Lv4笑中带泪，是社会的无奈还是黎明前最后的黑暗。陆莫寒Lv42023-05-15
前段时间看《新剧本》的时候曾有一期是以北京人艺“京味话剧”为专题的栏目，里面这样评价“京味话剧”这个概念，简单来说就是：用北京语音、北京方言本色出演北京人、北京事、北京的历史及这座古老城市的变迁。而我认为，这部话剧作为其代表作品之一，除以上特征外，他的人物同样极具北京精神，这儿的北京精神不是所谓的“爱国、创新、包容、厚德”，而是可以用几个北京方言来形容，即“厚道、局气、牛逼、有面儿”。
从时间上看，《窝头会馆》创作于2012年，是为北京人艺60年献礼的优秀作品，而所谓“京味话剧”的源头应该追溯到老舍先生所在的时代，那么“窝头会馆”可以算是“京味话剧”的第三代作品吧。整个作品构思感觉能看到《龙须沟》、《骆驼祥子》甚至鲁迅的《药》的影子。主人翁苑国钟身上既有祥子的那股子闯劲儿但在命运面前却又不得不低头的悲哀；又有《药》里面华老栓对华小栓的那份儿心。
其实苑国钟父子感情的这条线和《药》几乎是完全一样的，苑江淼，苑国钟的独子，患有痨病。而苑国钟为了给儿子治病可谓家徒四壁，甚至想到用“人血窝头”这样的偏方来给儿子治病。但是作品主线的剧情又是完全不同的，鲁迅先生小说中的人血是革命党人的鲜血，而民众却不能理解革命党人的鲜血为谁而流，是感慨这种悲哀，社会的悲哀，愚民的悲哀。而《窝头会馆》里的鲜血，是苑国钟自己的血，是一个原本无欲无求做点小本买卖只求能踏踏实实过日子却被这个社会、被“保长”肖启山和他儿子肖鹏达逼上绝路的本分、本有良心却因一时贪念昧了良心、痛恨革命党却期待革命甚至支持革命的等待被救赎的小贩的血，是一个深深爱着儿子的父亲的血。
苑国钟死了。当经历了人生的一切艰难与绝望，他甚至想要死，但是他不能。可是最后，他还是为了保护自己的儿子，在一阵混战中被肖鹏达的乱枪所伤，最后死在了死在黎明前，死在新生儿的啼哭里。故事发生在1948年冬天的北京，苑国钟的命运被笼罩在新中国到来前最后的黑暗里。
无论何时何地忘不了的耍贫逗闷子歇后语张口即来，身上带着胡同窜子的气息，是个标准的北京爷们儿。他明知同屋的韩先生是共党但吃尽苦头也不承认，这是仗义；韩先生死后他明明可以独吞那一大笔经费却天天跑到联络站渴望找到经费的接收人，这是厚道；出租自己的房本靠租度日却在邻居们家家吃不起饭的时候无奈的免了房租，这是局气，是北京爷们儿的担当；该忍忍，该耸耸，不怕保长肖启山，你说这牛不牛逼？在肖启山欺压邻里的时候敢于当面奚落，算不算有面儿！
其实我第二个比较喜欢的人物是田翠兰，她乐观、护犊儿，热心肠、不肯吃亏，刀子嘴豆腐心，特别典型的北京大妈的形象。
谁家的事儿她都管，谁家的忙她都帮。我印象特深就是整个“窝头会馆”的人都害怕患有痨病的苑江淼担心自己被传染, 而田翠兰不但把自己家做炒肝的煤借给穷困潦倒烧不起炉子的的苑家父子还让苑江淼来自己家搭伙吃饭，在苑家父子闹矛盾不说话的时候又主动从中调和，是一个特别热心的大妈形象。她泼辣，果敢，护犊儿，却不被她当作儿子看的女婿关福斗所理解，觉得她用身体换房租的方式很可耻很丢人，于是在作品的最后苑国钟意味深长的说了这样一段话：
“你明白个屁！你明白……你丈母娘是什么人你都没弄明白！你还明白？乡下闹瘟病她一家儿死了九口儿，她抱着八个月的闺女要饭要不着，找个旮旯铺了块烂炕席，躺在上边儿卖自个儿的肉……你明白吗？ 你老丈人把她领回来， 两口子踏踏实实折腾小买卖儿……她看见小淼子饿得嗷嗷叫唤，明知道我儿子是童子癆，搂怀里就让孩子叼她的奶头儿……你明白吗？我抱着我儿子在胡同里走，任谁都躲得远远儿的呀！她也想躲，可她看着孩子挨饿她心疼……就算我这院子烂透了，你丈母娘她没烂！她嘴皮子不饶人，可她心眼儿敞亮……她仁义！ ”
必须承认田翠兰这个角色在《窝头会馆》 中占据了非常重要的作用，无论是编剧刘恒对这个角色的刻画还是后来宋丹丹在北京人艺舞台上对这个人物的阐释都是完美的，绝对的点睛之笔。她泼辣但不是尖酸刻薄，她强势但是同样软弱。她想一心一意踏踏实实做点小生意安然度日，但是社会逼迫着她们去做自己不想做的事。
其实一直蛮奇怪的就是那么多和“京味”沾边的作品中，绝大多数作者和导演都把故事背景设置在了南城。每次看《窝头会馆》的时候都有一种在老舍先生《龙须沟》里似曾相识的东西，如逢年过节街坊邻居串门般的感受，更加确信《窝头会馆》的创作曾受到《龙须沟》的影响。其实现有京味话剧难免都会受到老舍先生的影响吧，北京人艺这些年着力打造了一系列京味话剧比如何冀平的《天下第一楼》，比如《王府井》，却总将故事发生的北京放在那个特定的年代，一味效仿外缺少了现代京味的传统。这与北京文化的缺失密切相关。如果说我们90后还勉强能看懂老舍先生的戏，能感受到过去那个原汁原味的北京城，那么现在的孩子可能真的没有我们这样的运气了。在外来文化逐渐吞噬本土文化的今日，北京文化又将何去何从，多年后缺少了观众的京味话剧会不会就此沉落，值得深思。
这部戏艺术特色与刘恒一贯的风格相符合，一如其在电视剧《贫嘴张大民》中的表现，用精彩的语言逗乐全场，又以犀利的话语征服观众；用情节暗示剧情，用剧情感动所有人。尤其是那些俏皮话用得特别妙，让观众在笑声背后又感受到了深深的悲哀。在我看来，那既是戏中人物命运的悲哀、社会的悲哀，也是今日文化没落的悲哀。回复赞
Lv5舞台剧《藏海花》——张家人物篇皮卡QLv52019-02-20
童年张起灵——天之骄子，众人敬仰的“圣婴”，有那么点古灵精怪，有那么点小顽皮，但是很善良，满满的正义感，会惩罚族中那些欺善怕恶的小混混。还会官方吐槽，“啊呀，谁挖的那么多坑呀！”😂😂
少年张起灵——初时的乖巧懂事，为了做好张家的十年大祭，紧张的不断的偷偷练习，生怕出什么纰漏。不失少年的活泼，又有着承担大任时的稳重。而后真相大白时的打击，迷茫，“我到底是谁？！”一朝天之骄子，一夕沦为血统不纯的“小杂种”，从锦衣玉食，众星捧月，到衣衫褴褛，捡拾剩食勉强果腹，一天一地的变化，年少的他，没有机会选择，只能被动承受。幸好后来遇到了养父张也成，如父如友般的照顾和陪伴，让他又恢复了少年人的活泼。张秃子，小黄鸡，黑色连帽衫，这些记忆深处的人和事，即使过了再久，即使记忆模糊了，缺失了，但是这些牢牢刻在心里的东西是永远不会忘记的。
青年张起灵——本是天真无邪少年郎，怎奈何造化弄人，一朝成为起灵人，无悲无喜，没有过去，没有未来，活着，只是为了使命。
生父张拂林——“勇士”，一勇，身手不凡，能从“阎王”手中救下藏族少女白玛，足见其身手了得，并且能和“阎王”相斗，也算是勇气可嘉！二勇，“勇敢爱”，为了真爱不惜冒大不韪，违反张家族规和外族通婚。“好父亲”，为了孩子，一命换一命，不惜牺牲自己。
养父张也成——张家的“逍遥散人”，没有过多的野心，始终处于权利核心之外；也不像其他张家人那样对长生有什么执念，过着自己的小日子。身为一剑的师兄，身手了得，但并不像一剑那般冷血无情，从他奉命捉拿张拂林，但看在襁褓中年幼的孩子时，心软，故意放了张拂林父子一条生路，就可以看出他的心善。虽然和张拂林只有一面之缘，但是张拂林临死前托孤于他，他还是答应了。后来在张起灵落难的时候，收留他，照顾他，待他如父如友，一边斗嘴，一边又给他做饭缝衣，照顾的无微不至。蝎子墓里为了救张起灵，后被误杀，临死前想的也是让张起灵快逃！这一幕算是全剧最虐的一幕了，刷了几遍还是泪目了！😭😭😭
师傅张禁——丹青宗主事，张起灵的师傅。张家的革新派，希望通过变革，带领张家走出困境，有新的发展。对张起灵来说，如师如父，是最敬重的人，也是最怨的人吧。可谓成张禁，败也张禁。危急时刻的一句话，救下了襁褓中的婴儿，并让这个血统不纯的的孩子成了族中人人敬仰敬畏的圣婴。细心，严格的教导着他，不光是教导武功，还教会他为人处事的道理。也是他，在那个孩子站在最高处的时候，狠狠的推了他一把，让他从神坛顶端狠狠的跌落下来，从一个神化了的，传说中活了千年的圣婴，又变回了一个普通人，一个身世不明，血统不正的“小杂种”。小哥被最敬爱，最信任的人利用和欺骗，这怕是最伤心的吧！只是变革注定要付出很多，牺牲很多，“那个孩子长大了会明白他的苦心的”张禁临死前也许如是想吧……（可惜这些话他再也没有机会亲口对那个孩子说了）😭😭
大长老——张家的保守派或者可称为“维稳派”，面对张家的内忧外患，始终如同他手中的权杖那般屹立不倒，不管做出什么决定，都是以张家的稳定为终极目标。不管是把一个血统不纯的孩子立为“圣婴”；还是在发生家变的时候，先假意迎合政变者，后来绝地的反杀，瞬间扭转战况，平息一场可能会使张家分崩离析的变故；又或是后来选中小哥作为新一代的起灵人。他所展现的忍辱负重，杀伐果断都是为了保张家千百年来的基业，个人的一时荣辱反而不重要了。
一剑——张家掌权派的执行者，“我只是一把剑”。剑，是没有感情，没有思想的，只是执行持剑人的命令！没有选择，也不需要感情，只要执行命令！（和1.0版相比，3.0版的增加了不少一剑和师兄张也成的互动，一剑的人物塑造方面丰满了许多，那句“我只是一把剑”真的是很戳心的😭😭）
从1.0版~3.0版，《藏海花》的剧情不变，但是多处细节有了些许的变化，人物的刻画，塑造也更全面了，每个人物都生动了。唯一可惜的是，少年张起灵和养父张也成的相处过程少许简化了一些，其实蛮喜欢1.0版的时候，张也成哼的那段小曲，也成和二妮的故事，也成爸爸也是一个有故事的人呢。回复5赞
Lv5《恋爱的犀牛》1999年由先锋戏剧导演孟京辉执导搬上舞台，剧情主要是一个关于爱情的故事，讲一个男人爱上一个女人，为了她做了一个人所能做的一切，剧中的主角马路是别人眼中的偏执狂，如他朋友所说过分夸大一个女人和另一个女人之间的差别，在人人都懂得明智选择的今天，算是人群中的犀牛实属异类。好习惯Lv52018-03-18
导演孟京辉当前亚洲剧坛最具影响力的著名戏剧导演，被誉为中国剧坛神话，是九十年代[先锋]剧场的拓荒者。他以辛辣、幽默、批判的戏剧功力，屡创剧坛奇迹，开创了当代戏剧的新面貌，为中国戏剧舞台多元化的新局面注入了活力。他那独具个性的创造力以及多元化的艺术风格，已经成为一种值得瞩目的文化现象。
代表作：舞台剧【思凡】、【一个无政府主义者的意外死亡】、【百年孤独】、【恋爱的犀牛】、【臭虫】、【关于爱情归宿的最新观念】、【镜花水月】、【艳遇】、【两只狗的生活意见】、【爱比死更冷酷】、【空中花园谋杀案】、【堂吉诃德】、【三个橘子的爱情】、【柔软】、【蝴蝶变形记】、【罗密欧&朱丽叶】、【希特勒的肚子】、【初恋】，电影【像鸡毛一样飞】，书籍【孟京辉先锋戏剧档案】。
编剧廖一梅是中国近年来屡创剧坛奇迹的剧作家。1999年由她编剧的【恋爱的犀牛】风靡全国，被誉为“年轻一代的爱情圣经”，是中国小剧场戏剧史上最受欢迎的作品。2003年由她编剧的大型多媒体音乐话剧【琥珀】一经推出便引起轰动，已成为亚洲剧坛的旗帜性作品。她的作品在当代观众和读者中的影响深远而持久，被成千上万的人交口称赞。
代表作：舞台剧【恋爱的犀牛】、【魔山】、【琥珀】、【艳遇】，电影【生死劫】（美国纽约崔贝卡电影节最佳影片金奖）、【像鸡毛一样飞】（香港国际电影节费比西影评人大奖，洛迦诺国际电影节青年评委会特别奖）、【一曲柔情】（美国妇女电影节金奖），小说【悲观主义的花朵】、【魔山】，剧本集【恋爱的犀牛+琥珀】。
看这部话剧主要是因为听说非常经典所以慕名而去，这部1999年首演的孟京辉的先锋剧一直被外界奉为经典。主要功劳在编剧廖一梅身上，据说是她在和孟京辉结婚蜜月后关在屋子里创作出来的。以前看过孟京辉的《我爱XXX》和《两只狗的生活意见》，感觉这些先锋剧需要演员比较全面。不过这类先锋剧有些人觉得晦涩难懂，言归正传讲剧目。（观后感涉及部分剧情，请谨慎阅读！）
故事讲的是性感神秘的女孩明明在年轻人马路面前出现的一瞬间，马路的生活彻底改变了。明明有着不可思议的铁石心肠，无论是鲜花、誓言、还是肉体的亲昵都不能改变，马路做了能作的一切。一次意外的巨奖看来能够使他获得明明，结果只是让他陷入更深的绝望。四处乱窜的推销员“牙刷”为马路找来妙龄女郎红红和莉莉，又导演了一场荒唐闹剧。马路的疯狂使恋爱指导员的理论彻底崩溃，在一个犀牛嚎叫的夜晚马路以爱情的名义将明明绑架……
主要人物：
马路是一个普通的动物园犀牛饲养员，他的视力不好嗅觉非常灵敏。他疯狂的爱上了女邻居明明，但是明明却不爱他。
明明是一个美丽的办公室秘书，是马路的邻居。她很爱自己的艺术家男友陈飞，但是男友对她并不好。
我是第一次看这部话剧，寄来的票的座位有点偏。不过阴差阳错中间座位的人反而不合算，因为烟雾效果出来时当中熏得最厉害。本剧还是传统先锋剧的大量肢体动作，还有排比句般犹如诗朗诵一样的台词。另外穿插了歌舞寓言，以及有点荤的笑话。
本剧我看下来觉得讲的是一个一厢情愿的爱情故事，《恋爱的犀牛》这个名字是隐喻那些爱情盲目的像视力差的犀牛一样的人。剧中虽然穿插了很多为了暗喻或者迎合观众的搞笑桥段，但是故事本身依旧是个悲剧。马路竭尽所能的去爱明明，可惜落花有意流水无情。正所谓强扭的瓜不甜，就像明明爱男友陈飞的那种热脸贴冷屁股式的感情一样属于苦瓜型。
我认为两情相悦比一厢情愿更靠谱，爱一个人如果卑微到尘埃里也未必换的来幸福。当年张爱玲等到胡兰成离婚和自己在一起了，以为自己的爱情就像从尘埃里开出的花一样有了结果。但是胡兰成那个风流成性的渣男狗改不了吃屎，最终她的爱情还是不得善终。
故事里马路对自己饲养的公犀牛图拉说的那些话，其实都是说给自己听的。马路不肯顺从现实，他忘不了明明就像明明忘不了男友一样。这种无奈和痛苦印证了：“心里有座坟，住着未亡人”的悲催。如果当初明明不来撩拨一根筋的马路，可能故事就不会发展成悲剧了。
一无所有的马路偏执的去爱明明，让人感动和可怜。我想明明不肯接受他除了自身难以忘怀男友外，也是不想让马路重蹈自己的覆辙。这或许就是马路唱歌弹琴作诗、学了电脑、开车、英语、还中了彩票大奖，可明明还是不接受他的原因。爱情对于马路和明明像空气一样重要，所以那种刻苦铭心的感觉才让他们这样无法自拔痛彻心扉。爱上不该爱的人是一种错，但是他们两个为了爱的人宁愿飞蛾扑火错上加错。这种自虐式的爱情让人唏嘘不已，过于执拗的坚持就像绑在明明身上的绳子一样是害人害己的枷锁。
故事里的大段台词和肢体表演很考验演员的功力，台词很文艺范。配乐方面部分音乐太吵导致听不清台词，那个烟完全没必要那么大。总体来说这部话剧我觉得不错，男主的声线很好。台词中有讽刺搞笑富有哲理的部分，也有浪漫感人触动人心的部分。至于污的部分我估计也是出于商业考量，现在的舞台剧太素容易曲高和寡，太荤容易哗众取宠，尺度上把握起来确实有点难度。
在物欲横流的时代婚姻相亲就像谈判一样，爱情反而成了奢侈品。愿大家都能在对的时间遇到对的那个人，不要因为错爱而为难别人或为难自己。“若错过便各自安好，若相爱便携手到老。”满分10分制我打8.5分，下一次讲电影《比得兔》。2回复4赞
Lv3差点被《二马》甩下车蓝贝Lv32017-12-04
文|蓝贝
谈起中国人的劣根性，大家通常习惯性地想起柏杨和鲁迅，他们都是匕首，敢于说中国文化是酱缸文化，敢于戳破民族的脓疮。 尤其是出国旅游时，如果遇到外国人的歧视，和同胞们令人羞愧的言行，总会想起他们，觉得他们竟然还没过时。也就说，咱们还没长进。
谈起中外文化差异，大家又会想起“脚踏中西文化，评论宇宙文章”的林语堂。反正谁也想不到一向温和的老舍先生，会谈中西文化差异，会向中国民族劣根性开炮。老舍先生虽然也留过洋，可他给人的印象一向是幽默着的，悲悯着的，且民族着的。他写他的北京，写《四世同堂》《骆驼祥子》《茶馆》，写《我这一辈子》《猫城记》《离婚》，可就是这样的老舍，在留洋期间，也写过《老张的哲学》《二马》等书。
而其中的《二马》，就是这样一出描述中英文化差异、不满英国人对中国人的歧视，同时又调侃了中国人的那些劣根性的长篇小说。
如今，方旭导演将老舍先生的小说《二马》 重新编排，搬上了舞台。
《二马》讲的是深受旧中国浸淫的官迷老马，与儿子小马去英国继承哥哥的古玩铺子，在英国，老马与房东太太，小马和房东女儿之间发生的爱情纠葛。当然，爱情是明线，在爱情主线的间隙，处处是对中国人民族劣根性的调侃、自嘲，以及对英国人民族歧视与偏见的控诉。比如老马认为做生意俗气、谈钱俗气、英国人认为中国人都是抽鸦片的、懒惰、脏等等。
故事呢，其实很简单，戏与小说不一样的地方，在于方旭导演的表现方式。
貌似方旭导演很喜欢排老舍先生的戏，而且都是以别具一格的形式。在《二马》之前，我就看过三场，我记得他把《我这一辈子》自导自演成了独角戏，把《猫城记》改成了小品，台上全是纸箱子，到《离婚》，他精简演员，令两位演员交替出演，两名演员反复重复着“恍惚”“诗意”，有意无意的点了戏题。
这次，《二马》的呈现形式，与《离婚》比略有延续，比如，老马不断重复的“俗气”，一如《离婚》中的“恍惚”，作为文化冲突和戏中人与人之间冲突的一种，贯穿戏的始终。
其次，舞台剧《二马》的语言风格，已经不只是老舍原文中的京味儿语言。它刻意让老马保留了老北京的语言习惯，突出表现它是个旧式的中国人。可是，在小马的语言设置上，加入了大量的现代网络元素，有点插科打诨，幽默着针砭时弊的意思。我不确定，方旭导演这样改原著的词儿，是不是一种好的呈现。也许方旭导演觉得原作中的语言，很多离现代观众太远了，所以改掉之后，会令现代的观众觉得更亲切，更有趣。我有注意到身边观众的捧腹，但是我却觉得那是类似于开心麻花式的投机取巧，这是在给观众挠痒痒。还是彼得布鲁克说的吧，“我一旦选定了某个剧本，就严格的忠于编剧，认真研读每一个字，不会随意改动。因为那些字可能看着平淡无奇，其实都含着巨大的能量。”这也是为什么彼得布鲁克说 “如果呈现（方式）与原著不在一个水平上，原作越著名，那最后效果反而会越糟糕。戏剧最重要的是有点燃能量的火花，来建立观众与舞台之间的联系。”的原因。
当然，彼得布鲁克的意思，并非是后人一定要照搬经典，他的意思是，一定要吃透了原著的内涵，再去把那个内涵完完全全的呈现出来。比如很多古老的戏剧，在最初的版本中，连灯光都没有，现代舞台上重排这类戏时，并不是说，一定不要加入灯光等现代元素。关键时对原著内涵的把握。
在这点上，私以为方旭导演对《二马》的内涵的把握是够格的。但是呈现形式，不可以说不大胆。
他把温都太太母女全部换成了男旦演出，甚至让温都太太与老马的感情对手戏中，加入了戏曲元素，耍起了皮黄程式，用京剧中的“做”来演绎二人感情升温的一段，不得不说是创新又有趣。
在舞台呈现上，一组移动的英国旧报纸和一串半悬与半空的英国女帽为背景，手杖、雨伞等形式感极强的道具、都增强了喜剧效果。
此外，每一幕之间，由三位演员走到台前来，对上一幕的故事，来段幽默的点评的表现方式在搞笑之余，增加了戏剧的“陌生化效果”。整出戏，都充满了这种“夹叙夹议”的“打扰”，很轻易的破除了连贯的叙事进程对观众造成的 舞台“幻觉”和移情作用 ，引导观众从刚刚的故事中抽离出来，对舞台上的人物、事件进行理性的审思。可以说，这种表现形式，切实的践行了布莱希特“间离效果”理论。
总体上说，方旭版的《二马》已经算是二次创作。老舍先生的故事，只是一个框架，其表现形式，完全是方旭导演团队的现代性的发挥，想法可以说非常大胆。我看完戏之后，跟小伙伴们讨论，“对于宝爱传统，习惯老派的我来说，方旭导演《二马》这弯儿拐的有点急，差点被甩下车。”可是，回过头想想，也许未来的经典演绎，正需要这样的大胆创新，勇于实践，唯如此，才能走出大师们的光环，推陈出新，继往开来。1回复13赞
Lv5(一)lalalalaLv52017-07-21
南阳刘子骥，高尚士也，闻武陵人误入桃花源之事，欣然规往。未果，寻病终。后遂无问津者。
桃花源的具体地址后世之人或有考究，但桃花源的意象却不断被后人放大和丰富,是乌托邦,是理想家园?若不是《暗恋桃花源》，估计对于刘子骥这个寻找桃花源的践行者和终结者，我们都会毫无印象。今天,在一千七百年后的当代话剧舞台之上被多次提及，反而成了寻找的对象。
不得不感叹赖声川编导的强大和颠覆。《暗恋桃花源》中一静一闹、一悲一喜的两出戏，以戏中戏为我们讲了三段故事。刘子骥从未出场却贯穿始终，就像戈多一样被寻找、被等待。结局却一样，千年之前的他寻桃花源未果，千年之后的我们寻他也一样未果。
或许是因为之前看过92电影版，这次现场看除了孙莉的惊喜外，并没有第一次看时给我的震撼大，但好在它内涵丰富，值得一看再看。这部荒诞与悲情、泪点、笑点全在话剧，第一次看时确实很颠覆和震撼。
看时也纳闷，每次正入戏，为什么那个神秘女子总会喊着刘子骥，她真的见过刘子骥吗？他把江滨柳当成刘子骥，把顺子、保安大叔当成刘子骥，只记得那晚在南阳街上的一晚酸汤面.不禁又问刘子骥真的存在吗,若不存在,神秘女子究竟在寻找的什么?
(二)
两出戏三个故事看过，有疑问有体悟，想必你有他也有，毕竟它关照着你我现实生活，需要我们多角度发问与解读，当然这疑问与体悟也会逐生活阅历，情感认知的丰富而丰富。
《暗恋》里，二十年前，江滨柳信誓旦旦的对云之凡说我们总会相遇。二十年后遇见，病床上的江滨柳无不感慨偌大的上海他们相遇了，小小的台北却把他们难倒了。造化弄人矣。
二十年前，临行前，云给江写了好多信，算着时间送到他家，当时在一起，却想着日后分离，或许这就是一个预兆。只是预想的分离没想过竟然这么漫长。
“我推你出去走走吧”
“我不用，你不用管我”
“我推你出去走走吧”
“你不用管我，让我安静的待会儿”
“我推你出去走走吧”
……
这是江滨柳与江太太日常对话，从他们言语、推拉的撕扯间可知，江一直在拒绝、在逃避。很为这样的女人不值。一个和你生活二十年的男人，你关心他的冷暖，惦记他的吃穿，可他只允许和你的对话停留在生活琐碎之上。他可以和医院护士说说他的云之凡，可以登报找云之凡，却不允许你探究他的内心世界。你再多的关心对他来说都是一种打扰。我不想赞美江与云这段未尽之恋，只是埋怨对家庭、对妻子不负责的江滨柳丈夫。我所理解的婚姻，若没有我喜欢你恰好你也喜欢我的幸运，但最起码两人要在一个对话平台上，真诚以见。在爱情基础上的婚姻谁都想要好，但你却不能因为情人没能成为爱人而拧巴一辈子，谁能保证你的云之凡步入婚姻后不会成为下一个祥林嫂。
《桃花源》中，编剧给人物的命名就将故事大纲敲定。老陶（逃也是桃），一个因为生理缺陷处处受媳妇挤兑、羞辱的男人，势必要逃离风骚多姿的春花（花）与有势利无担当的袁老板（源）间的勾当，被迫冒险去寻救赎。
“时间愉悦的过去了”，黑字白底的横幅飘过，看着老陶在芳草鲜美、落英缤纷的桃花源中悠然生活，我却高兴不起来。那横幅，像上访、像讨债、更像一种控诉，说触目惊心也不为过。
这出《桃花源》吵闹的几乎看不下去，多大的热闹就有多大的悲凉，编剧的强大就在叙事语言的回返往复和前后呼应。找到救赎的老陶回来要带着春花甚至袁老板一起去享受桃花源中的芳草鲜美。却发现，春花和袁老板的家依然鸡飞狗跳，虽然有了孩子，酒盖还是打不开，被子还是那个破被子，而现在又多了被嫌弃的孩子吵闹。而老陶，想回桃花源却已不得。
戏外，残弱的导演一直责怪江滨柳的状态不对，没有世纪孤儿的的那份清冷,云之凡也不是他所想的山茶花一样的姑娘。山茶花到底怎么样？他也不知道。
人生就是徘徊在得不到的痛苦和得到的空虚当中.为得到而追求,可具体追求的是什么，还真难明晰与界定。刘子骥是谁，是那夜在南阳街上和疯女子一块儿吃过酸汤面的某人，是江滨柳的没有和他走进婚姻的云之凡，是老陶的男人威严与自尊，是春花与袁老板的婚外情,是老导演山茶花样的初恋.刘子骥是谁，是戈多，是我们追求的归属、理想、物质、真诚与自由……，如央视记者满街追问“你幸福吗”一样，幸福是什么，如人饮水，令暖自知。刘子骥是谁，问自己。
ps： 有时，我们的三观不明晰。我们能原谅江滨柳长期的心里出轨，甚至遗憾他与云之凡未尽的爱，却鄙视春花与袁老板的偷情，同样是对婚姻不忠贞，为什么一个得到的赞美，一个却遭唾弃。真爱无疑充当了保护伞，婚姻给爱情让了位，但我也想问为什么春花和袁老板之间就不是真爱呢。1回复7赞
Lv2首先想说，这几天单曲循环的，都是这首歌，抚慰心灵，涤荡灵魂。歌词大意“怀有敬畏的想象”，就好像对照呼应着《12个人》故事想要告诉我们的，“保持合理的怀疑”......站内采购Lv22023-05-13
上话舞台版《十二个人》，带给观众的冲击力、带给观众的自省思考，是我看一遍就爱上且决定n刷的不二理由！上话版《十二个人》其严密的逻辑性，完全符合我所喜欢的1957年美国版黑白电影《十二怒汉》。剧场版相较于电影版本，最大的优势，就是演员更能直观饱满地呈现“怒”的成分，作为观众更能近距离沉浸式地体会、接收到“陪审员”“怒”的成分！尤其是严丝合缝、卡点精准的舞台走位，掷地有声、句句扣击心海灵魂、字字敲醒内心公正与勇气与生命尊严的台词设计与节奏！
很荣幸，这场近2小时唇枪舌剑、鏖战群雄、酣畅淋漓的激辩，不仅于法律理念输出上引人深思，在层层递进、扣人心弦地抛出关于人性与社会等严肃而沉重的话题上，更是“不留情面”，发人深省。
舞台上，十二个“陪审员”
舞台下，无数个“旁听者”
我们跨时空于平行世界里
扪心自问，又彼此聆听拷问
......
P.S.此repo可能涉及细节或剧透
【先说见面会】
下午一个半小时的主创见面会，是我参加为数不多的与观众互动性、观众参与感最强的以及我作为观众能从导演及演员的陈述与分享中收获最多的一次体验。尤其是两位很是专业见地的观众围绕“主创是否需要听取观众反馈”辩题开展的长时间的各抒己见与唇枪舌剑，贺坪老师特意调整座位到舞台前方更能听清观众所讲的内容，甚至还蹲下来俯身倾听，很是耿直可爱～从这里开始到接下来最后的提问环节，导演和三位陪审员都给到了很多很多自己的想法、感受与建议。认真营业，极其恳切～
其中有位观众还是2011年看过《12个人》的老观众，令我有敬佩有羡慕！希望我这些年看的戏，未来的十年，二十年，三十年，甚至更长的时间里，还能再会遇见～
主创见面会一开始还有个环节挺有意思，在三位演员们介绍自己饰演角色后再补充说下自己现实生活中性格特征等各方面最贴近剧中的哪位陪审团成员？5号陪审员“周纪萌”觉得自己生活中更像12号，对任何东西都抱有想象力和想法，冷静做出最后判断；6号陪审员郭林觉得自己更像11号，儒雅内敛不张扬；8号陪审员贺坪觉得自己更介于4、11号陪审员之间，理性将究逻辑；原来此次复排导演徐紫东以前也是饰演2号陪审员的，不太会表达和梳理自己想要表达的内容，有点羞怯和社交恐惧症(果然是摩羯座，嘻嘻～)
而问到四位老师最喜欢美版电影、俄罗斯版电影、英国舞台剧、日本版、上话版等等哪个版本时，贺老师毫不犹豫地说眼前这版～哈哈哈哈，每次演都是最好的呢～ 嗯，贺ls说得很对，看话剧，认准“上海话剧艺术中心”！上话YYDS～
【首刷前后】
12个人，1个密闭空间；没有一个人是坏人，反复说着同一个案件，随着怀疑与争论焦点的轮番夹攻，观众毫无厌倦逆反心理，皆是“越听越要听，越听越着迷”。“戏剧，不是一个答案，是一把钥匙”(下午分享会接近尾声时主持人说到的一句话，出自哪位老师已不记得，原话大意如此)——每个观众从每个陪审员身上get并解读出不同的人性感悟与自我反思，大概是这部原著不断被翻新演练和这出戏剧上演十余年经久不衰、历久弥新的密钥所在吧～
看过好几遍具有超越时代意义的、被称为“伟大的辩证推理片”的1957年版黑白《十二怒汉》，对亨利·方达印象深刻；国内翻拍《十二公民》也在上映不久后刷过一遍，对何冰与韩童生老师的表演最是喜欢。u1s1，这是第一次看舞台改编版，所以大多精力都关注在了演员台词和走位、剧情延展和推进相较电影版有何相似或区别之处了，故而不能面面俱到细致入微地观察到瞥见每一位或在聚光灯下或在墙角落里的陪审员的微表情和肢体形态！而恰恰，面目情态、肢体动态，是上话演员们最扎实的功底与手法之一，也是《12个人》这出戏剧一览无余全程高压暴露在观众视野里最精妙绝伦之处！果然，《12个人》亦是一出值得n刷的戏剧！！！
【舞美】
极简的舞台风格，便于观众沉浸于案件本身。灰色转头砌垒的三面墙，肃冷阴森，舞台正前方刻进墙里的排风扇(复排导演说，舞美这里的风扇位置比之前降低了一些)，两边12把椅子，头顶6盏吊灯，似乎也在静静等候陪审团的裁决。
P.S.唯一的遗憾，就是“陪审员坐席”离舞台前沿还有一段，以致于我为了看清演员们的面部表情和具体到手部动作被情绪所带动的细微之处，必须拿起手中的望远镜...... 而且，陪审员讨论刚开始讨论时，是十二人围坐一圈，故而7、8、9号陪审员是完全背对着观众的，而且从每个视角看过去，演员之间又都是相互有遮挡；另一方面，上话演员台词功底扎实稳健，声音洪亮、字正腔圆，舞台上都是不戴麦直接靠原声力量传达到观众耳朵里的，但是此时这样的座位，从视觉与听觉上似乎于观众“不太友好”
【灯光】
灯光好像只变换过两次，一次，12陪审员开席后光线从尚显昏暗微弱到完全高光敞亮，直到最后一位“自视甚高”的陪审员终于投出了“无罪”一票、12陪审员依次拿上随身物品离开“囚禁”他们几小时许久的混沌空间，灯光又逐渐调案，至首席陪审员最后一个，关灯，消逝与观众视线......
【道具】
除了凳子和风扇，还有凶器弹簧刀，小男孩和那位目击者证人老爷爷的家所在楼房的房屋平面图，7号陪审员自带的喊加油喇叭，给陪审团成员准备的水，陪审员自带的口香糖和润喉糖
P.S.一个略显空旷的“讨论室”舞台，只容纳了十二把木质椅子，倒是很符合“一个巨大的、散发木质香味的法庭”的原始素材
【声音】
开篇法官交代这出戏剧背景案件情况的画外音，陪审团开始讨论后门被从外面锁上的锁链画外音，贯穿全场的惊雷轰鸣声，以及后半段局势明显开始倒戈“无罪”后窗外突降急雨声(9号脱去西装外套后开始下雨)......
P.S.再次夸赞一下上话演员的台词功底与舞台表现力！无论是几近歇斯底里的怒吼和叫嚣，还是嗔怪牢骚的私语，清晰咬字的声音都是直接送达到耳朵里的，清晰线索的争辩是有理有据有节的，从陪审员端输出到观众端口的输入，显有信息主观能动“过滤”而造成的意外“损耗”
【动作】
当12陪审员先后紧凑地从后台走上来，隔着一定距离的观众是很难看清他们的脸，更不用说透过长相来区分每一号陪审员了(后续倒是可以从发色、马甲等等区分)。于是，透过台词语气与表情动作，12个人各自的职业与性格等等，立即鲜活分明起来！有了动作的加持支撑，演员的情绪&人物形象更立体、更外显，观众也能读懂12个陪审员为何会有当下如此的既定判断、思维方式与言语出入；再由此观赏其中11人如何一点点扭转自己的成见与偏见
e.g.“假设他有罪呢？”——在一开始只有8号持有“无罪”的合理怀疑时，6号对8号警醒说到，这对8号是始料未及的......下午贺坪老师提到他最喜欢这句台词时有说他在这儿特地做了点动作上的变化已表示情绪的突变，于是晚上我很小心留意——贺老师有个手拽小马甲的猝不及防紧张的肢体语言动作和不知所措震慑的面部表情，但马上又恢复理性勇敢的镇定
e.g.8号利用激将法“挑逗”2号于义愤填膺之下脱口而出“我要杀了你”，这段几乎是3号与8号之间第一番1v1对手戏，在拿刀手势的带动下，情绪爆发与收缩的节奏感，极棒～
【剧本】
关于原始剧本故事Twelve Angry Men，是根据编剧雷基纳德•罗斯(Reginald Rose)的亲身经历改编而成，探讨"合理怀疑"、"疑罪从无"等法律理念。正如贺坪老师在主创见面分享会上说的：虽是国外的原剧本，但我们国内观众在理解上不会有丝毫障碍，因为情感是相通的，无非是语言顺序和俚语等的调整与寻找。复排导演徐紫东也提到，每个人都是一件乐器，他们在舞台上就是一曲交响乐，关键是演员在舞台上的动作以及对谁说话的对象；找到台词的节奏和韵律，当然也会有现场创作。
其实整出戏看下来，轮番提出“合理的怀疑”的着落点与借力打力点，果真和我看过的黑白电影版所差无二，甚至可以说还原度极高！e.g.“打巴掌”与“揍”用词上的区别，凶器折叠刀的诸多疑点，“我要杀了你”这句常见的情绪宣泄语究竟在此案中有何意义，跛脚老头下床走到门口的时间与证词真伪，对街老妇人近视眼与穿着打扮习惯对证词可信度的影响，以及小孩在高度紧张施压情况下遗忘不在场证明的可能性，等等
在细节本土化方面，加入了：陪审员的女儿得了腮腺炎脸肿的像个胖头鱼；同时，剧本也保留了许多原剧作梗：爆米花广告词，热天气感冒，7号催着大家达成一致为了自己能去看球赛，回忆球队比赛那天突遭暴雨......
P.S.只是结尾，“执拗”了整场的3号，就被8号一句“这不是你的孩子”如此简单的陈述句，瞬间扭转观点看法而转投“无罪”？内心的释怀波动、思想的最后挣扎，有点简略、仓促了
【空间走位】
①“12陪审员”一上台先自动按照讨论室里左右两边凳子的摆位分成两列就坐，然后在首席陪审员的指挥下大家拿着凳子围城圆圈坐下；
②再到“有罪”vs“无罪”剑拔弩张硝烟四起之后，之前的“圆”逐渐破圈、慢慢无意有意间被彻底打破；
③到了8号陪审员测算出老头目击证词的纰漏、实验从床上起来开门再走到楼梯口大门的预计耗费时间时，凳子的摆位基本沿着舞台前沿而横向平行着；
④再往后，“无罪”反超领先“有罪”，这时陪审员的空间站位已经肉眼可见的左右各自划分为营；
⑤当无罪与有罪有票比例达成9:3时，舞台不自觉地已经形成左右两侧与投票体量相对等的三角形分区站位——左侧，投“有罪”的三人，狭小的一个三角形；右侧，投“无罪”的十一人，庞大的一个近似等边三角形，与左侧三角形的顶点对立，又随时准备将其倾吞的架势
⑥最后，只剩3号在左侧区域内坐定挣扎，等待着被8号说服......
【时间把控】
近两个小时，演员几乎不停歇地表演，中间也没有黑灯换景转场，这对演员体力该是不小的考验吧～ 演员之间相互默契配合，对音调音量和频率节奏的把握与调配，是我觉得很舒服的，尤其这般高强度脑力轮转的情况下(对第一次看这个故事的观众来说，更加烧脑)，能一直紧紧跟着陪审团成员的辩证法和逻辑思维走，不迷糊，不掉队、不觉累！
即便在“陪审员”没有台词的情况下，缩在墙边的椅子上或背对观众，或杵在“房间里”最远离观众视野的不起眼角落，也有各自在平复情绪、酝酿言语、理清思路或通过身体语言传递着什么
【陪审员席】
「Death is on their minds,
Life is in their hands.」
本案中已有一人身亡
另一个人的生死掌握在另外十二个
素未谋面、平凡普通、生活不同、阅历不一
的“陪审员”手里，看似已成定局的“判决”
还有何可讨论之处呢？
就因为1/12的异议？
他们凭什么决断一个人的生死呢？
是谁又凭什么赋予他们身杀大权？
「讲理」的过程就这么开始了——
1号陪审员 程子铭 饰演
职业：高中体育老师。从他例举球队比赛经历不难揣测，他似乎“惧怕”支持“无罪”者反败为胜
2号陪审员 司琨 饰演
没有自己想法，不太会表达和梳理自己想要表达的内容，有点羞怯和社交恐惧症
3号陪审员 王衡 饰演
暴躁的光头，其实本性不坏，也很清楚自己作为陪审团成员肩负的职责。但是就因为有个叛逆的儿子，为他付出一切，却得不到理应有的回报，恨铁不成钢的父亲，便有把气撒在案件中这个孩子身上的嫌疑。最后，是8号的一句“这不是你的孩子”，让他瞬间清醒
4号陪审员 王也农 饰演
职业：股票分析师。十二人中唯一戴眼镜的。条理清晰，逻辑性强；讲究证据，能理性分析双方证词
5号陪审员 周纪萌 饰演
职业：医生。和案件里的小男孩一样，从小在贫民窟长大。他看似文弱书生，彬彬有礼，是精神上的贵族，经常帮助别人，却在讨论过程中数次左右摇摆。撸起袖子耍刀确实蛮帅～
6号陪审员 郭林 饰演
蓝领工人，粉刷匠，为人老老实实，勤勤恳恳。他的一句反诘“假设他有罪呢？”敲打了8号，却没有动摇8号对合理怀疑的坚持，反之愈发勇敢、公正地求真
7号陪审员 吕游 饰演
吕游老师我真的也很爱了！目前看过《无人生还》《12个人》，“小红毛”吕游老师都是沉重凝固氛围里不经意间的色彩调节器，活泼而夸张，无理亦搞笑。不过这次七号后面的表现确实有点墙头草了，转投“无罪”并非出于真心
8号陪审员 贺坪 饰演
职业：建筑师。又高又瘦又帅～ 身上具有最难能可贵的、于生命中不可或缺、必不可少的“质疑精神”。一直忍受着其他人的冷嘲热讽，不解讥笑；在其他人眼里是“像传教士一样的家伙”，擅长软式推销。开始有点拘谨，后面完全放开了，会使计谋、做实验，等等。其实他只是永远站在最客观公正冷静且不偏不倚的角度，从孩子当事人的角度，从生命至高无上不可轻易剥夺的角度，去辩证推理与思考！即使巧合，那也是有可能的
说实话，舞台上戏剧张力与表现力，我是更喜欢贺坪老师饰演的8号的～电影里的8号或许还有些自我迟疑、片刻空白，但舞台上的8号自始至终展示给我的就是一股基于公平公正、理性合理怀疑基础上的“勇往直前”的冲劲儿！尽管他也有沉默、停顿，但我能透过他背对观众时背影的挺立或抽动，能感受到他绞尽脑汁、永不放弃的源源不断的力量
9号陪审员 杨宝龙 饰演
老绅士，第一个改认为男孩“无罪”的陪审员
10号陪审员 刘春峰 饰演
对出身于贫民窟的人，偏见、成见、歧视与恶意最多
11号陪审员 赵胜胜 饰演
职业：钟表匠。儒雅，内敛，不张扬
12号陪审员 何吉米 饰演
对任何东西都抱有想象力和想法，冷静做出最后判断
P.S.以上人物画像凭借记忆与部分演员阐述。因第一次看剧，不少情节碎片和人脸对不上号，所以无法详尽填充
【喜欢的台词】
别忘了我们到这里来是肩负着一个沉重的责任的
——3号陪审员
假设他有罪呢？
——6号陪审员对8号陪审员说
送孩子上电椅的证词必须非常准确
无论走到哪里，偏见总是掩盖真相
没有什么东西是肯定的，有的时候在你面前发光的事实它是错的
——8号陪审员
我不必效忠于任何一边，我只是提出了我的疑问
他是哪种孩子和事实真相无关
——11号陪审员
【旁听后的感悟】
《十二个人》的主旨内核，就是“打破偏见”，保持“合理的怀疑”！他们有意见分歧，只是他们身为“普通人”原本有较大差异性的成长经历、人生阅历与生活轨迹和境遇所造成的；即便他们曾经一口认定小男孩“有罪”，也并不等同于他们就是“虐待狂”或“公众复仇者”......民主社会建设，合理的怀疑在司法制度内是最宝贵的！但我们基于刻板印象与偏见成见匆忙盖棺定论，亦不能掺杂自己的私人恩怨或以泄私愤为目的......
生命不是儿戏，不能任由某一群体或有失偏颇的社会大众，肆意玩弄、践踏；当我们存有疑虑，必须勇敢站出来，抽丝剥茧，无惧过程坎坷惊险，直至人性、公平、正义之真相！而不是沦为缄默不言、见风使舵、随波逐流之“路人”、“看客”、“帮凶”......
那么，问题就来了——
我们如何打破自身信息壁垒、冲破自我身份局限、跳出自我偏见桎梏，挣脱自我认知牢笼，做到不遗忘良知的「理性」「客观」「公正」，即使需要站在利益对立面......
我们如何无视世人嗤之以鼻、无畏沿途孤立无援、屏蔽众人冷嘲热讽、淡定周遭落井下石，不弃任何可能性的「坚定」「信仰」「勇气」，纵使凭一己之力换回真相......
倘若我们人人、时时
保持对生命最基本的尊重与敬畏
保持对自己最谦卑的谨慎与修行
结尾，一致“无罪”达成，
可这并不是摇旗呐喊的呼号胜利
或许，只是新一轮战役的开端......
和谐共存，必须「讲理」！
人无完人，与君「共勉」！回复赞
Lv2第一次看推理类的话剧，虽然很多人说《谋杀启事》舞台只有一个且没有什么变化，但是整体还是感觉不错的，而且阿加莎的作品就是喜欢把所有角色放在一个特定空间里面，来展开剧情，比如说《尼罗河上的惨案》就是发生在一条船上的故事。主角的名字都比较长，并且一下子出现的人物太多，所以有点难记，在这里简单理一下人物关系和剧情发展。【含剧透】不懂的不懂小姐Lv22023-05-11
人物关系：
兰德尔•戈德勒——去世且留下百万遗产的银行家
蓓尔•戈德勒——银行家的妻子，第一继承人
索尼娅•法布里肯特——兰德尔•戈德勒的妹妹
亚历克斯•法布里肯特——索尼娅•法布里肯特的丈夫
皮普•法布里肯特——索尼娅•法布里肯特与亚历克斯•法布里肯特的孩子
艾玛•法布里肯特——索尼娅•法布里肯特与亚历克斯•法布里肯特的孩子
马普尔小姐—— 老太太，女侦探
利蒂•布莱克洛克（利蒂）——兰德尔•戈德勒的秘书
夏洛特•布莱克洛克（洛蒂）——利蒂希亚•布莱克洛克的妹妹
朱莉娅•西蒙斯——利蒂•布莱克洛克的侄女
帕特里克•西蒙斯——利蒂•布莱克洛克的侄子
邦尼——利蒂•布莱克洛克的同学好友，第二个被杀的人
菲利帕——暂居于利蒂希亚•布莱克洛克家中，未婚妈妈，有个儿子，老公死在战场，但其实是个逃兵
爱德华——菲利帕•海默斯的儿子
米琪——利蒂•布莱克洛克的厨师，第三个被杀者
德莫特•克拉多克——警督
鲁迪•谢尔兹——酒店服务生，第一个被谋杀者
斯威腾汉姆太太（萨迪）——那个穿豹纹的女人，经常来女主家做客
埃德蒙•斯威腾汉姆——斯威腾汉姆太太的儿子，债台高筑的作家，剧中与菲利帕偷情
谜底
利蒂•布莱克洛克（利蒂）——夏洛特•布莱克洛克（洛蒂）
朱莉娅•西蒙斯——艾玛•法布里肯特（艾玛•梅斯菲尔德）
菲利帕•海默斯——皮普•法布里肯特
话剧第一幕就是女主利蒂和侄子侄女还有好友邦尼在一起喝茶看报，然后邦尼在报纸上面看到一则谋杀启事，说当晚六点半在小围场有人会被杀，大家都很紧张。
晚上六点半前，利蒂、邦尼、侄子P和侄女J、斯威腾汉姆太太及作家儿子、菲利帕、厨师米琪这八个人都在的时候，突然就停电了，出现了一个男人，打开了手电，开了三枪，然后侄子打开了煤油灯，发现死了一个人，后来老太太马普尔小姐就出现了，警察也来调查了，然后开始对每个人物都展开调查，在场每个人都讲述了自己被手电照亮的一瞬间做了什么，然而他们走之后，老太太说了一句如果在黑暗的情况下，手电照亮一个人的时候，这个人是什么都看不到的，这里还埋下了两个坑，
一就是邦尼说米琪很喜欢偷东西，比如橱柜里六个碗现在剩了五个，这时候女主前来阻止他们的争吵；二是邦尼说菲利帕也丢了东西，但是菲利帕不愿意说是什么。
在警察与老太太、女主的对话中了解到，有个白手起家的银行家，利蒂做他的秘书做了很久，他死后留下了百万遗产，遗产的第一继承人是老婆蓓尔，但是现在蓓尔的身体也不好了，所以【分类讨论】
1. 如果蓓尔先去世，第二继承人是：利蒂；进而，如果利蒂也去世，那么继承人是：侄子P侄女J
2. 如果利蒂先去世，不过蓓尔身体也不好了去世了，那么第二继承人是：银行家的妹妹，不过银行家的妹妹索尼娅下落不明，所以会由两个孩子皮普和艾玛继承
这里，女主不是很愿意提起遗嘱的事情，不停在说和谋杀无关。只是说她认识第一个被杀的人鲁迪，鲁迪的父亲在瑞士有家旅馆，他父亲生病他无法回瑞士，找女主借钱，女主没有借给他，警察猜测这可能是鲁迪想来杀女主的原因，不过女主躲过一劫。
警察试图去寻找索尼娅以及她的两个孩子皮普和艾玛，但是音讯全无，连照片都没有。
接下来发现其实这里面每一个人都有自己的秘密一，观众站在上帝视角去观看。
先是邦尼和老太太在聊天中发现了中间的门可以被打开，且穿过来可以到第一个门，然后菲利帕和一个男人偷情。
老太太送来的花摆在桌子上，但是因为没有水了，都枯萎了。
桌子上的灯被换掉了，换来的灯线路老化都露出了铜丝。
第二天是邦尼的生日，但是在生日蛋糕上来之后，因为邦尼头痛吃了女主的阿司匹林之后就死掉了，警察又来了，然后说这肯定是杀女主的，然而女主又躲过了一劫，因为毒药藏在了女主床头的阿司匹林里面。
这时候，更多的秘密被揭开，女主利蒂和妹妹夏洛特的通信被警察和老太太读，他们发现夏洛特被女主安排去瑞士治病，使用的是X疗法，治好之后又肺炎死了；银行家的妹妹索菲亚是一个很爱发脾气，很黑的女人，她很喜欢攥拳头，等等，最后有这些特点的人其实是厨师米琪，警察和老太太赶紧去找米琪，然而此时米琪从中间的门出来，偷偷摸摸不知道在干吗，但是突然厨房的门开了，米琪不小心看到了什么，然后就被杀了，到这里，第三个人被杀。
后来更多的秘密暴露，侄子P和侄女J突然在台上房间争吵，接吻！
女主突然收到一封来自侄女J的信，发现住在家里的侄女J根本不是本人，把侄子叫来后，发现其实这个女人居然就是艾玛，真正的侄女和艾玛因为一些原因交换了身份。
大家开始猜测皮普是谁的时候，一开始以为是那个债台高筑的作家，但是他说不是，他妈也说他不是，因为其实皮普是个女人，就是菲利帕。
这时候很明显皮普和艾玛很有作案动机，如果他们杀了女主就可以继承财产了，而且枪正是皮普的丈夫的枪，且上面有作家的指纹。所以警察怀疑是作家，作家打了警察逃跑。
这时候大家发现老太太不见了，在房间只有女主一个人的时候，中间的门传来声音，老太太出来了，开始进行柯南一般的推理：
她说信中的X治疗方法是治疗大脖子病的，然而大脖子病好了怎么会肺炎又死了呢，所以其实现在活着的是妹妹夏洛特，肺炎死了的是姐姐，而姐姐死后，妹妹顶替了姐姐。
原本没有人知道，然而鲁迪（第一个被杀者）偏偏发现了，他以此威胁女主向女主要钱，女主说刊登启事，让鲁迪六点半过来，鲁迪出现的时候，女主往裸露的灯的线路上面泼了花瓶里面的水，房间因短路而全黑，女主穿过中间的门将鲁迪杀死。原本应该就此结束女主安全了。
[这就是为什么花瓶里面的水没有了，桌子上的灯被换掉了]
不过她的好友邦尼总是叫错她的名字，她因为害怕被发现所以也将邦尼杀害。
米琪因为一个人在房间的时候，看到了女主在厨房做什么被杀害了。【这里我没有太明白她具体看到了什么，只记得米琪说了一句“你不该在这里”就被杀掉了】
推理完之后，女主想杀老太太，但是警察突然出现，所有人突然出现。女主说对方没有证据，然而那个X治疗法会留下一些小疤痕，而这就是为什么女主永远都不摘下珍珠项链的原因，因为疤痕藏在珍珠项链的下面。
最后女主承认犯下的一切。
老太太最后说：生性懦弱而又心地善良的人往往最容易背信弃义。一旦他们对生活抱有怨恨，他们原有的一点儿道德力量便会被怨恨消耗殆尽。
这个人其实就是夏洛特，她先是被大脖子病折磨的不成样子，然后姐姐鼓励她帮助她，但是治疗的过程又非常痛苦，在夏洛特病好后，姐姐又得了肺炎而死，她不明白为何不幸总是降临在她的身上，当她发现巨额遗产的时候，她以姐姐的身份重新出现，她生性软弱，但是心地善良，她收留侄子侄女两个人住在自己家里，又帮助菲利帕抚养她的儿子，当她发现自己的身份受到威胁的时候，毫不犹豫地杀死了三个人，其中一个还是自己最好的朋友。这是一个和弱者有关的故事。
剧中，观众都是参与者，作者并没有一开始就让观众们站在上帝视角去看清凶手是谁，而是把故事演的扑朔迷离，而秘密一层层揭开。阿加莎的作品的推理方式，主要依靠逻辑推理，很少采用科学和证据的方式来揭示一些线索，这也可能是因为阿加莎生活的年代，科学用在侦查犯罪上的还太少吧，不能和现在的年代对比。回复赞
Lv5建议大家提前关注Gucci的微信公众号，上面有深度导览，做好观展前功课有利于更好理解展品噢！#11月最佳现场#AlexiaLv52018-11-07
以下搬运自古驰公众号：
这个展览一共有 17 个房间，首先，你会走进一个很多文字的通道，在这里，策展人莫瑞吉奥·卡特兰说明了他对“复制即创造”这个主题的九个面向思考。
走入一个迷幻的粉色通道，前方是更迷幻的蓝色，这是第一个房间，这件作品叫《粉-蓝》，是来自艺术家卡普瓦妮·基万 ( Kapwani Kiwanga ) 的作品，要探讨的是空间与生命的关系。
据称这个粉色环境会减缓心跳、脉搏及呼吸速率，具有缓解攻击行为的效果。而前方的蓝色荧光灯，近来大多装设于公共空间，目的在于降低血管的可见度，从而减少静脉注射药物的行为。
艺术家透过这个空间作品，想邀请我们思考其人与空间的社会含义。
第二个房间犹如家庭手工小作坊，是米卡·罗腾伯格 ( Mika Rottenberg ) 的装置艺术作品《无鼻知晓》 ( No Nose Knows ) 。一如其大多数作品，聚焦于“生产”，你可以看到小房间里面跟手工业一般摆放的场景，同时还有一支制作过程的视频，但不久之后，这些影像都化作幻觉。
米卡・罗腾伯格以场景化的装置和精妙的叙事塑造了一种新的影像语言，探讨了全球化、生产劳动、经济体系和产品价值之间的因果关系，以及在这个过程中人们的情感联系是如何被改变的。在作品的整体语境下，艺术家重新串联起看似不相关的经济体之间的关系，用纪实元素和虚构手法编制了一个关于全球系统和人类状况的复杂寓言。
第三个房间“永生”将中西方经典雕塑合为一体。徐震收集了中国的无头佛像和全球博物馆中西方无头雕塑的形象，将它们翻制，并在西方雕塑缺失的头部位置上，嫁接了同样无头的来自东方的雕塑。
第四个房间是一个轻松的房间。房间上方的是菲利普·帕雷诺 ( Philippe Parreno ) 的《言语气泡 ( 金色 ) 》( Speech Bubbles ) 。他用了大量对话框式的单色气球漂浮天花板上，覆盖了天花板。气泡里空无字句，却让人感到压抑。一系列的事件在人们眼前展开，将展览参观转变为一个把玩时空界线和观者感官的奇特体验。在不同场地展示时，帕雷诺会将这些气泡设计为不同的颜色。
墙面上的纸箱是何塞·达维拉 ( Jose Dávila ) 的作品《无题》，他挪用了美国艺术家唐纳德·贾德 ( Donald Judd ) 著名的壁挂式雕塑手法，唐纳德·贾德被认为是极简主义运动的主要代表，从上世纪 60 年代中期开始，创作了一系列名为《无题》的壁挂式雕塑，通过克制而有序的重复，构建作品与整体空间之间的对话。
达维拉在此借鉴了贾德的创作手法，通过对形式的加减来处置空间。他没有像贾德那样使用过度抛光的金属材料，而是用了更为朴素且能反映当下日常生活的材料——被废弃的纸箱和苏打水瓶盖。
达维拉的作品在本质上是一种跨学科思维的呈现，提出了一系列材料和视觉上的谜题，在其中，脆弱和抵抗、松弛与紧张、秩序与混乱并存。他通过对经典作品语言的挪用和语境重构，对我们原有的视觉认知方式提出质疑，并以这样的创作致敬那些经典的艺术运动。
走进了一个充满自然植栽的小花园，这是第五号密室。这个花园是名为《困惑》的作品，艺术家约翰·阿姆雷德 ( John Armleder ) 复制了真实的公园一角，他重新打造了 2009 年第五十三届威尼斯双年展期间 罗曼・昂达克 ( Roman Ondak ) 在斯洛伐克国家馆就地创作的现场作品《回路》( Loop ) 。
《回路》高度还原了现实世界的一部分——像是公园的某一处，一条小路两旁充满了绿植、灌木。这种现实与艺术的错位关系是艺术家所关注的。当我们从“艺术空间”的角度去诠释平日习以为常的景象时，我们会看见什么？而阿姆雷德这次所带来的“复制”作品《困惑》，又将这一现实场景置于不同的语境。
这个房间里面还有两个作品，分别是克里斯托弗·威廉姆斯 ( Christopher Williams ) 的轮胎照片，以及绿白条纹天花板嵌板。
更往前走，看见橱窗。2016 年，以拥有纽约市多间艺廊及综合媒体装置而驰名的艺术家玛格丽特·李 ( Margaret Lee ) ，为纽约巴尼百货公司麦迪逊大道及城中区两家旗舰店设计了6组橱窗。这项装置设计命名为《两者兼得》，此次，“艺术家此在”展览将巴尼百货公司 6 组中的一组橱窗挪用至此，并在其中展示了一件 Gucci 的仿毛皮大衣。
第六个房间是策展人莫瑞吉奥·卡特兰的作品《无题》，他特别针对本次展览所构思，以 1:6 的比例再制绘画出西斯廷教堂。
曾传言米开朗基罗离开罗马的原因之一，是因为他不给教宗看他在西斯廷教堂的作品因而惹恼教宗。后来，米开朗基罗的学徒被教宗收买，他便得以步入西斯廷教堂。此后，参观西斯廷教堂的人数便达数百万人，并开始不间断地以各式机械工艺来全面重制与复制。
第七个是一个连洗手乳都是假的的洗手间。Superflex是一个来自丹麦的艺术团体，由雅各布·芬格尔 ( Jakob Fenger ) 、拉斯摩斯‧尼尔森 ( Rasmus Nielsen ) 、比约恩斯彻纳·克里斯琴 ( Bjørnstjerne Christiansen ) 于 1993 年成立。他们与其说是在创作作品，不如说是在创造能够介入社会的艺术项目。他们对当下经济社会的结构组成和运行模式深感兴趣，并致力于在此基础上寻找新的可替代的模式。
这次展出的作品是复制位于布鲁塞尔贾斯特斯利普修斯大厦内，欧洲联盟理事会首长们所使用的洗手间，由艺术家在比利时根特市的土耳其餐厅 Alaturk 中所装置的公共厕所为其原始设计。回复14赞- Lv33.5——-上海首刷音乐剧“摇滚学校”Cheri_Fan范范🎶Lv32019-03-06
在票贩郑先生的强烈推荐下，今天有达成了“看一部百老汇音乐剧”成就，更令人开心的是：太燃太好看了！怪不得采访中大龙说“国内七八年里写不出这样的剧本！。。”这评价，无与伦比，太到位了！
上次看音乐剧题材看到哭还是“我，堂吉诃德”我 堂吉诃德的时候，记得那时剧场只要一想起主旋律“the impossible dream"的时候眼眶就会忍不住湿润，到底是做“清醒的傻子”还是“糊涂的疯子”呢？梦想，这件事一直有魔力让人疯傻癫狂而不自知，所以，才有了“摇滚”。“摇滚”就是呐喊。脱掉现实里的假面伪装，在千千万万个十六分音符里呐喊自由，唤醒沉睡的心。
在摇滚学校里，有几个场景印象特别深刻。一个是最开始的时候，男主来到了学校，第一次走进教室，看到well-behaved的小学生们规规整整的唱起校歌《Horace Green Alma Mater》，小学生怎么可以被教育得如此“乖巧懂事”呢？与“天马行空”的上课吃薯片说自己宿醉的男主形成鲜明对比。
Horace Green Alma Mater
The Original Broadway Cast Of School Of Rock - School of Rock: The Musical (Original Cast Recording) [Deluxe Edition]
其实，孩子的世界是纯粹美好的，因为人刚出生时是没有“善恶喜恶”的，他们看到的即是“世界”，他们的父母对他们的要求，他们的老师校长对他们的要求，就是他们的“世界”。作为一个大人视角，我的反思是“我们应不应该把我们的世界强加给他们呢？还是让他们选择自己的热爱”，我当然没有想出答案，而摇滚学校给出了选择。
可以说是“恶魔老师”打开了他们新世界的大门，原来不是只有进入常青藤学校能使他们为自己骄傲，play music也可以！最终要的是他们可以“呐喊”，可以喊出自己的不满窘迫，对于被强加世界的“原始愤怒”。随后，他们就被男主老师“分配”进了乐队，响起了荒诞搞笑却振奋人心的《You are in the band》，那个一本正经的小班长不会乐器唱歌走音，却依靠出众的组织能力成为了“band manager”乐队经理人。
You're In The Band
The Original Broadway Cast Of School Of Rock - School of Rock: The Musical (Original Cast Recording)
另一个场景就是放学结束，男主老师约“严肃校长”去酒吧。在摇滚乐和酒精的熏陶下终于打开心扉，发现她也是一个摇滚乐迷，只是这“不符合”社会对于“校长”形象的审美，迫使她不得不压抑自己对摇滚乐的痴爱而变成世俗眼中“值得信赖”的专业校长。剧情的反转也使局外的我们反思，“我们为了成为别人眼中的自己而牺牲了多少真正的自己呢？”当校长唱起《Where did rock go》泪点又再一次被搓中，毫无掩饰的内心独白径直抵达听者心里，热泪盈眶也好，热血沸腾也好，这种激烈冲突的矛盾感刺进了每个人的内心深处。
Where Did The Rock Go
The Original Broadway Cast Of School Of Rock - School of Rock: The Musical (Original Cast Recording)
相信现实中你看到的他即使他本人，是你对他的尊重。
而不相信现实中你看到的他，是你对自己还保有纯真。
最后的最后，强烈推荐大家“走进剧院，感受现场”的魅力！！！回复8赞 
认证总觉得，话剧适合一个人观看，剧院来回的路途适合做些簇新的期待和发散的回味，就像翻山越岭去采药，和反刍清晨吃下的草，唯有大段的空白，才能稀释那些高亢的语调、浓缩的精义、以及经得起推敲的话语和思想。彩虹合唱团认证2023-05-15
于是乎，我藏在人群里，舞台藏在黑暗中，我们做好了对接。
12个人
8.2
类型: 话剧 又名: 十二怒汉 / 十二个人 导演: 田水 编剧: 雷基纳德 ·罗斯 主演: 刘鹏 / 徐紫东 / 曹毅 / 贾景晖 / 郭林 / 黄晨 / 李传缨 / 赵磊 / 兰海蒙 / 周小川 / 刘炫锐/贺坪 / 王衡 / 吴尔朴 / 贾邱 / 司琨 / 陈山 / 周围 / 马...
舞台的布置和《十二怒汉》大致相当，一间封闭的暗色调的屋子、十二把木背靠椅、十二个年纪不等的西装革履的男子、一个不怎么管用的风扇、以及一场瓢泼大雨，不同的是，《十二个人》撤去了长桌，许是为了更好地呈现每个演员的身形姿态。
在情节方面，话剧版的《十二个人》也详实了一些人物的设定，譬如3号陪审员除了隐藏的刽子手身份外，还是一个重视父子伦理对儿子付出了一切最终被辜负的伤心父亲，由此他那样固执地相信一切对男孩不利的证据，坚决要把“弑父”的男孩送上电椅；4号陪审员冷静客观，对自己生活有条不紊，从始至终认真记录分析过程，因为对自己生活的高度掌控感，他无法相信人会在高度情感压力下忘记所观看电影的情节；5号陪审员是一个出生贫民窟的医生，尽管现在的工作已经实现了阶层的跨越，但原生环境依旧是他心中无法释怀的地方，因此当10号陪审员输出“贫民窟的人生来就是小偷是贼是下等人，怎么坏都不为过”的观点时他会有非常激烈的情绪反应；6号陪审员是一个粉刷匠，踏实工作，纯朴正直，他虽然认为“假设”是老板应该做的事情，但关键时刻他能站出来维护敢于“怀疑”的老先生9号陪审员表达观点、不被打断的权利；7号陪审员是一个推销员，热心球赛，他不在乎是否会有一个男孩被送上电影，只关心自己的俏皮话有没有被听到、能不能如期观看球赛：8号陪审员是一个建筑师，这也与他表现出来的一以贯之的严谨、逻辑推理能力、用简单实验戳破证人谎言的做法相符合；9号陪审员同为老人，因此理解同为老年人的证人“坚决”的理由，一个未曾被社会关注的跛脚老人，被人们注意对于他无比重要…
人们在尝试理解和做出评判之前，首先都是基于自己站立的地方。由此会有“共鸣”和“无感”。我做出上段的分析也是基于自己“自认的理性人视角”和观众身份赋予我的“先入为主的男孩无罪论”。在某种程度上，我的观点也是一种偏见。有哲人说“每句话都是偏见”，正因为没有人能够完全独立于自己的人格和身份之上，所以说出的话语无法做到绝对的客观公正。也正由于每个人都有自己独特的人格和身份，都有历经长途的“不足为外人道”，“你以为”无法触及“身不由己”、“理所应当”也不总涵盖“情有可原”，生命就是这样一种存在，评判别的生命不该从自己的生命出发。尤其是决定生命去留的大问题，更应当慎之又慎，不论是“罪有应得”还是“错杀一个”，生命一旦被剥夺、再无法重来。正如8号陪审员所说：“把一个男孩送上电椅的证词，就得这么准确！”
我还想谈谈与主题无关的一些感受：尊重。当别人表达观点时，尤其是表达不同于己的观点，能否认真倾听。一次心理咨询课上，老师让大家训练自己不说话只听另一个人说，结果证明这是一件非常困难的事情——人很难克制自己的表达欲望。当在倾听别人时也是如此，会想赞同、想辩驳…总之说些什么，证明我在听、或者我也会说bushi( ˙˘˙ )剧中大多冲突都发生在打断别人讲话时，4号、7号陪审员为甚，我注意到他们说过最多的话是“你到底想说什么？”和“你是个什么身份？”未经倾听的打断和基于身份的质疑，在旁观者的视角下格外粗鲁。
很喜欢《菜根谭》中关于言论自由的四句：“毋因群疑而阻独见，毋任己意而废人言，毋私小惠而伤大体，毋借公论以快私情。”放诸该场景下，无比妥帖。毋因群疑而阻独见——要支持孤军奋战、合理怀疑的8号陪审员；毋任己意而废人言——4号陪审员只相信自己愿意相信的经常打断他人的不同陈述，堪称反例；毋私小惠而伤大体——7号陪审员因为自己的球赛即将开始而对这一场关乎男孩生命的审判漠不关心；毋借公论以快私情——4号陪审员把自己的不成功父子关系投射到男孩身上，想要处死男孩以成全自己的未被满足的遗憾…
4号陪审员“舌战群儒”
似乎随着年岁渐长，甚至自夸一些：看过的书多了，经历的人事多了，就越发失去了去评价的热情。如果有人问我你怎么看xx事，我很可能会把事情复述一下，陈述正反方的有理和不足的地方，但要问我具体的倾向，我会开始犹豫…
不记得哪一门课了，老师提到了克里希那穆提的一句名言：“不带评论的观察是人类智慧的最高形式。”这话很适合拿来为我自己开脱：不表明立场＝人类智慧的最高形式。但这事实上并不完全正确，或者确切一些，是一种不负责任的做法。不带评论的观察是认清事情本质的良策，却不是指挥行动的良策。如果秉持这种态度，在剧中就是弃权，虽然不会助长主张惩罚男孩的一方，但也无益于男孩迎来公正的对待。
升华一些的话，以出世的态度处理入世的事业，是无法推动世界朝着你认为好的方向改变的。而且如果你有足够的信息、足够的理智、足够的发表观点施加影响的机会，我以为此时作壁上观并不是一种可取的做法。
我们生活的世界，这正是靠着“不带评论的观察”+“大胆假设、合理怀疑、小心求证”+“敢作敢为、要世界成为我要的模样”而不断推进的(´-ω-`)
坚持、支持对的观点，同样重要！
结尾照例是言语共勉：
“在黑暗中勇敢，追寻人类闪光，不放弃责任、良知，与滚烫”
希望我们都能“兼听正反”、“偏信（力挺）正义”，在黑暗中坚定地选择人类闪光。回复赞
Lv4剧场复苏，话剧九人民国宇宙观剧开始，始于《双枰记》。陈安然Lv42023-05-13
4月线上放映时看了《双枰记》1.0版本，当时因为没看过《四张机》，颇有点云里雾里；此番刚从乌镇巡演南下的2.0版本则出色了不少，故事简洁且丰满（这两个看似矛盾的词语真的可以放在一起说），主线人物的形象突出，笑中有泪，发人深思。
“枰”者，棋盘也。顾名思义，《双枰记》记叙的是两盘棋——既是故友之间暌违多年的一盘残局，也是三位主角在救亡图存时局中的奔波纵横。以开庭前夜“营救程无右”为线索，展开了翻覆割裂的时局，以及三位曾经的意气书生二十年来的携手、疏离与反目。
剧作取材于一段真实的历史：“1932年10月，陈独秀第五次被捕入狱，被羁押在南京江宁看守所。命悬一线之际，蔡元培、胡适、柳亚子、林语堂、蒋梦麟、周作人等人纷纷奔走营救。1933年4月14日，南京江宁地方法院公开审理陈独秀危害民国案，章士钊、彭望邺、吴之屏律师为之辩护。”
——这便是程无右入狱，昔日旧友郎世飖、卢泊安夜访囚室，于话语针锋中铺开陈年卷册的缘起。
写剧评，要脱了复述故事内容的俗是很难的；但在这难处中反复琢磨，才愈加体会到剧作的精妙之处。
首先是精妙在人物名字上。程无右，无出其右，论文人风骨，不屈气节，没有能超过他的，否则也不至“民国史便是一部程无右的营救史”。他学不会妥协，不屑于委婉，哪怕在生死之际，发出的仍是掷地有声的铮鸣；郎世飖，世事中随风飘摇，恰似他不断变换身份、跟随不同权力中心，试图实现个人抱负的辗转；卢泊安，淡泊安适，他也是整出戏中情绪最稳定、充当和事佬的中间人，可焉知二十年前，他也曾是意气风发的尖锐文人呢？
在剧情铺排方面，2.0版本给我最大的感受是两位配角、“南棋北鼓”——金陵城摆棋摊的冯小寒和北平城唱大鼓的邵玉筝，作为串联叙述者的存在更凝练了。在不太平的世道里做生意和卖艺的普通女子，在场景的切换中讲述她们相识的旧日三人，以程无右棋摊赛棋、郎卢二人北平送别、求三野出殡等往昔掠影，补全了程、郎、卢三人的峥嵘岁月。
二位女子的相遇也很巧妙：临行前的郎世飖将冯小寒爷爷做的滚灯赠与邵玉筝，邵玉筝带着滚灯辗转逃难，从北平到金陵，邂逅了认出自家滚灯的冯小寒。两人对坐雨夜，谈她们所知的三位先生。自此，除“棋局”之外最重要的意象之一：滚灯，毫无疑问成为了全剧的线索。“展转相环，旋转飞覆，而灯不倾灭。” 少年意气消散于乱世流离的江湖夜雨，但也许理想和信念深埋心底，依然会长长久久地照个亮。
九人的台词布设大抵是最让人念念不忘的。全剧印象最深莫过于——
“难为你等了这样久。”
“为君风露立中宵，也是应当。”——那是惺惺相惜的无悔守望。
“我爱的国是为人民谋幸福的国家，不是让人民为之牺牲的国家！”——振聋发聩。
“你为什么总是打断我的话！” “因为我不能打断你的腿！”——有许多令人忍俊不禁的时刻，但印象最深的竟是这句。
开场提示中，程无右的声音响亮： “如今的民国默不作声，敢高声喧哗的那几个，早就在牢里了！”——思及今日，如何不心惊？
邵姑娘为求三野的出殡唱一出《击鼓骂曹》：“好可叹冰心铁胆奇男子，烈性狂傲一命丧残生。”
分别之际郎卢二人点一出《伯牙摔琴》：“他二人分手太急未得细谈论，约会了汉阳相会，再等来春。”——可惜，十几年后的重遇，囚室春已晚。
扇面上的《湖心亭看雪》，“莫说相公痴，更有痴似相公者”，才是程公的未尽之言。
结尾时分，冯小寒唱出蒋捷的《虞美人·听雨》：“少年听雨歌楼上。红烛昏罗帐。壮年听雨客舟中。江阔云低、断雁叫西风。而今听雨僧庐下。鬓已星星也。悲欢离合总无情。一任阶前、点滴到天明。”
文题是“速写”，其实本只打算写几行最深的感触就搁笔，却又絮絮叨叨这许多。
说来说去，那些会心一笑，那些随着人物雨夜长叹而湿的眼眶，嗟的不过是岁月磋磨，星火寥落；在滚动的时事中身不由己，昔日理想只余心中一点灯火，却又为了维护这最后的一簇真诚与炽烈，迈过罅隙再度聚首，于无可转圜中转圜，在几近失守中偏偏要守。
郎世飖和卢泊安都曾经是程无右。他们对他的评价，是明贬暗褒，是爱而不得（自己最终未能坚守，成为程无右那样的人）。郎世飖曾经这样评价程无右：“我有时怨他刚愎自负、不顾他人。其实认真一想，他更不顾自己。仿佛他来这世间一遭，为的就是纵横驰骋、汪洋恣意。” 郎、卢二人，与程走上不同的道路，何尝不是曲线救国？囚室中的对峙互揭其短、互诉往事，尖锐往复，却无高下对错。若当真辩白起来，程无右看不起郎世飖如今失去锋芒，殊不知“躬身入局”却需要更多的勇气和力量，坚持自我不过是一种刚过易折的天真幻想。
程无右拒绝郎世飖的辩护，郎兄气急怒斥：“你输则输矣，但从此为权贵喉舌者青云直上，为百姓直言者永坠黄泉！一切皆因你愚蠢如斯，空有推倒一世之蛮勇，却无开拓万古之心胸！” “死”不足为惧，而这死却非彰显个人之孤勇大义，反而成为利剑尖刀，成为对后来者、同行者的震慑，如何不让人忧思切切？以“共党匪首”“青帮爪牙”“亲蒋分子”的身份重逢于牢狱，看似立场迥异，可年少时共同燃起的灯火，尚未熄灭。
一边写剧评，一边和看了晚场的学生聊到一点多，站在后世的立场，我们也有自己的话要讲。
她说：“是心中灯火长明救国民，后世才会知道对与错，但后世回头看我的感觉就是从一个困境陷入另一个困境，所以有点消解那个一如既往的坚持本身带给我的感动。”
我回：“我觉得这个真的就是不同时代去回望的时候无可避免产生的悲观。我们之后的人再看现在，是不是也觉得我们的某些坚持是没有意义的。不过我的回答一直是活在当下的：我的坚持是我的坚持，别人如何看待我的坚持，与我无关。于历史其实也是，他们觉得自己的坚持是有意义的（比如夏瑜），哪怕我们看来这是徒劳的，这是走出困境中的下一个困境，但是本人的使命已经完成。”
我再回：“或者，坚持仅仅是因为，此刻不想妥协。”
“一息尚存，寸心不懈。” 敬他们没有妥协，敬我们不想妥协。
愿：“心中有不灭的滚灯， 身边有值得托付的朋友。”回复赞
Lv4沧海遗珠Lv42017-08-27
波兰克拉科夫老剧院版《李尔王》 导演：扬·克拉塔
——“当我们生下地来的时候，禁不住放声大哭，因为来到了这个全是傻瓜的伟大的舞台。”（莎士比亚，李尔王）
这恐怕会是我印象最深刻的一版李尔王了。导演极为大胆且富有创造力。我迄今为止头一次看这么短的戏，没有中场休息，一个半小时就结束，若以莎翁原作，光念台词就要三个钟头，可见戏份精简到何种程度。但这样的处理堪称极妙——导演可以说抛开了人物的一切身份、性别、乃至生死，只关注他们作为纯粹的人的存在，探究并展现他们的情感与心理层次。
莎剧原本的剧情或许诸位早已熟知，李尔王为安享天年将国土一分为三，大女儿、二女儿因巧言表达爱意而得厚馈，小女儿考狄利娅因真诚且不愿阿谀却遭厌弃，一无所获被断绝父女关系，去国离乡。其后，大女儿二女儿为彻底摆脱老王对他一再怠慢嘲讽，竟致他自逐荒野在暴风雨中疯狂，身边只有乔装的忠臣肯特、一愚人和二三十名武士相随，考狄利娅得知后伤心欲绝，亲率法军回国救父，却被俘身亡，其后李尔王追随女儿而去。此外，戏里还有一条副线，葛罗斯特伯爵的私生子爱德蒙诬告嫡兄埃德加谋害亲父，致父子失和兄长逃亡，而后又向李尔王的大女儿及女婿告密，使得他那对李尔王忠心耿耿的父亲被挖去双目后流放，窃得荣华的爱德蒙同获李尔王的大女儿、二女儿欢心，姐妹二人因此相残而亡，而他自己最后也死于同兄长埃德加的决斗。
而在这波兰版《李尔王》中，剧情仿佛被提纯一般——它几乎比我描述的梗概还精简，台词也只保留了与核心剧情相关的以及最深邃隽永的那部分（基本上，从李尔王在暴风雨中发狂呼喊过后，整个戏就仿佛拉了进度条）。原本在莎翁的笔下，李尔王是个具有“巨人”人格同时也有着刚愎自用的明显缺陷的老王，但不管李尔王的人格如何，他与他的拥趸都绝对占据正义一方的，而这其实是所谓伦理纲常规定的，但在这场戏里，一切评判与道德说教都不存在了，只有夸张的肢体动作作为内心状态的外放，或急促到近乎神叨叨窃窃私语的念白或放声疾呼的激烈台词配合着音效传达情感与氛围，于是，整个戏剧都成为纯体验式的，你只要将身心浸入其中即可，就如那首在开头、结尾放得中文歌里所唱的那句“何必分出谁错谁对”。
剧中对关键人物的大胆精简与改动，其用意亦在于此。李尔的饰演者，波兰国宝级艺术家耶日·格拉雷克于今年二月去世，享年70岁，导演出于对他的爱重与纪念，不换演员，径自让他以影像的方式在舞台两侧屏幕中出现。实则，我觉得，那影像也只是为了便于观众理解罢了，去掉也无妨，李尔王以声音出场，他不在场，却又仿佛无所不在，这种跨越生死界限的表现令人震撼，同时又发人深思。在莎剧中，遭女儿背弃后曾有这样一段对白。李尔问：“这儿有谁认识我吗？这不是李尔。是李尔在走路吗？在说话吗？他的眼睛呢？他的知觉迷乱了吗？他的神智麻木了吗？嘿！他醒着吗？没有的事。谁能告诉我我是谁？”愚人答道：“李尔的影子。”权柄在握的他在戏台上是一个空空如也的王座，遭到背弃的他是一张空空如也的病床，当考狄利娅回来帮助他后，他又回归为一个空荡荡的王座。他的血肉之躯呢？好像从没有存在过，有人真正关注作为一具血肉之躯的李尔王吗？
此外，李尔的三位女婿被省去了，那两位公爵阁下和本来也就是跑个龙套的法兰西王从未出场。而他的大女儿与二女儿竟由两个中年男人饰演，于是她俩为了爱德加争风吃醋的戏码也不复存在——这意味着，戏中不再充斥着两个蛇蝎妇人的阴毒计较的“庸俗戏码”，可谓是对原作的一种凝练升华，而这种反串似乎也暗示着她们的内心真实映射，作为那个时代的女性，她们要牢牢控制权柄让自己置身男性化的地位，行使所有男人可以行使的权力，为此不惜抛弃作为女人、作为女儿的天性；爱德蒙的饰演者则有种雌雄难辨的气质，出场时的独舞从内敛到狂放与他的黑衣是那么不协调，好像他在急于挣脱什么束缚——那是他与生俱来的作为私生子的身份——他为此不择手段，但你不得不承认，当他被授勋换上红衣的那一幕，非常美，好像这身装扮才合乎他的天性，纵使那身红衣饱蘸着父兄的鲜血，并且，由于李尔的某种意义上的不在场，原本就作为戏中另一条主线的焦点的爱德蒙仿佛实际上成了这出戏的主角，魅力四射。还有考狄利娅，她是三个女儿中唯一由女性饰演的，也即，她是唯一保存着自身本真的天性的，同时，这位女演员又分饰了始终追随着李尔的愚人，这愚人，却戴着教宗的高帽，既深陷其中又仿佛超脱其外，尤其在那场荒野外的暴风雨中，她狂放的肢体表现仿佛也是替李尔王呈现出那癫狂的情感，同时又烘托出一个不存在的李尔王的存在，她充分展现着情感波动的同时，也一次次口吐着箴言般的歌辞。
最令我惊艳的三处设置——
1、李尔在暴风雨中陷入疯狂后，一个玻璃罩子将他笼罩住，他明明置身广袤荒野，可是，好像却只置身那个与世隔绝的透明罩子里，外界的一切都进不来，那可不就是他的精神状态——之外的所有风雨、他人，都与他再无干系，他沉浸在内心的巨大痛苦与癫狂的激情中了。
2、幕布投影设置，那一面墙可以投射出台上的俯视视角，于是，埃德加引着他被挖双目的父亲攀登海边悬崖时，两人在台上匍匐而行，投射出来的影像。恰是他们笔直地攀登向上，葛罗斯特作势从崖上一跃而下砸在地面上的场景也触目惊心，而埃德加欺骗父亲未死是神明庇佑时，投影里，两人头颅相抵相依，太温情太动人，虽然葛罗斯特并不知道守在身边的真是他心存悔愧并思念着的儿子，但埃德加内心的景象恰是如此，至此，父子已然和解；
3、开场时，所有人着黑衣，一一对着那空王座致礼，而后，四位侍者肩抬王座向前，如抬灵柩，配合着结尾处不宣布每个人的结局，省去了最后的战争与决斗，只有李尔醒来与考狄利娅的和解，然后所有人躺下，围成圈状，灯光渐暗，无声的一句台词在屏幕显现：请忘记并原谅我这糊涂的老家伙吧。不禁悲从中来。
在看戏过程中，有多次，我想到古典戏曲。毕竟，原本肢体剧与戏曲在精简舞台和用身体动作传达情节方面就有颇多相通之处，虽然，现代戏剧的肢体表达比之传统戏曲的动作程式要更为开放也更趋于内心化。另外，它和传统戏曲一样，不着眼于剧情本身，如戏曲的折子戏，只截取一段精华，观众反复观看那几折，情节烂熟于心；波兰版的李尔王似乎也先验地预设观众对剧情本身已有一定的熟悉和掌握，而且，也只有观众熟知莎翁原作究竟如何，才能真正感受到导演的各种编排其用意何在。因此，必须感谢朋友提醒我观演前要先复习剧本，此次所获良多。这一出《李尔王》实在是我看过的最纯粹的李尔王。
见殊
11.05 于戏散场后的归途
参照朋友意见的补充——
1、“李尔王前后那个中文歌讲座完了之后问一下翻译，刚好这个问题昨天他们私下也有聊到，翻译的解释是说，导演不是说到中国来，然后才用那个中文歌，而是因为他之前在排这个戏的时候，然后突然听到这个歌，觉得给这歌里面的那种宗教的仪式感还有一些韵味儿，他虽然听不懂，但是觉得歌放那地方挺合适的，就用的这个版本的歌。”（from 黑檀）所以，听不听得懂歌词并不重要，即使它是中文的，感受氛围即可。
2、“对于两个大女儿为什么是男性角色，另外为什么剧中会出现那么多天主教的元素，在你的剧评的基础上再补充一点。导演是天主教徒，在波兰也有很多人是信天主教的。对于古代的国王，比如李尔王，他的权力是天授的，不是像现代国家那样是民众投票选举出来的。对于现代世界上所有的国家，除了梵蒂冈之外，他的国王或者说他的教主是天授的。但是，对于这样一个天授的权利，对于教皇或者是国王来说，他会在这样的一个高尚的外表下面，做很多肮脏的事情。在这样一个神权国家里面，所有有权力的人物都是男性。所以说导演在设计这一版李尔王服装、氛围的时候，用到了很多梵蒂冈天主教的一些宗教元素。”（from 黑檀）
3、“结尾那一段（所有人围成圈形躺倒，投影显示出上帝视角）我想到汉尼拔里面那段人体调色盘，汉尼拔这个似乎是一个宗教隐喻，是一个瞳孔 ，上帝在看着世人那种意思。但是这个解释在这版李尔王也是说得通的，李尔王里也出现了大量关于眼睛的比喻。尤其是对葛罗斯特那个瞎子，还有最开始大女儿还是二女儿也说爱李尔就像爱眼睛…”（from 围巾）
最后，我发现这部戏豆瓣上很多人打三星甚至一星两星，说实在的，难看和难懂是两回事，打低分的表示的都是难懂的意思。然而，1、如果完全不熟悉莎翁原剧本，看不明白、跟不上节奏，太正常了。看经典剧本的外国戏，无论是希腊剧，还是莎剧，观演前温习或预习剧本是基本功课，但凡对原剧情、台词较为熟悉又稍加思索，不会看不懂；2、波兰人就是这样，他们出了很多艺术家，他们根本不考虑什么通俗易懂，那正是他们的魅力所在；3、何况这还谈不上多先锋呢，这是当代戏剧的惯常表演方式（最先锋之处在于不在场的李尔王，太厉害了），我曾看德国法兰克福剧团的《美狄亚》，也是极简+肢体+部分投影元素，他们连服装都穿现代日常衣服，直接演出。回复赞- Lv5lalalalaLv52017-08-16
波兰克拉科夫老剧院版《李尔王》 导演：扬·克拉塔
——“当我们生下地来的时候，禁不住放声大哭，因为来到了这个全是傻瓜的伟大的舞台。”（莎士比亚，李尔王）
这恐怕会是我印象最深刻的一版李尔王了。导演极为大胆且富有创造力。我迄今为止头一次看这么短的戏，没有中场休息，一个半小时就结束，若以莎翁原作，光念台词就要三个钟头，可见戏份精简到何种程度。但这样的处理堪称极妙——导演可以说抛开了人物的一切身份、性别、乃至生死，只关注他们作为纯粹的人的存在，探究并展现他们的情感与心理层次。
莎剧原本的剧情或许诸位早已熟知，李尔王为安享天年将国土一分为三，大女儿、二女儿因巧言表达爱意而得厚馈，小女儿考狄利娅因真诚且不愿阿谀却遭厌弃，一无所获被断绝父女关系，去国离乡。其后，大女儿二女儿为彻底摆脱老王对他一再怠慢嘲讽，竟致他自逐荒野在暴风雨中疯狂，身边只有乔装的忠臣肯特、一愚人和二三十名武士相随，考狄利娅得知后伤心欲绝，亲率法军回国救父，却被俘身亡，其后李尔王追随女儿而去。此外，戏里还有一条副线，葛罗斯特伯爵的私生子爱德蒙诬告嫡兄埃德加谋害亲父，致父子失和兄长逃亡，而后又向李尔王的大女儿及女婿告密，使得他那对李尔王忠心耿耿的父亲被挖去双目后流放，窃得荣华的爱德蒙同获李尔王的大女儿、二女儿欢心，姐妹二人因此相残而亡，而他自己最后也死于同兄长埃德加的决斗。
而在这波兰版《李尔王》中，剧情仿佛被提纯一般——它几乎比我描述的梗概还精简，台词也只保留了与核心剧情相关的以及最深邃隽永的那部分（基本上，从李尔王在暴风雨中发狂呼喊过后，整个戏就仿佛拉了进度条）。原本在莎翁的笔下，李尔王是个具有“巨人”人格同时也有着刚愎自用的明显缺陷的老王，但不管李尔王的人格如何，他与他的拥趸都绝对占据正义一方的，而这其实是所谓伦理纲常规定的，但在这场戏里，一切评判与道德说教都不存在了，只有夸张的肢体动作作为内心状态的外放，或急促到近乎神叨叨窃窃私语的念白或放声疾呼的激烈台词配合着音效传达情感与氛围，于是，整个戏剧都成为纯体验式的，你只要将身心浸入其中即可，就如那首在开头、结尾放得中文歌里所唱的那句“何必分出谁错谁对”。
剧中对关键人物的大胆精简与改动，其用意亦在于此。李尔的饰演者，波兰国宝级艺术家耶日·格拉雷克于今年二月去世，享年70岁，导演出于对他的爱重与纪念，不换演员，径自让他以影像的方式在舞台两侧屏幕中出现。实则，我觉得，那影像也只是为了便于观众理解罢了，去掉也无妨，李尔王以声音出场，他不在场，却又仿佛无所不在，这种跨越生死界限的表现令人震撼，同时又发人深思。在莎剧中，遭女儿背弃后曾有这样一段对白。李尔问：“这儿有谁认识我吗？这不是李尔。是李尔在走路吗？在说话吗？他的眼睛呢？他的知觉迷乱了吗？他的神智麻木了吗？嘿！他醒着吗？没有的事。谁能告诉我我是谁？”愚人答道：“李尔的影子。”权柄在握的他在戏台上是一个空空如也的王座，遭到背弃的他是一张空空如也的病床，当考狄利娅回来帮助他后，他又回归为一个空荡荡的王座。他的血肉之躯呢？好像从没有存在过，有人真正关注作为一具血肉之躯的李尔王吗？
此外，李尔的三位女婿被省去了，那两位公爵阁下和本来也就是跑个龙套的法兰西王从未出场。而他的大女儿与二女儿竟由两个中年男人饰演，于是她俩为了爱德加争风吃醋的戏码也不复存在——这意味着，戏中不再充斥着两个蛇蝎妇人的阴毒计较的“庸俗戏码”，可谓是对原作的一种凝练升华，而这种反串似乎也暗示着她们的内心真实映射，作为那个时代的女性，她们要牢牢控制权柄让自己置身男性化的地位，行使所有男人可以行使的权力，为此不惜抛弃作为女人、作为女儿的天性；爱德蒙的饰演者则有种雌雄难辨的气质，出场时的独舞从内敛到狂放与他的黑衣是那么不协调，好像他在急于挣脱什么束缚——那是他与生俱来的作为私生子的身份——他为此不择手段，但你不得不承认，当他被授勋换上红衣的那一幕，非常美，好像这身装扮才合乎他的天性，纵使那身红衣饱蘸着父兄的鲜血，并且，由于李尔的某种意义上的不在场，原本就作为戏中另一条主线的焦点的爱德蒙仿佛实际上成了这出戏的主角，魅力四射。还有考狄利娅，她是三个女儿中唯一由女性饰演的，也即，她是唯一保存着自身本真的天性的，同时，这位女演员又分饰了始终追随着李尔的愚人，这愚人，却戴着教宗的高帽，既深陷其中又仿佛超脱其外，尤其在那场荒野外的暴风雨中，她狂放的肢体表现仿佛也是替李尔王呈现出那癫狂的情感，同时又烘托出一个不存在的李尔王的存在，她充分展现着情感波动的同时，也一次次口吐着箴言般的歌辞。
最令我惊艳的三处设置——
1、李尔在暴风雨中陷入疯狂后，一个玻璃罩子将他笼罩住，他明明置身广袤荒野，可是，好像却只置身那个与世隔绝的透明罩子里，外界的一切都进不来，那可不就是他的精神状态——之外的所有风雨、他人，都与他再无干系，他沉浸在内心的巨大痛苦与癫狂的激情中了。
2、幕布投影设置，那一面墙可以投射出台上的俯视视角，于是，埃德加引着他被挖双目的父亲攀登海边悬崖时，两人在台上匍匐而行，投射出来的影像。恰是他们笔直地攀登向上，葛罗斯特作势从崖上一跃而下砸在地面上的场景也触目惊心，而埃德加欺骗父亲未死是神明庇佑时，投影里，两人头颅相抵相依，太温情太动人，虽然葛罗斯特并不知道守在身边的真是他心存悔愧并思念着的儿子，但埃德加内心的景象恰是如此，至此，父子已然和解；
3、开场时，所有人着黑衣，一一对着那空王座致礼，而后，四位侍者肩抬王座向前，如抬灵柩，配合着结尾处不宣布每个人的结局，省去了最后的战争与决斗，只有李尔醒来与考狄利娅的和解，然后所有人躺下，围成圈状，灯光渐暗，无声的一句台词在屏幕显现：请忘记并原谅我这糊涂的老家伙吧。不禁悲从中来。
在看戏过程中，有多次，我想到古典戏曲。毕竟，原本肢体剧与戏曲在精简舞台和用身体动作传达情节方面就有颇多相通之处，虽然，现代戏剧的肢体表达比之传统戏曲的动作程式要更为开放也更趋于内心化。另外，它和传统戏曲一样，不着眼于剧情本身，如戏曲的折子戏，只截取一段精华，观众反复观看那几折，情节烂熟于心；波兰版的李尔王似乎也先验地预设观众对剧情本身已有一定的熟悉和掌握，而且，也只有观众熟知莎翁原作究竟如何，才能真正感受到导演的各种编排其用意何在。因此，必须感谢朋友提醒我观演前要先复习剧本，此次所获良多。这一出《李尔王》实在是我看过的最纯粹的李尔王。
见殊
11.05 于戏散场后的归途
参照朋友意见的补充——
1、“李尔王前后那个中文歌讲座完了之后问一下翻译，刚好这个问题昨天他们私下也有聊到，翻译的解释是说，导演不是说到中国来，然后才用那个中文歌，而是因为他之前在排这个戏的时候，然后突然听到这个歌，觉得给这歌里面的那种宗教的仪式感还有一些韵味儿，他虽然听不懂，但是觉得歌放那地方挺合适的，就用的这个版本的歌。”（from 黑檀）所以，听不听得懂歌词并不重要，即使它是中文的，感受氛围即可。
2、“对于两个大女儿为什么是男性角色，另外为什么剧中会出现那么多天主教的元素，在你的剧评的基础上再补充一点。导演是天主教徒，在波兰也有很多人是信天主教的。对于古代的国王，比如李尔王，他的权力是天授的，不是像现代国家那样是民众投票选举出来的。对于现代世界上所有的国家，除了梵蒂冈之外，他的国王或者说他的教主是天授的。但是，对于这样一个天授的权利，对于教皇或者是国王来说，他会在这样的一个高尚的外表下面，做很多肮脏的事情。在这样一个神权国家里面，所有有权力的人物都是男性。所以说导演在设计这一版李尔王服装、氛围的时候，用到了很多梵蒂冈天主教的一些宗教元素。”（from 黑檀）
3、“结尾那一段（所有人围成圈形躺倒，投影显示出上帝视角）我想到汉尼拔里面那段人体调色盘，汉尼拔这个似乎是一个宗教隐喻，是一个瞳孔 ，上帝在看着世人那种意思。但是这个解释在这版李尔王也是说得通的，李尔王里也出现了大量关于眼睛的比喻。尤其是对葛罗斯特那个瞎子，还有最开始大女儿还是二女儿也说爱李尔就像爱眼睛…”（from 围巾）
最后，我发现这部戏豆瓣上很多人打三星甚至一星两星，说实在的，难看和难懂是两回事，打低分的表示的都是难懂的意思。然而，1、如果完全不熟悉莎翁原剧本，看不明白、跟不上节奏，太正常了。看经典剧本的外国戏，无论是希腊剧，还是莎剧，观演前温习或预习剧本是基本功课，但凡对原剧情、台词较为熟悉又稍加思索，不会看不懂；2、波兰人就是这样，他们出了很多艺术家，他们根本不考虑什么通俗易懂，那正是他们的魅力所在；3、何况这还谈不上多先锋呢，这是当代戏剧的惯常表演方式（最先锋之处在于不在场的李尔王，太厉害了），我曾看德国法兰克福剧团的《美狄亚》，也是极简+肢体+部分投影元素，他们连服装都穿现代日常衣服，直接演出。回复4赞 - Lv5新加坡原创古装摇滚华语音乐剧《聊斋》于2019.3.28-3.31日在上汽上海文化广场演出，导演：郭践红、编剧：吴熙、作词：小寒、作曲：黃韵仁、编舞：常惠旋、编曲：冯文甫、音乐总监与附加编曲：黄有杰。主演：梁允睿、董姿彦、潘嗣敬、叶贞芳、刘晋旭、刘晓义。好习惯Lv52019-05-03
导演：郭践红身为实践剧场艺术总监、获奖剧场导演、灯光与舞台设计与独立制片人，导演郭践红是一位全方位的艺术创作者。她将艺术理念体现在实践剧场的作品当中，涵盖的范围广泛，超越了主题、体裁和形式。
她是新加坡华语音乐剧的幕后功臣，制作了广受欢迎的音乐剧如《天冷就回来》、《老九》及《聊斋》。此外，她带领一组横跨世界各地的演员，完成了一部具有实验冒险精神的演出《六根不宁》，这也是华艺节首次委约新加坡本土剧团在滨海艺术中心剧院呈献的大制作。同时，她也积极地发展及推广青少年剧场，创作的《小问号》系列获得奖项肯定，并且主推了由三个项目组成的《儿歌新唱计划》。
编剧：吴熙是中国戏剧工作者，身兼戏剧导演、表演教师和编剧之职。目前是深圳大学表演系副教授。吴熙在戏剧创作及教育领域，工作已超过20年。他曾经在2002至2006年担任新加坡实践剧场的联合艺术总监，也曾同多个国内外艺术团体合作，包括广州话剧艺术中心、上海话剧艺术中心、日本黑帐篷剧团、澳门晓角话剧研进社等。他擅长执导原创类戏剧作品，参与编导演出40余部，这些作品在多个国家和地区进行演出。
近年主要编导作品包括：新加坡实践剧场《六根不宁》、《聊斋》、《铸剑》；广州话剧艺术中心《受害者》、《禁闭》；上海染空间的《三生三世十里桃花》和《脑蒸发》。
作词：小寒是七届新加坡金曲奖“最佳作词人”、两度台湾金曲奖入围者，曾为EXO、陈奕迅、蔡依林、方大同、林忆莲、蔡健雅、华晨宇和孙燕姿等一线歌手作词。
除了国庆歌曲，她也为《老九》、《聊斋》、《风画南洋》 等音乐剧作词。小寒也是一位作家，为《联合晚报》撰写专栏，发行过五本著作：《眼泪是胶囊》、《无指幸福》、《回不去的候车站》、《幸好我不是满分女生》和《优生学院》。
作曲：黄韵仁是亚洲流行乐坛举足轻重的音乐人之一，更是许多顶尖歌手争相合作的作曲人、制作人和编曲人。他曾为知名歌手打造多首经典歌曲，当中包括林忆莲的《纸飞机》、蔡健雅的《双栖动物》、张惠妹的《人质》，以及李玖哲荣获HITO年度K歌2018《Will you remember me》。
他的音乐才华更延伸至音乐剧如《老九》以及电影《拆弹专家》。他也是周华健巡回演唱会的长驻乐手，曾在北京和伦敦等地演出。
看这部音乐剧是因为很好奇摇滚和聊斋两个元素组成的音乐剧是何效果，所以去看一下这种混搭后的戏是否好看。该剧在豆瓣上目前评分6.4分，言归正传讲剧目。（观后感涉及部分剧情，请谨慎阅读！）
剧情简介：
故事讲的是风流书生桑晓爱上了狐妖婴宁，经过一番死缠烂打终于夺得芳心。不久后，他又恋上女鬼封三娘，被欺骗喝下毒药而成了替死鬼。对爱执著的婴宁，决定不顾一切到阴间救回情郎，才发现……
主要人物：
婴宁是个小狐妖，一次集会上偶遇书生桑晓。她被桑晓的追求打动，但是之后的爱情之路非常艰辛。
桑晓是一个有才华的书生，但在感情上非常糊涂。他既喜欢古灵精怪的婴宁，又痴迷对爱坚贞的封三娘。
成半仙是个正义感很强的道士，但是他的水平离得道还有很大距离。他认为妖精都是害人的，一次抓妖途中与书生桑晓成为挚友。
封三娘是个生世悲惨的水鬼，她必须在水塘边骗人喝下水莽草后找到替死鬼才能转世投胎。她其实不想害人，但为了与转世投胎的恋人相见而骗了桑晓。
这部出自新加坡实践剧场的古装音乐剧2010年开始首演到现在是经过不断精炼并再度审视的创作，当年扮演桑晓的演员现在扮演了阎罗王。该剧不仅是新加坡华语音乐剧发展史上重要的一大步，它也是新加坡艺术工作者的代表作。创作初衷是截取蒲松龄《聊斋志异》丰富的文学世界，与摇滚乐的原始粗旷的并列对比。新加坡《联合早报》评价其为“一篇关于爱、成长、付出与救赎的浪漫寓言”。
据说本剧以故事《莲香》为主框架，糅合了《水莽草》的游戏规则、《婴宁》的角色特征，又从《封三娘》《崂山道士》等百余个其他故事中吸取不同元素，创作出一个全新的爱情故事，讲述了天真烂漫的狐妖婴宁、风流倜傥的书生桑晓、一往情深的水鬼封三娘和嫉恶如仇的道士成半仙在阴阳两界错综复杂的命运纠葛。
这次我买到的打折票在比较靠前居中的位置，估计是知名度上座率的关系导致价格优惠。我看的那天音乐剧开始不久就出现电力设备故障导致演出中断，不过当时所有演员都井然有序停了下来非常从容。快速修复后剧情又倒前了一点继续演出，体现出演出团队的训练有素。
整个音乐剧虽然是古装扮相，但是故事中对于爱情的表达非常有现实意义。相比音乐剧《赛貂蝉》这部剧的曲调和歌词都非常现代化，曲风上除了摇滚外还有流行、说唱等多种风格。我个人觉得音乐的部分要好于本剧的故事，歌曲非常契合故事中人物要表达的情感和思想。
故事方面其实是一段四角恋，如果单纯从《水莽草》的故事角度人物应该叫寇三娘而不是封三娘。封三娘在聊斋原著故事里其实是个狐妖，而《莲香》中也是桑晓和狐妖以及女鬼的三角恋故事。本剧的设计来说我估计只是想用四角恋来增加故事的戏剧冲突，最终的结局反转和主旨还是回归到对爱情的忠贞和付出上。
故事中的几位人物设计个性鲜明，走位有点戏曲的步伐感觉。故事是由桑晓在地府讲述自己生前爱情经历开始的，地府里的小鬼看来平时无聊也喜欢八卦。我个人觉得故事里老狐狸婴无惑和阎罗王喜感最强，他们的声音也很有特点。桑晓喜新厌旧的表现感觉有点像许志安，反衬了婴宁和封三娘对于爱情的勇敢和专一。
本剧的布景道具设计大多比较写意，这样道具可以改成奈何桥也可以改成其它东西。成半仙被卡在树里就很有立体感，舞台还设计了一个去地狱的向下入口非常有意思。
服装方面衣服搭配和人物也很相符，比如婴宁作为狐妖的衣服上有白色绒毛，阎王的行头金光闪闪显得很尊贵、小鬼们的衣服以红黑两种颜色为主，与地府的环境气氛很配。
剧中地府并没有太阴森恐怖，只是一个安排对鬼分类处理的执行机构而已。小鬼们敬畏的阎罗王看遍了各种各样的人，喜欢喝时光酒也会为了主人公的遭遇而落泪非常有人情味。我觉得这样的设计处理非常人性化，他对两位男主的测试可以看作对人性的考验。
本剧故事的现实意义我觉得在于男女两性如何看待和理解爱情，婴宁作为情窦初开的少女对于爱情是非常看重的。她对爱情的渴望其实是对人类情感的好奇和对爱情的憧憬，因为狐狸只讲交配没爱情。因此对于才子桑晓的撩拨缺乏抵抗力，换言之她缺乏辨别渣男的能力。有时选对象不能光看外在如何，而是要了解清楚对方情况后再决定是否成为情侣比较安全。
反观桑晓这个人物明显是外貌党，难怪在地府他回答婴宁时很多观众都非常惊讶（骂他是渣男的观众估计不少）。始于颜值倒也不能算错，但是见异思迁就比较渣了。漂亮姑娘像一道光芒射进了他的心，但是爱人不在身边就经不起诱惑耐不住寂寞这不是渣是啥。我最反感这种上家还没拗断就找下家的人，况且他对于封三娘的爱更多是同情和倾佩占大比例。如果不是封三娘意志坚定要原配，那容易心猿意马的桑晓会如何选择恐怕就是未知数了。就算他真的并非是朝三暮四的男人，那至少说明对于爱情他的理解和处理很成问题。
演员的声线都很有辨识度，故事中表达的悲欢离合也令人动容。扮演婴宁的董姿彦属于爵士曲风的女歌手，所以轻柔的歌声正好适合这个外表柔弱、可爱但内心坚强令人心疼的角色。扮演桑晓的梁允睿带有鼻腔音的声线听上去也很舒服，他与其他演员表演上的互动体现了资深的专业水准。扮演封三娘的叶贞芳我觉得演唱方面表现最好，有丰富音乐剧表演经验同时又是创作型歌手的她在高音部分的驾驭能力非常好。一般唱得好的人听上去感觉就很轻松不费劲，反之会有点声嘶力竭的感觉。
整部剧看下来代入感还是很强的，歌曲也还是非常带感的。特别是一些慢歌和男女对唱的部分我听上去很顺耳，比如《抱紧》、《什么是爱》、《何去何从》都很喜欢。剧中有亲情、友情、爱情，而人妖鬼情感间的选择和碰撞组成了这个奇异又感人的故事。不过剧中的一些戏份其实并不适合小朋友观看，而且新加坡式的国语有点让人出戏。让我想起了小时候看过的新加坡电视剧，幸好看了一会儿就适应了这种口音。
本剧的歌曲虽然还算好听，不过就故事来说人物的感情进展缺乏足够的事件驱动导致可信度不够。所以对于人物的种种选择缺乏说服力，不过故事还是幽默与感人兼具的。满分10分制我打7.5分，下一次讲电影《流浪地球》。（喜欢图文并茂版的小伙伴可以关注我的微信个人公众号：好习惯吐槽的观后感）回复4赞 
Lv3候门府邸，庭院重重。各用青，红帷幔层层遮掩，以彰显世家风范。第一章的“入府”，当然指黛玉入府，她的入府，独有竹影轻幔，作为触发整个故事的基本。如果和之后剧情安排结合，“入府”则有多重：黛玉，宝钗，湘云……十二钗或者降生于贾府如三春巧姐，或者嫁入如李纨熙凤。具是入府之人。七七吃你家大米了吗Lv32023-05-17
“幻境”是第一个高潮，十二钗在幻境中皆着素衣，俨然纯真状态。剧场顶部悬垂的白布上逐个显现十二钗的判词，这倒让我想起了古阿拉伯的悬诗。到最终宝玉在中，钗黛各一边。十二钗的两个首册站在“玉带林中挂，金钗雪里埋”。判词就在头顶，高挂着的就是宿命。因为红楼判词写的太好太妙，因此即便是完全的舞剧，也一定要有所表现。这一段其实很切合原著，又有独特设计，宝玉看着十二钗的曼妙身影，但是隔云隔雾，本就不是一境，他的身份更像是虽然无时无刻不再亲近，也无时无刻不在观望。不过我的一点失望是没有把“千红一哭，万艳同悲”呈现出来。
“含酸”正式进入宝黛爱情线，如果单纯是传达黛玉拈酸的情节不免单一。因此舞台上的帐幔一青一红，黛玉，宝玉，宝钗你来我往，或吃酒，或交谈，不时情绪变动，一人跑到帐后，一人急切追去。这个章节是“全遮”，既然含酸的内容偏向单一，就用一些留白让观众丰富它。
“省亲”一段是我看到第一个震撼我的设计，元春在大小官员侍者中从后走出，贾府众人却先向观众行李叩拜。贵妃一身明黄宽衣大袖，当她脱下那件大衣裳，我发现了设计所在。那件大袍可以完全立柱，人在期后如同无头。接着，贾府众人向贵妃孤零零的衣服叩拜行李，贵妃在一旁无语凝噎。她身边皇宫走出的官员的衣服和她形式类似，也是前方有一架子。这明艳的大袍，愣愣地支撑着的是皇权，是帝命。愣愣地彻底锁住元春，除却片刻在家人身边的依偎，她只能有贵妃这一个名字。
“游园”是刘姥姥的章节，舞剧的所有舞蹈都在极雅的氛围里，为了在无台词的境地里凸现刘姥姥的憨态。舞者动作极其夸张，加入一些杂技的元素，在妆容上形似丑角。而“游园”或许在舞台屏幕上的展览之外，还可以设计些别的因素，让刘姥姥在荣府里的故事更丰富。
“葬花”包含读西厢和葬花两个部分。这是全剧最摄人心魄的舞蹈之一，下垂的舞幕如纱，映着树影婆娑，落红阵阵。宝玉和黛玉在这无二的花林中起舞，旋转。然而葬花依然是黛玉独自一人的事，当她走向花林深处，一束花瓣顺着光散下。这一章，把潇湘妃子的悲情美感推向了高峰。
“元宵”开始，隐性的悲剧感渐渐明显清晰，先是一段极宏重辉煌的群舞，映照着贾府的余晖。这段舞蹈规律性最强，我还是要说一点私货，王熙凤的昭君服实在把她真推成了“神妃仙子”。导演保留了原著里“爆竹”的物象，在夜幕上点点火光，盛宴将散。
“丢玉”没有示幕，和“冲喜”联系很近。从元宵开始的无声之悲到丢玉的“乱”悲，再到冲喜，把这种情感一点点放大。“冲喜”内容较多，我个人理解包括宝钗成婚，元妃薨逝两个部分。在成婚之前，宝玉进入了迷局，导演设计里，一个接亲的轿子，其中有时是黛玉，有时是宝钗，或者说从一开始那个入府的小轿子里，事情都已经“前定”了。在太虚境中，宝玉是一片琉璃世界里的一点红。在冲喜的婚宴上，黛玉是绣房红帐里的一点白。在宝黛爱情收尾的处理上，舞剧选择了程高本的叙述，黛玉在后，孤卧于病榻。宝玉宝钗在前，佯演着看似你情我愿的伪剧。构建一种近乎于平行蒙太奇的处理。此外，婚为喜，薨为悲，四面的群舞，一身正红，但是长袖都是纯白色的，舞蹈也全谈不上是祝贺新婚的喜庆。上摆天空，下击地面。竟然有对爱情无果，家道衰颓的无力回天之感。
宝玉来找黛玉，这时她依然油尽灯枯。舞台上只有她在一张孤榻上，见她诗稿零落，头顶一缕大白纱落下，花落人亡。因为长久的情绪积攒，白纱落下时，似有万斤，轰然落下，就像大厦倾。绛珠仙草的悲情美，在这里达到了顶峰。宝玉的独舞可谓悲之切他独自不断的捶地拗胸，无一处可以吸收他的悲恸。在原著的续书里，这一段对应“苦降珠魂归离恨天，病神瑛泪洒相思地。”这个充满动作感和画面感的章回，在舞蹈中释放了更大的张力。
“花葬”是整个舞剧绝对的高光时刻，也是最值得称道的匠心独运。这是十二钗的花葬。十二钗去掉脂粉华服，散发立在十二个墓碑上。满地残花，但是这一段的舞蹈不是柔性的悲，反而异常悲壮。她们转头挥舞着长发，间或抛弃满地花枝，痛彻心扉地责问自己一切被动的不幸，俨然是一种无惧且决绝的天问。
在这之后，十二钗渐渐离开，茫茫雪白的厚地高天，宝玉再出现时，已然归彼大荒。这和87红楼最后的处理颇为相似。
配乐能感受到许多韵律上对王立平先生所作的红楼梦电视剧乐曲上旋律的契合，也延续了那种音乐情感。首先是空幻，琵琶遮面，断断续续，游丝薄雾。再来就是悲壮，这在最后的花葬和归彼大荒章节尤其明显。因为红楼的悲，绝不是轻描淡写，委婉转肠的悲。是一种彻底的，无保留的，不作秀的，纯自然的悲。在这种宏壮的悲情中，交响式的配乐将之推到崇高的地位。
此外，舞剧保持了小说原有的氛围。在繁华盛大中，处处弥漫着悲凉雾气。这其中还有很强的鬼魅气质，那无头的大衣，烟霭里的影影绰绰，底光里的十二钗群像……但也正是极多元丰富的，悲喜交杂的，才给人一种一点窥全貌的感觉。
舞美设计是舞剧更绝妙的一处，至于如何，依然不是我的薄笔浅文能说的了。
并且，观众需要建立在对文本熟知的基础上才能不至于在迷糊的状态里全身心沉浸。
至于不足，是舞剧本身特质的不足，因为舞剧注定是一种完全形象性的，通过视觉传达出效果和情感的形式。用“极其深刻”“发人深省”这些文本评论化的言语评论本身就背离了这种舞蹈为核心的艺术形式的特点。当然，这也完全不阻碍它的光辉。能从不同的角度欣赏红楼的美，才是无二的享受。
真实是美的，传神的。人不喜欢假的，空幻的，但唯有红楼的空幻，让人日思夜想，化成心相上的一缕烟，融成生命的一部分，凝神暗想，一舞难忘。
回廊复道亘长春，幅幅红楼梦里人。
徙倚雕阑凝睇想，真真幻幻两传神。回复赞
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