,而小毛脱口而出的只是苏州河的铁驳船。这种差异,在天性使然的年幼尚可,但随着年岁的增长,他们以后每一次“碰撞”,小毛都不禁要怀疑起自己的人生,或者如书中描述的只能“不响”。最终,他会发现,他们是玩不到一块的。
所以,拗断事件,沪生俩人调侃是导火索,但或许,也是小毛对自己在这段关系中身份的一种宣泄。小毛注定是要和他们渐行渐远的,只不过离开的时候,因为这件事以偏激的方式表现了出来。
之前我一直在想,改编舞台剧的意义是什么?毕竟原著那么精彩,超越原著的可能性极低。看完这部剧,我有点想明白了,改编舞台剧,是想以另一种富有美感的形式,将作品的精彩之处呈现在舞台上,让观者以更直观的方式,了解并喜欢上这部作品。以上的这些,我想,这部《繁花》舞台剧是做到了。回复赞 - Lv2《繁花》舞台剧请了青年编剧温方根据原著伊操刀改编。你可能不知道温方伊这个名字,但你一定听过她的另一部作品——《蒋公的面子》,或许很多人第一次接触话剧就是拜她所赐。《繁花》制作人提出由还在读博士的温方伊来改编作品时,后者自己也感到有些意外。个中原因,《蒋公的面子》大热当然是一方面,我个人感觉,温方伊这个年龄段的编剧,能更好地拿捏住剧中两个时代——少年与中年之间的情感痛点。况且,《繁花》这部女性角色戏份相当多的作品,编剧的女性身份或许也是一大加成,毕竟有那么多的男作家/编剧不懂得怎么写女人戏。爱笑的美少女ZzLv22023-05-15
一部35万字的作品,要在短短3小时的时间呈现出来,换作是谁都会头痛,所以一定程度的改编和取舍是必要和必须的。
改编
温方伊采取了相当讨巧的方式对原著进行了取舍,六七十年代选取了沪生、小毛两条线,90年代突出的则是阿宝这条线。陶陶那条线去掉好理解,因为他是和其他三大主角(沪生、阿宝、小毛)关系最松散的,删掉了其他线的完整度都还在。而且,陶陶中年油腻男人,情节上不堪入目(涉黄啊)的太多,即使放进来也势必大改。
至于为什么少年时期删去了阿宝线,一方面是平衡各角色的戏份(中年的戏阿宝是主角),另一方面,我想无论是金宇澄还是温方伊都是有考量的,一流的作家,塑造人物不是靠多费笔墨,反倒是蜻蜓点水的呼应更使人叹服。所以,我们看到,舞台上身为律师的沪生稳重、不苟言笑的形象,是可以从少年时家庭的剧变、和姝华的感情挫折中找到答案的。同样的,“宝总”的身份和小时候资本家“克腊”(classy)的形象也是吻合的。事实上,整部剧,两个不同的年代形成的是一个稳定的三角结构(沪生—小毛—阿宝)。剧情上你中有我,我中有你,随处一处细节都在疯狂暗示这个人物的过去和将来。当然了,这样在长度上也更适合舞台上演出。
还有一个臆测就是,阿宝小时候的情节,比如资本家爷爷被抄家,爸爸地下情报人员的身份,演起来都会比较敏感。
那么喜欢阿宝的原著党们是不是只能无奈了呢,我觉得也不尽然,毕竟这次海报上写的是《繁花舞台剧·第一季》,我们大可以期待下第二季对原著的挖掘。
顺便也说说自己不太理解的改编
银凤请小毛吃绿豆汤那场戏,原著中老公海德是在场的。那一句“姐姐每一趟吃饭,就多摆一副碗筷”很明显是讲给海德听,这里变成对银凤说,倒像是小毛在撩银凤了。回来一看演员表,二楼爷叔和海德是同一人扮演的,难道是来不及换装吗才出此下策?
舞台呈现
看过原著的人,心里对舞台上的《繁花》是有一个预期的,就是整体风格是怎么样,人物的气质该怎么样。你看书的时候,文字通过眼睛转化成信息,在你脑中形成的印象,就是你对这本书的感知。我想说,这一出舞台剧,和我的感知,并没有什么违和。无论是舞美布景、道具、服装、方言,还是演员的选择,这些,不得不说,都太“繁花”了。
整个制作组在还原六七十年代生活画面方面费劲了心思,相比于90年代的戏,这个年代的表演更值得期待,对于年轻的观众来说,充满了好奇,对年长的观众来说,又有怀念的意味在。比如,那个年代国庆节时兴的是看礼花,看电影是要提前排队买票的,唱片机还是稀奇货,做饭是要生煤炉的。尤其是去沪生家过生日这场戏,上楼前先是坐电梯,拉拉链门、响铃、向上牵引、加速减速、响铃、拉铁栅门,电梯当然是不存在的,但在演员动作和声效的配合下,这一场景已经映入观众们脑中。
还是这场戏,一时间舞台上汇集了军人、知识分子、资本家、工人阶级多种身份,你能看到制作组在各人的服装上是做了严格区分的。沪生爸妈穿的是军衣军裤;小开阿宝头戴鸭舌帽,牛津纺白色上衣,英伦风十足;小毛蓝色线纹衫打底,粗布背带裤包身,符合他胡天野地的性格,弄脏了也不会心疼;姝华知性,温柔可人的短发套上白色发箍,浅蓝色长身连衣裙,毕竟是个读诗写诗的人。舞台的这种真实感,不仅使观众,也使演员自己迅速进入到角色当中,到忘我的境界。
切换场景,是每部舞台剧都要做的。以往我看过的话剧,切换无非是灯光熄灭,等新一幕的道具布置好,重新亮起灯来。《繁花》把舞台分成了前后两部分,前低后高;前面又分成左中右三块。演出时,可以做到这4块区域的彼此独立,即我这边演完了,就可以将这部分熄灯布置场景,与此同时其他亮灯的区域表演仍旧可以同步进行,丝毫不受影响。
舞台前方的区域是一个带舞台机械的大转盘。这个道具的妙处在于,除了作为常规的舞台使用,还作为时间和空间更替的象征。当其转动时,后面的屏幕也相应切换不同图片,暗示角色所处场景的变化。不仅如此,这个转盘还可以将演员动态下的状况模拟出来。比如,有一场戏小毛、沪生和姝华沿着转盘边走,渐渐小毛和其他两人拉开了差距,接着又是沪生和姝华慢慢拉开了差距。这种差距不仅仅是物理上的距离,还是姝华心理上因为对时代的失望,内心越来越孤寂的写照。
说起这个转盘,最后谢场的时候也算是一个彩蛋吧。所有演员围着转盘依次面朝外站定,正前方一束光线打下,转盘动,《新鸳鸯蝴蝶梦》谢场音乐起,后面屏幕实时显示演员名字,一一接受观众掌声,此时此刻,肾内腺素已至高点,除了感动,也感恩于主创们奉献了这么美好的表演,将《繁花》作品呈现在舞台上。
演员们谢场
苦命人小毛
《繁花》之所以受人喜爱,很大一方面在于故事的悲剧性。作者金宇澄毫不掩饰地掰碎人世间的温情,将悲情赤裸裸地展现给读者。剧中原本几段颇为温馨/暧昧的关系,都无一例外走到了尽头——这就是人生。
几段关系中,最让人心痛的,莫过于小毛与阿宝、沪生的绝交。打个不恰当的比方,这三人绝交,就好比《天龙八部》中的段誉与乔峰、虚竹绝交了,你能想象得到对读者的冲击有多大。
小毛的与沪生和阿宝绝交,有必然性。
小毛,工人阶级出身;沪生,空军干部子弟;阿宝,大资本家小开。与他们的身份相对应,小毛住的是工厂企业密集的普陀区小弄堂,沪生和阿宝的家则在富人和权贵们钟爱的静安区和卢湾区高级公寓。
三个人的家
小毛在和沪生、阿宝的结识的过程中,整体来说是被动的。在国泰电影院排队买票,刚好可以帮沪生多买两张,这才有了认识的机会。按照小毛的活动轨迹,是比较难打入沪生的社交圈的,这种友谊的开始,大抵可以诉诸“偶然”两字。常把“人们不禁要问”大字报话语挂在嘴边的沪生,除了认同小毛的为人,可能也会觉得,和工人阶级出身的小毛交往,是一件“政治正确”的事。
我不否认三人之间存在友谊,但是沪生和阿宝有没有在心底里认同过小毛呢?很难说。从刚开始见面小毛“结义金兰”的建议被无视,到沪生嘲讽中国武术为“骗术”,甚至于在背后调侃小毛在春香家过夜。小毛好像从来没有和他们两人对等相处过。于是呢,我们也就不难理解,为什么有了体己事,小毛选择和樊师傅、拳头师父商量,而不和沪生、阿宝说。
说到底,小毛的天花板,可能只是沪生、阿宝的地板而已。毕竟,阿宝有个吃定息的资本家爷爷,思南路奥斯汀汽车随便坐,平常的兴趣爱好是集邮;沪生家住配备电梯的英商公寓,爱好航模,对世界各大舰艇如数家珍,而小毛脱口而出的只是苏州河的铁驳船。这种差异,在天性使然的年幼尚可,但随着年岁的增长,他们以后每一次“碰撞”,小毛都不禁要怀疑起自己的人生,或者如书中描述的只能“不响”。最终,他会发现,他们是玩不到一块的。
所以,拗断事件,沪生俩人调侃是导火索,但或许,也是小毛对自己在这段关系中身份的一种宣泄。小毛注定是要和他们渐行渐远的,只不过离开的时候,因为这件事以偏激的方式表现了出来。
之前我一直在想,改编舞台剧的意义是什么?毕竟原著那么精彩,超越原著的可能性极低。看完这部剧,我有点想明白了,改编舞台剧,是想以另一种富有美感的形式,将作品的精彩之处呈现在舞台上,让观者以更直观的方式,了解并喜欢上这部作品。以上的这些,我想,这部《繁花》舞台剧是做到了。回复赞 - Lv5lalalalaLv52017-07-25
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1975年伊始,经历过数次外遇的四十四岁剧作家哈罗德·品特与他的一生挚爱,女作家安东尼娅·弗拉瑟(Antonia Fraser),坠入爱河,3月下旬,他向身为演员的妻子薇薇安·莫珊特(Vivian Merchant)摊牌:“我遇到了一个人。”4月28日,他搬出自己家,开始长达五六年的婚外爱情长跑,五天前,《无人之境》首演。
我想,摊牌那天,品特一定经历了自己在戏剧中多次描摹的房间里的对峙,后来的作品《背叛》无疑是这类婚姻痛苦尴尬时刻的虚构化呈现,有兴趣的人可以去看它由杰瑞米·艾恩斯、本·金斯利等人主演的提名奥斯卡最佳改编剧本的同名电影版。品特是个从不考虑观众的戏剧家,他只为自己写作,常常把自己生活里真实的记忆和苦乐,他的一部分自我,放进这些凝结于房间的时间之中,这不是自传,而是透过个人体验触摸人类共通的命运。进入一个房间,看到几个人,他们便萦绕在他脑间,化成一部戏。某种程度上,这也是诗歌的逻辑,“我的大多数剧本都是由一句话、一个词,或者一个意象引出来的。特定的词语经常有一个意象紧跟而来。”他在诺贝尔文学奖受奖词里说。这样的戏剧故事,需要观众放弃先入为主的情节预期,跟着人物探索那些真假模糊的现在与过去,为身怀秘密的角色着迷。
2016年圣诞夜上映的《无人之境》亦如此。这部戏预热了英国国家剧院现场(National Theatre Live)2017年1月的《女王召见》、《科利奥兰纳斯》、《哈姆雷特》等一系列大屏幕高清戏剧现场放映,而非去年的收官之作。在这部首次上映的品特戏剧里,他本人的影子时隐时现,却不干扰每个人物的意志,不会给任何难题答案,也没有最终一幕的冲突解决。当赫斯特说起斯普纳——极有可能不是斯普纳本人——年轻时对运动的热爱,寥寥数语就塑造出一位热衷于运动成绩带来的满足和成就感而忽略身边爱人的青年形象,品特对板球运动的长期痴迷是出了名的。本剧有三个诗人,品特自己也是诗人。品特本人对学生时代友情的珍视,也确实达到了赫斯特那种视之为最神圣宝贵记忆的程度。至于窃取他人爱侣或被他人窃取爱侣的事,前文已述……
这个故事里只有一个房间和来来去去喝酒聊天的四个人,起初我们以为这是个来访之客斯普纳从精神上突袭安逸主人赫斯特的过程,令人想起品特早年的“威胁戏剧”,然而开场似乎不到半小时,赫斯特就败下阵来,颓然爬进卧室。这只是四人交锋的开始,交锋的武器,很大程度上是靠不住的“记忆”。这记忆或许被篡改到模糊,酗酒的赫斯特说出的记忆有多少是准确无误的?
或许,这记忆蕴含精神层面的真实,比如赫斯特和斯普纳,年轻时确实干过勾引朋友的女友或妻子的事,斯普纳把自己套入另一个人的身份,也并无不妥。他故意套赫斯特的话,冷酷到近乎手舞足蹈地抛出幸灾乐祸的推断“你已经失去了你那位褐色眼睛的妻子,你已经失去了她,无论你做什么,她都不会再回到你身边……”,赫斯特马上崩溃了。
或许,斯普纳与赫斯特年轻时是否相识并不重要,如斯普纳的扮演者伊恩·麦克莱恩所言,在这个能够逃脱的牢笼房间里赖着不走并非难事,“因为有免费的酒喝”,为了从富有文豪赫斯特的世界里分羹,迎合他的兴致,扮演被他戴过绿帽子的老友也无妨。这部品特70年代“记忆戏剧”中的名作,靠着“记忆”纺的丝线,将四个人禁锢在一个房间从夜晚到白天的时间。
我无从知晓创作《无人之境》时的品特经历了什么,但我知道他害怕成为什么人。无论是赫斯特那样,功成名就,坐在自己早年的成绩上,甘心被疑似一对同性恋人的男仆和秘书陪伴或操纵,抱着酒瓶混吃等死,还是斯普纳那样,穷困潦倒,衣着寒酸,仅靠对年轻人的作品指手画脚、举办无聊的诗歌诵读赏析会(京沪两地文艺青年对此类活动无比熟悉)来建立微弱自尊,仿佛一只眼红他人所持资源的好斗公鸡,都是一位四十四岁文艺中年男人害怕的六十岁文人老境,都是无人之境,“那儿永远不会运动,永远不会改变,永远不会变老,但将永远存在,冰冷,寂静。”这两个人,由帕特里克·斯图尔特和伊恩分别演绎得惟妙惟肖,要知道,对时尚了如指掌的伊恩爷爷,可是抛弃自身的风雅,甘心做得形容猥琐。
剧本中有大量“停顿”、“静场”,这是留给导演和演员的想象空间,需要他们以强大的肢体语言和表情来塑造他们所理解的人物形象,面对本场无字幕生肉戏剧,表演成为辅助观众了解剧情的重要渠道。我想,留这么大空间,也许跟品特长期做演员有关,他知道自己不只要写出方便演员发挥的台词,还要给导演和演员再创造的可能,戏在无声处。
比如说,被赫斯特带回家的斯普纳,进屋后一旦有机会握住酒瓶,就始终抱着它和自己的脏外套,贪恋、自卑、随时准备溜走等各种心态蕴含在这个动作里,伊恩又加入丑角的幽默感,引得观众发笑。此刻的他并不知道自己将被赫斯特的男仆布里格斯和秘书兼管家福斯特锁门“囚禁”在房间里,能肆无忌惮地继续喝下去,还会有机会点香槟喝,直到他得寸进尺地冒犯。上述二人,尤其是布里格斯那种依据主人话语见风使舵的态度,也得靠自身表演展现。
赫斯特屡次从志得意满到被斯普纳击溃的微妙表情,因为大屏幕的特写效果,我们看得非常清楚,帕特里克诠释到位,他大部分时间是坐在椅子上,与伊恩坐立不安的丰富肢体语言反差很大。赫斯特酒醒后第二次出现,他表现出完全不认识斯普纳的样子,或许是醉酒断片儿,或许是强装能重新洗牌的心态,在滔滔不绝描述刚刚做过的孤独溺水噩梦之后,他因为斯普纳冷不丁的一句“在你梦里淹死的人是我”再次倒地,这种被外来者一针见血戳到灵魂深处又很难被观众理解的沮丧,需要帕特里克进入某种“催眠”状态,并将观众“催眠”,激发共情。
本就对斯普纳满心戒备的福斯特,以年轻人的嚣张气焰对付他——演员戴米恩·莫隆尼贡献出精力、自恋皆备的气质——他夸张炫耀他的异性缘以掩饰他的同性恋身份,看到主人溃败离场,他又厉声警告这位“新来的家伙”,“我们保护着这位绅士不受坏人影响,不受坏人欺骗,不受坏人伤害……”当他说出可以杀死斯普纳,沉默的伊恩以肢体和眼神的微动表现出明显的惧怕。福斯特说他们是出于爱才照顾这位绅士,我们心生怀疑。但他对斯普纳的藐视是确凿的,藐视以第一幕的结束时的突然关灯抵达顶峰:“听着。当你在一个有灯亮着的房间里,然后灯突然熄灭了,你知道这是怎么回事儿吗?我让你看看。就是这样。”斯普纳被抛弃在空无一人的黑暗里,直到天明。
布里格斯对斯普纳的态度更多变的,当主人和管家在场,他的眼睛和嘴角写满了嫌弃——演员欧文·蒂尔赋予这种嫌弃些许滑稽,尤其从主人身上拎起斯普纳献媚披上的脏外套的时候。当他们不在场,主人又表示认识斯普纳并希望他照料其早餐,布里格斯便亲昵地坐下来谈论他与福斯特的“友情”,并希望他能指点福斯特这位年轻诗人,既然主人这位著名诗人已不愿提拔自己的秘书。这就是人,会对外来者陈述自己对另一个人的亲密。
随着斯普纳一步步靠近赫斯特,布里格斯和福斯特越来越警惕,演员用暧昧的肢体语言暗示他们之间的超友谊关系,布里格斯推荐过福斯特做秘书,可以当众亲昵地喊这个年轻人“笨蛋”以暗示对他的支配(恋爱过的人懂得这种称谓的微妙),赫斯特会对这位男仆说“如果我叫你走,你就得走。”最后,当斯普纳要求取代福斯特做赫斯特的秘书,未遂,福斯特马上以一串绕口令般的“话题已永远被换掉”和布里格斯的帮衬,控制言论大局,永久驱逐了斯普纳的进攻。他们三个人,是闭合的权力制约关系,难怪赫斯特会说“我们三个,永远不要忘记,是最好的朋友。”入侵的斯普纳必败。
即便三人关系是一场精神牢狱,也无人想离开,斯普纳有种恶意或自私的精神攻击感。人的每一场喋喋不休都在掩藏那些没有说出的话。斯普纳侵犯福斯特的自尊,说“对于你的能力来说,秘书的职位不怎么公平。一位年轻的诗人应该到处去旅行。旅行,体验痛苦……”福斯特有些慌了,声称服务这位知识分子是他的光荣他有意义的事业,同时也向男仆表忠心。我们终于明白,他当初对斯普纳的藐视掩藏着不安。“无人之境”里的三个人,不想要任何改变,无论是否想逃离,都只会留下。这亦是陷入类似困局的众生面对虚无生命的一贯态度。
赫斯特说过,“我真正的朋友都在我的相册里望着我。我有我自己的世界。……我们正在谈的是我的青年时代,它永远不会离我而去。”当他看到颓败老文青斯普纳,想起当年友人意气风发的样子,无论他是否故人本身,赫斯特心中的丧感都是真实的。尽管另外两人阻止他拿出相册,但赫斯特未必真愿意拿出相册,直面生命的变迁,相册代表任何人不可闯入的心中圣地。
最后,回到当时正经历生命困局的品特。最终与弗拉瑟成婚时,他已年满五十岁,而当初受到伤害不肯放手的莫珊特,离婚后用了不到三年时间,酗酒而亡,他们的儿子也终生与父亲疏离。围绕酒精度日的剧中之人,仿佛真实人生的噩兆。品特的戏剧是苦涩的。
_________________________回复5赞 - Lv2“任何一个人,对别的人来说,都是深不可测的奥秘和难解之谜……有些可怖的事情,甚至于死亡,就起因于此。——《双城记》”表情包大户Lv22023-07-21
这辈子的第一次看剧加场献给了《隐秘的角落》,原计划看13、14号的晚场和15号午场,三刷后又激情加了晚场,亲身的体验告诉我——好的作品是值得一再复盘的。
为了阅读方便,我把这篇大致分为以下几个部分:
①各方面总体观感与综合评分(剧透较少)
②本剧部分高光点的个人向赏析(舞美、剧本改编、台词唱段等)
③以张东升的角色塑造为基础对全剧主题的一些分析与思考(夸演员夸编剧!&非常非常主观的个人碎碎念)
请注意!第二第三part都会涉及大量细节剧透以及部分情节和原著的对照!所以如果想吃安利看剧的小伙伴看完第一部分就可以啦_(:3」∠❀)_当然,打算n刷复盘的朋友欢迎就②③部分与我一起分享和交流~
【再次预警:以下内容都是我作为观众观剧时纯主观的所看所听所感只代表本人意见,参考性仁者见仁,千万别当啥正经剧评谢谢!】
【一】总体观感&评分
百分制的话,《隐秘的角落》在我这里达到了85~90分。总体而言这是一部各方面均衡且整体性很强,且不乏亮点的音乐剧,何况这是在原创属性的加成和网剧金玉在前的对比压力影响观众观感的情况下。
我可以毫不犹豫地说,《隐秘的角落》是一部【优秀】的音乐剧作品。
1. 剧本:90分
首场观演时,当看到编剧选择以【日记】来串联起整个故事,我的心就定了大半。剧情以原著为蓝本,那么朱朝阳的日记必然是一个极其重要的线索。而且从它入手,便于处理复杂事件中的虚实关系。
全剧的事件串联与节奏做得也很不错,上半场以朱晶晶坠楼结束,决定结局走向的条件已然具备;下半场的重头戏则是催化朱朝阳“黑化”的引线们:杀人罪名下的惊恐和自我催眠、彻底撕裂的家庭关系、愈演愈烈的死亡威胁……以及,揭开真相的反转。
剧本在原著的基础上做了很多删改和人物的重新雕琢,省去了实施犯罪的细节,很好地利用了【音乐剧】这个形式来讲故事,在一些段落里打破了时间空间的限制以构建戏剧张力。即使舞台剧的容量远不及影视作品,但也在讲圆了故事的同时兼具了许多闪光点——这些我会在后面的内容里做具体分析。
2. 舞美:95分
虽然舞美已经被大家夸爆了但我还是要夸夸它!一进场就给了我很大的视觉震撼!甚至让我恍惚这真是一部小剧场作品吗……
首先,拔地而起的迷宫式楼台结构直接给舞台增加了一个观赏维度,使景深的丰富度和复杂程度大大提升,与灯光投影配合,观赏性极强;第二,丰富了演员的动线,而且方便导演增加更多样的调度处理,有几个地方演员的走位结合剧情和人物关系,很有意思,这个我后面也会提到;最后,这个舞台在我看来完美地解决了这部剧复杂的布景问题,不论是学校、朱朝阳/张东升的家、六峰山景区、少年宫、商场……都可以用这三栋旋转小楼展示出来,而且让人一眼便能理解,换景也挺丝滑的~可以说是兼顾实用性观赏性和内容表达的教科书级案例!
3. 音乐:89分
这部剧的音乐毫无疑问是在及格线之上的,风格独特且统一,且贴合剧情整体性强,表现力也非常优秀——有抒情有炸裂也有阴森森的“阴乐”,每个人物的高光唱段都超级棒!个人综合起来最喜欢的是撕逼歌《同样都是母亲》和三重唱《镜面》,是两种不一样的过瘾!(不过这里提一个小小的意见:《镜面》的三重唱部分不知为什么总觉得小演员的声部听起来有些奇怪……把这段华彩的效果稍稍削弱了。)咆哮一下:张东升的每首歌我都好喜欢啊啊啊啊!
当然音乐的效果也离不开乐队和演员的稳定,成人演员们真的太稳了太稳了,全员神仙!周春红和王瑶的唱段我每次听完都要狠狠鼓掌!!张东升的疯批歌能不能快点出原声带治一治我这个一听就容易颅内高潮的毛病ಥ_ಥ
一定要从鸡蛋里挑点啥的话,可能就是没有那种一听就非常抓耳出圈的旋律?确实大量半音和转调的运用会让人有点晕乎……但它有后劲啊,我直到现在脑子里还会忽然开始循环播放某一段_(:3」∠❀)_
4. 演员:88分
激情表白8.13~15号卡司的所有成人演员!!!全员神仙这个词我已经说厌了好吗🚬
感谢刘岩老师用教科书级的台词和动作细节处理让我狠狠地学习了什么叫表演中的节奏把控!不枉我在前排死死地盯着您真是越盯越有料(bushi),收的时候滴水不漏,放的时候气场瞬间覆盖整个舞台啊不整个剧院!所谓收放自如满而不溢就是这种感觉了吧……有一些地方我真的觉得达到了能够搬上大荧幕成为特写的的水平,求求以后多演一些疯批美人好吗!!!看完您的张东升我从今以后吃烧烤只需要放盐和孜然——因为我被辣死了(இдஇ; )
蒋倩如老师真的有惊艳到我,从上场开始我就觉得“对味儿了”,台词处理得太合我胃口,堵班主任话口的那段戏我的内心弹幕全是“yes yes就是这样!”唱功更是一把子爱了!《背弃》的高光唱段太合适也太值得!!入坑了!姐姐牛逼!!
赵禹钧老师我之前不熟,这次也凭实力瞬间好感了~非常喜欢父子谈心那段儿手紧张地揪着皮包的小动作处理,唱得也稳稳哒!
大瑶就不用说了,这次耀眼组合虽然没对手戏但还是双双成为了疯批美人,疯得太彻底太投入太敬业了我在台下看着一边大呼过瘾一边心疼摔得疼不疼累不累啊……放假期间一定要养养身体!
孙博和张玮伦二位的严叶工具人(?)搭档也非常nice,个人很喜欢孙博老师台词的语感,小叶警官的语癖是演员自己设计的吗?很可爱的巧思!不过两位有时候会出现一点台词语速过快导致吞音的小失误~
扮演徐静的王梓庭姐姐,音色我很喜欢,提离婚的那场戏和6ls搭起来节奏也非常舒服!不过个人觉得solo前的那段戏可以把状态再调紧一些。如果徐静的怀疑和提防甚至恐惧的情绪外化得明显一点,能让观众更好理解接下来的情节走向。
给演员的综合打分没有上90是因为留了一些空间给小演员们继续进步。小朋友很可爱,台词也都在点上,希望在一场场的磨练里能继续提高演唱部分的稳定性和表演处理的细腻感~
【二】高光点赏析
这一part主要是对照原著和网剧,分析音乐剧《隐秘的角落》在剧本和表现形式上做出取舍和改变的优秀之处,同时也包含一些对演员和编剧共同创造的台词、唱段和节奏处理上的分析——全都很我流!仅代表个人观感!
1.【剧本改编】:
因为前期从宣发了解到剧中的角色设置是按小说来的,所以我特地去看了原著。其实在原著基础上改编的难度也是很大的,音乐剧两个小时左右的体量注定容纳不了整本书的人物丰富度和繁杂的细节;且因为众所周知的原因,原著对一些人物的描写也有过于粗暴扁平的缺点……如果不加修饰直接搬上舞台,效果可想而知。
然而,编剧做的每一个取舍都让我觉得非常明智。
从叙事上看,音乐剧保留了【朱朝阳被校园霸凌】、【普普丁浩来访爬山拍照】、【张东升徐静离婚谈判】、【张东升杀徐父徐母】、【三小孩指认、勒索张东升】、【朱朝阳被王瑶母女欺辱+周春红发泄】、【朱朝阳杀朱晶晶】、【王瑶周春红冲突】、【朱永平向朱朝阳套话】、【弑父】、【严良找朱朝阳谈话】,这几个关键的节点性事件进行正面表现,而把一些补充性事件和信息作为次要戏、过场,通过转述和暗示表现。这样使整个故事的发展呈现得清晰明了——一条线是三个小孩与杀人犯张东升的周旋,另一条线是朱朝阳杀人后面对危机的转变,两条线交汇收束于对日记的揭秘和张东升死因的假设重演,形成闭环。不论在节奏上还是完整度上都很好。
从人物上看,首先编剧把情感动因作为张东升杀人的主要原因,替换了原著中的谋财害命说,以此增添了这个角色的“人味”,让观众更易达成共情。而网剧则是给张东升加入了【男妈妈】属性表现他的向善性,这种处理想要立住需要增添很多情节和细节,放在音乐剧里显然是不太适用的。同时编剧也让一些角色变得更加功能化,如丁浩和普普,在音乐剧中直接省去了对他们个人前史的交代,如此也许会让这两个坏小孩的“坏”没有那么立体和丰满,但搭配着台词、情节其他方面的处理,使观众还是得以理解他们的“人设”(当然肯定还有顾及小演员心理健康的原因……)这种删改我认为无伤大雅。严良教授这个【解谜者】身份也设计得不错,作为剧中张东升朱朝阳之外唯一一个懂数学的角色,他其实也是最能够理解他们犯罪动机和思维的人。如果说张东升和朱朝阳是镜面两边对照出的映像,那严良就是得以让观众对他们进行比对观照的那面镜子。他是局外人,也是解谜者,还是一个点醒各位看客小心掉入罪犯的自我逻辑陷阱里的点灯人。
2.【表现形式】:
我个人最喜欢的几场戏,在表现形式上都做得很妙:打破时间空间进行人物对撞的《本来一切可以很完美》、《镜面》;在同一个冲突场景内把张力拉足的《爬山》、《问心无愧》、《同样都是母亲》。值得一提的是这部戏在表现上处处体现着张东升和朱朝阳的镜像感,最明显的可能就是爬山拍照和《镜面》,异口同声的台词,或对称或交叠的站位,以及结尾处的《小白船》的走位——“彼可取而代之”的最直观显现。
如果有心的观众还可以注意到细节满满的灯光投影:朱朝阳的日记、打开的门、街景球鞋和墙上的恶意涂鸦等等,都非常有意思。
这部分最后顺便提一嘴,《小白船》的结束感确实有点重了,有几场最后开始唱《隐秘的角落》很多观众都以为已经开始返场了哈哈哈哈哈😂后边的场次要不在字幕上提醒一下?
【预警:接下来的内容是本文中最主观的部分,如有异议请轻喷谢谢_§:з)))」∠)_】
【三】演员角色塑造与分析思考
(主focus刘岩版张东升)
刘岩老师,准备好挨夸了吗(ಡ艸ಡ)
如果说网剧版的张东升是笛卡尔式悲剧童话的代言人,那么在音乐剧里,刘岩呈现出的张东升的悲剧,则是毕达哥拉斯式的——
这位古希腊数学家毕生痴迷于纯粹的数学理论,认为万物皆数,最纯粹的美是有序可知的和谐的整数。但当他试图把这套理论拓展向万物的时候,一种“野蛮”的无序和混乱——如人心般深不可测不可捉摸的【无理数】,将这个脆弱纯美的理论世界冲击得粉碎,于是他在信念崩塌的暴怒和疯狂里亲手溺毙了他发现无理数的学生。
“本来一切可以很完美”,但是,谁又能真正鼓起勇气直面鲜血淋漓的残缺呢?
张东升和朱朝阳,他们是困兽,也是天才。从他人棋局中的弃子,最终蜕变为自创规则、玩弄生死的暴君。
分析张东升这个角色的塑造,我认为可以从三个关键词入手:【节奏】、【位置】和【数学】。
节奏上的刻画,主要体现在上半场【收】着演的部分。如果把范围放宽点儿,甚至可以说从播报注意事项的时候就已经开始——不轻不重,不疾不徐的语气节奏,听上去总感觉在吊着你的耳朵,随意,却又没那么随意,让人不由得多想。那句“我会让你们下去得很痛快的~”我真是太喜欢了!
刘岩老师毫无疑问为张东升这个角色从台词到动作,甚至神情转变的微反应都设计了一套特别的节奏。从出场开始,在围裙上擦手、检查礼物、放拖鞋、收拾茶几这一套连续且日常感浓重的动作处理起来就非常考验演员在表演中的节奏把控,放拖鞋时的小心确认,看礼物时带着忧虑的小焦躁,双手或交握或抓膝盖的“无意识”小动作,都能让观众轻松看出人物的心理状态和性格特点,这么多的细节放在一起也不会让人觉得“戏多”而是相当自然,功底可见一斑。
再说回台词。同样是谈判,张东升对待徐静和三个小孩在态度上存在明显区别,但也有微妙的相同——面对伴侣咄咄逼人的发泄,张东升是退让的,隐忍的,只有在对方贬低自己的家庭出身时才表现出了较明显的情绪波动。但是,虽然他的试图挽留每每被徐静打断,他仍然没有放弃自己的节奏,尽力维持自尊和体面。然而,当面对三个小孩时,张东升是主动进攻式的,从一开始就把控了对话的节奏,在对方提出出乎意料的条件的时候也瞬间隐藏起诧异并迅速试图把主动权重新抓牢——两种状态,两种节奏,不变的是深沉的心机和滴水不漏的试探与推算。
上半场我个人非常非常喜欢的一个细节,是张东升第一次和朝阳普普谈判时对果汁的处理,为了保持悬念我不在这里过多分析,有心的朋友可以自己回想或者在观剧时留意一下🌚
如果说【节奏】给张东升的人物形象打好了一层底色,那么【位置】则是这个角色人物弧光的绝佳体现。
在音乐剧的开场唱段《隐秘的角落》中,张东升站在正中央的高台上,是毫无疑问的视觉C位,朱朝阳站在他的正下方位置与他对望,其他角色则要么位于两侧,要么处于舞台下方他的阴影之中。从首场开始我就在思考这个问题:结合整个故事来看,朱朝阳才是真正操纵一切的人,为什么却要把张东升放在高处正中央呢?是因为在杀死朱晶晶之前朱朝阳还没有开始滑向恶的一端吗?
随后我继续注意着角色的位置,尤其是高低关系的变化。在试图挽回徐静的过程中,张东升在交流里自始至终没有从凳子上站起来,甚至连起身的动势都不存在,面对激动地站起来发泄负面情绪的徐静,两人的权力关系一目了然。到爬山的戏份时,情况发生了变化。虽然张东升表面仍然是一副做小伏低的讨好态度,但他和徐父徐母视觉上处于完全平等的位置,并在唱段中展开了拉锯和冲突。当他决定对两人痛下杀手之时,平台上只剩下他一个人,后景中两个假人轰然坠落,他只身登上顶峰,缓慢地再次重复三句唱词,仿佛统治者登上王位宣告自己的加冕。
如果说以上还不足以让人发现藏在张东升位置里的玄机,那么剧中打破生死界限的唱段《本来一切可以很完美》其实已经赤裸裸地点明了答案。一开始张东升以已死之人的身份从严良所处的平台之下走出来,唱段开始时他快步登上右侧的楼阁,带着沉醉描绘起自己杀人的现场,罔顾昔日恩师声嘶力竭的逼问,站在最高处肆无忌惮地嘲笑——嘲笑那些还沉浸在所谓“正义”、“公理”中的蠢才们,嘲笑那些曾把他踩在脚下肆意羞辱,如今却成为亡魂的小丑。
他对自己犯下的罪行没有任何忏悔,恰恰相反,他在谋划犯罪、实施谋杀的过程中不但感受到了报复的快感,而且重建了自己被践踏的尊严。张东升表面上是为挽留徐静而杀人,但他在谋害岳父岳母时就已经做好了杀掉徐静的准备,挽留是表,报复是里,而更深层的动机则是当他被整个社会的法则背弃的时候,被“外物”逼到无路可退、甚至连尊严都无法挽回的时候,对普世价值的失望与背弃。从那一刻开始,他决定重构规则,设计一个自己一手掌控的游戏,在破碎的不完美中扭曲出畸形的【美好结局】。
“时间有时候是一个谜
空间也可以变的任意
……就像一道道数学难题
设计 实验 推理 一切都让人痴迷”
当张东升操控着时间和空间,利用他所擅长的逻辑推理完成一次次完美的犯罪时,在陡然拔高的最后一个重音上,他从棋盘上的一颗败卒转身成为了“果壳里的无限空间之王”。
说到这里,就不得不提张东升翻盘的“法宝”,【数学】——或者说【数学思维】or【因果逻辑】。私以为音乐剧在对【数学】这个元素的改编运用上,成功地青出于蓝而胜于蓝了,甚至比网剧做得更加巧妙。从开头严良的那句“这本日记像是用数学思维写的”开始,数学就与设谜和解密的推理紧密地缠绕在了一起,而且呈现出了一套非常完整的逻辑链。
首先,有关数学的概念和人设特点体现在各个细节里:(以下是我个人瞎联想)张东升家里的数学杂志、他摆放拖鞋时对距离和方位的敏感、徐静台词里提到的单调重复的生活……无不体现着张东升的性格里对数学严密秩序的追求,同时在他“黑化”的控诉中被多次提到的“有因就有果”和对“因果不符”的怨念,都体现出他对数学研究中严格遵守因果逻辑的理念或许抱有近偏执的认同感,这种认知也很自然地被他外化到了人际关系和生活之中。
这样的追求和认知注定了他在社会中格格不入,而为了理想的爱情一直挤压自我、委屈求全的生活也一点一点地撕裂着这个世界与他心中的理想,当他发现:
“数字无法量化人性贪婪
公式无法推算人生亏盈”
他和这个犹如【无理数】般野蛮无序的世界的关系便彻底撕裂,决定
“抛弃 虚伪的仁义
追求 美好的结局 ”
用数学解题的思维干净利落解决这一切。但他所遵循的不过是“虚假的 数学的真理 ” ——这看似“最直接的方法 ”,省略的却是对生命的尊重。
“在假设的世界里 有什么是真理……
一切都是一场游戏”
“一切只是一道做完的数学题。”
设计并实施谋杀,对开头的张东升和最后的朱朝阳来说本质就是一道智力游戏,是他们的【王国】、他们的斗兽场。他们用自己的天才营造了一个果壳中的宇宙,并以数学的逻辑推理,操纵其中的法则。
“隐秘的角落是寂寞的角落”
他们也曾尽力挤压自己去适应【外界】,但最终,他们选择牺牲【他者】来成全【自己】。这是一种寂寞与外力撕扯结合着天赋才华,扭曲出的偏执、自大和疯狂。这,才是他们真正的相同点。
张东升为朱朝阳指明了这条路,但他终究棋失一着,忽略了小数点后更深的布局,成为了朱朝阳走向明天的最后一块踏脚石。最终,朱朝阳站在了他曾经站立过的地方,唱起《小白船》。逝者已矣,生者,也许可以继续向前?
“假如你是我…”
“假如我是你…”
“我和你,都没错。”
“不杀了他们,你要怎么重新来过?”
“新的一天,新的太阳,新的自己。”
最后的最后,让我们再回到故事的开头,朱朝阳出场时的那首歌,《自己》。
“从今天起写日记
自己和自己玩的游戏
自己的心情只有自己在意
没人会在意”
其实,在这个故事里的每一个局中人,从头到尾,他们行动的真正动机都是为了自己。每一个在人心的岔道和迷宫里做出的选择步步叠加,铸就了这个缜密的悲剧。
编剧选择在最后发问——“如果一切可以重来?”或许可以拥有更美好的结局。但我想问的是——如果一切可以重来,人性的利己本能又能否转变呢?每个人的心中都埋藏着属于自己的秘密,那里,才是真正隐秘的角落。
隐秘,在看不见的心底永远存在着。回复赞 - Lv5上了大学以后开始报复性看戏,寒假结束的时候看了看票夹,一个学期看的戏比过去三年看得都多。看戏不再是一件需要等待很久才能得到的奖励,那种走进剧场时格外期待和欣喜的感觉也变得稀有起来。 但是当那晚的灯光渐暗,陌生又熟悉的战栗感席卷而来。担忧、疑虑、好奇、紧张,统统掺杂在一起。但是这些复杂的感受在观演过程中逐渐消失,我忘记了周遭的现实世界,随着戏剧的步伐进入了一场盛大的梦境,到现在还未能全然醒来。 当然,这种体验很大一部分程度上归功于原版IP的经典。作为严格的版权戏,中魅影的整个制作还是很标准化的,不允许太多的改动,所以其实不涉及到很多中文本土化的问题。顶级的音乐,极尽华丽的舞美,中魅影都几乎是原样复刻(除了吊灯,根本没有砸下来,确实不够震撼),所以这些不是探讨的重点。由此,评价中文版的维度就自然落到了演员和译配上,而前者有很多不确定因素,所以本文涉及演员的讨论仅针对首演场。 首先是译配,这部分真的是让我对中魅影好感倍增的因素。前期制作方宣发时,译配团队引发了很大争议,近年中国音乐剧的译配状况也是让人在开演前吊着一口气。本来预期的常见症状——如,过于大白话或过于文绉绉,演唱时拗口,词过密导致听不清——这次的译配几乎都没有出现。大多数唱段的译配都是文白平衡的,尽量押韵,若押不上的也不强求。演员演唱顺口,观众听感流畅。 更好的是这次译配给我感觉走的是意译的路线,不追求字字到位但追求意境准确,是我个人很欣赏的处理。这一点我觉得甚至比赵孤原创的歌词都要好,赵孤有时会突然在风格上有割裂感,但中魅影整体很均衡,不少地方还很诗意,能体现出中文的美感。比如All I Ask of You并不是直译为“我对你的所有请求”,而是取其意,译为“爱你我别无他求”,情感浓度骤增。Masquerade译为狂欢夜(也看到有剧友批评这个译配没能保留mask的意象,我觉得批评得有道理,毕竟这个点在魅影的唱段里cue到很多次),后面的词不太能记全了,好像是“一座色彩的乐园”,有后面看的朋友可以留意一下,总之现场听感与视觉上的华美服饰配合,很符合那种光怪陆离的狂欢感。Music of the Night也是我特别喜欢的译配,中文版译为《夜之乐章》。Close your eyes let your spirit start to soar译为“闭上眼让灵魂自由穿梭”,配上弱唱+延长音,听得我的灵魂也跟着歌声自由穿梭…… 硬要挑毛病的话,Sing for me my angel of music可能是没有办法的直译了,我个人感受是即便是阿老师念“为我唱吧我的音乐天使”也不免令我出戏,但也看到不少剧友觉得还好。魅影第一次被小C摘面具时大骂damn you curse you,这次的译配是“贱人!无耻!”很多人觉得尴尬,但我觉得现场看嘎子配合肢体和左半边没遮住的脸上的表情,在人物当时的状态里表演这段还是很顺的。不过我也确实没想到更好的译法,因为要细究的话这两个词还是有一些隐隐的宗教色彩的,而要在中文语境中用两个音节同时表现出这种带有宗教感的谴责、咒骂,又能不至于磨损其中愤怒情绪的尖锐质感,让演员说出来的时候足够有爆发力,确实是很难译的。 其实反思译配,越是简单的词句有时译起来越是困难,给多了会被诟病卖弄文采,给少了却难以把原文中隽永的意味全部表达出来。看到一些剧友repo中觉得这次译配没什么记忆点,我倒觉得这反而表明这次译配至少是合格的——能让人记住的译配语句往往是两种情况,一类译得极信达雅、极妙,另一类译得极突兀、极拗口,而多数平均分或以上的译配并不能也最好不要把观众的注意力从歌曲或剧情本身上转移开,因为服务于演唱和听感才是其目的。 下午听了播客“撕票俱乐部”对译配团队的访谈,他们提到其实在语言风格上也刻意区分了戏中戏和其他的片段,不过我看的时候没有注意这个点。他们也根据人物特点区分了语言风格,如All I Ask of You就相对译得更白话平实一些,以贴合年轻人谈恋爱的语境,也是为了将相对年轻气盛的子爵和才华横溢的魅影从用语上区别开。看得出译配团队还是花了不少心思的。 然后是演员——简单来说,阿云嘎对魅影的诠释彻底折服了我,潘杭苇的小C中规中矩,李宸希的子爵拉低全剧水平,配角里最喜欢两位剧院经理和卡洛塔。下面展开说。 潘杭苇的小C完整地完成了整个作品,没有大失误但也没什么惊喜。看别人说她刚刚阳康,能按原计划演出还是很不容易的,演唱上面没什么问题。但客观而言,沉淀了两天再想她塑造的小C,还是和这个人物本可以拥有的丰富性相去甚远。尤其是又回去对比了25周年版人鱼的小C,不得不说中文版小C还有非常大的进步空间(当然也是人鱼难以超越)。本来我很期待的Wishing You Were Somehow Here Again,现场感受到的情感浓度甚至没有看25周年官摄来得高。当晚的处理美则美矣,但美得空洞——这首歌结束后观众的掌声非常礼节性,也很说明问题。 还有一个很多repo也提及的问题:这个小C对魅影的情感是比较单一的。小C还戒指那一段,潘杭苇处理成还完戒指头也不回地跑掉,魅影孤零零地在台前听着小C和子爵对唱的歌声远远地传来,落寞加倍。似乎小C对魅影徒留恐惧,同情中和了恨意,远走高飞是求之不得的选择。但是25周年人鱼的处理就让人物关系更加复杂深刻——同情是最浅表的,更深的是对如父如师的无望爱人魅影的苦涩的爱,远比爱情更为复杂的爱。人鱼最后唱的Say you’ll share with me one love one lifetime看似对子爵,其实是对魅影。可惜了,这版小C并没有给我留下更多值得回味的演绎。 对嘎子有多佩服,对李宸希就有多失望。虽然单从唱上没有大问题,但表演方面实在是太单薄了,子爵的形象根本立不住。用望远镜看,他脸上只有三种表情,恨魅影的愤怒、对小C的爱意和面无表情式的冷峻。这就导致他声音的情绪和他肢体、面部表情的情绪是割裂的,让人很难感受到子爵这个人物的呼吸。而且他的致命伤在于没有自己台词的时候就跳出人物和情境,变成了故事的旁观者。举例来说,在大家都收到魅影来信惊慌失措,小C拒绝出演的片段,除了魅影之外的主要人物都在台上。小C处在崩溃边缘,子爵照理应该是最关心她的人,李宸希却还是面无表情地站在她身后,连旁边两位剧院经理的面部表情都比他丰富……最后子爵来到魅影的地宫,脖子上被套上旁遮普套索的时候,他竟然能手在用力扯套索的同时,脸上没有相应的惊恐、愤怒和窒息感,而是等着准备自己下一句要唱歌了……可能从头到尾他演得最好的一段就是All I Ask of You,还是能感受到对小C的爱和两人之间的chemistry的。但是如此平面的子爵,不仅在三重唱的时候完全被淹没,更在这个三角人物关系中因为能量太低而没办法撑起小C放弃魅影的动机。 最后写阿云嘎。纠结了很久不知道如何下笔,他的现场让我感受到了自己语言的贫瘠。极微妙又极浓烈的感情在那易逝的分秒中被他细细雕琢,以歌,以言,以呼吸,以泪珠。他的声乐水平无需多言,这次没有用很多明亮大线条式唱法来展现他标志性的音色,反而是用了大量弱唱处理,显然也是基于对他角色的钻研和理解设计的,与声入人心里带有明显模仿痕迹的版本已经完全不同了。真乃仙乐,现场听到的瞬间各种丰富的情感都涌上来了。 嘎魅影不是对过往魅影的复刻,创作时对人物抓得很精准。我真的太喜欢嘎魅影身上流露出的那种强烈的冲突感了。他高贵地卑贱着,如一头受了伤的野兽,越是脆弱易碎的心越要用阴森可怖的外表去掩饰,吓退了喧闹愚蠢的众人才能独自悲伤。第一次被小C摘掉面具,他从极度的暴怒滑落进无底的自卑,最后以整个人匍匐在地的姿态,右手捂脸左手撑地艰难爬行(而且此时唱得非常稳),卑微地乞求小C还回面具。相应唱段的处理也从气急败坏时的怒吼也转化为了气若游丝的自厌自弃,简直就像是坚硬的玻璃外壳碎裂在地,他被玻璃渣扎得满手鲜血。然而他转身戴上面具后,立马恢复了原来那种主宰者的姿态。从放到收再到放,这段情绪变化非常清晰地体现了面具之于魅影的心理意义。魅影向往高贵和美,面具能暂时地让他忘却自身无法洗去的丑陋和伤痛,成为安全感的来源;但面具永远只是面具,只能遮盖创伤不能消除创伤,戴着面具的魅影从来不能接纳真实的自我,没有真实的自我又怎么能学会去爱呢?这里其实给小C最终不选魅影选子爵提供了非常合理的解释,但是本场小C和子爵的演绎没能接住…… 另一个封神的场景是他在被小C亲吻后的反应,是一段没有音乐或台词辅助的纯表演。就像是一个皮球突然泄了气,用望远镜看,他完全没想到小C会做出这样的选择,整个人在小C亲上来的时候就僵住了。这里的嘎魅影实在是太可爱了!可爱到观众都笑场了,谁能想到那个神秘、冷血而偏执的音乐天才其实内心是个单纯的小朋友呢!看他大脑宕机、手足无措地在台上踱步,那种面对所爱之人的局促,不多久就转化成了要不要让小C和子爵走的内心挣扎,以及由于深深的自卑感而产生的问不出口的问题:小C到底爱我吗?非常自然地,此处的色彩在魅影割断绳索的时候就过渡到了悲剧。选择放手,是魅影第一次学会爱。小猴子音乐盒在一片寂静中响起,Masquerade的旋律reprise,魅影哽咽着轻声唱出“狂欢夜”,捂住了小猴子的脸。所有人的情绪堆积到这个点,都在这几句弱唱中爆发,共情魅影的落寞、孤独与痛苦。远远传来另外二人的All I Ask of You,绝望的魅影最后一次用尽全力唱出: “唯有你让我音乐翱翔,再也没有黑夜的乐章。” 阿云嘎真的把魅影身上的复杂感给演得淋漓尽致。也许嘎魅影外在的气场没有拉面那么霸总(嘎被揶揄是“体制内魅影”),但是阿云嘎通过多次用细节处理突出魅影内里的孤独、敏感、脆弱、自卑,把魅影作为一个渴望救赎的弃儿身上可悲可怜的质感演得淋漓尽致。他对小C的情感也更突出了小心翼翼的部分,是一个很怕所爱之人受伤的魅影啊。他甚至让我感受到了魅影这个人物身上的宗教罪感,为出生时即丑陋的原罪付出沉重而不公的代价,用音乐为媒介,通过小C完成了一场救赎。 如果你是魅影死忠粉,刷过无数次25周年鱼面版,中魅影多少会在一些方面让你失望。但得益于版权戏引进时的严格把关,中魅影是一部下限很高的剧,在中国音乐剧质量良莠不齐的当下,已经是顶配了。票价也是仁者见仁的事情,取决于很多主客观因素,大家应该都有自己的判断。不过我还是非常推荐有机会的朋友去看一场嘎魅影,非常非常难忘的现场。 很久没有这么激动了,上次因为现场看音乐剧这样还是疫情前的法扎(入坑之作),是走出剧场的时候感受到的来自舞台的calling——艺术的魔力啊!今天一天不写完这篇东西感觉完全无心做别的事情,英文原声带也越听越耐听。很多关于这部剧的内容上以前忽略的细节,这次写剧评的时候也一并思考了、理清了。反复听经典的曲子,再次感叹韦伯实在是太天才了,配合情境直击人心。虽然严格来说还有不足,但是感谢中魅影给我造了一场久违而盛大的戏梦。The Music of the Night的歌词完美地概括了置身这个梦境中的体验—— Close your eyes, let your spirit start to soar… And you’ll live as you’ve never lived before.一缕青丝Lv52023-07-20回复赞